V.V. Lightbody – Make A Shrine Or Burn It

La compositrice et multi-instrumentiste Vivian McConnell est issue d’une famille de musiciens, et elle a commencé à frayer avec la scène musicale de Chicago au début des années 2010, à peu près au moment où elle a quitté Urbana pour s’installer ici. À cette époque, elle et son frère aîné, Stan, jouaient ensemble dans le groupe indie-rock Santah, et Vivian McConnell avait également rejoint le groupe indie à quatre musiciens Grandkids ; depuis, elle fait partie de plusieurs scènes underground qui se chevauchent. Ces derniers temps, son principal centre d’intérêt artistique a été son projet solo, où elle utilise le nom de V.V. Lightbody en l’honneur de sa grand-mère pianiste, Virginia Lightbody, mais elle utilise également des guitares, des flûtes, des claviers ou des voix auxiliaires pour un ensemble d’autres groupes. Elle a contribué à l’impressionnant posthardcore de Slow Mass (On Watch en 2018), aux chansonnettes lo-fi de Accessory la même année, et à la vision effervescente nommée Poplife sur les adultes contemporains, qu’ils appellent « Bruce Jazz » (le « ingle » de 2019 « Bad Attitude »).

L’année dernière, McConnell a lancé une collaboration appelée Valebol avec le percussionniste de Dos Santos, Daniel Villarreal-Carrillo, et bien qu’ils n’aient pas encore sorti d’enregistrements, les images de YouTube de leur performance inaugurale au Empty Bottle en juin dernier m’ont mis en appétit. Sur son deuxième album sous le nom de V.V. Lightbody, Make a Shrine or Burn It, McConnell mélange les percussions légères de la bossa nova, les rythmes austères de l’indie-rock, les guitares serpentines et les voix folk tendres avec une douceur qui dément le travail et la discipline nécessaires pour réaliser un matériel aussi complexe. Bien qu’elle ait appelé son style « nap rock », elle est plus susceptible de vous hypnotiser que de vous endormir. Les touches oscillantes et le saxophone doux de « BYOB » créent une profondeur sonore intrigante qui invite à l’écoute active.

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Elvis Depressedly: « Depressedelica »

Le nouvel album d’Elvis Depressedly est un album que nous n’aurions peut-être jamais entendu. Le septième long métrage de Mathew Lee Cothran sous ce nom (il enregistre aussi sous son propre nom et sous le nom de Coma Cinema) est sorti par surprise récemment, mais Depressedelica devait initialement sortir à l’automne 2019. Cependant, au milieu de luttes personnelles contre la toxicomanie et la santé mentale – sujets dont il parle ouvertement depuis des années – et d’un scandale semi-public sur Twitter, Cothran et son label ont décidé de mettre le disque sur les tablettes afin qu’il puisse se rétablir et se mettre à l’abri du regard du public. Aujourd’hui, le musicien de Caroline du Nord a terminé son traitement et a décidé de « libérer « le disque, marquant ainsi la première sortie d’Elvis Depressedly depuis 2015. Bien que Depressedelica ait été écrit avant d’entrer en convalescence, le disque est remarquablement prescient dans la mesure où il confronte directement les difficultés qu’il a cherché à surmonter pendant son absence de la musique, une carrière qu’il mène depuis plus de dix ans. 

Avant sa sortie complète, le seul goût que les fans ont eu était la composition « Jane, Don’t You Know Me ? »; un morceau simple, sans prétention, truffé de mea culpas. Grâce à un auto-réglage fluide et à une accroche subtilement puissante, Cothran fait acte de pénitence en tant que quelqu’un qui a vraisemblablement été repoussé par ses luttes : « J’espère que tu me pardonneras / Comme nous pardonnons nos mauvais rêves » (I hope you will forgive me / The way that we forgive our bad dreams !). Sur fond de batterie métronomique et de synthés qui donnent l’impression d’être au lever du soleil, ce titre est un premier pas parfait vers le voyage décrit dans les paroles de l’album.

