Mariel Roberts: « Armament »

3 mai 2021

Armament est le troisième album solo de la violoncelle de Mariel Roberts et il fait suite à Cartography, paru en 2017. Écrire sur sa musique est un défi, car elle étire les notions de ce que les sons de son instrument devraient et peuvent être utilisés pour faire. Sur quatre pistes dont la durée varie d’environ cinq minutes à plus de dix-sept, Roberts utilise des archets et des plumes traditionnels, des techniques étendues et des traitements électroniques pour créer un ensemble multicouche.

En effet, il n’est pas évident au premier abord qu’il s’agisse d’un album de violoncelle solo. Souvent, son jeu manuel joue un rôle de second plan face à des vagues de murs de bruit. La mélodie cède la place à la texture et aux formes abstraites, même si l’on est capable d’identifier quelques notes individuelles qui suivent un modèle lâche ou sont librement improvisées.

Elle est percussive, utilisant le corps du violoncelle pour créer des impacts qui se fondent en raclements, grattages et grincements. Ces derniers sont accompagnés de boucles et d’échos, de notes longues et de drones multipistes denses.

Mais ce qui est le plus convaincant dans Armament, c’est la façon dont il fonctionne dans son ensemble. Enregistré en 2019, il y a une tension sous-jacente qui capture notre malaise et notre anxiété pré-pandémique. Son jeu plus agressif est parallèle à celui des événements actuels, de manière expositive plutôt qu’approbatrice. Dans sa discordance, Roberts évoque un monde qui a mal tourné – peut-être un précurseur involontaire de cette année funeste et presque perdue qu’est 2020.

***1/2


Danielle De Picciotto: « The Element of Love »

21 mars 2021

Danielle De Picciotto est une véritable polyartiste, à la fois artiste exposante, auteur et musicienne, qui a chanté avec Crime & The City Solution et Space Cowboys. Elle a co-initié la Love Parade de Berlin en 1989 et The Ocean Club avec Gudrun Gut, ainsi que produit de la musique sous le nom de hackedepicciotto avec son mari Alexander Hacke, membre fondateur de Einstürzende Neubauten, depuis vingt ans.

The Element of Love, son troisième album solo, est une affaire intrigante, qui puise dans les éléments de l’expérimentalisme et du spoken word et les met en avant. C’est un curieux hybride d’instrumentation clairsemée et bourdonnante, et de pièces narratives livrées assez sèchement, avec une instrumentation orchestrale discrète.

La plupart du temps, l’accompagnement est subtil, spacieux, et il y a un sentiment palpable de distance et d’émerveillement. Les pièces narratives qui occupent l’album sont un mélange intéressant de postmodernisme et de mysticisme, faisant référence à Harry Potter et à une magie plus sérieuse, ainsi qu’à une foule de points de repère culturels à la fois évidents et indirects. La nature exacte des paroles de The Element of Love n’est pas claire, mais l’espace, les super-héros et, comme le suggère le titre, les forces élémentaires, semblent être des thèmes centraux.

Le troisième morceau,  « Solitude », est une morasse éprouvante et sombre avec des bruits parasites, un grincement distant et un chant éthéré au loin ; le tout couplé avec ses grilles industrielles rythmiques, il rappelle les Swans et Jarboe des années 90. En revanche, le morceau-titre de l’album est un instrumental serein, avec des cordes, qui existe simplement dans son propre espace et son propre temps, tandis que « Who Am I » sera plus ouvertement électronique, avec des notes analogiques dégoulinantes et un rythme simple qui rappelle le primitivisme de Young Marble Giants. La majorité de l’album est simple, minimale, et à bien des égards, l’installation sonore reconstruite du disque est tout ce qu’il y a. En surface, The Element of Love est une errance autour d’une certaine similitude, et ce n’est que lorsque l’on passe du temps et que l’on se plonge dans les détails que les profondeurs et les différences se révèlent, et que l’on découvre la gamme, qui réside dans le ton, la texture et l’humeur.

Pour l’essentiel, The Element of Love est marécageux, trouble et difficile à définir, que ce soit sur le plan lyrique ou musical – mais surtout sur le plan musical, car il est suspendu dans les airs, indécis quant à son identité, alors que tant de tropes communs et populaires pointent vers le fond faiblement éclairé de l’auditorium. Mais que cela ne vous dissuade pas : il y a beaucoup à découvrir ici.

