Chypled Black Phoenix: « Banefyre »

11 septembre 2022

Chypled Black Phoenix est un élément de base de la scène metal underground depuis une quinzaine d’années. Coduit par l’ancien batteur de ElectricWizard Justin Greaves, le groupe a vu un large cercle de musiciens contribuer à différents moments, et se distingue par leur capacité à créer des atmosphères sombres et de mauvaise humeur à travers un large éventail d’influences de genre. Banefyre est leur dernier opus, un monstre absolu d’album selon les trois normes du groupe.
Une note malheureusement nécessaire: moins on l’a dit à propos de la chanson d’intro de ce
disque « Incantation For The Different », mieux c’est. Au mieux, c’est un ajout malavisé à une libération déjà très longue, au pire, c’est un petit morceau qui apporte des monceaux de palpitations des sens menaçant le pronostic vital. Heureusement, la deuxième piste, « Wyches And Basterdz », essuie rapidement ce mauvais goût de la bouche de l’auditeur, générant une niveau plus élévé que le reste de l’album parviendra à maintenir.
Dans l’ensemble, cette performance s’étendra sur
les quatre-vingt-treize minutes de ses douze pistes. Les auditeurs conscients du matériel antérieur de Crippled Black Phoenix ne seront pas nécessairement surpris par les influences sonores dans le jeu, mais les chansons ici sont diversifiées de manière satisfaisante. « Wyches And Basterdz » est peut-être l’offre la plus souvent métallique, travaillant sur une base de riffage des malheurs, tandis que le duo de milieu d’album de « Rose Of Jericho » et « Blackout77 » plonge dans le post-rock, sentant comme des coupes perdues de la sortie de cette ère classique qu’ont été, pour ce genre, années 2000.

Entre les deux, il y a des offres plus immédiates, alt-rock, avec « Ghostland », qui prospèrnt comme un nombre étonnamment anthemique construit sur une mélodie folklorique triste et vaguement celtique. Dans les dernières étapes de l’album, « Everything Is Beautiful But Us » penche dans une interprétation inhabituellement magnifique de la scène d’Emma Ruth Rundle, tandis que mammouth plus proche « La scène est un faux prophète » est tout le prog de mélancolie rencontre le post-métal, inquiétant et puissant mais toujours en action avec retenue.
Banefyre souffre un peu de la maladie courante des œuvres de cette ampleur: plus de 1,5 heure, c’est long pour consacrer à un seul record, et un petit rognage profiterait probablement à l’impact de l’effort dans son ensemble. Cela dit, à l’exception de l’intro qui ne sera pas nommé, Crippled Black Phoenix a fait un travail très impressionnant ici en élaborant une musique d’excellente qualité, et même compte tenu du degré de variation stylistique, il y a une humeur cohérente tout au long. Il est surprenant que cet album soit un peu déprimé, qui contemple des sujets tels que l’iniquité sociale et les troubles urbains, la dépression et la religion, dont aucun n’est délivré de manière particulièrement édifiante. Les résultats fournissent une ambiance quelque part entre une expression artistique plus ordinaire de l’angoresse et une bande-son à un rituel satanique aux chandelles. Tout cela pour dire que si Banefyre est un album qui va vraiment secouer vos tripes dans un bon nombre d’endroits, c’est la nature hantée de beaucoup de ses chansons qui restera avec l’auditeur plus que tout.

***1/2


Holy Fawn: « Dimensional Bleed »