Sur le morceau d’ouverture de l’album, « Who Can Be Loved in This World », Cothran fait preuve d’un optimisme prudent, chantant plus ouvertement sur l’amour que dans ses précédents disques. « Je me sens libre / De tomber en toi facilement et tu peux tomber en moi ».(It makes me feel like I am free / To fall into you easily and you can fall right into me). Il semble libre, et la chanson donne l’impression d’aspirer une profonde respiration et de la laisser s’échapper lentement. Le thème de l’amour revient à nouveau à la fin de l’album. « New Love in the Summertime » utilise une mélodie aux accents country pour rendre poétique les relations et la façon dont le temps qui passe les divise. Mais à la fin, Cothran est convaincu que son amour durera aussi longtemps qu’il le fait, donnant à son amant « un rire de plus sur les jours précédents » (one more laugh about the days before )

Le morceau « Chariot » semble être le lieu où les thèmes récurrents du disque se font le plus entendre, ce qui est souligné par les représailles dans la partie arrière de l’album. Ici, Cothran chante à travers une quantité étouffante d’effets vocaux sur les pièges douteux de la notoriété. « Le char s’est balancé trop bas » (The chariot swung too low), répète-t-il au début de chaque couplet, suivi d’une description d’une forme de tragédie. Dans l’une d’entre elles, il a affaire au « publiciste de l’Antéchrist » qui lui dit que ses chansons le rendront célèbre. Les adeptes des médias sociaux de Cothran savent qu’il a longtemps été candide sur ses griefs concernant le côté exploiteur de la musique indépendante, et le voilà qui intègre ces critiques carriéristes dans son écriture de chansons. 

L’un des moments les plus intéressants de l’album se trouve sur « Can You Hear My Guitar Rotting », qui répond efficacement à la question du titre. Sur ce morceau, Cothran est particulièrement explicite sur ses problèmes de toxicomanie, en commençant par les paroles « J’ai un problème », et en murmurant ensuite qu’il se saoule en secret. Si vous y prêtez attention, vous remarquerez que la guitare acoustique et le piano derrière le chant de Cothran subissent quelques changements. Au fur et à mesure que le titre progresse, ils se dissolvent, se détachent pour être remplacés par des sons beaucoup plus sombres. Lorsque la chanson se termine, les seuls sons qui restent sont une piste vocale angélique et déformée et un motif de batterie qui semble être joué à l’envers. La composition donne l’impression de montrer à quel point Cothran maîtrise le genre de musique qu’il fait, même si le contrôle n’est pas facile dans d’autres aspects de sa vie.

Les choses dont Cothran parle sur Depressedelica ne sont pas faciles à aborder, et il ne faut pas non plus considérer comme acquis qu’il a même décidé de les partager, encore moins après avoir commencé à améliorer sa propre vie. Cet album, bien qu’il fasse partie des meilleurs produits qu’il ait jamais réalisés, est particulièrement unique car nous n’y avons jamais eu droit, ce qui rend d’autant plus spécial le fait de savoir qu’il est arrivé selon les propres termes de Cothran.

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Wolgang White & The Lonely Hearts: « Infatuated »

Malgré le nom « and the… » Wolfgang White est un artiste solo qui fait les choses comme il le souhaite, avec le même sens de la singularité qu’un artiste comme Daniel Johnston.

On a donc le plaisir de découvrir un album dans lequel White nous emmène dans un voyage musical érudit à travers plusieurs genres et avant-postes musicaux, alors que ses paroles dirigent ses affections et ses désespoirs vers et loin de nombreux destinataires romantiques.

Bien qu’ils soient rayonnants et introspectifs dans l’abondante bizarrerie lo-fi de la chanson- titre et de « Visit My Dreams » ou le fuzz rock garage de « I Want You », le meilleur de l’album se voit dans les morceaux où il amène sa guitar-pop standard à d’autres niveaux.

