Guided by Voices: « Scalping the Guru »

28 octobre 2022

Il faudra peut-être un lit d’hôpital pour que Robert Pollard, chef d’orchestre de Guided by Voices et source inépuisable de mélodies, cesse de sortir des albums. Pourtant, étant donné sa capacité surnaturelle à produire de l’or avec le matériel le plus minable dont il dispose, il est probable qu’il créerait un opus pop uniquement avec son bassin et un enregistreur quatre pistes. Depuis près de 40 ans qu’il fait de la musique avec le groupe et ses divers projets solo, il a sorti de la musique à un rythme si prolifique que son nom et le surnom GBV sont tous deux utilisés comme raccourci pour sortir de la musique rapidement. Il a déclaré dans des interviews que revenir sur certaines époques du groupe n’est pas nécessairement l’une des choses qu’il préfère faire. Mais avec la sortie de cette toute nouvelle collection de morceaux tirés de divers EP sortis au début des années 90, à l’époque de l’apogée du « classic lineup », intitulée Scalping the Guru, les fans peuvent se souvenir de la volonté inébranlable de Pollard de créer avant que le groupe n’atteigne son statut de grand groupe d’indie-rock de tous les temps.

En fin de compte, l’enregistrement d’un album peut être un piège à argent tout comme l’achat d’une maison à rénover. Apprendre et perfectionner ses propres chansons pour un public est une chose. Mais pour capturer la magie sur disque dans les premiers temps d’un groupe, il faut développer l’ingéniosité d’une bande de voleurs à l’étalage qui choisissent les barres de chocolat qu’ils peuvent cacher sous leur chemise sans que la sécurité ne le remarque. Au début du groupe, Pollard savait qu’il lui faudrait un village – ou au moins un prêt bancaire conséquent – pour diffuser sa musique dans le monde.

Alors qu’il avait lancé le projet au début des années 80 après la dissolution de son groupe de reprises de heavy metal Anacrusis, Guided by Voices avait sorti plusieurs albums qui n’avaient été entendus que par les copains de beuverie de Pollard autour de Dayton, dans l’Ohio. Mais avec une famille à charge et la pression croissante de ses parents pour qu’il abandonne ses rêves de Pete Townshend de la radio universitaire, Pollard se concentre sur son travail d’enseignant dans une école primaire publique. L’histoire raconte que le groupe n’ayant pas vraiment accroché avec la scène locale de Dayton, Pollard a contracté un prêt auprès de son syndicat d’enseignants pour financer l’enregistrement et le pressage de certains des classiques lo-fi du groupe, désormais vénérés. Véritable entreprise de bricolage, le groupe enregistre à un rythme quasi constant sur un magnétophone à quatre pistes, ce qui confère aux hymnes pop de Pollard, inspirés de la British Invasion, une distorsion reconnaissable et un charme amateur, à l’instar de leurs lointains pairs The Clean et Cleaners From Venus. Cette qualité déglinguée et artisanale de la production de Pollard and co. au début des années 90 – ainsi que leur ratio étonnamment élevé de bangers par sortie – est ce qui a fait d’eux une révélation profonde au milieu d’un groupe d’indie rockers de plus en plus prétentieux à mesure que les projecteurs se braquent sur la scène.

Même si des albums comme Propeller, Vampire on Titus et leur grand classique de 1994, Bee Thousand, étaient remplis d’hymnes imbibés de bière, il était évident que ces disques étaient produits par des guerriers du week-end. En fait, lors de la sortie de Bee Thousand, Pollard approchait de sa date d’expiration punk rock, à l’âge avancé de 37 ans. Entre ces deux longs métrages, le groupe a enfoncé le bouton du disque pour créer une série d’EPs. Pour Scalping the Guru, Pollard a sélectionné un best of à partir de quatre de ces albums de 1993 et 1994, très appréciés des fans et difficiles à trouver : Static Airplane Jive, Get Out of My Stations, Fast Japanese Spin Cycle et Clown Prince of the Menthol Trailer.