11 septembre 2022

Il y a quatre ans, Holy Fawn s’est présenté à nous grâce à l’ambiance délicate que constituait  «Dark Stone», l’ouverture phénoménale de Death Spell. Aujourd’hui, « Hexsewn » remplit ce rôle pour le deuxième album, et il le fait avec des tons apaisants similaires. Cependant, lorsque «Dark Stone» juxtapose sa tranquillité avec des murs sonores déformés dans les trente secondes, les premiers moments de Dimensional Bleed optent pour respirer plutôt que de s’étouffer. La coupe d’ouverture s’estompe sans établir une structure distincte: au lieu de cela, elle dissout les textures de l’inconfort et du calme dans une structure abstraite de lui-même.
C’est un excellent plan pour Dimensional Bleed, l’un des albums les plus titrés de l’année. Plutôt que de se concentrer sur les moments d’intensité écrasant en ou de développer le don du groupe pour sa splendeur explicite, le disque se déplace latéralement. Le lead single « Death is a Relief » incorpore de magnifiques étincelles et des sections teintées de couleur, mais il y a un sentiment de calme dans la chanson qui semble étrangement désorientant et trompeur. Les synthétiseurs détachés introduisent « Death is a Relief »; les guitares acoustiques déformées signalent sa dissolution, façonnant une juxtaposition efficace. D’une part, l’album se sent organique à travers ses saignées disjointes ; d’autre part, il s’enracine constamment dans plusieurs domaines à la fois par l’incorporation de chaque élément que la bande semble avoir à leur disposition.
En tant que tel, Dimensional Bleed est un record qui exige de la patience. Alors que l’apluction post-métal de « Empty Vials’ et les trois minutes féroces de « Dimensional Bleed » peuvent être relativement immédiates, l’album s’appuie systématiquement sur des subtilités pour ses bénéfices (ou son absence). « Lift Your Head » prend forme à travers un houle éthérée qui souligne son ensemble, nevanissant ni vers l’avant ni reculer. Il ne construit pas ou ne change pas au fur et à mesure que la chanson progresse; au lieu de cela, il fonctionne comme un cadre pour les couches denses que Holy Fawn construit avec soin. De même, l’épopée de sept minutes « Sightless » dépense une bonne partie de son écoulement se prélassant dans des timbres silencieux et imbibés, permettant à la chanson de construire jusqu’à ce qu’elle s’effondre complètement sur elle-même. Cette approche exige et, dans une certaine mesure, toute son attention: la grande houle de la piste est construite autour de subtilités enfouies dans l’excellent mélange – construire un réseau de textures qui aboutit finalement à quelque chose d’aussi abstrait.


Aussi excellents et soigneusement tissés que soient à chaque instant, Dimensional Bleed souffre légèrement de ses propres ambitions nuancées. Alors que Saint Fawn parvient en grande partie à trouver de la force dans un flou constant, les changements exclusivement subtils et les ajustements texturaux de l’enregistrement ne parviennent pas à définir concrètement les chansons comme des entités individuelles. Cela est quelque peu à double tranchant; alors que les saignements dimensionnels de l’album affirment ses thèmes flous et font une expérience explicitement cohésive, il construit également l’expérience de 50 minutes comme un peu impénétrable. Les limites exactes de chaque chanson (et, par extension, l’album) ne sont pas claires; au lieu de cela, il est clair que Holy Fawn laisse chaque porte ouverte.
Heureusement, on peut dire que le groupe ne demande pas la pénétration de la musique. Leur mélange malléable de shoegaze, de post-rock, d’électronique et de black metal existe comme une grande vague qui se profile à l’idée d’être vécue. Dimensional Bleed n’est peut-être pas la déclaration monumentale de sortilèges incarnés, mais elle est certainement capable d’engloutir quiconque veut lui accorder un peu de temps dédié. En outre, il réaffirme la position de Holy Fawn comme l’un des groupes les plus intrigants pour ce qui est la recherche de la tête du son en temps réel et d’une apocalypse dans les paramètres dudit temps.

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Employed To Serve: « Conquering »

1 octobre 2021

Justine Jones et Sammy Urwin sont probablement les deux personnes les plus occupées de la scène rock britannique : ils gèrent ce qui est rapidement devenu l’un des labels métal les plus respectés d’Europe, mènent de nombreux autres projets, tout en dirigeant la vague actuelle des groupes les plus « heavy »de Grande-Bretagne, Employed To Serve.

Sur ce quatrième effort, le combo ne fait pas dans la dentelle. Il s’agit d’un album confiant et strident, qui se débarrasse presque complètement de l’aspect mathcore imprévisible de leurs premiers efforts. Au lieu de cela, ils arborent les basses, le chug et les excès mielleux du métal comme une écharpe bien usée. Mais tout en le faisant avec le frémissement et le grincement d’une production hardcore vraiment moderne qui conviendrait parfaitement à ETS aux côtés de poids lourds américains comme Knocked Loose.