Ainsi, on voit la juxtaposition de la guitar-pop mélodique avec le carillon et les rythmes ensoleillés/chants échos du surf rock moderne émerger à des degrés divers dans « Everytime », « Friends » et « Van Gogh ».

Il y a aussi des moments d’une véritable beauté qui étonnent par l’ampleur de leur chatoyante disparité, dans des titres comme « In The Park » et le style comprifié de « Tell You (If I Could »), qui semblent tous profiter au maximum de l’équipement de production rétro et ce qui donnent ainsi à l’ensemble une étrange impression de 8 pistes des années 70 et un sens très subtil d’assurer une telle continuité. White se joint, ici, à des artistes récents comme Mo Troper pour rendre ce son lo-fi alt.jangle expérimental de plus en plus essentiel.

***1/2

Psychic Flowers: « Jumbled Numbers »

Depuis la dissolution de Ex-Breathers, David Settle est resté prolifique et inspirant, avec d’excellents projets comme Big Heet, The Fragiles et Psychic Flowers (sans parler des groupes de musique pour le podcast, Under The First Floor). Il reste très occupé et la qualité reste élevée, qu’il s’agisse de faire du « egg punk » ou du lo-fi, chaque projet apporte un élément différent de ses inspirations et puise dans l’essence même de ce qui le rend si influent au départ. Après les débuts de The Fragiles, Settle travaille à nouveau sur Psychic Flowers se un dernier album, Gloves To Grand Air. Enregistré dans sa cave sur un magnétophone à cassette 8 pistes, l’album est une power-pop volontaire qui équilibre le fuzz lo-fi et le sifflement de la bande avec des mélodies incontournables. Il est plein de magie d’enregistrements maison.

Le single « Jumbled Numbers » reprend un lead de guitare perçant inspiré de Guided By Voices et le transforme en une chanson pop grouillante, enfouie dans un bruit déformé et des cymbales qui engloutissent presque tout le mix. La chanson, un message pour laisser vos sentiments s’envoler librement (« vos émotions ne sont pas un crime » – your emotions are not a crime – ), est secouée par le son de guitare à électricité statique de Settle, chaque accord se frayant son chemin dans la myriade detonalités. C’est la dureté de la power-pop qui vous rappelle que vous n’avez pas toujours besoin d’être aussi dur, et que, souvent, le laissez- aller est préférable. Psychic Flowers écrit des chansons qui vont du punk garage à la pop slacker et l’attention que porte Settle aux détails sonores de la variété 8 pistes pousse tout délicieusement dans le rouge des émois de songeries imaginaires ainsi exacerbées.

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U.S. Girls: « Heavy Light »

Le sixième album de Meg Remy en tant qu’U.S. Girls, In a Poem Unlimited, était un disque féroce, mordant et captivant pour les femmes en colère du monde entier. Son dernier opus, Heavy Light, est cependant plus personnel ; tourné vers l’intérieur et vers le passé, et il constitue comme une rétrospective de sa carrière jusqu’à présent.

Produit par Remy et enregistré en direct avec 20 musiciens de session, Heavy Light est riche, texturé et énorme sur le plan sonore. Il présente des versions retravaillées de vieilles chansons (« Overtime », « State House (It’s a Man’s World) » et « Red Ford Radio) » ainsi quedes intermèdes parlés (« Advice to Teenage Self », « The Most Hurtful Thing » et » The Color of Your Childhood Bedroom »). Tout cet ensemble contribue à notre compréhension des moments qui ont façonné Rémy en tant que personne et en tant qu’artiste.

Alors que nous approchons de la fin de Heavy Light, « The Quiver to the Bomb » ressemblera à un compte à rebours. Les touches de piano rapides et percutantes et les soupirs de Rémy créent une tension et jouent sur le mélodrame qu’elle sait si bien capturer. Avec son morceau de clôture, une version retravaillée d’une chanson qu’elle a publiée il y a dix ans, « Red Ford Radio », on a l’impression de boucler la boucle, de clore un chapitre de l’histoire des U.S. Girls, sans doute pour en entamer un nouveau.

