Lisa Gerrard & Marcello De Francisci: « Exaudia »

21 octobre 2022

Après avoir collaboré pendant une décennie, la compositrice multi-instrumentale Lisa et le producteur argentin Marcello ont entamé un nouveau chapitre de leur travail avec Exaudia. C’est un mélange de paysages orchestraux cinématographiques, de plongées profondes dans l’exotisme et de motifs arabes, le tout magnifiquement et émotionnellement couronné par la voix de Lisa Gerrard, unique en son genre. Il est musicalement diversifié et difficile à catégoriser, mais c’est ce qui en fait un album fascinant à écouter.

Le morceau d’ouverture est un mélange évocateur de tambours primaires, de cuivres et de lignes de basse synthétiques de science-fiction. Il commence avec un ton légèrement sinistre, mais lorsque la voix de Gerrard rejoint le morceau, c’est comme si le rayon de lumière était la voix de Gerrard elle-même. La chanson ressemble à une mise en scène car elle défile autour de nombreux thèmes et styles que nous visiterons ensuite dans les six morceaux suivants, tout en ayant sa propre voix unique. « Until We Meet Again » est une pop presque exotique et l’un des morceaux les plus accessibles de Gerrard à ce jour. Il a un rythme endiablé qui sous-tend une cascade scintillante de guitares, de claviers et de harpes. Sur le plan vocal, c’est aussi l’un des morceaux les plus sobres de Lisa Gerrard, qui joue un rôle de soutien apaisant face à la puissance du chatoiement rythmique de ce morceau.

La chanson titre est une pièce maîtresse fascinante. Il a un éclat somptueux, comme la plupart des morceaux de l’album, mais ici il est vraiment physique. Le morceau mijote en utilisant la voix de Lisa comme une sirène collective distante. Le flair moyen-oriental du chant et de l’instrumentation prend rapidement forme dans un puissant coup de poing orchestral qui développe la tension et la mélodie. Le tout s’achève par un climax tout-puissant où des tambours cinématiques, des houles de cuivres et la voix puissante de Lisa commandent vos oreilles dans une démonstration de puissance et d’opulence.

Parfois, une musique conçue pour être grandiose et impressionnante peut basculer et prendre une tournure légèrement sinistre. Les hymnes nationaux le font pour inspirer la gloire, la puissance et la peur. Il y a actuellement une version de « What a Wonderful World » utilisée pour une publicité pour NEOM qui, selon moi, franchit également cette limite. C’est cet équilibre très nuancé de puissance, d’ampleur et de peur écrasante que Exaudia met en évidence et qui me donne des frissons au moment de l’apogée. « Fallen » suit une vibration similaire, mais d’une manière plus cinématique et mystique. L’influence du Moyen-Orient dans les crochets instrumentaux ainsi que le flux et le reflux de l’énergie du morceau en font un autre morceau exceptionnel.

Changeant totalement de vitesse, une belle guitare acoustique et un rythme lointain mènent le rêveur « Stories of Love, Triumph & Misfortunes ». Il y a beaucoup de manipulation numérique de la voix de Lisa, qui est trempée dans la réverbération, ainsi que les percussions, pour donner un côté berceuse au morceau. « Stay With Me » se tourne vers un territoire plus familier pour la musique de Lisa. Initialement, le synthétiseur est orchestré avec des sons acoustiques qui complètent le mélange. La piste a une première moitié chaude et sensuelle avant d’éclater dans une outro vocale brumeuse avec toutes les percussions claires et fortes dans le mix. Un ensemble de chœurs se joint aux cuivres tandis que les tambours défilent autour de la mélodie. Encore une fois, cela sonne physiquement et avec la production inhabituelle des percussions, les énormes changements de volume sont une marque de fabrique de l’album. « Exaudia Reprise » clôt l’album avec une version alternative retravaillée du morceau titre.

Exaudia est une autre entrée magique dans les catalogues respectifs de Lisa Gerrard et Marcello De Francisci. Tous deux continuent à faire ressortir des éléments intéressants l’un de l’autre et aucun projet ne recule devant un vieux terrain. Alors que je suis sûr que certains seront choqués par la manipulation vocale utilisée sur la voix de Lisa, et que d’autres seront surpris par l’utilisation du volume pour créer des pics viscéraux dans la musique, l’album est plein d’idées et d’expressions. Exaudia est un opus somptueux, opulent et débordant d’une nature poétique féminine qui équilibre sensualité et puissance. C’est aussi l’un des albums les plus accessibles mettant en valeur le talent de Lisa Gerrard. Si vous avez déjà hésité, voici un endroit plus sûr pour commencer votre voyage vers un autre monde fait de thèmes classiques contemporains et d’instrumentation exotique.

