Fever Queen: « The World of Fever Queen: »

1 octobre 2020

Aujourd’hui plus que jamais, le danger de la musique DIY est immédiatement évident. Dépouillé et brut, le choix des instrumentaux et la puissance des paroles peuvent rapidement révéler l’espérance de vie de la créativité d’un artiste. Cependant, lorsqu’une personne arrive avec une vision singulière, animée par la passion et la volonté de s’amuser, elle se distingue comme un feu d’artifice dans un ciel nocturne vide. C’est exactement ce qui se produit lorsque Fever Queen (le pseudonyme d’Eleanor Rose Lee) ouvre les fenêtres sur son monde sur son premier album, The World of Fever Queen.

Adoptant une esthétique lo-fi onirique cohérente, Fever Queen crée son propre univers symphonique. Des guitares grondantes grondent dans presque tous les morceaux, laissant la place à une bonne dose de retard. Il y a beaucoup de riffs, mais aussi des sections mélodiques qui ajoutent de la saveur aux morceaux. Des chansons comme « Night Vision », un morceau de conduite qui évoque les ténèbres de l’insécurité, témoignent de l’énergie intense que peut dégager Fever Queen. C’est donc tout à son honneur que, plus loin dans la tracklist, des chansons comme « Stea » » offrent un son sentimental et mélancolique qui brûle lentement.

Le synthétiseur, qui sert de toile de fond à Fever Queen pour projeter sa belle voix et ses cordes psychédéliques, est un autre élément fréquent de l’album. Cette combinaison de sons est peut-être mieux exprimée sur « Last Love », qui sonne comme un croisement entre la bande sonore surréaliste de Twin Peaks et une fusillade western spaghetti.

Les paroles sont assez courtes et douces tout au long de la chanson, presque chaque morceau contenant un refrain répété ou se terminant par une déclaration triomphale.

L’adoption d’un style d’écriture confessionnel et personnel semble être l’approche générale ici. « You, You » et « Snake Charmer » échappent tous deux à un sentiment de frustration, le premier s’attaquant avec légèreté à la popularité culte de Phoebe Bridgers et aux opinions inconstantes de ceux qui vénèrent la critique musicale dominante : « Il faut que toutes vos idées soient approuvées au préalable et moi / Chanter avec mon coeur n’était pas assez Pitchfork pour vous » (You need all your ideas to be pre-approved and me / Singing from my heart was not Pitchfork enough for you). Tout comme Bridgers, les chansons de Fever Queen sont écrites à partir d’anecdotes et de souvenirs amusants. « Bear Dream » est un morceau transgressif remarquable, avec un « spoken word », où Fever Queen récite franchement un rêve qu’elle a fait, dans lequel un ourson erre dans son appartement. C’est une écoute excentrique qui interrompt un peu l’album, mais je vous laisse réfléchir à sa signification profonde.

Le style lyrique staccato permet cependant d’expérimenter un peu ; les voix fluctuent à gauche et à droite sur « Steam », et sont souvent superposées pour contraster le chant dans les aigus avec les paroles dans les graves. La puissance des cordes vocales de Fever Queen ajoute sans aucun doute beaucoup de force au projet. Ayant passé son enfance à chanter dans des chorales dans tout le Midwest américain, son falsetto s’écoule sans effort sur les instruments, étant texturé et renforcé par les effets. C’est un talent qu’elle n’a pas peur de mettre en œuvre.

En donnant suite à ses idées et à ses promesses, Fever Queen établit un monde digne d’être vécu. Elle parvient à ne pas aliéner l’auditeur en se livrant trop aux détails, tout en évitant avec succès les pièges qui rendent tant de musique de bricolage fade et oubliable. The World of Fever Queen est la catharsis de la fin d’un voyage émotionnel sous forme d’un brillant « debut » album.

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Golf Alpha Bravo: « The Sundog »

29 juillet 2020

L’un des enregistrements les plus intéressants et les plus invitants de ce début d’été nous vient d’Australie. Il s’appelle The Sundog, c’est le premier disque de la carrière solo de Gab Winterfield, guitariste et chanteur de Jagwar Ma et a été édité par le propre label du musicien, Treasured Recordings Label. The Sundog contient onze chansons et sur leur passage nous voyageons dans l’espace et le temps, vers le meilleur héritage du rock psychédélique du nord, un coup de pinceau épique avec des tics impressionnants du meilleur jazz et du meilleur blues qu’il est possible de conférer à la plus récente histoire de la musique contemporaine, une sorte de surf blues inspiré des expériences personnelles de Gab durant son enfance et son adolescence dans la zone côtière australienne près de Sydney, où il a grandi.

