Parkway Drive: « Darker Still »

25 septembre 2022

L’un des concepts clés de la dernière sortie de Parkway Drive, Darker Still, est une citation de Tom Waits qui orne le réfrigérateur du frontman Winston McCall dans sa maison de Byron Bay : « Je veux que de belles mélodies me disent des choses terribles ».

Les poids lourds du métal australien – composés du chanteur McCall, des guitaristes Jeff Ling et Luke Kilpatrick, du bassiste Jia O’Connor et du batteur Ben Gordon – ont cherché à atteindre cet objectif sur leur septième album. Darker Still offre un voyage lyrique profondément personnel, contrebalancé par des voix confrontées sur un fond musical défiant mais mélodique.

« Ground Zero » démarre l’album sur une note douce avec des voix claires de Winston avant d’exploser soudainement dans un riff de guitare lourd et entraînant. Le refrain puissant voit Winston déclarer « The weight that holds you down, let it go » (Le poids qui te retient au sol, lâche-lui la bride) « Like Napalm » suit avec des effets de guitare tourbillonnants et une voix agressive et conflictuelle de McCall qui demande instamment de « brûler tout ça ». Glitch continue avec le soutien musical lourd centré sur les accords puissants et un chant plus conflictuel, poursuivant le thème de l’autoréflexion. Le refrain mélodique implore « Help me take this pain away ; Sleep is now my enemy » (Aidez-moi à faire disparaître cette douleur ; le sommeil est maintenant mon ennemi).

« The Greatest Fear » offre l’un des moments les plus remarquables de l’album. Une intro chorale éthérée cède bientôt la place à un riff de guitare lourd entrelacé de solos dans le refrain. Le pont fait à nouveau appel à des vocalises chorales, « In death we sing the hymns of nevermore », pour créer un hymne heavy metal éthéré.

La chanson titre, « Darker Still », voit l’album prendre un tournant différent, s’ouvrant sur une guitare acoustique doucement piquée, accompagnée de sifflements mélodiques. La chanson offre le chant le plus doux de l’album, avec des paroles contemplatives qui s’éloignent du territoire de la ballade. « Imperial Heretic » continue sur le thème des accords puissants, mélangé à un riff solo addictif et à un chant plus abrasif, comme en témoigne la première ligne : « Watch out ! ».

L’album prend un autre tournant avec « If A God Can Bleed », un chant chuchoté et parlé soutenu par des touches douces et des lignes inquiétantes telles que « Fat little piggy with his head on the block ». « Soul Bleach » ramène une fois de plus l’album vers le son plus familier et lourd établi pendant la première moitié du disque ; des voix plus conflictuelles sont associées à des paroles telles que « A little trust is a dangerous thing » (Un peu de confiance est une chose dangereuse), poursuivant sur les thèmes précédents de problèmes personnels.

 » Stranger », le morceau le plus court de l’album avec 51 secondes, offre un autre chant chuchoté, « We are all but strangers, in a stranger world », culminant dans une offre mystique mais brève. L’avant-dernière piste, « Land of the Lost », voit le groupe revenir sur le devant de la scène, remarquable par son solo de guitare, avant que « From the Heart of Darkness » ne clôture l’album sur une note sombre. Des lignes sombres telles que « There’s a war going on inside, nobody’s safe from » et « I saw myself so broken that I struggled to reconcile » (Il y a une guerre à l’intérieur, personne n’est à l’abri » et « Je me suis vu si brisé que j’ai eu du mal à concilier) sont portées par un riff plus défiant et résistant pour clore Darker Still sur une note combative. McCall a déclaré qu’il « voulait que la fin du disque reflète mon expérience, dans une certaine mesure, de ce que ce voyage a été pour moi ».

Darker Still est un disque de confrontation qui offre parfois des moments mystiques, même si, par moments, il menace de se fondre dans un mélange de power chords. Cependant, il y a suffisamment de variations pour retenir l’attention de tous. Déjà connu pour ses concerts frénétiques, le dernier album de Parkway Drive va les aider à consolider leur statut de groupe de métal de premier plan.

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The Callous Daoboys: « Celebrity Therapist »