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Robert Honstein: « Middle Ground »

6 mars 2021

Comme son titre l’indique, Middle Ground du compositeur Robert Honstein pour violon amplifié et électronique cherche à trouver le juste milieu entre les extrêmes de hauteur et de tonalité de l’instrument à cordes. Honstein choisit un schéma tripartite de trois mouvements qui expose son programme avec une clarté indéniable : en commençant par le registre supérieur du violon, la pièce saute à l’extrémité inférieure de son compas avant de s’installer dans la plage intermédiaire. Le résultat global est un portrait composite et habile d’un instrument à cordes.

Le premier mouvement, intitulé « Too Far », est composé de longs sons du registre supérieur joués avec douceur et d’harmoniques dérivant de haut en bas, comme si elles étaient transportées par des courants d’air chaud. Le deuxième mouvement, intitulé « Too Close », échange l’éthéré du premier contre un grincement, principalement de doubles croches dans le registre inférieur, jouées sur des signatures temporelles changeantes, alors qu’elles s’élancent vers une fin déformée électroniquement. Le dernier mouvement est « Bridging the Gap », qui revient à une dynamique basse et à des sons longs, alternant maintenant entre les registres aigus et graves et s’éloignant progressivement les uns des autres jusqu’à ce qu’ils convergent sur un accord terminal de deux notes.

La clarté structurelle de la composition est mise en évidence non seulement dans sa division en trois mouvements logiquement déterminés par son caractère programmatique, mais aussi par le matériel mélodique simple utilisé par Honstein pour chacun d’eux. Plutôt que de faire tourner des mélodies linéaires, Honstein, dans les deux premiers mouvements, arrange les notes en champs ; dans le troisième mouvement, il décompose les champs en points se déplaçant les uns contre les autres. Bien que la piste soit relativement épurée, ses textures sont adoucies par l’augmentation du son par l’électronique avec retard et réverbération, ce qui renforce sa présence et donne souvent l’impression que plusieurs violons jouent un canon rapproché. L’interprétation de la violoniste Kate Stenberg est tour à tour sereine et urgente, donnant à la composition la performance émotionnellement contrôlée qu’elle exige

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TAK Ensemble & Taylor Brook: « Star Maker Fragments »

25 janvier 2021

TAK Ensemble est un nouveau quintette classique composé de Laura Cocks à la flûte, Madison Greenstone à la clarinette, Marina Kifferstein au violon, Charlotte Mundy au chant et Ellery Trafford aux percussions, Taylor Brook apportant sa contribution électronique. Star Maker Fragments est une pièce de longue durée basée sur des textes du roman de science-fiction Star Maker d’Olaf Stapledon. Stapledon y explore de nombreuses questions philosophiques et sociologiques, telles que le racisme, la lutte des classes, l’inégalité des revenus et la religion, à travers une série d’univers créés par un dieu horloger aveugle.

Le groupe met le texte du roman en musique avec un ensemble de mouvements variés et chatoyants qui s’harmonisent parfaitement avec l’électronique de Brook. Mundy s’appuie presque entièrement sur la récitation orale d’extraits du Stapledon.

L’instrumentation se concentre sur des textures et des bourdons qui s’accordent à des degrés divers avec les mots. Cette approche permet d’exploiter la puissance subtile de l’instrument vers la fin de la pièce, Mundy passant à des oscillations sans paroles, car l’électronique ressemble à des enregistrements sur le terrain et les instruments suivent un chemin moins structuré. D’une durée de 45 minutes, la pièce couvre un large champ. Mais « Star Maker Postlude, » un mélange électroacoustique de 10 minutes à la fois introspectif et rafraîchissant, est tout aussi convaincant. Sans paroles, le morceau crée un paysage sonore obsédant et étrange qui pourrait facilement se suffire à lui-même sans le morceau principal.

***1/2


Rhonda Taylor: « Afterparty »

20 janvier 2021

Dans son dernier album, Afterparty, Rhonda Taylor réunit un ensemble éclectique de morceaux qui reflètent la réalité déformée de notre passé récent. Comme les précédents albums solo de la saxophoniste basée au Nouveau-Mexique, l’autoproduit Afterparty comprend des improvisations expérimentales en une seule prise que Taylor a ensuite traitées à l’aide d’Ableton Live. Cette approche produit une large palette sonore, allant d’une acoustique presque complète à des distorsions méconnaissables.