Nous voici en face d’un combo qui embrasse sans vergogne les différentes souches du genre qui a nourri son éducation musicale. Cela implique des clins d’œil volontaires et conscients au thrash old-school (« The Mistake » », au groove metal techno (« Sun Up To Sun Down ») et même au nu-metal des années 2000, avec « Twist The Blade » qui lance un appel au mosh hilarant tout droit sorti d’une chanson de Limp Bizkit sur les paroles : « Well I’m the one to blame for this tirade » (Eh bien c’est moi qui suis responsable de cette tirade). Saupoudrez le tout de quelques breakdowns percutants et d’atmosphères à la Deftones et vous obtenez un mélange assez complet.

La plus grande lettre d’amour à l’art des riffs se trouve cependant au tout début de l’ouverture « Universal Chokehold », où une intro de guitare et de violon clairsemés fait place à un crescendo épique et royal qui pue le heavy metal classique, avant de se lancer dans un groove cinétique à double temps entrecoupé de cris cassants. C’est ridicule et exagéré dans tous les sens du terme, et c’est une façon étonnante d’ouvrir un disque.

Le chant de Jones a gardé son intonation de voyou, mais a gagné une confiance qui vous fait vous sentir entre de bonnes mains dans les fosses du désespoir. La batterie de Casey McHale est également remarquable, roulant et poignardant avec une précision désorientante au premier plan du mixage sur la plupart de ces chansons, et donnant l’impression d’être facile.

Le seul inconvénient de cette nouvelle approche est que ceux qui ont l’oreille fine verront probablement ce qu’il y a autour de chaque coin. L’un des points forts du dernier album d’ETS, Eternal Forward Motion, était la peur lancinante du prochain riff, du prochain changement de tempo cauchemardesque. Bien qu’il y ait beaucoup de changements de style ici aussi, ils s’en tiennent un peu plus au manuel de composition de chansons de métal, et cela peut rendre l’écoute un peu moins intéressante.

Quoi qu’il en soit, il est difficile d’imaginer qu’un métalleux, jeune ou vieux, ne trouve pas sur Conquering quelque chose qui lui plaise. Malgré son amour pour le rétro, c’est une œuvre moderne et avant-gardiste qui semble essentielle pour la scène actuelle. C’est formidable de voir un groupe issu de l’arrière-plan du hardcore britannique faire une déclaration aussi gratifiante et massive que celle-ci, qui, espérons-le, leur donnera le public qu’ils méritent.

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Lingua Ignota: « Sinner Get Ready »

26 août 2021

Il n’y a absolument rien de réducteur à comparer la musique de Kristen Hayter (alias Lingua Ignota) à celle d’autres artistes. En fait, l’artiste a achevé une carrière universitaire prestigieuse en canalisant ses propres expériences à travers des figures allant de Jean-Sébastien Bach à Andrey Markov. C’est pourquoi il est logique de faire appel à des musiciens comme Diamanda Galás, Jarboe et Lydia Lunch pour expliquer comment Lingua Ignota livre un art aussi vulnérable de manière aussi brutale.

Lingua Ignota est prête à partager les méthodes des femmes susmentionnées pour exprimer des traumatismes réels en s’appropriant une imagerie représentative qui est souvent liée à la victimisation, comme sur son album datant de 2019, Caligula. Son quatrième opus, Sinner Get Ready, n’explore pas seulement sa propre éducation chrétienne, mais aussi le privilège de masse qu’elle est capable de répandre parmi ses adeptes, en particulier au sein de sa communauté actuelle dans la Pennsylvanie rurale. Mais, comme le montrent des morceaux comme le lyriquement dramaturgique « I Who Bend the Tall Grasses » et l’intime, sample en forme de de prière « The Sacred Linament of Judgment », l’art classique de Lingua Ignota n’est pas aussi efficace lorsque l’auditeur tente de disséquer ses dispositifs tactiles, mais semble plus émouvant lorsque tous les faux-semblants sont abandonnés et oubliés.

Au fil de neuf compositions, Lingua Ignota encadre son piano traité avec des cloches d’autel, des enregistrements de terrain, des chants, des cordes orchestrales et un style vocal opératique contrôlé, afin de canaliser un large éventail d’humeurs. Mais il n’y a rien de mercuriel dans son quatrième LP, car le lugubre et délicat « Pennsylvania Furnace » (qui décrit un homme traîné en enfer par ses chiens) et l’exceptionnellement sombre et larmoyant « Perpetual Flame of Centralia » font que Lingua Ignota ressemble plus à un témoin de l’exploitation décrite qu’à une fatalité.