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Guided By Voices: « Surrender Your Poppy Field »

Lorsque les rockers lo-fi américains Guided By Voices ont sorti leur premier EP Forever Since Breakfast en 1986, personne n’aurait pu prédire que le titre du disque, inspiré par Charles Manson, serait un commentaire aussi approprié sur la prodigieuse créativité et la longévité de ce groupe vénéré ! Mieux connus pour leurs chansons pop-rock indépendantes, pétillantes et percutantes, d’une durée d’à peine 3 minutes, et pour avoir sorti de la musique pratiquement chaque année de leur existence, les Guided By Voices ont guidé les oreilles de presque tous les musiciens de rock actuellement actifs sur la scène.

Au cours des 35 dernières années, le groupe dirigé par l’énigmatique génie et légendaire auteur-compositeur-interprète Robert Pollard a sorti (officiellement) 29 albums studio, et Pollard lui-même a plus de 100 albums à son actif ! Leur mélange intemporel de pop lo-fi, de post-grunge, de garage, de British Invasion et de punk a fait du groupe un groupe culte aux États-Unis et à l’étranger, ce qui en fait l’un des groupes indépendants les plus appréciés de ces dernières décennies.

Ainsi, lorsque la date de sortie de leur 30e album studio officiel, Surrender Your Poppy Field, a été repoussée, la seule critique qui a toujours été formulée à l’encontre de ce groupe a été qu’on était à la merci d’un nouvel enfantillage. Compte tenu de leur travail prolifique, le groupe de cinq musiciens a toujours eu plus de ratés que de succès. En publiant autant en termes de quantité, le groupe risquait de diluer la qualité globale de son considérable catalogue. Mais toutes les appréhensions concernant l’héritage de GBV ont été mises de côté une fois le disque écouté. Ne vous y trompez pas, cet album est exceptionnel et se classe parmi les meilleurs, comme « Mag Earwhig ! », « Bee Thousand » ou « Alien Lanes ».

Le titre de l’album lui-même est un hommage au film The Wizard of Oz et (il y a même une scène où « Surrender Dorothy » apparaît dans le ciel), ainsi qu’au propre catalogue de GBV. Comme l’explique Pollard le Magicien d’Oz lui est venu à l’esprit lors de sa conception et il réalisé un EP de cinq chansons il y a quatre ou cinq ans sous le nom de Sunflower Logic avec un catalogue factice pour le nom du label utilisé, Pink Banana Records. On y trouve 50 ou 60 faux noms de groupes avec des titres de 45 tours, d’albums EP et de compilations, et l’une des chansons était « Surrender Your Poppy Field ». Cette dernière est restée et Pollards a décidé de lui donner une vraie place sur un album de Guided by Voices ».

La chanson d’ouverture, « Year of the Hard Hitter », évoque des visions de la violence liée au sexe à l’ancienne, avec son riff de Stooges et son solo de guitare. « Volcano », la deuxième composition et le premier « single » du LP, continue dans la même veine rock. On peut facilement imaginer qu’un super groupe des années 90 a donné naissance à cette chanson à l’atmosphère floue et brûlante. Comme d’habitude, le talent de Bob Pollard pour écrire des paroles étonnantes n’est pas diminué : « True is the time when I see you / Blue are the blinds that I see through / Red are the taillights in your eyes / Said what I needed, now it’s through. »(C’est vrai que quand je te vois / Bleu sont les stores que je vois à travers / Rouge sont les feux arrière dans tes yeux / J’ai dit ce dont j’avais besoin, maintenant c’est fini.)

