Sigur Rós’: « Odin’s Raven Magic »

19 décembre 2020

Le dernier album de Sigur Rós, Odin’s Raven Magic, est à la fois la sortie et la suite tant attendues de l’album Kveikur datant de de 2013 et une réalisation de près de 18 ans. Développées à l’origine en 2002 et interprétées au festival des arts de Reykjavík (Islande), les chansons d’Odin’s Raven Magic sont restées dans l’ombre – elles ont finalement reçu un enregistrement en bonne et due forme après une longue période d’obscurité où seuls les fans inconditionnels de Sigur Rós connaissaient leur existence.

L’album est fortement influencé par la littérature médiévale islandaise, en particulier Hrafnagaldur Oðins dont l’album tire son nom. Ce poème épique décrit comment les deux corbeaux de compagnie du dieu nordique Odin surveillent le monde et informent le dieu de l’état des choses. L’album orchestral est empreint d’une certaine grimace, due en grande partie aux influences médiévales qui le caractérisent. Des chœurs obsédants et résonnants associés à des mélodies sombres et soutenues pour les cordes créent une ambiance qui serait tout à fait à sa place dans les franchises de Lord of the Rings ou de Vikings.

Les sonorités orchestrales s’écartent du son rock du groupe, tout en conservant ses influences classiques et minimalistes. Chaque chanson joue dans une ambiance de villages de huttes de chaume engloutis dans un brouillard et une fumée glaciale, avec des sujets régis par des seigneurs féodaux. On a vraiment l’impression d’être le produit d’un roman fantastique. Les chansons d’ouverture « Prologus » et « Alföður Orkar » mettent l’auditeur à l’aise grâce à une lente combustion de cordes stables qui sont accompagnées de chœurs en tremolo, tandis que le tonnerre de la grosse caisse se fait parfois entendre pour affirmer la marche vers un destin funeste imminent.

***1/2


Lustmord + Nicolas Horvath: « The Fall / Dennis Johnson’s November Deconstructed »

15 décembre 2020

November Deconstructed de Dennis Johnson est un opus qui réunit les talents combinés de Lustmord, le compositeur de films et de jeux vidéo, et du pianiste Nicolas Horvath. The Fall est basé sur November de Dennis Johnson, une pièce pour piano solo de 1959 qui préfigurait le minimalisme et qui a influencé The Well Tuned Piano de La Monte Young. The Fall met à jour l’œuvre originale de Johnson, en la consolidant et en y ajoutant un morceau ambiant suffisamment sombre réalisé par Lustmord. Nicolas Horvath, le pianiste de concert primé qui s’est spécialisé dans les œuvres pianistiques minimalistes, joue une version abrégée de November de sorte que, comme le précisent les notes de pochette, le résultat est une réduction du November original de Johnson à sa place d’élément central dans un paysage de sons complémentaires.

Dennis Johnson (1938 – 2018) était un mathématicien et compositeur reclus de la côte ouest qui écrivait de la musique à la fin des années 50 et au début des années 60. Son style de composition était très inspiré, semblable à ses processus de pensée en mathématiques. Ainsi, November est une longue pièce pour piano, calme, avec des notes solitaires, des accords simples et une grande quantité de silence. Il y a une certaine répétition dans cette pièce, mais pas l’impulsion ou les rythmes qui caractériseraient le minimalisme classique des compositeurs ultérieurs. November rappelle peut-être davantage la musique de Morton Feldman par son caractère contemplatif et sa durée prolongée de plus de quatre heures.

En 1962, Johnson a commencé à travailler à plein temps comme consultant en mathématiques, travaillant à un moment donné pour Cal Tech, et il a essentiellement abandonné son intérêt pour la musique. Quelques années plus tard, Kyle Gann a acquis les esquisses de novembre de Johnson, ainsi qu’un ancien enregistrement sur cassette de la pièce, et a soigneusement transcrit une partition formelle. Quelques représentations choisies de novembre ont depuis été enregistrées.

The Fall est composé de quatre pistes et la première s’ouvre sur des sonorités électroniques très douces et un faible souffle de vent. Cet accompagnement atmosphérique a tous les attributs d’une froide nuit d’automne, mais il ne constitue pas une menace absolue. La ligne de piano de rechange de Johnson, impeccablement jouée par Horvath, entre avec une note solitaire dans le registre inférieur qui est répétée après un court silence. Le piano se poursuit au fur et à mesure que le vent se lève, maintenant avec deux notes ou plus dans des phrases simples, et l’effet est de complimenter les sons couvants en dessous. Au fur et à mesure que la pièce avance, on a l’impression que le danger s’accumule lentement, car on entend des basses soutenues et des roulements de tonnerre. Le gazouillis lointain des oiseaux ne fait qu’ajouter à la morosité jusqu’à ce qu’une série d’accords plus brillants se fassent entendre au piano, éclairant l’ambiance. Ce premier mouvement sert de modèle pour le reste de la pièce ; une lutte qui oscille lentement entre l’obscurité et l’optimisme.