Sur des morceaux comme « The Order of Spiritual Virgins », qui ouvre le disque en neuf minutes, et « Many Hands », qui est un chant funèbre à l’orgue, Lingua Ignota fonctionne sur la patience spatiale, Hayter construisant de manière experte la tension à travers les flux et reflux sonores. Cela donne lieu à une heure de musique incroyablement exploratoire, malgré l’ambiance sombre qu’elle crée tout au long de l’album, comme en témoignent l’accompagnement au banjo « Repent Now Confess Now »et la conclusion presque mélodique « The Solitary Brethren of Ephrata ».

Comme Hayter a commencé sa carrière musicale en tant que spécialiste de la musique et de l’art, elle s’assure que les paroles qui hantent son dernier album sont aussi cauchemardesques que sa musique. Sa description de l’iconographie religieuse, remplie du sang de Jésus et de la torture aux mains de ceux qui jugent, est aussi horrifiante que les paroles de doom metal les plus dépravées. Sinner Get Ready n’est rien de moins qu’un album d’une efficacité saisissante, qui ressemble plus à une incantation qu’à une simple collection de chansons.

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Frozen Soul: « Crypt of Ice »

25 janvier 2021

Après les coups collectifs que les gens ont tous reçus en 2020, la seule chose qui pourrait faire de 2021 quelque chose de tolérable est un peu de paix et de silence nécessaire. Pour certains, cependant, cette paix passe par des battements auditifs, le seul calme agréable existant dans les quelques secondes qui séparent les transitions des chansons. Cela semble être quelque chose de Frozen Soul, qui, bien que venant du centre thermique du Texas, comprend avec une exécution assez froide. Il semble approprié de les considérer comme un groupe conceptuel – du moins, pour le moment. Outre l’évidence de leur nom, leur démo EP Encased in Ice et leur premire album Crypt of Ice sont tous deux truffés de morceaux impliquant (vous l’avez deviné) de la glace, ou une sorte de mortalité brutalement glacée. Même avec de tels thèmes glaciaux, le ptemier LP de Frozen Soul est rempli d’une énergie chauffée qui libère de manière instrumentale toute notre colère et notre agressivité.

L’une des meilleures qualités de ce disque est son facteur d’étouffement. À la minute près, les gens sont accueillis par un riff crasseux et grimaçant qui ne fait qu’ajouter à la liste des raisons pour lesquelles les gens ne vont pas aux spectacles. Frozen Soul en fait un usage fréquent, tout comme « Merciless » qui en fait de même avec facilité. Il y a quelque chose dans ces chansons qui enfouissent profondément les cavernes de l’âme – sur « Hands of Vengeance », c’est la voix riche et puissante, tandis que sur « Beat to Dust », ce sont des bouffées de thrash entrecoupées de blast beats et d’une agression digne d’un piétinement. (Il convient également de noter que les 30 dernières secondes de la chanson sont parmi les meilleures d’un bout à l’autre de la chanson).

Il y a des moments où la nature apparemment implacable des riffs de l’album pourrait devenir obsolète pour certains, car ils sont si bien intégrés dans les morceaux qu’ils ont presque l’impression d’être recyclés. Pourtant, il n’y a pas vraiment de moment sur l’album où ces riffs ou tout autre mécanisme instrumental sonnent mal, donc même s’ils sont un peu répétitifs, au moins ils répètent plus de gloire que de tragédie. 

Pour un premier long métrage, Crypt of Ice met Frozen Soul dans le même panier de death metal que ses contemporains (Xibalba est couramment balancé) ainsi que certaines de ses influences, notamment Bolt Thrower. Il s’agit d’un premier album officiel bien présenté, qui jette des bases sur lesquelles le combo pourra s’appuyer.