Comme Bee Thousand et Alien Lanes, le séquençage de Scalping the Guru est très éparpillé et kaléidoscopique, avec 20 chansons en un peu plus d’une demi-heure. Cette collection est un must pour les fans de longue date qui ont passé d’innombrables heures à essayer d’obtenir des copies originales de ces EP sur Discogs – inutile de dire que le diagramme de Venn des fans de GBV et des personnes qui ont ce site Web en signet est un grand cercle. Mais si la discographie sans cesse croissante du groupe peut en effrayer plus d’un – le groupe a sorti deux disques rien que cette année – cette collection peut s’asseoir à côté de n’importe lequel de ses disques de longue durée les plus vénérés. Le premier titre, « Matter Eater Lad », est une excellente introduction à l’univers de GBV, car on peut entendre les « F » et les « S » de Pollard frapper le microphone sans filtre pop dans les couplets, avant de se lancer dans une accroche garage-rock qui déchire.

À cette époque, Pollard pouvait écrire des hymnes exaltants pour les opprimés, capables de vous tirer du marasme à l’aide d’un lasso en câble de microphone. Dans « Smothered in Hugs » de Bee Thousand, il a déroulé une version impressionniste de « Thunder Road », demandant où lui et son copilote se rendraient en quittant la ville lors de leur « voyage aux fenêtres plus hautes ». Ici, il améliore cette chanson avec l’un des hymnes les plus libres du groupe, « My Impression Now ». Alors que les paroles de cette chanson power-pop brossent le portrait de quelqu’un qui s’étire trop avec « des amis qui ne semblent jamais être avec vous », son accroche rassure sur le fait qu’il est plus facile de se libérer de tout ça si on se laisse aller. « Stand on the edge of the ledge », chante Pollard, « Jump off ’cause nobody cares ». Aussi morbide que soit l’imagerie, le sentiment de se déconnecter ou de ne pas répondre au téléphone de temps en temps est plus intemporel que jamais.

Cette collection recèle des trésors lo-fi qui n’ont rien à envier aux meilleurs travaux de Pollard, comme « Big School », « Gelatin, Ice Cream, Plum » et le méditatif « Johnny Appleseed », qui est la seule sélection à comporter des chœurs de son ancien compagnon de groupe et partenaire de composition, Tobin Sprout. Tout comme les meilleurs titres du groupe de cette période, la collection contient sa part de chansons qui ressemblent à de brèves esquisses d’idées plus vastes, comme la joyeuse « Hey Aardvark », inspirée des Beatles, ou la chanson titre. Cela peut être déroutant pour ceux qui ne sont pas familiers avec la formule « the-hook-is-all-you-need » du groupe à cette époque, mais avec des écoutes répétées, ces détours servent de colle au cycle complet des chansons et s’avèrent essentiels à l’expérience.

Pollard et Guided by Voices entreront dans des studios plus grands après avoir signé sur des labels plus importants comme Matador et leur passage éventuel sur un label majeur avec leur passage éphémère sur TVT Records. Avec la formation actuelle, la fidélité de leurs disques les plus récents fait la différence entre le muscle high-fi de classiques comme Isolation Drills et l’odyssée pop assistée par bande magnétique d’Alien Lanes – qui aurait coûté 10 dollars à réaliser, sans compter toutes les caisses de bière qui ont été bues pendant son enregistrement. Ce que Scalping the Guru fait avec succès, c’est rappeler aux fans que même si tout ce que vous avez sous la main est une guitare acoustique usée qui traîne dans votre chambre, vous pouvez ouvrir votre application de mémos vocaux et faire un disque tout aussi vital que n’importe quel disque réalisé avec un budget de plusieurs milliards de dollars. Cette lignée peut être retracée jusqu’aux innombrables artistes lo-fi qui téléchargent leurs albums sur SoundCloud et Bandcamp chaque jour. Personne ne vous empêche de le faire vous-même.

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Alex G: « God Save The Animals »

24 septembre 2022

God Save The Animals est le neuvième projet complet du roi de la lo-fi Alex G, et son premier en trois ans (après We’re All Going to the World’s Fair OMPS en 2022). Alex G est un artiste qui a fait preuve d’une production inégalée depuis ses débuts stellaires ‘Race’ en 2010, avec un grand nombre de singles, EPs et splits, et des crédits sur des projets de Frank Ocean, Porches et Japanese Breakfast, entre autres.