10 septembre 2022

Rétrospectivement, le combo initial qu’était 100 Gecs représentait vraiment le symptôme d’une tendance plus large : la musique au devenir se voulant étrange – The Callous Daoboys viennent de prendre un nouvel essor pour ingérer tout le vitriol. Vérifiez ce qui est dit sur le metal et ses genres associés pour assister au cirque, y compris les niveaux où l’abus de saxophone et l’indulgence incessante de la dissonance. La course à la dérive tourne autour de gimmicks au lieu de styles réussis, des concepts érigent des miroirs pour montrer un monde divisé qui plonge davantage dans la désillusion, les effets d’abus de production et les échantillons libérales – la liste continue. C’est une poussée désespérée de l’enveloppe qui est à parts égales accidentelle et délibérée ; le combo n’avait pas l’intention que leur blues n’ait pas un son de rock pour devenir sauvagement expérimental, mais il s’est développé en conséquence de leur désir de faire la fête et de profiter de la vie aux côtés d’amis, tandis que Frontierer a organisé la folie de manière méticuleuse pour atteindre un objectif incroyablement clair. Quelque part en cours de route, ce terme mythique d' »originalité » a commencé à pousser sa tête sur les tranchées, et tout en le faisant, c’est un jeu dangereux – ce que vous voulez dire par personne n’a fait cela auparavant? – il semble approprié pour cette nouvelle vague de musicien frénétique et imprévisible.
Quelle que soit l’intention, T
he Callous Daoboys incarnent cette quête pour être stupide dans pratiquement toutes les facettes. Des défilés de dissonance débridée sur des paysages sonores chancelants qui arrachent des motifs à hue et à dia avec un raisonnement clairs pour le faire, des éléments électroniques et des passages de violon envahissent chaque fois qu’ils le souhaitent, les grosses rasseuses de basses attirent l’attention avant de crier les guitares choisissent de les rejeter, pendant que la bande livre chaque note avec une sourire shot-fe. C’est une blague jusqu’à ce qu’elle ne soit pas, à ce moment-là, elle reboucle en étant de pur divertissement. L’effort de lancement de Die On Mars est déjà affranchi dans une aura B-movie-esque qui a nécessité une suspension de l’incrédulité, ce qui avec les paroles apparemment fous et les monstres de cris Dillinger qui ponctuaient les ruines vicieuses. Prenez toute cette folie, multipliez-le décupler, injectez de nombreuses quantités de mélodie pour faire bonne mesure, et une bête beaucoup plus redoutable émerge.The Celebrity Therapist, répond au potentiel du groupe de Géorgie, puis à certains, qui équilibrent parfaitement la lourdeur palpitante et la prise en main assombrissante. Non seulement parmi les albums les plus étranges pour faire scénariser la scène metalcore contemporaine depuis des années, mais c’est sans doute l’un des meilleurs, mais cet effort de la sophomore peut fournir des extases sans limite à travers une pléthore de voies, en modifiant constamment en quelque chose d’impossible à clouer.
Alors que les travaux précédents étaient principalement axés sur des intérieurs foncés, utilisant des rainures lourdes pour la folie, 
The Celebrity Therapist apporte une quantité surprenante de mélodie dans le pli. La coopération entre ces deux facettes confère au record son style sans précédent, permettant à chaque membre de s’épanouir individuellement et en appuyant les différentes sections propres ou les éruptions soudaines d’énergie trépidante. Cette puissante dichotomie est évidente par l’ouverture « l’astrologie violente » et son instrumentation volatile. La complexité est immédiatement amplifiée lorsque les guitares dentelées se jordillent pour l’espace, ce qui reçoit ce temps un support supplémentaire par le bourdonnement de lignes de synthé et les effets électriques en cascade. Combinée aux voix rungueuses de Carson Pace, l’intensité devient étouffante, se liant à la punition des pannes renforcées par une basse toronneuse à des riffs cacophoniques et à la batterie. Cependant, le collectif parvient à orienter cette violence dans une seconde moitié caractérisée davantage par la retenue; Pace fléchit son chant propre, ajoutant une teinte de vulnérabilité dans une partie étonnamment mélancolique qui opte pour créer de l’espace grâce à des textures plus douces. Par la suite, « A Brief Article Regarding Time Loops » utilise ces exercices d’écriture de chansons réservés – dans ce cas, un entre-temps parlé étrange – pour récupérer pour une autre attaque, plus agressive, qui met en lumière les monstrueux bas de Jackie Buckalew. L’ancrage du refrain de la piste est un groove pulvérisant qui fait de la même manière une utilisation merveilleuse de la basse, associant une mélodie vocale à la hauteur d’un riff bas de gamme  et se voulant dominant lui favorise le cueillette de tête indéfinie. La cimentation du tintamarre ce sont sont des notes de violon grattantes qui étalent une ambiance immersive de folie, colorant le paysage avec sa qualité discordante. C’est un combat de remorqueur de cordes mélodiques et de leurs opposés, qui élèvent tous deux ce dont les Daoboys étaient à l’origine.