***1/2


Daniel Tomkins: « Ruins »

9 décembre 2020

Prêtant sa voix à Skyharbor, à White Moth Black Butterfly et, surtout, à la sensation mondiale du métal progressif, Tesseract, le concluant CV de Daniel Tompkins laisse entendre qu’il est plus qu’un beau gosse. Souvent, au sein de ces collectifs complexes et sérieux, Tompkins est la faille où la lumière proverbiale de ceux avec qui il a pu collaborer. Ses performances guident les auditeurs à travers des structures labyrinthiques tout en les gardant toujours au sol. L’année 2019 a vu la sortie de son premier album solo, Castles, un opus pop-rock assez bien accueilli. Un album dont la qualité « pop », avec le recul, semble avoir hanté le chanteur. Avec son deuxième album, Ruins, Tompkins retravaille et réécrit la majorité de ce qui constituait Castles à la recherche de sonorités plus vraies et plus sombres tout en restant fidèle à ses concepts originaux. Pourtant, si Ruinsarpente un terraindéjà parcouru, il explore bien plus de nouveaux territoires qu’il ne retrace de vieilles traces.

À première vue, les titres de morceaux tels que « Empty Vow », « Stains of Betrayal » et « A Dark Kind of Ange » » suggèrent une lecture solennelle de poésie gothique plutôt qu’une réimagination musicale progressive. Heureusement, le premier morceau « Wounded Wings », avec le guitariste Plini, dissipe ces soupçons. Posant les bases avec une mélodie séduisante englobée dans une boucle hypnotique, un refrain planant va s’insinuer pour mieux exploser. Mais si le moteur tourne à plein régime, il ne décolle jamais tout à fait, taquinant plutôt avec ce qui va suivre ; une finale mélancolique menée par le piano. En revanche, la chanson titre et le « single » « Ruins » ne sont pas aussi percutants, car ils sont beaucoup plus graves musicalement, Tompkins passant sans effort d’un chant clair à un chant dur. Le premier « single », « The Gift », avec Matt Heafy de Trivium, tente d’offrir la même chose, mais avec moins de succès. Sa scansion brutale pourrait bien finir par être la préférée des fans, mais comme il s’agit du seul morceau tout neuf de l’album, les attentes étaient certes plus élevées d’autant que « Ruins » affiche une profondeur et une polyvalence que « The Gift » ne peut tout simplement pas rivaliser.

Tout comme Tompkins lui-même, Ruins est à son meilleur dans les fissures où la lumière pénètre. Comme dans « Empty Vows », qui ne sert pas seulement de morceau phare de l’album, il clarifie également les raisons pour lesquelles Tompkins s’est senti obligé d’entreprendre ce projet. Dans sa forme originale, ce titre, initialement intitulé « Saved », a toute la puissance d’une marche électronique laborieuse. Aujourd’hui, aux côtés du producteur Paul Ortiz (alias Chimp Spanner), Tompkins choisit le morceau et le rend euphoriquement explosif. Avec des mélodies captivantes injectées dans cette partie de ballade et dans l’hymne, la composition est l’un des meilleurs morceaux de Tompkins. Il en sera de même avec « A Dark Kind of Angel », qui réimagine la chanson « Telegraph », la propulsant vers de nouveaux sommets avec son atmosphère émotive et enivrante.

Peur de la nouveauté, de la correction d’une erreur ou de la recherche de la perfection ? Il faut presque certainement que ce soit la dernière. Tompkins est assez intelligent pour savoir qu’on ne peut tout pas simplement se contenter de superficialité et de se dédouaner de tout effort.Bien sûrCastles n’est en aucun cas un disque insignifiant. Pourtant, se sentant construit plutôt que reconstruit, Ruins est bien plus qu’un album rebaptisé et une collection des mêmecompositions sous un habillage nouveu. Il s’agit essentiellement d’une œuvre entièrement nouvelle. Intelligent, et souvent convaincant, Ruins est un témoignage louable et à multiples facettes du soin que Tompkins investit dans son art. Il n’est peut-être pas parfait, mais, comme Tompkins, c’est une tentative sincère de rechercher une plus grande perfection. Et, à certains moments, il y parvient.

***1/2


Killer Be Killed: « Reluctant Hero »

9 décembre 2020

Pour ce qui concerne le monde des supergroupes, sans parler de ceux qui jouent du métal, il n’y a vraiment pas grand-chose à écrire. Marqués par de grandes attentes et peu d’efforts, ils sont souvent résignés à être des reliques du passé. Malgré tout, le mot supergroupe s’applique très certainement au groupe de métal dynamique Killer Be Killed, dont la créativité correspond et dépasse presque les précédents des membres qui le composent.