Les titres « Queen Parking Lot », « Man Called Blunder » et « Stone Cold Moron », avec leurs tambours énergiques et leurs riffs entraînants, sont généralement des numéros courts et doux de GBV – ils ressemblent à quelque chose que les Pixies, Nirvana ou même les Melvins auraient pu produire. Le morceau « Arthur Has Business Elsewhere » est un autre des points forts de cet album, avec ses guitares fluides et ses paroles : « He likes to run around / Because he’s played up this old town / Arthur has business elsewhere » (Il aime courir partout / Parce qu’il a joué dans cette vieille ville / Arthur a des affaires ailleurs), rappeleront le Arthur Dent du Hitchhiker’s Guide to the Galaxy. Ce morceau est également l’un des nombreux titres impressionnants de l’album qui utilise la valse, avec un morceau de stand-along comme « Steely Dodgers », tournant autour d’une ligne de basse ascendante, ainsi que le groove de « Andre the Hawk » qui sonne comme Pavement quand il était dans la fleur de l’âge.

L’euphorique « Cul-De-Sac » est un punk-rocker qui joue du punk rock avec des sifflements accrocheurs et un rythme de batterie de fanfare pour faire bonne mesure et « Physician » est un titre que le groupe de Franz Ferdinand aurait pu rêvé d’inventer.

Une autre touche agréable à souligner sur ce nouvel album est l’ajout de belles parties de synthétiseurs mélodiques et elle renforcera véritablement l’atmosphère particulière du disque. Un exemple typique en est « Woah Nell » », probablement le morceau le plus surprenant et le plus beau de l’album, avec sa section de cordes tourbillonnante et ses harmonies à l’ancienne qui agissent comme le nettoyeur de palais ultime. La dernière chanson rock de l’album, « Next Sea Level », est le fruit d’une introduction lente et ascendante qui se transforme en un véritable climax orchestral, ce qui en fait l’une des meilleures clôtures d’album de GBV que nous ayons entendues ces dernières années. 

Dans l’ensemble, il s’agit d’un disque on ne peut plus mélodieux, avec des virages azimuthés sans précédent et des effluves sonores pour garder l’auditeur captif.Pour être totalement franc, ce disque ressemble déjà à un classique des temps modernes d’un des groupes les plus appréciés de notre époque. Le seul talon d’Achille de GBV était, jusuq’à présent, un épuisant déluge de contenu. Mais à ce stade de carrière, Surrender Your Poppy Field prouve qu’en approfondissant sa musique au lieu de se contenter de la proliférer, le combo continue à grandir au lieu de vieillir.

****1/2

Ethan Gruska: « En Garde »

En écoutant En Garde, on peut ressenti les mêmes sentiments que lorsque’on a pu entendre pour la première fois No Shape de Perfume Genius ou House of Sugar d’Alex G. Il y a, en effet, des signed de ces deux artistes deux dans cet album solo du multi-instrumentiste Ethan Gruska de The Belle Brigade, qui nous offre un mélange étourdissant de folk minimaliste et de pop d’avant-garde. La toile de fond de En Garde sonne comme un puzzle de plaques tectoniques mouvantes ; ce mélange d’esthétiques conflictuelles mais totalement dynamiques. Luxuriant, énergique et débordant d’idées nouvelles, En Garde marque un nouveau sommet pour la carrière solo de Gruska, aussi brillante qu’imprévue.

Le musicien met tout sur la table : des pianos envoûtants, des cordes florissantes, des courants électroniques sous-jacents, des explosions de synthétiseurs, des voix informatisées, et même une apparition de Phoebe Bridgers en tant qu’invitée. La première série de chansons vous emportera avec des mélodies à couper le souffle et un tourbillon de l’esthétique susmentionnée. « Maybe I’ll Go Nowhere » et « Event Horizon » sont des moments forts particulièrement spectaculaires, mettant en valeur la voix douce et chuchotante de Gruska dans des atmosphères de rêve où il est trop facile de se perdre. « Enough For Now », qui met en vedette le désormais vénéré auteur-compositeur-interprète, « Bridgers » qui est un véritable banger indie-pop noyé dans une mer de numéros lo-fi, tandis que « Another Animal » éclate de nulle part avec ses grooves au synthétiseur.