Mais plus que le son, on sent la solitude et l’inconfort qui envahissent la musique, le sentiment que ce qui n’est pas présent est tout aussi important que ce qui l’est. Si les albums solos ne sont pas rares, ils rendent rarement l’absence des autres aussi palpable que celle de Taylor ici. On a l’impression que les gens étaient là avant, mais maintenant il ne nous reste que des traces, des fantômes et des preuves de ce passé. Nous réalisons, comme le titre de l’album pourrait le suggérer, que ce qui est venu avant était la fête – un passé auquel nous sommes maintenant fondamentalement incapables de retourner. Au lieu de cela, nous sommes ici, seuls, dans l’après-guerre.

« Cheers », le morceau d’ouverture, commence par une mélodie sinueuse et mélancolique chantée par Taylor, qui se transforme de plus en plus en bruit blanc surpuissant à la fin du morceau. Le morceau se lit comme un chant de sirène, appelant à rapprocher les gens, mais la réponse que l’on trouve dans la déformation progressive de la musique est retentissante ; il n’y a personne autour pour attirer. Elle est inaudible, et donc insatisfaite.

La suite de Taylor est un « trash talk » rythmé et agressif, qui combine le saxophone, la respiration et la parole dans un mélange pointilliste. Des sections plus douces, bien que rythmiquement tendues, sont associées à un bruit maximal, les phrases se dissolvant les unes dans les autres, parfois avec des mots intelligibles et parfois sans. La piste est puissante dans ses détails et sa vigueur, son intensité augmentant jusqu’à l’hyperventilation de la marque des trois minutes.

Revenant au style plus mélodique de l’ouverture, « searchlight » rappelle la comparaison avec le chant des sirènes, et, correspondant au titre, recherche toute personne qui pourrait se trouver à proximité. Ici, comme dans le premier morceau, la réponse est personne. Après une première note solitaire, Taylor fait un usage intensif des multiphoniques, qui semblent être une tentative d’antidote à la solitude. En l’absence de toute autre personne avec qui jouer, elle s’accompagne elle-même. De même, les notes sont prolongées électroniquement bien au-delà de leur libération naturelle, ce qui permet à Taylor de profiter encore plus de la superposition de son propre jeu. Cependant, cela n’atténue pas non plus l’isolement, et nous nous retrouvons plutôt dans le silence alors que la piste s’éteint.

L' »exit interview », au milieu de l’album, voit Taylor parler, bien que souvent de manière inintelligible en raison de la distorsion créée par son saxophone. Bien que ce morceau soit le moins modifié électroniquement de tout l’album, il est toujours très déformé, le traitement électronique de l’ancien étant remplacé par un filtre organique. Cependant, cela laisse toujours l’action essentielle, la parole, sans réponse, comme si les mots eux-mêmes n’avaient pas d’importance, étaient ignorés, ou peut-être, n’étaient-ils pas destinés à être entendus.

Les distorsions acoustiques de l' »entretien de sortie » sont assorties dans le « dernier appel » de distorsions électroniques. Ce morceau, le plus long de l’album, présente le saxophone transformé pour devenir presque méconnaissable, ressemblant davantage à une guitare électrique noise rock. Les éclats prolongés du saxophone sont accompagnés de moments de calme relatif, avec seulement de légers mouvements et une respiration audible. On ressent la peur et la colère d’être forcé d’abandonner le passé incarné dans le son. Mais cette réponse aux nouvelles conditions de vie, comme les autres, se heurte au silence.

Le dernier morceau de l’album, « eulogy (eugoogly) », nous ramène au royaume des « acclamations » et des « projecteurs » avec son affect sombre et discret. Cependant, les harmonies ne sont pas aussi douces cette fois-ci, le résultat n’en est que plus puissant. Composé de longues notes soutenues qui résonnent et résonnent sans fin, s’effaçant l’une dans l’autre, ce morceau ne cherche pas quelqu’un qui n’est pas là. Il y a ici une acceptation de ce qui a été perdu, reconnue maintenant pour faire le morceau le plus émouvant de l’album.