Comme un mème de Vince McMahon, la composition de Killer Be Killed s’améliore au fur et à mesure que l’on s’y attarde ; La collaboration est composée du chanteur Greg Puciato (The Dillinger Escape Plan), du guitariste/chanteur Max Cavalera (Sepultura, Soulfly), du bassiste Troy Sanders (Mastodon, Thin Lizzy) et maintenant, du batteur Ben Koller (Converge, Mutoid Man, All Pigs Must Die), qui se réunissent à nouveau pour sortir une suite à leur premier album éponyme, Killer Be Killed (2014).

Il sort déjà un disque deux mois environ après son premier album solo, Child Solider : Creator of God (2020), Puciato ne montre aucun signe de ralentissement, en particulier sur le premier single et le premier titre, « Deconstructing Self-Destruction », qui se termine par cette ligne de fermeture, « Fire is on my side, I’ll never die » (Le feu est à mon côté, je ne mourrai jamais ). De même, la batterie extrêmement puissante et virtuose de Koller devient presque immédiatement une autre fixation principale pour le morceau et l’album dans son ensemble, correspondant à l’énergie frénétique du chant de Puciato et à la guitare/basse déformée qui enveloppe l’auditeur d’un mur de son alors que la production ici est infernalement propre.

Sur le deuxième « single », « Dream Gone Bad », l’énergie reste la même mais la complexité est atténuée par le riff de guitare principal de Cavalera. Le super groupe ajoute également un refrain assez accrocheur (aussi accrocheur que peut l’être le refrain d’un groupe de métal) qui laisse présager que le heavy metal sera quelque peu digeste.

Les titres trois et quatre, « Left of Center » et « Inner Calm from Outer Storms », partagent des similitudes en ce qui concerne l’alternance des voix, ainsi qu’un bon sens général de la dynamique de groupe et de la retenue, deux choses qui sont parfois négligées dans le monde du métal contemporain et du hardcore. Puciato, Cavalera et même le bassiste Troy Sanders, en échangeant des chants plus durs, se montrent co-dépendants et doux, et encore une fois, le jeu de batterie extrêmement imaginatif de Koller transparaît vraiment. Assurez-vous d’être au courant des couleurs Deftones/HUM/Failure présentes, ce qui aide sincèrement la liste des titres à respirer.

La chanson suivante, « Filthy Vagabond », ainsi que le titre « Comfort from Nothing », partagent ce style de thrash-métal qui fera certainement sourire les fans de métal classique de la vieille école parmi les lignes de Anthrax, Motorhead et Exodus. Même « Animus », le morceau le plus court de l’album, qui dure à peine plus d’une minute, s’adonne à un thrash-core doux et rapide.

Cependant, toutes les chansons ne sont pas aussi directes, avec des morceaux comme « The Great Purge » et « Dead Limbs » qui alternent entre des sections d’une extrême lourdeur et d’une paix angélique. Il n’y a pas de groupe ou de projet post-rock sans même un aperçu de l’influence de ce son, mais il est indéniable que Killer Be Killed est capable de construire une chanson qui contient des techniques d’écriture intéressantes, comme des changements de dynamique instrumentale et des sections de solo improvisées et brouillonnes. Même le titre « From a Crowded Wound », d’une durée de presque sept minutes, divertit l’auditeur en créant une tension tranquille grâce aux mélodies vocales et en faisant éclater le tout avec une fureur froide et amère.

Ce culte dynamique se poursuit sur le morceau-titre, défini au départ par des accords de guitare mélodiques et le chant dépressif intéressant de Troy Sanders sur l’appréciation de ceux qui sont encore là et le souvenir de ceux qui sont tombés. Cette ambiance est usurpée par Puciato, qui prend le relais une dernière fois, étant une sorte de James Brown pour le métal, alors que tout le groupe brûle la maison dans les dernières parties du morceau, concluant le deuxième effort de Killer Be Killed.

La production et l’écriture des chansons de Reluctant Hero ne sont peut-être pas du tout convaincantes mais elles ont permis de réaliser une performance extrêmement puissante et émotionnelle, dépassant de loin les attentes des supergroupes, surtout avec un deuxième album de cette trempe.