Les capacités compositionnelles des Daoboys ont globalement atteint un niveau incroyable. Dans ce nouveau cadre mélodique, le collectif peut construire des moments impressionnants qui naissent de voyages allongés par opposition à des agressions agressives. Ils ont encore un succès infini dans ce dernier ; « Beau Musule » est une véritable tornade de riffs de basse funky, d’effets de synthétiseurs glougloutants et de guitares corrosives. Chaque pièce est intrigante, en mouvement constant, et se déplace sur demande pour concevoir quelque chose de grand-plus en offrant des couches abondantes à analyser. Pourtant, c’est la première qui révèle définitivement les prouesses structurelles en jeu ; considérez la « Title Track » atmosphérique, choquante, qui s’appuie fortement sur les paysages de synthétiseurs subtils et les performances charismatiques de Pace. Une introduction dure avec des guitares discordantes se désintègre dans des harmonies vocales qui se mélangent dans le chant sombre de Whitney Jordan, qui finit par évoluer vers un chœur forloré, bien que résonnant qui éclate de l’ambiance. Les cordes délicates sont méthodiquement déconstruites par des cris, des attaques de guitares, et la basse omniprésente, attisant lentement le flou émotionnel qui obscurcit la mature, progressant lentement vers un final qui jette tout à un mur et le fragilise en morceaux. Un riff mélodique guide le chemin avant qu’il ne soit balayé dans un cri persistant de Pace, permettant à la statique de s’implanter et de faire taire la dissonance. L’album met l’accent sur « Star Baby » montre cette même méthodologie, en voyant tous les arrivants avec des rainures de metalcore et des guitares en spirale, pour s’engager dans une métamorphose à couper la mâchoire qui se termine par une magnifique pause propre. Un saxophone rugissant et un piano chanceux a jeté la lourdeur des minutes précédentes, en construisant sur les cendres une finition pompeuse qui ressemble à un extrait d’une comédie musicale tordue de Broadway. De la manière typique de Daoboy, il est démontré avec une marque clignotante – qui sait ce qui est réel ici? – mais ce qui ne peut être contesté, c’est le travail de base étonnant nécessaire pour atteindre un pic aussi captivant.
Ce qui établit inévitablement le
Celebrity Therapist comme un disque d’une certaine importance, c’est la façon dont il semble accomplir l’impossible : il concocte un style qui, tout en possédant des influences traçables, commence à prendre une identité qui lui est propre. Cela doit un crédit important à la maturité impressionnante de l’auteur de l’écriture de chansons susmentionnée, qui permet à des éléments disparates d’entrer et de sortir organiquement sans provoquer un moment de choc. Une coupe de la « L’Homme de l’éléphant dans la salle » court à travers un nombre de motifs vertigineux, pilulant l’auditeur avec des guitares serpentines à un moment, puis frappant un nouveau train dans un refrain gonflable, puis sauter dans une pause ludique, jazzy, puis démontageant cela avec des notes de violon et des cordes grinçantes, mais il y a une ligne à travers.des styles sur un caprice pour cimenter les transformations comme authentiques. La manipulation de la signature temporelle en jeu et tous les différents changements de tempo sont indéniablement sauvages, mais c’est là que réside l’attrait ; il y a une manie séduisante dans comment, disons, « Qu’est-ce qui est délicieux ? Who Swarms? » mélange le nootage du saxophone, un refrain blues, une technicité abrasive et des mélodies de guitare polies tandis que les notes de synthétiseurs décorent le fond. C’est aussi virtuose que possible un mathcore extrême, même si les rythmes insérés ici et les aspects de support qui les rejoignent ne sont pas concoctés ainsi sans discontinuité ailleurs. Tout est en service pour générer une expérience émotive et frénétique qui refuse de rester immobile, à la place de nouveaux concepts et idées. Il pourrait s’agir de la belle seconde moitié de « Star Baby » ou des délices de « Beautiful Mû Missile » – soit d’une manière ou d’une autre, le résultat final est un mélange unique prêt à prendre des risques importants.
Il faut un talent important pour non seulement se diversifier des titans du genre, mais aussi pour créer une identité sonore qui peut être reconnue lors d’une simple visite sommaire. Si un acte de base métallique existant est sur le point de revendiquer le terme toujours insaisissable d’originalité, le septet de Géorgie est peut-être le plus proche de fusionner ses inspirations en quelque chose de radicalement de sa propre main, et il est présenté d’une manière irréprochable de manière cohérente malgré les innombrables thèmes fouettés qui sont fouettés. C’est une tentative authentique d’expérimentation incessante qui non seulement se rebelle contre la convention, mais montre avec amour ses décisions irrationnelles extérieures. Un concept global est en jeu – cette idée que la vie est une boucle répétitive, que ce soit des sphères personnelles ou le monde en général – mais il n’est pas certain que l’équipage Callous soit l’apcrocheur ou le Frontière de l’histoire. La vérité avant tout, c’est qu’un groupe honnête à la bonté nommé The Callous Daoboys a fait pleuvoir la porte de 2022 et a fourni l’un des efforts les plus forts de l’année. Malgré la renaissance de la scène metalcore générant une foule de nouvelles tenues,
Celebrity Therapist découpe une niche que d’autres ne peuvent conquérir. C’est un enregistrement qui peut crier sur le dessin des pieuvres sur Facebook, puis peut soudainement servir des coups de poing émotionnel sur les relations couplées et les questions d’estime de soi. Sur le papier, il ne devrait jamais fonctionner – il n’y a nullement de rien que ce violon n’est pas un autre gadget, ou ces synthétiseurs sont plus qu’un hommage de HORSE the Band – mais en exécution, il est faux de manière insondable. C’est l’état absolu de la musique de nos jours : tout à fait stupide, expérimental au bord du flop absolu, et, à cet égard, il procure une joie inhabituelle à contempler cette déraison.