Comme il l’a été dit lors de critique du single  » Miracles « , ce nouvel album s’éloigne de ses racines lo-fi, avec un son plus raffiné et poli. Cependant, le morceau d’ouverture de ce nouvel album,  » After All « , semble rendre hommage à son histoire de basse-fidélité, en montrant une colonne vertébrale de touches brumeuses et de voix pitchées avec effets. Le single ‘Runner’ résume parfaitement l’ensemble du paysage sonore de l’album, une combinaison délectable de touches pincées, de batterie paresseuse et de ce son de guitare classique d’Alex G. De plus, ce single a permis à Alex, qui est un produit d’une scène Internet de niche avec une fanbase culte incroyablement dévouée, d’apparaître dans le Tonight Show Starring Jimmy Fallon – une différence frappante par rapport à ses humbles débuts sur Bandcamp.

Le disque avance doucement, la guitare (comme d’habitude) étant le point central de la liste des titres. Alex montre également une amélioration de ses capacités vocales ; il est rafraîchissant d’entendre sa voix claire et nette après tant d’années d’enregistrements lo-fi et DIY. Cela dit, l’album se replie parfois sur ces éléments lo-fi, qu’il s’agisse de voix trempées dans la room-reverb ou de saturation excessive de certains instruments. S.D.O.S.  » est un morceau essentiellement instrumental, qui contient un motif obsédant au Mellotron avant de se transformer en chant fortement accordé automatiquement, à la manière de 100 gecs. Entendre Alex G se mêler aux genres n’est pas du tout inhabituel, mais c’est une surprise bienvenue sur un album aussi « live ». 

« Immunity  » monte également d’un cran, avec l’intégralité de l’extrait qui s’enorgueillit de ces vocaux AutoTuned. Il se termine également par un jam instrumental bizarre, un mur de guitares bancales et de piano staccato. Forgive  » clôt l’album et est également le morceau le plus long de l’album. Il s’agit d’un morceau country et classique d’Alex G, présentant des banjos, des guitares électriques croustillantes et un rythme lent. Comme d’autres moments de l’album, il est principalement instrumental et s’éteint avec une rupture de la guitare principale.

Dans « God Bless the Animals », on retrouve Alex G sur son terrain de prédilection, avec ses morceaux à la guitare acoustique, somnolents mais doux, ainsi qu’une bonne dose de textures lo-fi, des traits de piano accrocheurs et quelques-unes de ses meilleures performances vocales à ce jour. Malgré la haute fidélité d’une grande partie du projet, cela n’empêche pas Alex d’expérimenter avec AutoTune et des sons plus étranges. Ainsi, même si les singles sont les plus attrayants commercialement, Alex ne perd jamais son intégrité ou sa signature sonore en tant qu’artiste et il nous offre ici un retour brillant qui reste attaché à ses racines DIY…

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Snail Mail: « Valentine »

3 novembre 2021

Après trois ans de silence, le deuxième album excentrique de Snail Mail, Valentine, prouve que tout vient à point à qui sait attendre. En effet, depuis son explosif premier album Lush, Lindsey Jordan, de Snail Mail, en voyage. C’est lors d’un séjour dans une clinique de convalescence en Arizona que, séparée de ses instruments, elle a commencé à écrire (littéralement) des arrangements purement imaginaires. Ces idées sont devenues Valentine – un deuxième album énergique et excentrique, et la preuve d’une artiste qui a choisi de prendre son temps.

Là où Lush était angoissé, anxieux, Valentine trouve une nouvelle sérénité ; Jordan prend du recul par rapport à ses émotions et observe plus profondément ses expériences. On retrouve néanmoins des éclairs de la candeur têtue qui a rendu Lush si mémorable. Elle se lamente sur « Ben Franklin » : « Moved on but nothing feels true » (Je suis passée à autre chose, mais rien n’est vrai), avant d’ajouter : « Sometimes I hate her just for not being you » (Parfois, je la déteste parce qu’elle n’est pas toi).