***1/2


Irist: « Order Of The Mind »

5 avril 2020

Le métal extrême est en mauvaise santé. Grâce aux progrès culturels naissants, des intérêts qui étaient autrefois des niches deviennent maintenant largement accessibles. Il y a eu des inconvénients, mais dans l’ensemble, les coins les plus sombres et les plus étranges de la culture contemporaine se sont développés sans perdre beaucoup de ce qui les rendait si uniques au départ.

Parallèlement à cette expansion, les ambitions musicales des groupes les plus lourds ont été largement révélées. Des groupes comme Irist ne se contentent plus de régurgiter des clichés de genre, ils veulent jeter tout ce qu’ils savent dans le mixeur et produire un beau frankenstein de parties dérangées.

Les influences d’Irist sont évidentes ; l’ADN de Gojira, The Ocean et Converge se retrouvent tous entrelacés dans Order Of The Mind, et, tout comme aucun de ces groupes ne peut être décrit comme musicalement complaisant, Irist ne l’est pas non plus. Il se pousse sur chaque morceau, sans jamais se contenter d’une structure familière ou d’une séquence de riffs prévisible.

L’album fonctionne au mieux lorsqu’il vise une sorte de transcendance, comme sur « Severed », qui utilise de magnifiques guitares carillonnant au sommet de ses refrains et punissant la seconde moitié. Le moment le plus étonnant de l’album, le dernier tronçon en particulier, est peut-être une œuvre d’une beauté sauvage. Beaucoup de chansons de « Order Of The Mind » contiennent des moments comme celui-ci, et chacun d’entre eux se révèle particulièrement frappant.

Le groupe est également assez sûr de lui pour traverser un territoire mathématique et dissonant. « Order Of The Mind » est un morceau méchant et laid, plein de riffs qui font tourner la tête et d’une dépression presque hardcore. « The Well » joue de la même façon, bien que quelques voix propres sur la moitié arrière de la chanson tempèrent intelligemment la brutalité.

Bien que Order Of The Mind soit clairement un album brillamment composé et interprété, une mention spéciale mérite d’être accordée au producteur Lewis Johns, dont le récent CV se lit comme un who’s who des jeunes groupes de métal talentueux (Conjurer, Employed To Serve, Rolo Tomassi, pour n’en citer que quelques-uns). Son travail tout au long de l’album est formidable, assurant à Irist un son aussi expansif et puissant que leurs chansons l’exigent.

Le groupe est clairement vert, et s’il y a une critique à faire à l’album, c’est qu’il ne frappe pas tout à fait avec le plus grand sens de l’individualité. Cependant, avec des influences aussi uniques et disparates que celles d’Irist, cela arrivera sûrement avec le temps.

Par-dessus tout, Order Of The Mind est un album très réjouissant ; tout metalleux s’amusera avec l’intro frénétique de « Dead Prayers » »ou les riffs de la dernière partie de « Harvester ». L’album, qui tend souvent vers une beauté terrifiante, est tout simplement un disque de métal solide d’un jeune groupe passionnant, qui devrait les mettre sur la voie de grandes choses.

***1/2


In This Moment: « Mother »

3 avril 2020

Le groupe de métal In This Moment est de retour avec un nouveau disque, Mother, un opus qui montre que le groupe ne rechigne pas à s’essayer à différents styles de musique. L’instrumentation est énergique et le chant est clair sur chaque piste. De plus, le groupe a fait un excellent travail en créant ses propres versions de deux chansons rock classiques. Dans l’ensemble, In This Moment a fait un travail fantastiquepour ce qui est cette poduction

La chanson « Lay Me Down » est superbe en raison de la façon dont la voix de Maria Brink brille sur le morceau. Elle est, en effet, remplie d’émotions brutes tout en narrant des paroles qui racontent une histoire émotionnelle. De plus, la gamme vocale est étonnante car Brink est capable d’harmoniser parfaitement les paroles. En prêtant attention à la musique, on peut l’entendre chanter sur la musique de fond. In This Moment fait un excellent travail pour montrer à quel point le groupe est puissant et n’hésite pas à montrer sa vraie nature. « « Hunting Grounds » est une autre de ces mélodies accrocheuse grâce à un jeu de guitare de Chris Howorth remplit le morceau de riffs électriques. A l’écoute, il est amusant de noter à quel point Howorth change les notes de la guitare pour ajouter de la profondeur à l’harmonie du titre

La reprise de « Fly Like an Eagle » est bien faite et le groupe s’est vraiment réuni pour créer et interpréter sa propre version de ce classique intemporel. L’adaptation se distingue de l’original par son thème sombre et lugubre. Le jeu d’instrument crée le sentiment de vouloir se libérer d’un moment où certaines personnes sont coincées. On a vraiment l’impression que In This Moment veut que les auditeurs embrassent la liberté.