La piste 2 poursuit ce développement avec le piano et l’accompagnement électronique dont la dynamique et l’intensité augmentent progressivement. La ligne du piano devient plus affirmée et pleine d’espoir, et le gazouillis renouvelé des oiseaux suggère un dégagement de la tempête. Vers la fin de la piste, cependant, les oiseaux se taisent et le piano revient dans les registres inférieurs alors que les sons du vent se lèvent, accompagnés par des roulements de tonnerre lointains. La piste 3 devient alors sinistre avec un son grave et la ligne du piano dans le registre inférieur. Le tonnerre se fait à nouveau entendre, tandis que le piano comprend maintenant des accords simples et un mélange de notes dans le registre médian. Un sentiment d’incertitude prévaut alors que le fond s’organise en un son musical plus reconnaissable. On entend le bruit des gouttes de pluie qui se transforment en pluie battante, ce qui renforce le sentiment d’anxiété. Dans le dernier morceau, la pluie s’est arrêtée et une ligne de piano plus ensoleillée offre un peu d’optimisme. Les oiseaux gazouillent à nouveau comme si l’orage était enfin passé. Le piano est plus stable et les basses profondes de l’accompagnement redonnent confiance en soi. À la fin de la pièce, on entend le même doux bruissement du vent qu’au début, et un sentiment de normalité est rétabli.

Quel est donc le résultat final de cet amalgame de minimalisme des années 1950 et de dark ambient du XXIe siècle ? Les puristes pourraient s’opposer à la présomption de Lustmord dans l’établissement du contexte de la pièce – l’imagination de l’auditeur pourrait mieux personnaliser l’expérience en entendant le piano de Johnson seul. Cela dit, le contexte de la tempête d’automne de Lustmord dans The Fall est certainement valable, bien que quelque peu limitatif. L’accompagnement d’ambiance est toujours au service de la ligne de piano de Johnson, et ne lutte pas pour la domination ou l’attention. Les couleurs sont appropriées, discrètes et réalisées avec art. La déconstruction de la partition de novembre, qui dure des heures, en soixante minutes ne fait aucune injustice aux intentions de Johnson, et le jeu de Nicolas Horvath est fidèle à l’original. L’ajout d’une ambiance sombre d’un compositeur de films et de jeux vidéo populaire contribuera-t-il à attirer un public plus large pour cette musique ? Il vaut probablement la peine de faire l’expérience pour le savoir.

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MJ Guider: « Sour Cherry Bell »

24 novembre 2020

Sour Cherry Bell est le deuxième opus de l’artiste Melissa Guion, basée à la Nouvelle-Orléans, qui publie sa musique sous le nom de MJ Guider etnavique principalement dans un ambient qui n’est pas de la musique ambient stricto sensu. Pour cela, Guion utilise des textures électroniques très élaborées, souvent imprégnées d’une épaisse réverbération en forme de mélasse, pour créer des paysages sonores lunatiques et évocateurs. Il existe des sons de tambours synthétiques, mais ce n’est certainement pas de la musique de danse. Les séquences d’accords laviques chargées d’émotion rappellent la musique gothique des années 1980 et peut-être le shoegaze qui lui a succédé, mais c’est une musique qui n’entre dans aucune catégorie. Beaucoup de mondes sonores ont une chaleur luxuriante qui leur confère une qualité méditative, mais il y a aussi un élément de tension troublant, comme si la dissonance et l’harmonie étaient en compétition l’une avec l’autre. La voix de Guion est tendre et gracieuse et avec elle, elle tisse des mélodies fluides. Mais la voix est souvent intentionnellement distante – enfouie dans le mélange et dissimulée par de longues queues de réverbération. On a l’impression que Guion a intentionnellement créé une situation où des éléments opposés se disputent la domination. Ces chansons auraient pu être présentées dans un pack indie adapté à la radio, mais au lieu de cela, les mélodies et les paroles ne font que lever la tête au-dessus des murs de bruit qui les entourent. Il faut de l’audace et du courage pour tenter ce genre d’approche qui fait fi de tant de règles admises en matière de composition et de production musicale. Il semble que Guion ait repoussé les limites de sa créativité et de ses outils : « J’étais curieuse de voir jusqu’où je pouvais aller avec eux, même si cela signifiait atteindre les limites de leur capacité à faire ce que je voulais ».