C’est un album qui prend son temps pour atteindre des sommets non conventionnels. Mais il n’y a rien de superficiel là-dedans ; la voix de Jordan est claire, précise et dégage une confiance bien au-delà de son âge. L’album est également varié sur le plan sonore, avec des morceaux à base de synthétiseurs comme « Valentine » et « Forever (Sailing) », contrebalancés par les titres rock à base de guitare typiques de Snail Mail, « Headlock » et « Glory ».

Jordan conclut l’album avec son moment le plus vulnérable ; « Mia » est une berceuse douloureuse qui ressemble à une suite de la délicate conclusion de Lush, « Anytime ». Surplombant les doux instruments, la brutalité de la voix de Jordan rend le sentiment d’autant plus attachant, car sans amertume ni dérision, elle admet simplement : « I wish that I could lay down next to you » (J’aimerais pouvoir m’allonger à côté de toi).

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Sufjan Stevens & Angelo De Augustine: « A Beginner’s Mind »

26 septembre 2021

A Beginner’s Mind de Sufjan Stevens et Angelo De Augustine est aussi brillant dans son exécution que dans sa conception. Stevens et Angelo De Augustine, qui a la même voix, se sont installés dans le nord de l’État de New York et ont écrit des chansons inspirées de films qu’ils ont regardés la veille. Les films allaient des premiers classiques hollywoodiens (All About Eve) aux films d’horreur de série B (Night of the Living Dead), en passant par un film de surfeur et de braquage (Point Break). Le matériel source des chansons, associé à l’approche à cœur ouvert des artistes, qui rappelle le plus sérieux des chants de Noël de Stevens, donne lieu à un mélange génial de paroles aussi sincères qu’hilarantes. L’exemple le plus frappant est « Fix it all, Jonathan Demme », au milieu de la superbe « Cimmerian Shade », qui utilise Silence of the Lambs comme point de départ.

En tant qu’auditeur, c’est à vous de décider si vous essayez de comprendre les références cinématographiques ou si vous vous contentez de flotter le long d’une douzaine de chansons de folklore de chambre impeccablement conçues. Sur le papier, la perspective de deux voix plus aiguës (celle de Stevens a un micron de raucité en plus) peut sembler une proposition à haut risque, mais comme le duo l’a prouvé sur « Blue » et « Santa Barbara » de De Augustine il y a quelques années, cela fonctionne étonnamment bien. Garfunkel & Garfunkel si vous voulez. Il n’y a pas si longtemps, De Augustine enregistrait des albums dans sa salle de bains (de bons albums, d’ailleurs), alors le voir se produire comme un pair aux côtés du fondateur et doyen de son label, sur un album complet, est pour le moins encourageant.

A Beginner’s Mind bénéficie de l’approche brevetée de Stevens pour structurer des compositions apparemment simples, mais aux couches infinies. Le morceau d’ouvertur, « Reach Out », présente l’approche vocale de l’artiste, qui consiste à couvrir de près le public, et s’épanouit musicalement dans une multitude d’endroits. De la même manière, la beauté auditive des dons de ces artistes est mise à profit dans des joyaux de l’album tels que le doux murmure de « Murder & Crime », la délicatesse du piano et des cordes martelées de « (This Is) The Thing », et le chœur aux cordes de nylon de « Lacrimae ». Mais en plus de ces moments plus doux, il y a des prises plus rapides tout aussi efficaces, comme la puissance de la batterie sur « Back to Oz ». Les répliques enfouies qui s’accordent parfaitement avec les films dont elles sont tirées ne sont que la cerise sur le gâteau. Dans « Lady Macbeth in Chains », Stevens révoquera lle personnage de Bette Davis sur All About Eve : « juste une opportuniste dans l’âme » (just an opportunist at heart). Les zombies de l The Night of the Living Dead prenndront, eux, quelques coups dans le titre ironique dqu’est « You Give Death a Bad Name », tandis que le personnage principal de Hellraiser III bénéféciera d’un rare avant-goût d’empathie dans « The Pillar of Souls » : « ma peau est ablatée avec des incisions saignantes » (my skin is ablated with bleeding incisions ).