****1/2


Roger Eno: « The Turning Year »

5 juin 2022

Le dernier album solo de Roger Eno, The Turning Year, comprend quatorze magnifiques compositions dirigées par des pianos. Comme de petites vignettes musicales, elles peignent des images exquises dans l’esprit de l’auditeur

Dans le village d’Heckingham, dans le Norfolk, se dresse l’église médiévale de Saint-Grégoire, tristement désaffectée. Redondante, mais pas décrépite. En effet, en regardant les photos en ligne, on pourrait facilement croire que l’église continue à servir fidèlement ses paroissiens, comme elle a été construite à l’origine au XIIe siècle. L’orgue de l’église est toujours intact et en état de marche, à tel point qu’il a fourni la genèse du dernier album solo de Roger Eno, The Turning Year. C’est là que la plus ancienne composition de l’album, Stars And Wheels, a été conçue il y a une vingtaine d’années.

Bien sûr, Stars And Wheels sonne ici très différemment. Elle a eu deux décennies pour mûrir et évoluer et est enregistrée sur des instruments modernes. Pourtant, l’essence de la composition demeure. En réfléchissant à la maçonnerie de cette ancienne structure, Eno a été frappé par son état de « décrépitude glorieuse » et Stars And Wheels en est devenu une métaphore sonore. En écoutant ce morceau émouvant tout en regardant ces images de St Gregory’s, deux émotions sont évoquées. La première est l’émerveillement, que quelque chose d’aussi ancien puisse encore se dresser si fièrement. La seconde est la tristesse, face à l’inévitabilité de son déclin.

De manière tout à fait brillante, The Turning Year peint des images vivantes dans l’esprit et suscite des émotions puissantes tout au long de ses quatorze morceaux. Eno, bien sûr, a travaillé sur de nombreuses bandes sonores tout au long de sa carrière, dont plusieurs avec son frère Brian et Daniel Lanois, et si The Turning Year n’est pas une musique de film ou de télévision, il a cette même capacité à évoquer des images saisissantes dans votre esprit à chaque morceau. Fermez temporairement les yeux sur le chaos de notre monde et immergez-vous dans cette magnifique musique. Au fur et à mesure qu’elle défile, piste par piste, ces petites vignettes à grignoter dévoileront une histoire dans votre imagination. Et ce sera votre histoire. En ce sens, c’est la bande-son d’un film qui n’a jamais été réalisé en dehors de votre propre esprit.

The Turning Year fait suite à Mixing Colours paru en 2021, le premier album d’Eno chez Deutsche Grammophon. Étonnamment, cette collection particulière était le premier album en duo du compositeur avec son frère Brian et, bien qu’elle ait été acclamée à juste titre, ma préférence personnelle est d’écouter Roger seul. Lorsqu’on lui donne une autonomie totale, sa musique a une sensation différente, avec plus de chaleur, de caractère et de personnalité que les vagues de sons ambiants de Brian.

À bien des égards, le jeu de Roger Eno rappelle cette église médiévale. Il donne l’impression d’être fragile et vulnérable, tout en étant d’une majesté durable. Prenez la composition d’ouverture, « A Place We Once Walked », par exemple. Comme Satie, Eno choisit les notes d’une manière qui les fait ressembler à des plumes tombant du ciel. C’est un peu comme si quelqu’un se faufilait entre les gouttes de pluie. Tout est réfléchi, tout est délibéré. Sur l’intime « Hymn », on peut entendre le piano grincer à chaque mouvement de ses mains. C’est comme si Eno était assis juste à côté de vous, jouant uniquement pour vous.

La musicalité d’Eno est à couper le souffle sur The Turning Year, mais cet album n’est pas entièrement un effort solo. Ces compositions sont avant tout le fruit du travail exquis de Roger Eno, mais, avec sagesse, il a recruté l’ensemble à cordes allemand Scoring Berlin, très apprécié, pour étoffer certains morceaux. Lorsqu’ils se combinent, la musique se superpose comme une pâte filo, avec des strates de sons qui se rejoignent et se mélangent à merveille. Cela n’est nulle part plus évident que dans la magnifique composition « Clearly ». Ici, le piano d’Eno sonne comme des gouttelettes de cristal, tandis que les cordes lugubres et mélancoliques de Scoring Berlin sont comme une poche de soie, taillée pour attraper ces notes.