Cet opus est un de ces disques que l’on écoute avec le même plaisir qu’un coquillage s’appuie sur l’oreille en prétendant que pendant cet acte si simple, mais aussi symbolique, on peut écouter tout le vaste océan qui est devant nous ainsi que les êtres qui l’habitent ;nos amis et nos confidents. Si dans Jagwar Ma Gab a voyagé dans le monde entier, chanté à Coachella ou à Glastonbury et connu le côté le plus frénétique de ce qu’est la vie pleine et confuse d’une pop star, The Sundog est pour l’auteur un disque de recueillement, une tentative de retour à la terre, aux origines et à la simplicité où il a grandi et qui l’ont façonné. Et en fait, les trente-huit minutes du record sont réussies dans cette fonction d’auto-absorption. Pour l’auditeur, elles peuvent également donner des résultats similaires, car il s’agit d’un enregistrement simple et agréable. En y faisant du stop jusqu’à des explorations sonores éminemment minimalistes, faites uniquement avec la basse, l’alto et la batterie, on crée des points d’intersection sûrs et étroits entre le rock et le jazz, toujours avec un toada éminemment lo fi et psychédélique, qui n’a même pas renoncé à quelques gadgets d’enregistrement maison. Le résultat conduit à la fois notre esprit à voyager à travers l’immensité cosmique, ainsi qu’à entrer dans les profondeurs de notre plus petite cellule, étant le disque parfait pour faire face au besoin primaire que nous avons tous, de loin, d’échapper au rythme hallucinant de cette modernité qui nous absorbe, tout en allumant dans nos cœurs des feux de joie autour desquels nous nous asseyons ensemble avec tous les visages de notre individualité, dans le but évident de trouver les meilleurs moyens de sortir des dilemmes qui nous affligent ou simplement de profiter de la compagnie de toutes les facettes de notre moi.

The Sundog provoque immédiatement un sourire inconscient, non seulement parce qu’on l’écoute d’un seul trait, presque sans le remarquer, mais aussi parce qu’il est rempli de chansons optimistes et joyeuses, et sans cesser d’avoir l’indispensable contenu réfléchi et intime qui sous-tend toujours un alignement qui veut laisser une trace tandis qu’il se concentre sur certains des dilemmes existentiels typiques de l’adolescence, qu’ils soient plus ou moins incisifs dans la façon dont ils régissent notre présence dans ce monde.

Ainsi, et en regardant plus concrètement les chansons de l’album, si « Stuck Being Me « est une de ces compositions qui nous font automatiquement réfléchir sur ce que nous sommes et si tout va bien ou non, alors « Unwind » est le thème parfait pour nous laisser divaguer, pendant que nous nous laissons séduire par une brise légère et confortable qui nous emmène on ne sait où. Déjà complètement absorbés par un début d’alignement aussi intense et incandescent, nous prenons un coup de poing dans le bas-ventre lorsque la basse narcotique dans laquelle navigue « Blue Wave » entre dans nos oreilles, une chanson qui, en ce qui me concerne (et comme personne ne le lira, je peux le dire ouvertement), a dans sa genèse tout pour être sexuellement très attirante et fonctionner comme un stimulant réel et efficace. En fait, tant cette « Blue Wave » que la plus répandue « Rainbow Island « semblent être une sorte de paire inséparable, deux thèmes qui se sont enroulés sans appel ni aggravation, enveloppés dans un son qui les fait sembler avoir été piégés dans un quelconque transit pendant plusieurs décennies et finalement libérés avec le confort que l’évolution technologique de ces jours permet, étaient disponibles quelque part dans un siège rembourré face à une plage ensoleillée, au début de cette aube que nous vivons tous une fois dans notre vie, ou dans le lit le plus confortable de la maison, surplombant un vaste océan de questions existentielles, qui entre l’audace et la densité, nous offre un séjour d’une magie et d’une délicatesse inhabituelles.