À l’instar de la tentative de Stevens d’enregistrer un album pour chacun des 50 États, l’exercice d’écriture de chansons dans lequel lui et De Augustine se sont lancés sur A Beginner’s Mind pourrait facilement donner lieu à plusieurs albums de matériel prometteur. Avec un peu de temps et l’accès à un abonnement à la chaîne Criterion, une multitude infinie de résultats sont évidents. Un « pourquoi as-tu fait ça » au Travis Bickle de Robert DeNiro ou un conseil de voyage opportun à Janet Leigh de Psycho ne seraient que la partie émergée de l’iceberg du Titanic. Comme l’art engendre l’art, A Beginner’s Mind est à la fois une véritable source d’inspiration et un témoignage de ce que l’on peut obtenir en faisant son shopping musical avec des artistes de premier plan.

***1/2


Low: « Hey What »

11 septembre 2021

Le dernier album de Low, Double Negative, était rempli de musique désintégrée et corrodée, de chansons hantées par de mauvais esprits et des affaires inachevées, consumées par les tempêtes et le feu. Les mélodies et les voix – piégées sous une cacophonie d’instruments indéchiffrables, alors que les morceaux s’imbriquent les uns dans les autres – luttaient pour remonter à la surface avant de s’éteindre. C’était un virage à gauche de la dégradation de leur slowcore mélodique, et une des musiques les plus originales depuis des lustres.

Hey What est une progression naturelle, se nourrissant de la même énergie chargée. Cependant, les fantômes se sont échappés et reprennent le refrain de manière aussi claire et percutante qu’ils peuvent le faire. Le grondement qui sous-tend ces hymnes de foi dévotionnels – et parfois douteux – crépite maintenant en place plutôt que de se dissoudre.

La statique de l’ouverture de « White Horses » se transforme presque en un rythme. Quand il y a des percussions, ce ne sont pas seulement des tambours, mais un fracas biblique tonitruant. Lorsqu’il y a de l’électronique, ce ne sont pas seulement des guitares et des synthés – c’est la seule transmission claire d’un autre plan. Cela donne au disque un aspect plus lumineux que son prédécesseur (même si l’obscurité reste menaçante), même s’il a été réalisé avec les mêmes outils, quels qu’ils soient.  Faire de la musique qui peut vraiment vous surprendre après 13 albums et 28 ans de carrière est un témoignage du dévouement continu d’Alan Sparhawk et de Mimi Parker à leur art.

***1/2


Andrew Tasselmyer: « Piano Frameworks »

20 mai 2021

Andrew Tasselmyer a enregistré Piano Frameworks (u cours de l’hiver 2020, étrangement calme, alors que le port du masque était indispensable, que la « police de Covid » patrouillait et parcourait les rues, et que les nations étaient prises dans le cycle répétitif des confinements successifs. Neuf « cadre » » émotifs constituent le corps du disque, dont la musique s’étend et s’étire au maximum. Un son fluide, semblable à de l’eau, est enveloppé dans la couche humide de la réverbération, ses notes se pliant sans véritable squelette, musculature ou forme définitive, mais fournissant néanmoins une série d’harmonies lumineuses qui, au début, semblent ancrées et sûres. Au fur et à mesure que la musique progresse, cependant, les harmonies commencent à se décomposer, et l’impermanence est un thème majeur du disque.

Piano Frameworks est aussi un album de redécouverte, à la fois du potentiel musical illimité du piano lorsqu’il est utilisé comme outil de conception sonore, et de la redécouverte des libertés musicales, comme la rupture des frontières et la déconstruction et l’effacement progressif des classifications de genre. Les possibilités sont toujours là, prêtes à être explorées, s’étendant au-delà du champ de vision normal et au-delà de l’horizon, et sur Piano Frameworks, Tasselmyer puise dans le grand inconnu avec une musique rajeunie. C’est un peu contradictoire, car la musique est pleine de vie malgré son déclin et sa mort éventuelle, et le disque est presque une célébration de la vie persistante contenue dans ses notes mourantes. Le disque ressemble effectivement à un rajeunissement, mais, comme le dit Tasselmyer, « je voulais lui donner un sentiment général d’impermanence. Les pianos, les magnétophones et même la cassette sur laquelle la musique est imprimée vont inévitablement se dégrader, être remplacés ou tomber en morceaux. Tout cela est susceptible de se dégrader ».