Les contrastes étonnants abondent tout au long de The Turning Year, rendant cette bande-son imaginaire constamment captivante. On passe de l’inquiétant et sombre « Something Out Of Nothing » à la beauté mélodique et porcelaineuse d’ « Intimate Distance ». Certains morceaux, comme le titre, sont aériens et entraînants, tandis que d’autres, comme le minimalisme de « Bells », sont introspectifs et méditatifs. Quatorze histoires courtes, qui ont toutes leur propre personnalité, mais qui se rejoignent et peuvent être interprétées en fonction de l’état d’esprit de l’auditeur.

Comme toutes les vieilles églises et les bâtiments médiévaux, The Turning Year possède une majesté éthérée et obsédante. Pleine de mystère, elle nous fait nous interroger. Il est merveilleusement composé et parfaitement interprété et, même s’il n’a pas la longévité de St Gregory’s, c’est un album qui gardera son impact pendant un certain temps.

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Adam Roberts: « Bell Threads »

24 novembre 2021

Les cordes sont la voix prédominante sur Bell Threads, un album de musique de chambre du compositeur Adam Roberts pour solo, duo, trio et quatuor. L’œuvre titre, une pièce pour alto solo interprétée ici par Hannah Levinson, contient le glissement entre les hauteurs, les dissonances microtonales, le contraste entre les registres supérieurs et inférieurs et l’utilisation d’harmoniques qui caractérisent l’écriture pour cordes de Roberts. Levinson est rejoint par la violoniste Maya Bennardo sur « Shift Differential », une œuvre symétrique en trois parties dont les sections d’ouverture et de fermeture présentent un phrasé de type raga construit sur des tons accentués et des glissements microtonaux. Entre les deux, une section permet aux deux musiciens de tisser une texture de lignes qui s’entrecroisent rapidement.

Levinson et Bennardo interprètent également le duo en deux parties « Diptych ». La première partie consiste en des tons de bourdon et des lignes ondulantes avec de légères déviations au-dessus et au-dessous de la hauteur, superposés à des coups d’archet à pression ; la deuxième partie comprend des quasi-unions microtonales relevées par un contrepoint aux sonorités plus conventionnelles et modernistes. La pièce pour harpe solo Rounds, interprétée par Hannah Lash, s’appuie également sur le contrepoint, mais d’un type rythmique ; des rythmes pincés rapidement sont opposés à des rythmes plus lents pour un effet richement stratifié. L’œuvre kaléidoscopique en trio « Happy/Angry Music », pour piano, contrebasse et percussion (interprétée par Bearthoven), joue avec la texture et les signatures temporelles changeantes et confie une grande partie du travail mélodique à la basse ; tandis que l »Oboe Quartet » est une œuvre de structure classique écrite pour compléter le quatuor pour hautbois de Mozart. Le quatuor de Roberts, interprété par le hautboïste Erik Behr et les membres du Quatuor JACK, représente une mise à jour de la tradition, avec une utilisation généreuse de tons courbes, de dissonances et de techniques étendues pour le hautbois et les cordes.

***1/2


Resina: « Speechless »

17 novembre 2021

Speechless est le premier album indépendant de Resina depuis trois ans. Sur son dernier disque, la violoncelliste et compositrice Karolina Rec, basée à Varsovie, développe massivement son son, qui inclut des idées sur le langage, le rôle de la voix et les aspects toujours changeants de la nature.

Les neuf plages sont entremêlées de violoncelle, de voix et d’électronique. Le batteur Mateusz Rychlicki se joint aux 23 musiciens du 441 Hz Choir, tandis que Magdalena Gajdzica joue de la flûte et Micha ? Fojcik inclut des enregistrements de terrain et une conception sonore supplémentaire. Speechless est en fait tout le contraire de son titre, puisque le disque parle de trouver sa voix. Resina a sans aucun doute trouvé la sienne. Sa voix émerge de ruelles sombrement éclairées et l’essence de la flûte, qui charme les serpents, semble évoquer des mystères qui dépassent l’entendement des mortels. L’électronique pulsée et les courants sous-jacents insidieux sont présents tout au long de la durée de l’œuvre, la voix s’allongeant et criant même parfois, comme si elle était victime de méthodes de torture ancestrales.