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Grayscale Season: « Slow Emotions »

1 avril 2022

Ces dernières années, Grayscale Season a accru sa popularité au sein de la scène nu-metalcore. Bien qu’il n’apporte rien de nouveau à ce genre saturé, le groupe a maintenu sa production constante de riffs lourds et appétissants et de sections mélodiques entremêlées. Leur dernière production, Slow Emotions, montre le groupe en pilotage automatique, surfant sur les vagues de la formule mise en avant par les pionniers du nu-metalcore sans aller au-delà des attentes, suivant la foule et s’y perdant. Le morceau d’ouverture éponyme illustre parfaitement ce phénomène en combinant des moments de groove agressif juxtaposés à des sections claires plus douces et à des passages de refrain mélodiques. Ces différents moments semblent venir de nulle part, ce qui rend le morceau lui-même anormal. Une minute, vous êtes enveloppé par des guitares intenses et graves, et la minute suivante, vous êtes propulsé dans une section de mélodie discrète. C’est un schéma que l’on retrouve tout au long de l’album ; les chansons ne sont plus des idées abouties, mais plutôt des concepts assemblés dans l’espoir de former un morceau.

Slow Emotions donne malheureusement l’impression d’un projet incapable de trouver son identité. À chaque instant, Grayscale Season se contente de refléter les tropes mélodiques/agressifs du genre, rassemblant toutes les influences qu’ils ont pu saisir pour en faire un riff ou un refrain. Qu’il s’agisse de l’intro post-hardcore de la chanson titre, du breakdown « thall » de « Side Effects » ou des grooves nu-métal de « Champagne Tears », ils ont l’impression de ressasser de vieilles idées au lieu d’établir quelque chose qui leur est propre. Cela n’enlève rien aux moments véritablement intriguants et agréables de Slow Emotions. La seconde moitié de « Luxury Depression » montre Grayscale Season sous son meilleur jour, embrassant son côté heavy et créant quelque chose d’unique. Leur mélange de deathcore noirci et d’ambiance intense montre une facette du groupe qui s’éloigne des modèles plus typiques du nu-metalcore. De plus, le moment de conclusion de « Human Resources » s’appuie sur cette lourdeur captivante et laisse une impression durable. Cependant, ces brefs moments d’éloquence sont presque complètement sapés par le manque d’identité que l’on retrouve dans le reste de l’album. Bien que le projet comporte quelques moments amusants et accrocheurs, ils sont fugaces au milieu de schémas formels et de l’incapacité à rompre la monotonie. Avec Slow Emotions, Grayscale Season a rempli le moule du nu-metalcore, et il est maintenant temps pour eux de le briser.

***1/2


SeeYouSpaceCowboy: « The Romance Of Affliction »

26 février 2022

De tous les groupes de la scène dite « revivalcore »t, les Californiens de SeeYouSpaceCowboy sont sans doute les plus populaires. Avec un son et une esthétique qui renvoient à l’époque de MySpace, des longues franges et des titres de chansons encore plus longs, le quintette semble avoir touché une corde sensible non seulement chez ceux qui ont grandi à cette époque, mais aussi chez ceux qui l’ont ratée la première fois. The Romance Of Affliction est leur deuxième album, la suite très attendue de The Correlation Between Entrance And Exit Wounds, sorti en 2019. Tout comme cet album, le groupe s’appuie sur un mélange puissant et nostalgique de metalcore et de post-hardcore, imprégné de son propre culot. Ils ont également élargi leurs horizons, cet album étant sans doute le plus vaste à ce jour.

Il suffit de regarder les invités qui apparaissent sur The Romance Of Affliction pour se faire une idée de la réputation que SYSC s’est faite en quelques années. Par exemple, l’ouverture de « Life As A Soap Opera Plot, 26 Years Running » n’a pour invité que Keith Buckley de Every Rime I Die. Etant donné que tout ce que Buckley touche semble se transformer en or, il n’est pas surprenant que ce morceau soit un véritable délire. Avec ses breakdowns violents et ses accords dissonants, il place la barre très haut pour le disque suivant. Ailleurs, Aaron Gillespie d’Underoathprête ses talents à la huitième piste et au récent single Intersecting Storylines To The Same Tragedy. Il est encore plus à l’aise avec SYSC, son chant clair se juxtaposant de manière frappante aux cris déchirés de la frontwoman Connie Sgarbossa.