Cela dit, la musique semble vivante, et c’est peut-être dû au fait qu’elle accepte le caractère inévitable de sa propre dégradation. Les magnétophones et autres équipements physiques tombent en panne, mais la musique peut aussi s’user. Cette acceptation est la raison pour laquelle Piano Frameworks semble si libre et si vivant, même si ses notes commencent à s’effriter et à se défaire.

« Outgrowth » donne en fait l’impression de se débarrasser de sa vieille peau, d’évoluer en quelque sorte, plutôt que de s’éloigner et de retourner dans un silence qu’il appelait autrefois sa maison. Bien que les notes soient affaiblies et effilochées sur les bords, elles sont encore capables de briller, et le rythme léger, syncopé et tremblant est une injection de vitalité ; la musique ne se rendra pas.

La musique tombera un jour, retournant au silence, mais elle le fera avec un visage courageux, se prélassant dans la lumière d’une victoire glorieuse plutôt que de succomber à sa propre faiblesse et fragilité.

Les tons sont impermanents, comme tout le reste, et ils ont fini par accepter le fait que rien ne dure éternellement. Mais ce n’est pas une raison pour abandonner et, au contraire, la musique tire le meilleur parti du moment, tant en termes de potentiel que de qualité. Tasselmyer est un habitué de la composition d’ambiances, et l’expérience dégouline de chaque morceau de musique : des couches d’ambiances lumineuses remplissent les zones environnantes, capables d’étendre le son, tandis que le piano roule doucement. La décadence ne s’arrête pas, et elle ne peut être inversée. Il n’y a pas de crème anti-âge pour combler les lacunes, ni de maquillage pour dissimuler sa véritable nature, et avec des morceaux comme « Made New » » les contrastes sont là pour que tout le monde puisse voir – que, malgré sa mort lente, une partie d’elle renaît, créant quelque chose de nouveau, à chaque respiration et chaque note. La musique continue de s’éteindre jusqu’à ce que le soleil se couche entièrement, mais ce n’est pas une musique mélancolique ou douce-amère ; c’est comme si elle savait déjà que de meilleures choses l’attendent…

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Abe Anderson: « Seasick Lullaby »

2 mars 2021

Au cours des dernières années, Abe Anderson s’est fait un nom en tant que producteur de type « DIY » dans la région de Minneapolis, prêtant ses talents de producteur et son studio de garage à un grand nombre de groupes de Twin Cities. Il a notamment passé l’année 2020 à enregistrer en coulisses le trio indie emo de Minneapolis Thank You, I’m Sorry et à jouer dans son groupe pop punk festif, niiice. En dehors de ce travail de production exceptionnel, Anderson a également consacré du temps à une carrière solo florissante, qui a culminé avec la sortie de son premier album solo, Seasick Lullaby. 

Bien qu’Anderson joue déjà de nombreux rôles en tant que producteur, compositeur et musicien, Seasick Lullaby se distingue de ses autres projets, explorant un ensemble de nouveaux sons qu’Anderson fait siens. Libéré par la quarantaine pour explorer son style et aiguiser ses talents d’auteur-compositeur, Anderson a puisé dans la New Wave des années 80, le rock indie lo-fi, la pop de rêve et même le shoegaze pour ses débuts en solo. En conséquence, le disque est plus uni par l’humeur que par le style, ce qui donne parfois lieu à une écoute disjointe. Pourtant, Anderson présente également une gamme impressionnante, chaque chanson révélant de nouvelles dimensions à sa musique et de nouvelles facettes de son écriture. 