Jusqu’à la fin nous attendent de nombreuses autres surprises et des moments de catalogage sonore difficiles mais tout à fait accessibles et gratifiants, qui ont connu la chevauchée du cynisme hypnotique de « Comet Loop », la simplicité brute et bohème de « Love In The Clouds » et l’exubérance et la majesté de « Groove Baby Groove », nous permettent l’absorption complète et dévouée d’un calme supposé quelque chose de céleste, où le rétro se mêle au charme, une symbiose à laquelle il est impossible de rester indifférent, notamment parce qu’elle se situe à un niveau de couverture plus élevé.

The Sundog possède ce groove qui ne laisse personne indifférent et un contenu, à la fois lyrique et instrumental, suffisamment solide pour offrir à l’auditeur une expérience d’écoute particulièrement frappante et immersive, mais aussi pour qu’il se sente entouré de sensations agréables et relaxantes. C’est, au fond, un mélange équilibré, sobre et réussi entre passé et présent et un voyage épique de confort et de plaisir parfait pour un été qui exige des fêtes et des joies incontrôlées, mais aussi des périodes de recueillement et de revue personnelle. On peut espérer que ette suggestion sera appréciée…

****1/2


Built To Spill: « Plays The Songs Of Daniel Johnston »

13 juin 2020

En 2017, les vétérans du rock indie de l’Idaho que sont Built To Spill, ont eu l’honneur d’être le « support group » de Daniel Johnston. Malheureusement, l’icône culte est décédée à l’âge de 58 ans seulement avant que les concerts ne puissent avoir lieu. Pendant les répétitions de ces spectacles en août 2018, le groupe a enregistré onze chansons comme document de cette période et se trouvait en fin de production sur l’album lorsque Johnston est décédé de causes naturelles en 2019. Ce qui a commencé comme un souvenir pour le groupe s’est transformé en un hommage touchant à l’un des personnages les plus intéressants de la musique.

Bien que Johnston ne figure pas sur l’album, le groupe parvient à garder son esprit au premier plan de leurs versions. Le morceau d’ouverture, « Bloody Rainbow », évoque une marque de pop scoute qui aura sans doute plu à l’obsessionnel Johnston des Beatles. « Honey I Sure Miss You » parvient à conserver le même sens de la mélancolie fragile de l’original, tout en apparaissant bien plus poli que tout le travail de son scribe. Cela ne veut pas dire que le disque est toujours surproduit, loin de là, mais il se démarque des originaux de Johnston, enregistrés en grande partie sur cassette à la maison.

Le titre le plus connu qui est repris ici est probablement « Life In Vain ». C’est une chanson qui pourrait être jouée de mille façons différentes, mais cette version frénétique ne s’éloigne pas trop de l’original, ajoutant seulement une piste sonore plus lourde, entraînée par la batterie. Ailleurs, vous avez un « Fake Records Of Rock N Roll » des Pixies qui se transforme en « Fish » sur le « closer » de l’album. Lorsque Doug Martsch chante « She’s got me singing with a broken heart / I keep on messing with my mind teared apart » (Elle me fait chanter avec un cœur brisé / Je continue de jouer avec l’esprit déchiré), on a l’impression qu’aucune parole ne résume mieux l’esprit qui a écrit la collection que ces deux lignes.

Bien qu’il ne soit plus parmi nous, il y a peu d’artistes dont la musique semble exister pour d’autres personnes plutôt que pour l’auteur de la chanson lui-même. Dès le début, Johnston enregistrait des mixtapes en tant que pièces uniques à offrir à ses amis et à ses proches. Il en allait de même pour son art, aussi complexe que soit son personnage, son travail semblait toujours porter sur ce qu’il pouvait donner plutôt que sur ce qu’il pouvait prendre. Cette collection ne se contente pas d’honorer cela, elle ouvre sa musique à un nouveau public et la maintient en vie. Ce qui a commencé comme quelque chose de personnel pour le groupe a fini par devenir quelque chose de beaucoup plus grand. Avec la sortie d’un nouveau coffret plus tard dans l’année, il semble que sa musiqueparviendra à maintenant atteindre le public plus large qu’elle aurait mérité d’avoir durant son vivant– tout en continuant à plaire à ceux qui fonctioonent encore dans le cadre de la contre-culture. Ainsi, bien que Built To Spill n’ait jamais pu jouer les concerts comme prévu avec Johnston, le groupe est au moins capable d’aider à cimenter son héritage avec ce disque.