L’apparition du rappeur Shalin G sur le quatrième morceau « Sharpen What You Can » est peut-être encore plus intéressante. C’est certainement une association moins évidente, mais qui fonctionne étonnamment bien. G s’intègre facilement dans le processus, délivrant un couplet percutant sur la menace metalcore qui s’installe progressivement au sein du groupe. Pour compléter cet impressionnant casting de collaborateurs, on retrouve les anciens partenaires de SYSC dans If I Die First, qui apparaissent sur le titre final, ainsi que le producteur Isaac Hale de Knocked Loose, lui-même déjà sur la voie de la royauté du hardcore et de la production.

Les apparitions des invités peuvent embellir le disque, mais aucune d’entre elles n’occulte la qualité des performances de SYSC. Les deux « singles », « Misinterpreting Constellations » et « The End To A Brief Moment Of Lasting Intimacy » prouvent exactement cela. Les deux morceaux dégoulinent d’émotion, avec des parties vocales claires et massives qui ajoutent un côté puissamment mélodique. Ces voix claires restent une caractéristique commune de l’ensemble du disque, bien plus que dans les productions précédentes du groupe. Elles tendent même vers le pop-punk à certains moments, notamment sur le cinquième titre « With Arms That Bind And Lips That Lock ». Pour la plupart, elles sont un ajout bienvenu, bien qu’il faille reconnaître qu’elles pourraient agacer certains auditeurs. 

Ceux qui recherchent la sauvagerie ne devraient pas être déçus non plus. » Sgarbossa », mentionné plus haut, en particulier, l’apporte à la pelle, soutenu par la lourde attaque métallique du groupe. Sur le plan lyrique, « Sgarbossa » examine la lutte contre l’adversité tout en essayant de trouver la beauté dans ce combat et l’espoir du triomphe. Elle alimente une performance toujours passionnée et féroce, avec ses cris brûlants capturant une douleur d’autant plus grande qu’elle a failli mourir d’une overdose deux semaines seulement après la fin de l’enregistrement du groupe.

Avec un peu moins de 40 minutes, The Romance Of Affliction est une durée raisonnable pour un disque comme celui-ci. Une durée plus longue aurait probablement nécessité un peu plus de variation, mais cela ne veut pas dire que ce disque est unidimensionnel. Du début à la fin, SeeYouSpaceCowboy équilibre une férocité à couper au couteau avec des mélodies émouvantes et un fort sentiment de poids émotionnel. Ils ont peut-être perdu un peu de l’énergie de leurs premiers albums, mais il ne fait aucun doute qu’il s’agit toujours d’un groupe qui peut faire référence à l’histoire de la musique.

***1/2


Every Time I Die: »Radical »

30 octobre 2021

Est-ce que Every Time I Die a toujours été aussi en colère ? La réponse est évidemment oui, comme en témoignent tous les albums du groupe, qui sont tous des albums du sud de riffs. Pourtant, il y a quelque chose de clairement, vertigineusement furieux dans Radical, une inflexion qui est tout simplement délicieuse.

Le tryptique d’ouverture « Dark Distance », « Sly » et « Planet Shit » éclate avec le genre d’énergie énervée que le quintet originaire de Buffalo n’a pas vraiment atteint depuis Ex Lives en 2012. Les tendances un peu plus posées et calculées de la production récente du groupe sont vivement secouées en échange des bords joyeusement déchiquetés de Radical, teintés comme toujours de leur flair rose vif caractéristique pour le groove et la mélodie. « All This And War » et « AWOL » font durer la fête, lançant à tout va grenade après grenade de blues infectieux et infernal. Jordan Buckley et AndyWilliams se renvoient des coups de guitare frénétiques et funky tout au long des deux morceaux, tandis que Keith débite d’interminables répliques cathartiques avec une bravade et un cran fiables.

Les morceaux plus doux sont tout aussi impressionnants, ETID conservant un soupçon de calme et de sérénité dans son répertoire malgré sa férocité renouvelée. Le serein « Thing With Feathers » et le douloureusement chantant « Post-Boredom » rythment agréablement les beats endiablés, tandis que les pensifs « Desperate Pleasures » et « We Go Together » créent, en revanche, des atmosphères moralement claustrophobes, s’ouvrant sporadiquement sur des coups de batterie et des larsens comme dûment espéré.