« Processional » ouvre la scène avec une ouverture instrumentale, marquée par des cuivres funèbres résonnants et une magnifique mélodie tout aussi émouvante que triste. Le morceau s’ouvre sur « Seasick Lullaby », qui flotte sur un lit de synthétiseurs luxuriants, tandis que les cuivres reviennent pour les pauses instrumentales avant que le morceau ne se transforme en solo de guitare, avant de se terminer par un changement de tonalité. Puis Anderson change à nouveau de tonalité avec la sensation de power pop insouciante de « Pushing Me Under ». La boîte à rythmes optimiste, les lignes de guitare scintillantes et le son léger de ce morceau se rapprochent de la pop indie et dynamique de Chris Farren, avec un soupçon de distorsion shoegaze en plus. 

Heureusement, Anderson réunit toujours ces styles avec une oreille attentive pour une mélodie irrésistible et une émotion sincère. Les sons de synthé New Wave de « On and Always » se marient brillamment avec un crochet de ver d’oreille et une batterie lourde, à la Phil Collins, tandis que « Ricky » brille avec un refrain entraînant et une ambiance indie rock revigorante. Le centre émotionnel de l’album se trouve dans « Love You More », le morceau le plus sincère du disque. Anderson rend hommage aux petits moments qui rendent une relation spéciale, en livrant à son tour le moment instrumental le plus dépouillé de l’album, associant le mélodisme New Wave des années 80 à des éclaboussures de sonorités de guitare indie. Enfin, il termine avec « You Don’t Have to Stay », un mélange parfaitement équilibré de percussions électroniques et d’instrumentation acoustique pour mener l’album à son terme. 

Anderson parcourt chaque morceau avec un sens de l’aventure très aiguisé, rebondissant entre les styles avec un œil curieux et une sensibilité mélodique toujours présente. Bien que la nature du disque ne définisse pas nécessairement un style individuel pour le travail solo d’Anderson, pris ensemble, ils indiquent un musicien et un compositeur d’une adaptabilité peu commune. Avec une telle diversité de sons dans sa boîte à outils, il n’est pas étonnant qu’Anderson soit devenu si connu sur sa scène locale. La façon caméléonienne dont Anderson habite les styles de Seasick Lullaby en fait un point d’orgue de cette première et sortie lo-fi de l’année, à même de nous prodiguer une écoute enrichissante.

***1/2


Sun Glitters: « Yesterday, Tomorrow … Today »

7 décembre 2020

Victor Ferreira, également connu sous son nom de Sun Glitters, est un artiste aux multiples facettes qui, bien qu’il ait manifestement développé son propre style au fil des ans – consciemment ou inconsciemment – semble toujours savoir exactement quel type d’œuvre publier et quand. 

Nous avons déjà parlé de la justesse de son surnom – l’euphorie, le bonheur lo-fi chillwave -, le musicien est surtout connu pour ses miroitements avec la sérénité de la gentillesse, avec un ton d’authenticité et de tranquillité qui parcourt ses œuvres qui chantent envoûtantes dans la nature, tout en berçant une chaleur amoureuse dont, franchement – peut-être maintenant plus que jamais – nous avons tous désespérément besoin.

Le sentiment que l’on éprouve dans le domaine auditif que crée Sun Glitters est pour le moins réconfortant ; il nous permet de prendre véritablement une grande respiration, un moment de la turbulence qui nous entoure, et nous donne la permission de simplement lâcher prise ; d’exister sans le chaos frénétique et souvent terrifiant qui entoure notre vie quotidienne. Ainsi, lorsque nous disons que Ferreira a tendance à sortir de la musique exactement au moment où nous en avons le plus besoin ; nous nous retrouvons à l’écouter à travers son travail et à nous exclamer souvent « j’avais vraiment besoin de ça aujourd’hui ». 

On pourrait facilement en dire autant du LP qu’il a sorti au début de l’année, SSoofftt Ttoouucchh qui a induit en nous ce sentimennt que la nature des journée sest certainement améliorée par les paysages sonores que Ferreira a créés.

On conviendra donc de la même chose à propos de son tout nouveau disque,Yesterday, Tomorrow … Today sorti par le collectif DXFXWXU. Cet opus reprend la technique caractéristique de Sun Glitter tout en continuant à mettre en valeur la croissance de l’artiste. Aussi, nous en avions vraiment besoin aujourd’hui.