« Nervous System » défie ra, à l’inverse, toute l’aura d’En Garde avec des influences industrielles discrètes. « Dialing Drunk » est ironiquement assez sobre, une ballade vocale déprimante et pourtant pleine de portée qui semble avoir été co-écrite par Bruno Mars ce qui donne un opus qui album semble couvrir tout un spectre de sons sans jamais sembler aller trop loin ou s’étendre trop finement.

En revanche, il y a un domaine où En Garde n’impressionne pas beaucoup, c’est le département lyrique. Les vers sont utiles, mais ne sont pas très chargés d’émotion – ce qui fait que Gruska (du moins de manière perceptible) ne parvient pas à tirer parti de cette belle boule de neige tourbillonnante de sons avec un thème ou une déclaration d’ensemble. Pourtant, la musique fait un travail admirable en transportant toute cette expérience par elle-même, offrant une pléthore de moments envoûtants qui utilisent un large éventail d’instruments et d’effets de studio pour atteindre une maîtrise sonore. Il s’agit d’une musique indie-pop/folk innovante à son meilleur ; une déclaration de carrière pour Ethan Gruska qui aura certainement une certaine influence sur les prochaines sorties de cette décennie encore jeune.

***1/2

Lrrr: « Whose News ? »

Skyler Lloyd est membre du groupe Tundrastrooper et il présente ici son side-project, Lrrr, et son premier album intitulé Whose News ?. Pas de sludge-rock mais des courtes compositions indie folk psychédéliques telles que « not even u » en guise d’introduction mais également « ez pollen », « no matter the forcefield » et « sumac ».

Avec ces sonorités lo-fi qui possèdent son lot de charmes, Lrrr ne privilégie que le calme et la tranquillité avec ces courtes ballades qui se veulent touchantes. De « fog » à « beams » en passant par « sure », Whose News ? arrivera à émouvoir son auditoire grâce à la sincérité se dégageant de ces plages. À contre-emploi ? Peut-être, en tout cas ces nouvelles-là ne sont pas à négliger.

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Duster: « Duster »

Les légendes du slowcore de San Jose, Duster, reviennent au bercail avec leur nouvel album éponyme, le premier du groupe depuis près de deux décennies. Bien que cela fasse 19 ans que Duster a sorti son deuxième et dernier album, Contemporary Movement, on a, à bien des égards, l’impression que la musique n’a jamais cessé. Les membres, les multi-instrumentistes Clay Parton et Canaan Dove Amber, et le batteur Jason Albertini, sont restés en contact au fil des ans et ont continué à travailler ensemble à différents titres. Albertini a formé l’Helvetia après la dissolution de Duster, où il a fréquemment collaboré avec Amber. Leurs six premières sorties ont été réalisées par le label The Static Cult de Parton. C’était un groupe très soudé.

Plus tard, Albertini a été le bassiste de Built to Spill, un autre groupe de rock des années 90, où il a rempli la section rythmique avec Steve Gere après le départ de Brett Nelson et Scott Plouf. À la fin de leur séjour à Built to Spill, Gere a rejoint Duster en tant que batteur de tournée pour leurs réunions, tandis qu’Albertini prenait en charge la basse.

Lorsque le groupe a annoncé qu’il allait « enregistrer un peu » sur instagram en 2018, les fans ont été enchantés par les photos de leur équipement d’époque. Duster était de retour et leur charme organique et lofi était sans compromis. Cependant, dans une interview, Parton a averti les fans que la sortie prochaine du groupe pourrait ne pas plaire à tout le monde.

Il est vrai que le nouvel album éponyme de Duster n’a pas l’énergie inégalable de leur premier LP Stratosphere, ni la réputation lourde et mythique de leur production classique, sauvée de deux décennies d’obscurité silencieuses. Mais l’album éponyme de Duster trouve sans effort sa place dans la discographie désormais légendaire du groupe.