Le fait est qu’on ne vous dit probablement rien que vous ne sachiez déjà. Les gars ont été au centre de la fosse aux lions depuis que leur saveur préférée de heavy a été conçue, et tandis que beaucoup d’autres noms sont venus et sont partis, Every Time I Die reste toujours sur le bout de notre langue collective après plus de 20 ans. Radical n’est en aucun cas une réinvention ou une révélation pour le groupe, mais je ne voudrais pas qu’il le soit. En refusant de réparer ce qui n’est pas cassé, ETID s’impose une fois de plus comme le roi régnant de son chateau gonflable particulier et éclaboussé de sang. Covenons de penser que l’ont peut parler pour tout le monde quand on dit : p…..  de Dieu merci pour ça!

***1/2


August Burns Red: « Guardians »

6 avril 2020

Au fil des ans, August Burns Red a constamment et sans aucun doute livré ce que les fans de metalcore souhaitaient et est donc resté un groupe de base du genre. Intégrant leur signature sonore dans chaque chanson, ils continuent à créer des morceaux instantanément reconnaissables qui non seulement utilisent des techniques maîtrisées et des riffs perfectionnés, mais qui les rehaussent en y ajoutant une touche subtile mais perceptible, donnant un sentiment de fraîcheur.

Leur neuvième album Guardians ne s’écarte pas de cette recette éprouvée et pourtant perpétuellement couronnée de succès et peut facilement être considéré comme leur plus grand succès à ce jour. La narration donne le ton de cet album, après quoi chaque chanson monte d’un cran. Bones y ajoute une touche d’hymne, avant de calmer brièvement les esprits, juste assez pour que l’énergie fougueuse de Paramount frappe de plein fouet et se propage dans les titres suivants : « Defender », « Lighthouse » et « Dismembered Memory ». Ces chansons posent des questions intrigantes sur l’individu et l’unité, en se battant en duel contre le destin de l’homme, le sien et celui des autres.

« Ties That Bind » apportera un léger changement de rythme avec une intro étonnamment « lapaisée, mais elle revient rapidement au rythme des fusillades et des combats tout en faisant une déclaration incitative en faveur de la libération avec une forte croyance dans la réussite de la liberté. Cet esprit combatif est encore alimenté par « Bloodletter » et « Extinct By Instinct », dont la partie médiane offre une pause inattendue mais bien placée par rapport à la folie, sous la forme d’un morceau instrumental mélodique, presque dépouillé, comme si un moment de recueillement était nécessaire pour que les idées prêchées jusqu’à présent se synchronisent correctement dans l’esprit de l’auditeur. Tandis que « Empty Heaven » et « Three Fountains » introduisent les idées de fin et, par conséquent, de ce que l’après-coup signifiera – sera-t-il une occasion de se réinventer ou une amère réalisation de son vrai moi ?

Dans l’ensemble, une fois de plus, ABR répond aux attentes avec un album de metalcore fort et mature, restant fidèle à lui-même et au genre tout en apportant à ses fans quelque chose de différent. Ensemble, les chansons suivent un flux naturel et sans faille tout au long de l’album, tout en réussissant individuellement à se maintenir en tant que musiciens nous rappellant ce qu’est le metalcore grâce à une nouvelle série de munitions de dynamitage.

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Tenside: « Glamour & Gloom »

4 avril 2020

De retour après un Convergence qui a été signe d’un second souffle impressionnant, le quatuor de métalcore Tenside a doublé la formule gagnante pour le huitième L. P., un Glamour & Gloom au titre on ne peut plus ambivalent et paradoxal.

Des mélodies en duel marquent le début du disque, le morceau-titre plongeant dans des riffs endiablés et des accords en demi-pas suivant cette même mesure. Bien que « Glamour & Gloom » »s’en tienne à la formule standard du metalcore, les changements de couplets et le solide refrain élèvent le morceau à une ouverture forte.

Le groove rebondissant de « As Above So Below », légèrement décalé, sous-tend les pistes inquiétantes de Michael Klingenberg, tandis que Daniel Kuhlemann pharse les textes d’une voix grondante et dominante. Avec un rythme trépignant et un break teinté de boue, il insuffle suffisamment de rebondissements pour s’écarter des sommets éprouvés du genre.

Si le début du disque ne s’éloigne pas trop de ce plan, on peut apprécier le perfectionnisme qui a présidé à la réalisation des morceaux. Du refrain irrésistible et prêt à l’emploi de « Along With The Gods » au swing et à la fougue de « Cannibal » », le quatuor met en avant ses points forts, avec l’inclusion de la solide accroche vocale de Kuhlemann dans le dernier titre, élément qui s’avère être un point fort.

Avec une présence obsédante dans « The Devil Within », Tenside se glisse entre la fragilité du style shoegaze et les riffs mugis et tirés des règles inaliénables du death metal avec aisance. En s’immiscant dans cette nouvelle voie, la compsotion crée un point de pivot pour le quatuor, s’il choisit daller un peu plus loin par la suite, évolution qu’on ne peut exclure.