***1/2


V.V. Lightbody – Make A Shrine Or Burn It

27 mai 2020

La compositrice et multi-instrumentiste Vivian McConnell est issue d’une famille de musiciens, et elle a commencé à frayer avec la scène musicale de Chicago au début des années 2010, à peu près au moment où elle a quitté Urbana pour s’installer ici. À cette époque, elle et son frère aîné, Stan, jouaient ensemble dans le groupe indie-rock Santah, et Vivian McConnell avait également rejoint le groupe indie à quatre musiciens Grandkids ; depuis, elle fait partie de plusieurs scènes underground qui se chevauchent. Ces derniers temps, son principal centre d’intérêt artistique a été son projet solo, où elle utilise le nom de V.V. Lightbody en l’honneur de sa grand-mère pianiste, Virginia Lightbody, mais elle utilise également des guitares, des flûtes, des claviers ou des voix auxiliaires pour un ensemble d’autres groupes. Elle a contribué à l’impressionnant posthardcore de Slow Mass (On Watch en 2018), aux chansonnettes lo-fi de Accessory la même année, et à la vision effervescente nommée Poplife sur les adultes contemporains, qu’ils appellent « Bruce Jazz » (le « ingle » de 2019 « Bad Attitude »).

L’année dernière, McConnell a lancé une collaboration appelée Valebol avec le percussionniste de Dos Santos, Daniel Villarreal-Carrillo, et bien qu’ils n’aient pas encore sorti d’enregistrements, les images de YouTube de leur performance inaugurale au Empty Bottle en juin dernier m’ont mis en appétit. Sur son deuxième album sous le nom de V.V. Lightbody, Make a Shrine or Burn It, McConnell mélange les percussions légères de la bossa nova, les rythmes austères de l’indie-rock, les guitares serpentines et les voix folk tendres avec une douceur qui dément le travail et la discipline nécessaires pour réaliser un matériel aussi complexe. Bien qu’elle ait appelé son style « nap rock », elle est plus susceptible de vous hypnotiser que de vous endormir. Les touches oscillantes et le saxophone doux de « BYOB » créent une profondeur sonore intrigante qui invite à l’écoute active.

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Elvis Depressedly: « Depressedelica »

11 mai 2020

Le nouvel album d’Elvis Depressedly est un album que nous n’aurions peut-être jamais entendu. Le septième long métrage de Mathew Lee Cothran sous ce nom (il enregistre aussi sous son propre nom et sous le nom de Coma Cinema) est sorti par surprise récemment, mais Depressedelica devait initialement sortir à l’automne 2019. Cependant, au milieu de luttes personnelles contre la toxicomanie et la santé mentale – sujets dont il parle ouvertement depuis des années – et d’un scandale semi-public sur Twitter, Cothran et son label ont décidé de mettre le disque sur les tablettes afin qu’il puisse se rétablir et se mettre à l’abri du regard du public. Aujourd’hui, le musicien de Caroline du Nord a terminé son traitement et a décidé de « libérer « le disque, marquant ainsi la première sortie d’Elvis Depressedly depuis 2015. Bien que Depressedelica ait été écrit avant d’entrer en convalescence, le disque est remarquablement prescient dans la mesure où il confronte directement les difficultés qu’il a cherché à surmonter pendant son absence de la musique, une carrière qu’il mène depuis plus de dix ans. 

Avant sa sortie complète, le seul goût que les fans ont eu était la composition « Jane, Don’t You Know Me ? »; un morceau simple, sans prétention, truffé de mea culpas. Grâce à un auto-réglage fluide et à une accroche subtilement puissante, Cothran fait acte de pénitence en tant que quelqu’un qui a vraisemblablement été repoussé par ses luttes : « J’espère que tu me pardonneras / Comme nous pardonnons nos mauvais rêves » (I hope you will forgive me / The way that we forgive our bad dreams !). Sur fond de batterie métronomique et de synthés qui donnent l’impression d’être au lever du soleil, ce titre est un premier pas parfait vers le voyage décrit dans les paroles de l’album.