Enregistré en direct dans le garage de Patron, l’album sonne presque comme s’il s’agissait d’une capsule temporelle sauvée de 2001. Il a certainement toutes les caractéristiques d’un album classique de Duster : le chant est bas dans le mixage, chaque note de basse est tonitruante et délibérée, les chansons sont toujours ouvertes et vagues même quand elles sont directes, et une épaisse couche de fuzz imprègne l’album. On en vient, en fait, à penser que jamais Duster n’a été aussi flou.

Cet élément atteint son paroxysme pendant les feedbacks arrosés de « Damaged » et « Go Back ». Entre les deux, il y a le magnifique et brumeux « Letting Go », l’un des deux titres que le groupe a partagé avant sa sortie. Parmi les autres points forts de l’album, citons le sombre et entraînant « Ghost World », le chaleureux et délicat « Hoya Paranoia » et le spacieux « Copernicus Crater », que le groupe a sorti à Halloween.

Ne vous y trompez pas, il y a une progressio marquée de ces 12 pistes qui vont au-delà du flou. Duster est le disque le plus ambitieux du groupe sur le plan sonore à ce jour et ils ont appris plus que quelques tours en leur temps à part.

Parton a récemment décrit le groupecomme pratiquant de la « musique expérimentale dépressive », ce qui est probablement une description plus précise du groupe à ce stade que celle de « slowcore ». Duster a retouvé son public en 2019, cedernier l’a retrouvé aussi et leur album éponyme montre que le groupe a encore beaucoup d’atouts dans les mains.

***1/2

Hovvdy: « Heavy Lifter »

Dès les premières secondes du troisième album de Hovvdy, Heavy Lifter, le groupe fait clairement comprendre à l’auditeur qu’il va vivre une expérience nostalgique et mélancolique. Les accords qui soutiennent l’ouverture de « 1999 » semblent lourds, penchés sur un territoire mineur, nous laissant la sensation d’un coup de poing asséné aux tripes. C’est une façon de commencer un album an nous poussant vers le bas mais elle ne nous dispensepas de moments plus heureux. D’ailleurs, le morceau suivant, « Mr. Lee », va immédiatement nous y guider comme pour nous faire croire que l’entame n’était qu’un mauvais rêve et qu’il était nécessaire de s’en extiprer.

Dans Heavy Lifter, il y a une forte insistance la notion d’examiner votre environnement, comme sur « Cathedral », qui se concentre sur l’onbservation, celle d’étudier comment on entre dans le culte d’un autre. Il est peut-être plus facile de s’immerger dans les profondeurs de la tête d’autrui, plutôt que de vivre dans la sienne propre. Les textes insistent sur l’envie de s’échapper vers un santuaire privé et de s’exiler vers une cathédrale pour goûter à l’émerveillement dans l’espoir de trouver un espace vacant permanent qui lui soit propre.

Hovvdy excelle dans les ballades lentes et mélancoliques, atterrissant constamment quelque part entre Elliott Smith et The Microphones. Leurs chansons reflètent fortement les résultats post-hoegaze, optant pour un ton plus triste et morne sur des morceaux comme « Feel Tall ». Les moments de joie sur Heavy Lifter portent aussi une pincée de sarcasme, se moquant presque de l’idée de faire une musique strictement joyeuse. Mais les chansons sont vectrices de bonnes intentions – « TellmeI’masinger » est une charmante ode au clavier-jouet de Fisher-Price où on qu’ête une constante envie d’approbation humaine.

Étant donné que tant de choses dans Heavy Lifter sont lourdes et évoquent les parcelles les plus difficiles de la vie, il ne sera pas surprenant que les deux fondateurs du groupe, Charlie Martin et Will Taylor, viennent du Texas, un état assez grand pour qu’on sy sente comme dans sa propre planète, ce qui peut créer son propre sentiment d’isolement. La vision de Martin et Taylor se mélange sur ce disque, créant des moments où ils se sentent en sécurité dans un espace vaste et sans fin. Leurs chansons apportent ainsi un réconfort contre la peur, et une occasion de réfléchir et de se tourner vers l’intérieur, de se concentrer sur la lumière.

***1/2