Sa beauté austère est parsemée de brusques changements d’humeur et de chutes de température. L’imprévisibilité de la nature – de toute chose, en fait – est mise en évidence lorsque les tons s’enfoncent et se transforment soudainement, assaillis par un rythme de grattage soudain et par la batterie alimentée à la nitro. Les sirènes font leur entrée et créent une anxiété collective, ajoutant au sentiment de destruction imminente. Cela accélère également l’intensité de la musique, et par moments, elle peut être un monstre absolu.

Speechless est un album sombre, et il jette volontairement le doute sur la direction de sa musique : les mots sont-ils perdus, ou les mots sont-ils piégés, en agonie, et incapables d’être exprimés ? Y a-t-il une sorte d’asphyxie qui se produit au sein de ses gémissements et de ses hurlements ? Speechless, semble-t-il, est un disque en détresse.

Le chœur apporte une révérence à sa musique, se tenant parfois seul et étant entouré d’un halo scintillant de lumière primordiale. Mais même ici, des distorsions et des changements de hauteur subtils existent, prêts à envahir à tout moment. La hauteur du son tombe comme une bombe, s’effondrant encore et encore. Resina trouve sa voix dans le flair de la musique pour l’intensité et le mouvement puissant ; peut-être que la musique peut parler après tout, et ce qu’elle a à dire est si puissant qu’il coupe le souffle.

***1/2


Stian Balducci & Kjetil Jerve: « Tokyo Tapes: Piano Recycle « 

15 mai 2021

Le « transcendantal » artiste norvégien Kjetil Jerve et le producteur Stian Balducci présentent le disque immersif Tokyo Tapes : Piano Recycle ; une collection d’archives épique fusionnant des textures ambient, drone et expérimentales. Réalisé dans un souci d’émotion live, cet aspect de la collection ajoute à la spontanéité innovante et au dynamisme du duo. Les deux hommes sont très fiers de dévoiler ce magnifique nouveau projet.

Kjetil a été une figure importante de la nouvelle vague de musiciens de jazz norvégiens, et de même, Stian, bien que venant d’un milieu strictement électronique, a évolué vers le jazz étendu et les genres improvisés. Les influences claires du jazz sont perceptibles tout au long de l’album de 18 titres, dans lequel le classicisme et l’électricité se combinent, à travers des textures floues, des paysages sonores cinématiques et des mélodies d’une beauté obsédante.

Centré sur les rêveries pianistiques uniques de Kjetil, il est ensuite modelé par Balducci par le biais d’une déformation créative afin de concevoir et d’esquisser de nouveaux instruments à travers le support initial du piano. Le résultat est un disque à la fois archaïque et contemporain, qui s’inspire clairement d’Alva Noto/Sakamoto et Bugge/Schwarz et les reconnaît comme des prédécesseurs, mais qui, en même temps, se situe sur son propre plan artistique.

***1/2


Alex Eddington: « A Present from a Small Distant World »

13 mai 2021

Le lparolier de la chanson titre de A Present from a Small Distant World, un ensemble de musique vocale du compositeur torontois Alex Eddington, est l’improbable James Earl Carter, Jr, le 39e président des États-Unis. Pour cette pièce, qui ouvre l’album, le compositeur a composé le message que Carter a écrit pour être transporté dans l’espace par les sondes spatiales Voyager de 1977 – une sorte de carte de vœux de la Terre à qui de droit dans le cosmos profond. Dans une belle symétrie, « aux créateurs de musique, de tous les mondes, de tous les temps », la dédicace inscrite sur le célèbre disque d’or de musique et autres sons de la Terre que les deux sondes transportaient, fournit le texte de la dernière piste.

Ces deux compositions et les neuf autres qui les séparent couvrent une période de près de deux décennies, de 2002 à 2020. L’album, le premier d’Eddington, présente un ensemble éclectique de sons électroacoustiques et de textes d’auteurs allant de Shakespeare à un robot spammeur anonyme. Mais une constante est la voix remarquable de la soprano Kristin Mueller-Heaslip, qui peut communiquer du sens même avec les absurdités de « Scintillating »(2008/2020), une salade du monde dérivée d’un spam, ainsi qu’avec les sentiments sérieux, transmis à travers les paillettes électroniques de la superposition et du traitement, exprimés dans la déclaration de Voyager.

Son interprétation sans accompagnement du « Sonnet XVIII » de Shakespeare, qu’Eddington a réglé avec des sauts dramatiques de registre et de dynamique, trouve dans ce texte bien connu le nuage sombre austère et métaphysique qui se cache derrière l’évocation de l’été éternel.