Sur le morceau d’ouverture de l’album, « Who Can Be Loved in This World », Cothran fait preuve d’un optimisme prudent, chantant plus ouvertement sur l’amour que dans ses précédents disques. « Je me sens libre / De tomber en toi facilement et tu peux tomber en moi ».(It makes me feel like I am free / To fall into you easily and you can fall right into me). Il semble libre, et la chanson donne l’impression d’aspirer une profonde respiration et de la laisser s’échapper lentement. Le thème de l’amour revient à nouveau à la fin de l’album. « New Love in the Summertime » utilise une mélodie aux accents country pour rendre poétique les relations et la façon dont le temps qui passe les divise. Mais à la fin, Cothran est convaincu que son amour durera aussi longtemps qu’il le fait, donnant à son amant « un rire de plus sur les jours précédents » (one more laugh about the days before )

Le morceau « Chariot » semble être le lieu où les thèmes récurrents du disque se font le plus entendre, ce qui est souligné par les représailles dans la partie arrière de l’album. Ici, Cothran chante à travers une quantité étouffante d’effets vocaux sur les pièges douteux de la notoriété. « Le char s’est balancé trop bas » (The chariot swung too low), répète-t-il au début de chaque couplet, suivi d’une description d’une forme de tragédie. Dans l’une d’entre elles, il a affaire au « publiciste de l’Antéchrist » qui lui dit que ses chansons le rendront célèbre. Les adeptes des médias sociaux de Cothran savent qu’il a longtemps été candide sur ses griefs concernant le côté exploiteur de la musique indépendante, et le voilà qui intègre ces critiques carriéristes dans son écriture de chansons. 

L’un des moments les plus intéressants de l’album se trouve sur « Can You Hear My Guitar Rotting », qui répond efficacement à la question du titre. Sur ce morceau, Cothran est particulièrement explicite sur ses problèmes de toxicomanie, en commençant par les paroles « J’ai un problème », et en murmurant ensuite qu’il se saoule en secret. Si vous y prêtez attention, vous remarquerez que la guitare acoustique et le piano derrière le chant de Cothran subissent quelques changements. Au fur et à mesure que le titre progresse, ils se dissolvent, se détachent pour être remplacés par des sons beaucoup plus sombres. Lorsque la chanson se termine, les seuls sons qui restent sont une piste vocale angélique et déformée et un motif de batterie qui semble être joué à l’envers. La composition donne l’impression de montrer à quel point Cothran maîtrise le genre de musique qu’il fait, même si le contrôle n’est pas facile dans d’autres aspects de sa vie.

Les choses dont Cothran parle sur Depressedelica ne sont pas faciles à aborder, et il ne faut pas non plus considérer comme acquis qu’il a même décidé de les partager, encore moins après avoir commencé à améliorer sa propre vie. Cet album, bien qu’il fasse partie des meilleurs produits qu’il ait jamais réalisés, est particulièrement unique car nous n’y avons jamais eu droit, ce qui rend d’autant plus spécial le fait de savoir qu’il est arrivé selon les propres termes de Cothran.

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Wolgang White & The Lonely Hearts: « Infatuated »

20 avril 2020

Malgré le nom « and the… » Wolfgang White est un artiste solo qui fait les choses comme il le souhaite, avec le même sens de la singularité qu’un artiste comme Daniel Johnston.

On a donc le plaisir de découvrir un album dans lequel White nous emmène dans un voyage musical érudit à travers plusieurs genres et avant-postes musicaux, alors que ses paroles dirigent ses affections et ses désespoirs vers et loin de nombreux destinataires romantiques.

Bien qu’ils soient rayonnants et introspectifs dans l’abondante bizarrerie lo-fi de la chanson- titre et de « Visit My Dreams » ou le fuzz rock garage de « I Want You », le meilleur de l’album se voit dans les morceaux où il amène sa guitar-pop standard à d’autres niveaux.

Ainsi, on voit la juxtaposition de la guitar-pop mélodique avec le carillon et les rythmes ensoleillés/chants échos du surf rock moderne émerger à des degrés divers dans « Everytime », « Friends » et « Van Gogh ».