En attendant, Glamour & Gloom se contente de livrer des riffs qui font claquer les os et les crânes, ce qui est évident sur « Only The Brave », créant ainsi un refrain hurlant tandis que « Overcome » va sauter tête la première dans des grooves à double détente et des chants qui déchirent la gorge.

Bien que le disque se concentre principalement sur les refrains et un projet qu’on sent prêt pour le stade, on pourra trouver quelques moments comme « The Last Anthem » qui s’inspire de death ‘n’ roll et « All Black Everything » qui utilise plus d’espace que d’habitude pour créer une conclusion dynamique et riche et où Tenside délivre simultanément puissance et retenue.

S’il y a des passages plus faibles, Glamour & Gloom offre un parcours rafraîchissant au travers la cette deuxième vague de metalcore tout en prouvant qu’il peut encore être peaufiné. Avec un son raffiné et poli, Tenside a sorti son meilleur album à ce jour.

***1/2


The Amity Affliction: « Everyone Loves You… Once You Leave Them »

3 avril 2020

Parlons de la mort. Quel genre de mort ? Qui est la mort ? Pourquoi la mort ? Vous aurez bientôt les réponses, mais pour cela, nous devrons également parler de la maladie mentale, car les deux thèmes sont étroitement liés et se rejoignent souvent lorsque nous parlons des jeunes générations en général et, depuis peu, de plus en plus d’artistes émergents et bien établis. À ce propos, pourquoi ne pas parler aussi des espoirs et des rêves. Après tout, ils sont la première étape, l’étoile du Nord et la destination finale pour toute personne poursuivant une carrière artistique, inconsciente ou peut-être trop jeune, naïve et alimentée par le feu de la passion pour remarquer les dernières ombres des luttes émotionnelles et mentales qui la suivront en cours de route.

Les Amity Affliction prennent ces thèmes très au sérieux dans leur septième album intitulé Everyone Loves You… Once You Leave Them et les regardent sous tous les angles, en explorant une pléthore de nuances. Chanson par chanson, l’album raconte une histoire différente, inspirée par la douleur de la précédente et approfondissant sa cause et sa signification.

L’album commence avec « Coffin », une chanson courte mais lyrique et mystique qui partage une prémonition de la mort des rêves – il semble qu’elle était destinée dès le début. « All My Friends Are Dead « s’étend sur cette fin cruelle, avec un son plus lourd et dessine une image apocalyptique d’un monde au bord de la destruction où l’on est abandonné et doit tout affronter seul. « Soak Me In Bleach » donne un rythme un peu plus lent au début, en déplaçant l’attention sur le héro » de l’album, qui est accablé par l’agonie et épuisé d’avoir essayé d’y échapper, au point de vouloir disparaître. La chanson s’alourdit progressivement en plongeant dans le sentiment de désespoir, suscité par l’effort incessant et futile de fuir la douleur.

« All I Do Is Sink » se présente comme une antithèse à l’image précédente du monde en feu. La chanson contraste avec les précédentes car le refrain devient moins agressif et plus musical, tandis que le reste des chansons se développe dans le sens inverse. Tout en maintenant son attention sur le héros, elle change la perspective sur leur solitude et accentue son absurdité.

« Baltimore Rain » abandonne finalement le style de narration mystique et dramatique au profit d’une intrigue plus racontable qui se déroule à l’époque moderne, où le héros peut être n’importe qui d’entre nous se sentant accablé par les problèmes, vivant sans direction et rêvant d’être libéré de toute cette souffrance intérieure. La solitude déforme un peu les choses, en trouvant le bonheur dans la solitude et en l’associant à la liberté la plus désirée. Les deux chansons abandonnent le chant métalcore et l’instrumental lourd au profit d’un son rock de plus en plus mélodique, mais « Forever » les remet au goût du jour, au moment où l’ambiance change à nouveau. Secouant lentement les tendances contemplatives, cette chanson s’ouvre sur le seul sentiment positif qui parvient à briller à travers l’obscurité et qui résistera à l’épreuve du temps : l’amour. C’est probablement la chanson la plus innocente et, oserais-je dire, la plus positive de l’album.

À partir de là, la douleur revient au premier plan, car « Just Like Me » cherche de la compagnie dans ce voyage à travers la douleur. À son tour, elle offre de la compassion et une chance de liberté au compagnon de route, car le héros a perdu tout espoir pour lui-même et a accepté son destin. « Born to Los »e montre cependant un point de vue différent sur cette acceptation – alors que le héros a accepté le fait qu’il est essentiellement condamné, il n’est pas le bienvenu face à l’examen minutieux et à l’interprétation ou aux conseils tordus de qui que ce soit.