« Legacy » est interprété de manière phénoménale car la publication de la musique parle d’elle-même. In This Moment a été joué ensemble avec brio, en se basant sur la façon dont les éléments musicaux et vocaux se fondent ensemble pour créer un sens plus profond. D’une certaine manière, les gens peuvent s’identifier à cette chanson car ils ont l’impression que les paroles parlent de la perte d’un ami proche ou d’un être cher. « Legacy » est un véritable succès et le groupe a bien réussi à définir un thème consistant en un nouveau chagrin d’amour.

Une autre repriseest à noter, « We Will Rock You », et ele est comme un court circuit non seulement parce qu’Izzy Hale et Taylor Momsen chantent avec Brink, mais aussi parce que le groupe s’est porté volontaire pour créer sa propre version. Pendant l’écoute de la chanson, les voix de Bink, Hale et Momsen ont un impact sur l’ensemble du morceau par la façon dont les trois fvocalistes utilisent leurs gammes pour créer un sentiment et une déclaration personnels. Ce qui est également remarquable, c’est la façon dont le jeu de l’instrument reste fidèle à l’original. Le jeu de tambour et de guitare vibre au son du tonnerre. Si les auditeurs veulent qu’une chanson les éblouisse, « We Will Rock You » le fera en utilisant la combinaison de musique rock et de métal.

***1/2


Behind Blue Eyes: « Everything Between Us »

21 mars 2020

Sa matrice nimbée de capacités putride,, Behind Blue Eyes publie Everything Between Us, un album de dix titres perclus d’indigos toxiques et de hauts-le-coeur déchirants.

Behind Blue Eyes, en effet, fait appel aux profondeurs de la musique alternative et s’y accroche avec des poings meurtris, en faisant des ravages d’un style tout à fait nouveau en jouant avec le bout le plus intimidant du manche. « Stay » est effronté, sa tête laide révèle les grooves et les grincements du groupe, tandis qu’une gargouille tamponne la fine fleur des guitares.

Stone Behzadi offre des cris et des exutoires, et, alors que les parties les plus lourdes de ce disque se révèlent plus mémorables cette dualité provoque l’abandon de nos esprits. « Lie To Me » élargit sa cage thoracique, inhalant l’ivresse et le gravier, et devient ainsi le morceau qui, dans cet effeort, juxtaposera une nouvelle couche graveleuse.

La résonance épaisse et gutturale des parties vocales typiques du metalcore dans « Better Days » et « No One » est du papier de verre comparé à la fluidité des tonalités lisses, inondé qu’il est d’idiosyncrasies et de coups de fouet d’accents londoniens. Tandis que Joe Baker ponctue les soubresauts de ses consonnes, Kiahn Zamani se montre sauvage et noue des accords sanguins avec des poings ensanglantés.

Dans une rare démonstration de conformité aux conventions d’un album, la férocité des morceaux s’agite un instant sous l’eau ; et, ainsi, « Father » sera rincé d’un contenu émotionnel et transmis de manière diluée. La basse de Joe Sweeney continue à se faire entendre alors que Behzadi lui souffle presque à nouveau à la gorge, mais il y a une profondeur dans le grain et une méthode derrière le chaos.

Les multiples facettes de « A Lifetime », dont le côté le plus solennel scintille au milieu des décombres chaotiques qui verront les Londoniens faire revivre à eux seuls la puissante complexité qui s’était installée dans le metalcore.

Everything Between Us est empreint d’une authenticité souvent perdue entre les tombes de riffs caverneux, tout en conservant la capacité de contracter les muscles de votre cou à chaque shunt de beat. Derrière Blue Eyes, une traînée marine crachotante se dessine dans leur sillage, ne montrant aucune pitié pour la scène environnante qu’ils sont prêts à prendre en charge.

***1/2