Il y a aussi des moments d’une véritable beauté qui étonnent par l’ampleur de leur chatoyante disparité, dans des titres comme « In The Park » et le style comprifié de « Tell You (If I Could »), qui semblent tous profiter au maximum de l’équipement de production rétro et ce qui donnent ainsi à l’ensemble une étrange impression de 8 pistes des années 70 et un sens très subtil d’assurer une telle continuité. White se joint, ici, à des artistes récents comme Mo Troper pour rendre ce son lo-fi alt.jangle expérimental de plus en plus essentiel.

***1/2


Psychic Flowers: « Jumbled Numbers »

6 mars 2020

Depuis la dissolution de Ex-Breathers, David Settle est resté prolifique et inspirant, avec d’excellents projets comme Big Heet, The Fragiles et Psychic Flowers (sans parler des groupes de musique pour le podcast, Under The First Floor). Il reste très occupé et la qualité reste élevée, qu’il s’agisse de faire du « egg punk » ou du lo-fi, chaque projet apporte un élément différent de ses inspirations et puise dans l’essence même de ce qui le rend si influent au départ. Après les débuts de The Fragiles, Settle travaille à nouveau sur Psychic Flowers se un dernier album, Gloves To Grand Air. Enregistré dans sa cave sur un magnétophone à cassette 8 pistes, l’album est une power-pop volontaire qui équilibre le fuzz lo-fi et le sifflement de la bande avec des mélodies incontournables. Il est plein de magie d’enregistrements maison.

Le single « Jumbled Numbers » reprend un lead de guitare perçant inspiré de Guided By Voices et le transforme en une chanson pop grouillante, enfouie dans un bruit déformé et des cymbales qui engloutissent presque tout le mix. La chanson, un message pour laisser vos sentiments s’envoler librement (« vos émotions ne sont pas un crime » – your emotions are not a crime – ), est secouée par le son de guitare à électricité statique de Settle, chaque accord se frayant son chemin dans la myriade detonalités. C’est la dureté de la power-pop qui vous rappelle que vous n’avez pas toujours besoin d’être aussi dur, et que, souvent, le laissez- aller est préférable. Psychic Flowers écrit des chansons qui vont du punk garage à la pop slacker et l’attention que porte Settle aux détails sonores de la variété 8 pistes pousse tout délicieusement dans le rouge des émois de songeries imaginaires ainsi exacerbées.

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U.S. Girls: « Heavy Light »

6 mars 2020

Le sixième album de Meg Remy en tant qu’U.S. Girls, In a Poem Unlimited, était un disque féroce, mordant et captivant pour les femmes en colère du monde entier. Son dernier opus, Heavy Light, est cependant plus personnel ; tourné vers l’intérieur et vers le passé, et il constitue comme une rétrospective de sa carrière jusqu’à présent.

Produit par Remy et enregistré en direct avec 20 musiciens de session, Heavy Light est riche, texturé et énorme sur le plan sonore. Il présente des versions retravaillées de vieilles chansons (« Overtime », « State House (It’s a Man’s World) » et « Red Ford Radio) » ainsi quedes intermèdes parlés (« Advice to Teenage Self », « The Most Hurtful Thing » et » The Color of Your Childhood Bedroom »). Tout cet ensemble contribue à notre compréhension des moments qui ont façonné Rémy en tant que personne et en tant qu’artiste.

Alors que nous approchons de la fin de Heavy Light, « The Quiver to the Bomb » ressemblera à un compte à rebours. Les touches de piano rapides et percutantes et les soupirs de Rémy créent une tension et jouent sur le mélodrame qu’elle sait si bien capturer. Avec son morceau de clôture, une version retravaillée d’une chanson qu’elle a publiée il y a dix ans, « Red Ford Radio », on a l’impression de boucler la boucle, de clore un chapitre de l’histoire des U.S. Girls, sans doute pour en entamer un nouveau.

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Guided By Voices: « Surrender Your Poppy Field »

24 février 2020

Lorsque les rockers lo-fi américains Guided By Voices ont sorti leur premier EP Forever Since Breakfast en 1986, personne n’aurait pu prédire que le titre du disque, inspiré par Charles Manson, serait un commentaire aussi approprié sur la prodigieuse créativité et la longévité de ce groupe vénéré ! Mieux connus pour leurs chansons pop-rock indépendantes, pétillantes et percutantes, d’une durée d’à peine 3 minutes, et pour avoir sorti de la musique pratiquement chaque année de leur existence, les Guided By Voices ont guidé les oreilles de presque tous les musiciens de rock actuellement actifs sur la scène.