Au total, Afterparty est très de son temps, au même titre que l’art réalisé pendant ou juste après les grands événements mondiaux est souvent, inéluctablement, marqué de façon indélébile par les conditions de sa création. Rhonda Taylor, cependant, trouve un nouveau sens à fouler ce sol, ce qui donne un album saisissant sur la solitude d’être là où les gens étaient autrefois (« maisons abandonnées », comme elle le dit dans ses notes de pochette). Sa performance ici est admirable. Virtuose par moments, contemplative pour d’autres, et avec la certitude d’un but à atteindre, Taylor trouve une expression personnelle dans l’expérience paradoxalement commune de la solitude.

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ilinx: « Memory »

21 décembre 2020

ilinx est un ensemble composé des trois jeunes et talentueuses compositrices, chanteuses et productrices Laura Marie Madsen, Anna Sophie Mæhl et Amanda Appel. À part quelques morceaux réalisés avec le producteur Oliver Møller Nehammer, connu pour sa collaboration avec ML Buch, ilinx a créé une œuvre uniquement composée de sons vocaux et de bruits captés lors de l’enregistrement, ainsi que de traitements et de manipulations numériques ultérieurs. La musique et les paroles tournent autour de la fusion croissante de l’homme avec la technologie. Un processus qui est raconté en cours de route, tant du point de vue d’un cyborg que de celui d’un humain. Tous deux ont le désir de s’optimiser et de devenir meilleurs et plus doux dans l’utilisation de la technologie.

La genèse de Memory est présentée de cette manière : « Les crises mondiales auxquelles nous sommes confrontés nous ont amenés à remettre en question la bonté de l’humanité, à laquelle nous nous sommes accrochés pendant des siècles, afin de justifier notre exploitation du monde qui nous entoure. D’où également l’idée qu’un être qui se débarrasse de son humanité n’est pas nécessairement mauvais, mais qu’il a le potentiel de devenir plus doux et plus bénéfique pour le monde qui nous entoure ».

Pour ce faire, l’album s’appuie sur un large éventail de références historiques musicales telles que la chorale médiévale Dreams in the Pleasure Garden de Guillaume De Machaut, le hit R&B « Emotion » de Destiny’s Child et le fragment de Digital Frontier de Holly Herndon. Iilinx fait ainsi un pas de plus dans la notion d’un futur où la technologie et le vivant ne peuvent plus être séparés.

Concrètement on appréciera ce lien crée entre la voix et une production numérique, les deux outils usant des possibilités extrêmes et de limites apparemment inépuisables. Lorsque les deux s’unissent, une force explosive de créativité est libérée ; ainsi est issu ce travail de mémoire qu’est Memory.

***1/2


Dmitry Evgrafov: « Surrender »

7 août 2020

De retour avec son nouvel album Surrender, Dmitry Evgrafov élargit sa palette musicale et la rend plus obscure que jamais. Ce quatrième opus à ce jour prend le piège initial d’un piano – ou plutôt d’un piano préparé – et le place aux côtés de toutes sortes de synthés, d’échantillons sonores, de batteries et d’un orchestre à cordes de huit musiciens. La beauté est dans le voyage et Evgrafov parcourt le terrain à toute allure en faisant de grands sauts entre les morceaux.

« Splinter » ouvre l’album en plaçant le piano dans une sorte d’arpège modulé. Il tourne et se contorsionne de manière belle et élégante avant que les tambours, le glockenspiel et les cordes n’entrent en scène. Il sonne plus proche d’une composition de GoGo Penguin ou de Glass Museum que du classique contemporain par moments et il est somptueux. Cette élégance se transforme en une précision froide et glaciale avec le « Sparkle » au goût russe. Ce sont les mêmes instruments, mais avec un rendu plus militant et flamboyant, avec quelques changements d’accords intelligents pour lui donner un aspect curieux. Après le « Whirl », doux et chaleureux, nous entrons dans le monde des synthés fous.

« Context » est une pièce expérimentale exaspérante qui consiste à étirer des notes de basse sur des rafales de bruit électronique et des batteries coupées. On a l’impression que l’espace et le temps s’effondrent sur eux-mêmes, et c’est à la fois cinématographique et évocateur. Cette compositionns’inscrit dans le sinistre « Anthropocène » qui fait ressortir des bourdons de science-fiction chorale à la fois de la voix et du synthé. Une fois que la chanson s’est remise en place, elle passe à un environnement sonore de synthétiseur cyberpunk techno-noir avant de revenir dans son cadre choral effrayant. Cela peut sembler bizarre, mais c’est tout à fait logique, car le piano préparé et doux revient pour absorber les drones.