Le point culminant de cet enregistrement captivant est « Time Will Erase » (2009/2019), un opéra de vingt minutes pour soprano et saxophone, ce dernier étant joué par Jennifer Tran. « Time Will Erase » est une œuvre émouvante basée sur la vie mouvementée et parfois éprouvante de la poétesse Anna Akhmatova (1889-1966), qui a connu certains des meilleurs et des pires aspects de la vie russe, puis soviétique. La composition comprend le texte d’Akhmatova ainsi qu’un texte supplémentaire de Mueller-Heaslip. « Time Will Erase » rappelle avec force que le travail créatif d’Eddington comprend le théâtre et la dramaturgie, ainsi que la composition musicale.

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Mariel Roberts: « Armament »

3 mai 2021

Armament est le troisième album solo de la violoncelle de Mariel Roberts et il fait suite à Cartography, paru en 2017. Écrire sur sa musique est un défi, car elle étire les notions de ce que les sons de son instrument devraient et peuvent être utilisés pour faire. Sur quatre pistes dont la durée varie d’environ cinq minutes à plus de dix-sept, Roberts utilise des archets et des plumes traditionnels, des techniques étendues et des traitements électroniques pour créer un ensemble multicouche.

En effet, il n’est pas évident au premier abord qu’il s’agisse d’un album de violoncelle solo. Souvent, son jeu manuel joue un rôle de second plan face à des vagues de murs de bruit. La mélodie cède la place à la texture et aux formes abstraites, même si l’on est capable d’identifier quelques notes individuelles qui suivent un modèle lâche ou sont librement improvisées.

Elle est percussive, utilisant le corps du violoncelle pour créer des impacts qui se fondent en raclements, grattages et grincements. Ces derniers sont accompagnés de boucles et d’échos, de notes longues et de drones multipistes denses.

Mais ce qui est le plus convaincant dans Armament, c’est la façon dont il fonctionne dans son ensemble. Enregistré en 2019, il y a une tension sous-jacente qui capture notre malaise et notre anxiété pré-pandémique. Son jeu plus agressif est parallèle à celui des événements actuels, de manière expositive plutôt qu’approbatrice. Dans sa discordance, Roberts évoque un monde qui a mal tourné – peut-être un précurseur involontaire de cette année funeste et presque perdue qu’est 2020.

***1/2


Danielle De Picciotto: « The Element of Love »

21 mars 2021

Danielle De Picciotto est une véritable polyartiste, à la fois artiste exposante, auteur et musicienne, qui a chanté avec Crime & The City Solution et Space Cowboys. Elle a co-initié la Love Parade de Berlin en 1989 et The Ocean Club avec Gudrun Gut, ainsi que produit de la musique sous le nom de hackedepicciotto avec son mari Alexander Hacke, membre fondateur de Einstürzende Neubauten, depuis vingt ans.

The Element of Love, son troisième album solo, est une affaire intrigante, qui puise dans les éléments de l’expérimentalisme et du spoken word et les met en avant. C’est un curieux hybride d’instrumentation clairsemée et bourdonnante, et de pièces narratives livrées assez sèchement, avec une instrumentation orchestrale discrète.

La plupart du temps, l’accompagnement est subtil, spacieux, et il y a un sentiment palpable de distance et d’émerveillement. Les pièces narratives qui occupent l’album sont un mélange intéressant de postmodernisme et de mysticisme, faisant référence à Harry Potter et à une magie plus sérieuse, ainsi qu’à une foule de points de repère culturels à la fois évidents et indirects. La nature exacte des paroles de The Element of Love n’est pas claire, mais l’espace, les super-héros et, comme le suggère le titre, les forces élémentaires, semblent être des thèmes centraux.

Le troisième morceau,  « Solitude », est une morasse éprouvante et sombre avec des bruits parasites, un grincement distant et un chant éthéré au loin ; le tout couplé avec ses grilles industrielles rythmiques, il rappelle les Swans et Jarboe des années 90. En revanche, le morceau-titre de l’album est un instrumental serein, avec des cordes, qui existe simplement dans son propre espace et son propre temps, tandis que « Who Am I » sera plus ouvertement électronique, avec des notes analogiques dégoulinantes et un rythme simple qui rappelle le primitivisme de Young Marble Giants. La majorité de l’album est simple, minimale, et à bien des égards, l’installation sonore reconstruite du disque est tout ce qu’il y a. En surface, The Element of Love est une errance autour d’une certaine similitude, et ce n’est que lorsque l’on passe du temps et que l’on se plonge dans les détails que les profondeurs et les différences se révèlent, et que l’on découvre la gamme, qui réside dans le ton, la texture et l’humeur.