« Fever Dream » ramène le style lyrique rempli de symboles, l’instrumental enflammé et les thèmes du début de l’album, mais le héros nie maintenant sa réalité et est désormais accablé par la peur de mourir seul. « Catatonia » complète le cercle, car son style musical est très proche de celui de « Coffin « et il embrasse la mort indéniable tout en prenant la tête, défiant presque les perpétuelles luttes sans espoir auxquelles il doit faire face encore et encore. Notre héros reconnaît sa condition, embrasse la peur et est déterminé à continuer à se battre, espérant qu’il pourra atteindre le bonheur… avec un peu de soutien.

Dans l’ensemble, l’album propose un concept assez intrigant, régi par la cyclicité, qui est mis en œuvre dans tous ses aspects, du message au son. Il parle des problèmes les plus urgents auxquels les artistes d’aujourd’hui sont confrontés et brosse un tableau complet de ce que signifie souffrir d’une maladie mentale, en tournant autour de représentations surréalistes et identiables au point de nous interpeller. Le meilleur aspect de cet album est la façon dont il parvient à condenser tant de thèmes, mort, maladie mantale, de sentiments, affliction, et de sons, grâce à des chansons remarquables qui s’emboîtent parfaitement les unes dans les autres, comme les pièces d’un puzzle.

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The Acrylics: « Sinking In »

12 mars 2020

Être un artiste est  un idéal glamour mais il mais rend humble dans la pratique. Voilà quelque chose que The Acrylics ressentent clairement et leur Sinking In capture parfaitement ce sentiment de décalage entre illusion et réalit avec une authenticité absolue. 

L’album s’ouvre sur le rock tranchant et décalé de « Haze », un labyrinthe de riffs acérés comme par une lame de rasoir, de rythmes tumultueux et de grooves descendants à l’infini, capturant le délire de l’équilibre trop commun entre travail et vie privée sous la forme d’un hymne funèbre croustillant et punk façon Pissed Jeans. Des vibrations post-punk aquatiques se mêlent à une mousse abrasive sur le titre « Retrea », un plaidoyer pour l’apaisement, tandis que le morceau-titre importe un cauchemar dark-core pour évoquer un nuage noir d’accords acides et de réverbération tonitruante pour effacer le soleil sur les collines de Santa Rosa ; un soleil moqueur bien sûr. Bien que The Acrylics soient un groupe de hardcore, leur son se démarque des reprises de plus en plus populaires du metalcore de groupes comme Code Orange et Turnstile, afin de couvrir les routes secondaires desséchées de l’Ouest spirituellement stériles avec une ferveur fataliste qui rappelle les groupes de noise rock comme KEN Mode et Annihilation Time, dont l’influence est la plus importante sur un « Awake » sont la déflagration fait penser à un blitz. L’ambition du combo de capturer plus que l’agression brute est rontrastée par la torpeur glaciale des deux interludes instrumentaux ; le pensif « Closer », et un « In Motion » mécanique et tordu par l’enfer.

Le monde d’aujourd’hui est construit pour vos mettre à genoux, ses pressions et ses exigences sont incompatibles avec l’existence humaine ou tout semblant de sens durable ou transcendant. Parfois, tout ce que nous pouvons faire pour survivre, c’est d’enfouir la terre sous nos pieds et d’espérer trouver un endroit confortable pour dormir dans le trou que nous avons creusé. The Acrylics saisissent cette angoisse fondamentale et lancent donc ce Sinking In éruptif, comme une fusée éclairante dans la nuit, pour chasser les ombres et nous rappeler, dans un élan qui se veut salvateur, que nous ne menons pas cette guerre contre cette humanité percluse et perdue dans l’isolement.

***1/2


Savage Hands: « The Truth in your Eyes »

16 février 2020

Jeune groupe du Maryland, Savage Hands sort aujourd’hui un second album metalcore / emocore / post hardcore conjuguant, comme ses petits camarades, énergie débordante et format pop assumé, pondant les titres à chantonner car, indubitablement, The Truth in your Eyes, c’est de la variété pop metal. Ce ne ne seront pas quelques accélérations et hurlements qui pourrant changer de regard sur eux d’avis. Savage Hands, c’est un peu Sum 41 qui rencontre Paramore. Ce deuxième album parle de vérité et de mensonges et il n’y a pas grand-chose à dire ou écrire. Les onze titres fonctionnent très bien, bien joués, bien produits, traversés de breaks malins, des traditionnelles accalmies avant l’explosion de décibels.

La brutalité est savamment dosée, ni trop ni trop peu, assez en tout cas pour qu’on sache que c’est de metal qu’on parle, mais ne ressort que par touches (pour la voix), histoire de laisser le maximum de latitude au plaisir d’écoute de mélodies pop évidentes. Trop ? Sans doute, mais particulièrement bien ficelé.

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