« Stymie » change à nouveau de vitesse en jouant avec des instruments asiatiques et en les laissant se tordre d’avant en arrière. Des crachats de vinyle et des fréquences radio s’éparpillent derrière lui, tandis que des pianos électriques effrayants canalisent les boîtes à musique en faisant résonner de minuscules notes. Puis, à l’occasion, comme un ruban adhésif qui se mordille, la piste s’accélère comme un glissando de harpe et revient ensuite. Il est tout à fait captivant de voir à quel point il est effrayant et beau. « Humble in Heart » remplacera les instruments par du piano et des samples vocaux hachés pour donner une impression similaire mais plus triste. Ensuite, les cordes et les marimba’s se succèdent pour créer un final euphorique mais toujours curieux qui vous soulève.

Le dernier tiers du disque se transformera en des morceaux beaucoup plus mélancoliques et tranquilles. « Rural Song » évoquera le Japon rural avec ses cordes brillantes et les microphones rapprochés de « N.510 » vous permettront d’entendre le velours du piano dans toute sa gloire. « Endless » est une ondulation apaisante de piano, de xylophone, de cordes, de harpe et de synthétiseurs. Ce n’est pas tout à fait un bourdon mais pas tout à fait un air non plus, il sonne vraiment comme son nom. Sa nature épique et discrète est magnifique et vous pourriez l’associer à des images du règne animal et de la nature pour en faire un documentaire puissant. Dans le même ordre d’idées, « Serene Air » est léger et rappelera la bande-son fantastique du jeu The Gardens Between, qui a la même qualité nostalgique et fantaisiste. » Far and Close » est un morceau de piano à queue méditatif où les notes graves sont jouées à distance et les notes singulières d’octave supérieure sont jouées plus près de l’oreille.

Dmitry Evgrafov a créé Surrender de plusieurs façons différentes. La première partie de l’album vous demande de vous abandonner à la beauté et à l’émerveillement de tout cela. La partie centrale est plutôt une reddition menaçante. Le dernier tiers est plutôt une reddition pacifique. C’est un excellent voyage d’un genre qui devrait être un exemple pour la musique classique contemporaine expressive.

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Library Tapes: « The Quiet City »

31 juillet 2020

Comme l’indique son intitulé, The Quiet City offre une tranche bienvenue de musique classique moderne tirée des Library Tapes de David Wenngren. Le projet a maintes fois donné des résultats exceptionnels, mais il y a quelque chose de remarquable dans cette sortie et sa musique la place au-dessus de ses frères et sœurs. The Quiet City est un lieu de calme et de sérénité. La toxicité urbaine et le poison du langage politique ne sont plus à l’ordre du jour. Le monde tel que nous le connaissons actuellement est mis en sourdine, et cela ne peut pas être une mauvaise chose. Tout égoïsme, comme le refus de porter un masque en pleine pandémie à cause d’une menace perçue et absurde pour la liberté d’un individu, ne fait plus la une des journaux, car il n’existe pas dans l’écosystème de la musique, qui est vif et éloigné du drame. The Quiet City est un refuge, un disque aussi petit qu’un chalet, mais plein de tant d’âme, de vie et de couleurs qu’il devient un véritable foyer, et un foyer pour la vie. Son rythme plus lent a été intégré à un phrasé intelligent, et Library Tapes contrecarre le déclin de la civilité et de la voix de la raison avec une musique superlative.

Malgré son titre, les compositions de Wenngren sont évocatrices de l’Angleterre rurale. La musique se déplace « Through the Woods » et passe à « Brighter Lights », indiquant le rural au milieu de l’urbain, et un petit cimetière bien entretenu juste à côté d’une route principale ou d’une rue secondaire. Ces petites zones isolées nourrissent et arrosent le piano, et la musique offre un sanctuaire de calme alors que les notes sont dispersées dans les zones métropolitaines. Les cordes dégoulinent sous une pluie froide et font tourner les brins d’herbe d’un vert plus vif.