Au cours des 35 dernières années, le groupe dirigé par l’énigmatique génie et légendaire auteur-compositeur-interprète Robert Pollard a sorti (officiellement) 29 albums studio, et Pollard lui-même a plus de 100 albums à son actif ! Leur mélange intemporel de pop lo-fi, de post-grunge, de garage, de British Invasion et de punk a fait du groupe un groupe culte aux États-Unis et à l’étranger, ce qui en fait l’un des groupes indépendants les plus appréciés de ces dernières décennies.

Ainsi, lorsque la date de sortie de leur 30e album studio officiel, Surrender Your Poppy Field, a été repoussée, la seule critique qui a toujours été formulée à l’encontre de ce groupe a été qu’on était à la merci d’un nouvel enfantillage. Compte tenu de leur travail prolifique, le groupe de cinq musiciens a toujours eu plus de ratés que de succès. En publiant autant en termes de quantité, le groupe risquait de diluer la qualité globale de son considérable catalogue. Mais toutes les appréhensions concernant l’héritage de GBV ont été mises de côté une fois le disque écouté. Ne vous y trompez pas, cet album est exceptionnel et se classe parmi les meilleurs, comme « Mag Earwhig ! », « Bee Thousand » ou « Alien Lanes ».

Le titre de l’album lui-même est un hommage au film The Wizard of Oz et (il y a même une scène où « Surrender Dorothy » apparaît dans le ciel), ainsi qu’au propre catalogue de GBV. Comme l’explique Pollard le Magicien d’Oz lui est venu à l’esprit lors de sa conception et il réalisé un EP de cinq chansons il y a quatre ou cinq ans sous le nom de Sunflower Logic avec un catalogue factice pour le nom du label utilisé, Pink Banana Records. On y trouve 50 ou 60 faux noms de groupes avec des titres de 45 tours, d’albums EP et de compilations, et l’une des chansons était « Surrender Your Poppy Field ». Cette dernière est restée et Pollards a décidé de lui donner une vraie place sur un album de Guided by Voices ».

La chanson d’ouverture, « Year of the Hard Hitter », évoque des visions de la violence liée au sexe à l’ancienne, avec son riff de Stooges et son solo de guitare. « Volcano », la deuxième composition et le premier « single » du LP, continue dans la même veine rock. On peut facilement imaginer qu’un super groupe des années 90 a donné naissance à cette chanson à l’atmosphère floue et brûlante. Comme d’habitude, le talent de Bob Pollard pour écrire des paroles étonnantes n’est pas diminué : « True is the time when I see you / Blue are the blinds that I see through / Red are the taillights in your eyes / Said what I needed, now it’s through. »(C’est vrai que quand je te vois / Bleu sont les stores que je vois à travers / Rouge sont les feux arrière dans tes yeux / J’ai dit ce dont j’avais besoin, maintenant c’est fini.)

Les titres « Queen Parking Lot », « Man Called Blunder » et « Stone Cold Moron », avec leurs tambours énergiques et leurs riffs entraînants, sont généralement des numéros courts et doux de GBV – ils ressemblent à quelque chose que les Pixies, Nirvana ou même les Melvins auraient pu produire. Le morceau « Arthur Has Business Elsewhere » est un autre des points forts de cet album, avec ses guitares fluides et ses paroles : « He likes to run around / Because he’s played up this old town / Arthur has business elsewhere » (Il aime courir partout / Parce qu’il a joué dans cette vieille ville / Arthur a des affaires ailleurs), rappeleront le Arthur Dent du Hitchhiker’s Guide to the Galaxy. Ce morceau est également l’un des nombreux titres impressionnants de l’album qui utilise la valse, avec un morceau de stand-along comme « Steely Dodgers », tournant autour d’une ligne de basse ascendante, ainsi que le groove de « Andre the Hawk » qui sonne comme Pavement quand il était dans la fleur de l’âge.

L’euphorique « Cul-De-Sac » est un punk-rocker qui joue du punk rock avec des sifflements accrocheurs et un rythme de batterie de fanfare pour faire bonne mesure et « Physician » est un titre que le groupe de Franz Ferdinand aurait pu rêvé d’inventer.