La stratégie de Sour Cherry Bell telle que décrite ci-dessus aurait pu aboutir à un désastre. Heureusement, elle réussit. Cela ne veut pas dire que cet album est facile à écouter. Il demande à l’auditeur de s’immerger dans les mondes sonores d’ici. La récompense pour avoir consacré toute son attention à ce disque est que les myriades de couches des chansons sont progressivement et glorieusement révélées. Sous les sculptures sonores parfois cacophoniques et chaotiques se cachent des chansons mélancoliques et fragiles qui tirent sur les cordes sensibles. La présentation de ces chansons très humaines, juste hors de portée derrière le brouillard morne et dense de l’électronique expérimentale, signifie que nous avons ici un album qui ne ressemble vraiment à rien d’autre.

Le disque est probablement le plus écouté dans son ensemble, mais il y a néanmoins plusieurs moments marquants. L’ « opener » « Lowlight » combine de manière experte des sons de synthétiseurs menaçants avec uneaccroche vocale mémorable. « FM Secure » présente de glorieuses harmonies vocales bizarres enfouies sous le poids des beats industriels et des frappés d’outre-mer. « Simulus », avec ses rythmes robotiques et ses drones tribaux, atteint l’équilibre parfait entre le désespoir absolu et l’euphorie joyeuse. « Sourbell » est, quant à lui, plein de mélodies pop délicieusement accrocheuses qui s’opposent de façon spectaculaire à l’orchestration cathartiquement misérable.

Avec Sour Cherry Bell, MJ Guider embrasse la contradiction et le contrepoint. Elle évite la commercialisation mais crée de merveilleuses mélodies pop ; elle permet à l’humanité de sa voix et de ses chansons d’être pratiquement noyée dans une production électronique brutale. Le résultat ne plaira pas à tout le monde et les nuances de cet album mettront un certain temps – et des écoutes répétées – à s’apprécier. Cela dit, les auditeurs qui connaissent bien les styles lourds et bruyants, mais qui apprécient aussi la beauté d’une écriture tendre et mélancolique, seront récompensés s’ils consacrent un peu de temps et d’attention à ce remarquable Sour Cherry Bell.

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Jónsi: « Shiver »

6 octobre 2020

En tant que membre fondateur de Sigur Rós, Jónsi Birgisson est une sorte de nom familier dans les cercles de musique expérimentale. Au cours des trois dernières décennies, son groupe est devenu l’un des groupes les plus influents au monde. Leur musique transgresse de nombreux genres, de l’ambient et du post-rock au bruit industriel.

Loin de Sigur Rós, le travail de Birgisson est tout aussi vénéré, et à juste titre. Après plusieurs collaborations, comme les deux albums qu’il a enregistrés avec son partenaire Alex Somers (Riceboy Sleeps en 2009 et Lost & Found l’année dernière)aini que la série Dark Morph avec Carl Michael von Hausswolff, pour n’en citer que quatre, il était probablement grand temps que Birgisson sorte un autre disque en solo (sorti simplement sous le nom de Jónsi).

Shiver est la suite tant attendue de Go, sorti en 2010. Comme pour son prédécesseur, si le chant est reconnaissable entre tous, les accompagnements musicaux oscillent entre de tendres ballades orchestrées au piano et des rythmes traités avec dureté. Enregistrée dans de nombreux endroits sous l’œil attentif du producteur extraordinaire A.G. Cook – peut-être plus connu pour son travail avec Charli XCX et en tant que directeur de la maison de disques PC Music-Shiver – est une collection de chansons qui remonte à près d’une décennie, dont beaucoup ont été laissées dans les coffres mais sont maintenant revisitées pour la dernière excursion sonore de Jónsi.

C’est un bon travail qu’il a fait aussi, car on y trouve un véritable buffet de délices pour aiguiser l’appétit ici. Après avoir déconstruit une grande partie des démos originales, Jónsi et Cook ont conspiré pour créer un album au son expansif, mais aussi riche en nouvelles idées et techniques. Dès l’instant où le morceau d’ouverture « Exhale » attire l’auditeur, Shiver est une expérience timide et parfois à couper le souffle.

Il y a aussi des collaborations notables ici. L’icône pop suédoise Robyn joue en duo sur « Salt Licorice »,  un hymne d’appel et de réponse adressé à l’ensemble désenchanté sur base de synthétiseurs opulents et aux rythmes électroniques. Avant cela, l’ancienne chanteuse des Cocteau Twins, Elisabeth Fraser, a prêté sa voix particulière à l’étrange « Canniba » » de la même manière qu’elle avait contribué à « Primitive Painters » de Felt il y a 35 ans. Les résultats sont sans surprise sensationnels.

Ailleurs, Shiver fusionne des rythmes de piègants avec des intermèdes industriels sur le tumultueux « Kórall », tandis que le couplet final, sur « Grenade » et « Beautiful Body » pourrait bien représenter le final le plus apaisant d’un album auquel ces oreilles ont été exposées toute l’année.

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