Wenngren est rejoint par Akira Kosemura, Julia Kent, Hoshiko Yamane, Michael A. Muller et Olivia Belli, qui apportent tous leurs talents au disque. Un désir désespéré de revenir à une époque meilleure semble être dans l’esprit de la musique. Le retour est comme un thème : retour à la terre, à une période plus douce, à une époque plus calme, à l’époque où le monde n’était pas si bruyant, désorientant ou angoissant. « It Wasn’t Always Like This » est une piste émouvante là où les cordes montent progressivement, douloureuses au vibrato, tandis qu’une texture ambiante plus fine s’efface, enroulant son bras autour des cordes et les réconfortantes, pleurant la perte et l’irrécupérable. Les cordes et le piano, qui libèrent l’esprit, oxygènent la musique, comme un éparpillement d’arbres, et une mélodie d’ambiance plus profonde les traverse, enrichissant et nourrissant la musique et assurant l’équilibre lorsque les cordes ne sont pas utilisées. The Quiet City est timide et pourtant incroyablement expressive. Elle n’a pas besoin de crier sur les toits, et c’est là que réside son charme.

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Maria w Horn: « Epistasis »

27 janvier 2020

Quelques notes de piano s’égrènent doucement, lentement… Un rythme qui n’en est pas un, une forme minimale qui nous saisit pour ne plus partir… La Suédoise Maria w Horn avait fait sensation l’an dernier avec son premier opus, Kontrapoetik ; elle récidive ici avec Epistasis, un disque tout en délicatesse, pour lequel elle est accompagnée de guitaristes électriques, d’organistes, de violonistes, d’une altiste et de violoncellistes.
La particularité de l’art de la musicienne est de piocher ses influences au sein d’un répertoire varié (black metal, drone, musique minimaliste, musique électroacoustique…), tout en réussissant à les digérer afin d’arriver à un résultat d’une grande intensité. Ces quatre morceaux sont marqués par la volonté d’expérimenter sur le son, en utilisant l’acoustique et l’électronique. Le piano prédomine sur les deux « 
Interlocked Cycles », distillant des mélodies répétitives et mélancoliques, dans le but de trouver une forme d’idéal dans une contemplation statique. « Epistasis » est un morceau nimbé d’un sentiment de tristesse tenace, porté par la gravité de l’orgue et les dissonances de guitare.

On reconnaîtra d’ailleurs certains motifs cérémoniels de sa compatriote Anna von Hausswolff. « Konvektion » est le titre le plus long et avant-gardiste de l’album, proposant une forme microtonale qui évolue subtilement et de façon hypnotique. Un chemin sonore tout en retenue, incitant à la transe, reprenant les enseignements d’un certain courant minimaliste. L’ombre du compositeur Arvo Pärt plane dans la recherche harmonique, de même que celles de Phill Niblock et Pauline Oliveros pour l’aspect dépouillé, lorsqu’une seule note exprime un ensemble d’émotions, invitant l’auditeur à s’immerger profondément dans la musique pour en découvrir l’infinie beauté.

Epistasis doit s’écouter dans la pénombre afin de parvenir à une pleine introspection. Réfléchir au temps qui passe, avec évidemment le risque de tomber dans la nostalgie, mais aussi d’être plus présent à soi. Une œuvre solennelle, absolument magnifique !

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Apocalyptica: « Cell-0 »

11 janvier 2020

Des violoncelles classiques qui rencontrent le heavy metal ; Apocalyptica a complètement réformé notre façon de percevoir et de digérer le heavy metal, avec ses méthodes révolutionnaires. Le quatuor de formation classique revient avec son neuvième opus studio, un album concept, Cell-0.

Avec des motifs classiques et un travail de batterie fougueux, Apocalyptica semble avoir exploité un domaine de sa créativité qui lui était auparavant inconnu. Étrangement, l’utilisation répétée de motifs et d’idées encourage une nouvelle perspective et donne éclairage au monde de la fabrication d’Apocalyptica. Pour l’album, le groupe s’est également engagé dans un rôle de production, se permettant de se laisser aller à la créativité.

Sans paroles, Apocalyptica crée toujours une sorte de magie prenante, peignant un monde qui marie classicisme sensuel et heavy metal hardcore qui parle de mondes apocalyptiques et futuristes, et établit de nouvelles saveurs et couleurs dans leur son.

Apocalyptica n’a jamais été le genre de groupe à se réduire à certaines méthodes de performance ou d’écriture de chansons. Au contraire, il continue à repousser les limites et à nous imposer une combinaison merveilleuse, parfois imprévisible, de deux mondesdont on a pu penser qu’un jour ils ne rentreraient jamais en collusion.

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