Une autre touche agréable à souligner sur ce nouvel album est l’ajout de belles parties de synthétiseurs mélodiques et elle renforcera véritablement l’atmosphère particulière du disque. Un exemple typique en est « Woah Nell » », probablement le morceau le plus surprenant et le plus beau de l’album, avec sa section de cordes tourbillonnante et ses harmonies à l’ancienne qui agissent comme le nettoyeur de palais ultime. La dernière chanson rock de l’album, « Next Sea Level », est le fruit d’une introduction lente et ascendante qui se transforme en un véritable climax orchestral, ce qui en fait l’une des meilleures clôtures d’album de GBV que nous ayons entendues ces dernières années. 

Dans l’ensemble, il s’agit d’un disque on ne peut plus mélodieux, avec des virages azimuthés sans précédent et des effluves sonores pour garder l’auditeur captif.Pour être totalement franc, ce disque ressemble déjà à un classique des temps modernes d’un des groupes les plus appréciés de notre époque. Le seul talon d’Achille de GBV était, jusuq’à présent, un épuisant déluge de contenu. Mais à ce stade de carrière, Surrender Your Poppy Field prouve qu’en approfondissant sa musique au lieu de se contenter de la proliférer, le combo continue à grandir au lieu de vieillir.

****1/2


Ethan Gruska: « En Garde »

11 février 2020

En écoutant En Garde, on peut ressenti les mêmes sentiments que lorsque’on a pu entendre pour la première fois No Shape de Perfume Genius ou House of Sugar d’Alex G. Il y a, en effet, des signed de ces deux artistes deux dans cet album solo du multi-instrumentiste Ethan Gruska de The Belle Brigade, qui nous offre un mélange étourdissant de folk minimaliste et de pop d’avant-garde. La toile de fond de En Garde sonne comme un puzzle de plaques tectoniques mouvantes ; ce mélange d’esthétiques conflictuelles mais totalement dynamiques. Luxuriant, énergique et débordant d’idées nouvelles, En Garde marque un nouveau sommet pour la carrière solo de Gruska, aussi brillante qu’imprévue.

Le musicien met tout sur la table : des pianos envoûtants, des cordes florissantes, des courants électroniques sous-jacents, des explosions de synthétiseurs, des voix informatisées, et même une apparition de Phoebe Bridgers en tant qu’invitée. La première série de chansons vous emportera avec des mélodies à couper le souffle et un tourbillon de l’esthétique susmentionnée. « Maybe I’ll Go Nowhere » et « Event Horizon » sont des moments forts particulièrement spectaculaires, mettant en valeur la voix douce et chuchotante de Gruska dans des atmosphères de rêve où il est trop facile de se perdre. « Enough For Now », qui met en vedette le désormais vénéré auteur-compositeur-interprète, « Bridgers » qui est un véritable banger indie-pop noyé dans une mer de numéros lo-fi, tandis que « Another Animal » éclate de nulle part avec ses grooves au synthétiseur.

« Nervous System » défie ra, à l’inverse, toute l’aura d’En Garde avec des influences industrielles discrètes. « Dialing Drunk » est ironiquement assez sobre, une ballade vocale déprimante et pourtant pleine de portée qui semble avoir été co-écrite par Bruno Mars ce qui donne un opus qui album semble couvrir tout un spectre de sons sans jamais sembler aller trop loin ou s’étendre trop finement.

En revanche, il y a un domaine où En Garde n’impressionne pas beaucoup, c’est le département lyrique. Les vers sont utiles, mais ne sont pas très chargés d’émotion – ce qui fait que Gruska (du moins de manière perceptible) ne parvient pas à tirer parti de cette belle boule de neige tourbillonnante de sons avec un thème ou une déclaration d’ensemble. Pourtant, la musique fait un travail admirable en transportant toute cette expérience par elle-même, offrant une pléthore de moments envoûtants qui utilisent un large éventail d’instruments et d’effets de studio pour atteindre une maîtrise sonore. Il s’agit d’une musique indie-pop/folk innovante à son meilleur ; une déclaration de carrière pour Ethan Gruska qui aura certainement une certaine influence sur les prochaines sorties de cette décennie encore jeune.

***1/2