Pour l’essentiel, The Element of Love est marécageux, trouble et difficile à définir, que ce soit sur le plan lyrique ou musical – mais surtout sur le plan musical, car il est suspendu dans les airs, indécis quant à son identité, alors que tant de tropes communs et populaires pointent vers le fond faiblement éclairé de l’auditorium. Mais que cela ne vous dissuade pas : il y a beaucoup à découvrir ici.

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Robert Honstein: « Middle Ground »

6 mars 2021

Comme son titre l’indique, Middle Ground du compositeur Robert Honstein pour violon amplifié et électronique cherche à trouver le juste milieu entre les extrêmes de hauteur et de tonalité de l’instrument à cordes. Honstein choisit un schéma tripartite de trois mouvements qui expose son programme avec une clarté indéniable : en commençant par le registre supérieur du violon, la pièce saute à l’extrémité inférieure de son compas avant de s’installer dans la plage intermédiaire. Le résultat global est un portrait composite et habile d’un instrument à cordes.

Le premier mouvement, intitulé « Too Far », est composé de longs sons du registre supérieur joués avec douceur et d’harmoniques dérivant de haut en bas, comme si elles étaient transportées par des courants d’air chaud. Le deuxième mouvement, intitulé « Too Close », échange l’éthéré du premier contre un grincement, principalement de doubles croches dans le registre inférieur, jouées sur des signatures temporelles changeantes, alors qu’elles s’élancent vers une fin déformée électroniquement. Le dernier mouvement est « Bridging the Gap », qui revient à une dynamique basse et à des sons longs, alternant maintenant entre les registres aigus et graves et s’éloignant progressivement les uns des autres jusqu’à ce qu’ils convergent sur un accord terminal de deux notes.

La clarté structurelle de la composition est mise en évidence non seulement dans sa division en trois mouvements logiquement déterminés par son caractère programmatique, mais aussi par le matériel mélodique simple utilisé par Honstein pour chacun d’eux. Plutôt que de faire tourner des mélodies linéaires, Honstein, dans les deux premiers mouvements, arrange les notes en champs ; dans le troisième mouvement, il décompose les champs en points se déplaçant les uns contre les autres. Bien que la piste soit relativement épurée, ses textures sont adoucies par l’augmentation du son par l’électronique avec retard et réverbération, ce qui renforce sa présence et donne souvent l’impression que plusieurs violons jouent un canon rapproché. L’interprétation de la violoniste Kate Stenberg est tour à tour sereine et urgente, donnant à la composition la performance émotionnellement contrôlée qu’elle exige

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TAK Ensemble & Taylor Brook: « Star Maker Fragments »

25 janvier 2021

TAK Ensemble est un nouveau quintette classique composé de Laura Cocks à la flûte, Madison Greenstone à la clarinette, Marina Kifferstein au violon, Charlotte Mundy au chant et Ellery Trafford aux percussions, Taylor Brook apportant sa contribution électronique. Star Maker Fragments est une pièce de longue durée basée sur des textes du roman de science-fiction Star Maker d’Olaf Stapledon. Stapledon y explore de nombreuses questions philosophiques et sociologiques, telles que le racisme, la lutte des classes, l’inégalité des revenus et la religion, à travers une série d’univers créés par un dieu horloger aveugle.

Le groupe met le texte du roman en musique avec un ensemble de mouvements variés et chatoyants qui s’harmonisent parfaitement avec l’électronique de Brook. Mundy s’appuie presque entièrement sur la récitation orale d’extraits du Stapledon.

L’instrumentation se concentre sur des textures et des bourdons qui s’accordent à des degrés divers avec les mots. Cette approche permet d’exploiter la puissance subtile de l’instrument vers la fin de la pièce, Mundy passant à des oscillations sans paroles, car l’électronique ressemble à des enregistrements sur le terrain et les instruments suivent un chemin moins structuré. D’une durée de 45 minutes, la pièce couvre un large champ. Mais « Star Maker Postlude, » un mélange électroacoustique de 10 minutes à la fois introspectif et rafraîchissant, est tout aussi convaincant. Sans paroles, le morceau crée un paysage sonore obsédant et étrange qui pourrait facilement se suffire à lui-même sans le morceau principal.

***1/2