L’atmosphère mielleuse de Yesterday, Today … Tomorrow n’est pas dénuée de mélancolie, comme on peut s’y attendre, et est empreinte de nostalgie ; cependant, la sérénité générale apporte un sentiment de joie tranquille parmi les souvenirs qui accompagnent l’écoute de chaque morceau. Ce qui est … agréable. 

Le titre d’ouverture « Summer Soul » résume l’esthétique de Ferreira d’une manière qui rappelle la pochette de l’album elle-même, tout en présentant une aura d’expérimentation qui s’écarte des attentes typiques de la lo-fi chillwave. Le rythme est vif et animé, mais sa composition unique est étincelante. Le rythme pose une base solide pour le paysage sonore somptueux que crée Ferreira, le flux et le reflux doux de synthés délicats et de doux échantillons vocaux se poursuivent en un interlude méditatif qui est luxuriant avec un ton réfléchi, le morceau semblant gentiment introspectif.

Le dernier morceau, « Bird Sounds At 6am », est un titre approprié ; on peut imaginer la lumière matinale de l’été qui traverse les rideaux de mousse, le réveil naturel du monde qui nous entoure qui brille de gouttelettes de rosée et de la vie en général, le gazouillis des oiseaux et la sensation de ne pas être tout à fait réveillé mais pas tout à fait endormi non plus ; l’agréable purgatoire d’une sensation de début de dimanche matin. Bird Sounds at 6am » est un morceau d’introspection, plus doux que des titres comme eSummer Soule.

La nature atmosphérique du sisque est riche en électronique texturée, tissée d’une manière qui apparaît comme très bien écrite et produite, authentique et personnelle, ce qui est une joie à vivre, surtout dans des moments comme celui-ci.

***1/2


Told Slant: « Point the Flashlight and Walk »

18 novembre 2020

Peu d’artistes ont un impact aussi fort que Told Slant. La voix de Felix Walworth ne cache rien. De ses moments les plus cathartiques sur des titres comme « Ohio Snow Falls » à ses moments plus intimes sur des chansons comme « Tsunami », les auditeurs ressentent chaque mot exactement comme Walworth les prononce. La semaine dernière, Walworth a sorti son troisième disque sous les titres Told Slant, Point the Flashlight et Walk.

L’album nous montre un son plus mûr dchez Walworth, en ajoutant plus d’instruments à leur son, ainsi qu’une production plus raffinée que leurs disques précédents. « Meet You in the City » semble ainsi presque trop optimiste pour une chanson de Told Slant, mais c’est un excellent début pour le disque, avec ses claviers carillonnants et une légère couche de percussions. « Bullfrog Choirs » s’inspire très bien du morceau d’ouverture avec une merveilleuse section de chant et un travail de batterie complexe qui fait de Walworth l’un des batteurs les plus remarquables de New York. La fin est étonnante et ne ressemble à rien de ce que nous avons entendu de la part de Told Slant : une énorme guitare et un synthé-basse en construction avant que le morceau ne s’efface.

L’album tire son nom d’une ligne de « Flashlight On ». Le morceau est construit à partir d’une base de guitare triée sur le volet et de la voix de Walworth recouverte de distorsion, ce qui ajoute une qualité nostalgique. La chanson se construit jusqu’à ce que la voix de Walworth prenne de la vitesse en chantant :

« J’ai passé une grande partie de ma vie sans aucune passion : Je veux juste me perdre, pointer la lampe de poche et marcher » (I’ve spent so much of my life with no passion at all/Just want to get lost, point the flashlight and walk).

Ce sont des lignes comme celle-ci qui définissent l’écriture de Walworth. Honnêtes, souvent de façon brutale. Ce sont des émotions que beaucoup d’auditeurs ressentent – toute personne qui a été amoureuse ou qui s’est sentie coincée. Une chanson comme « Run Around The School » résume si bien ces émotions. C’est un concept simple et parfois innocent sur l’amour à l’école, mais Walworth ajoute la véritable couche de la façon dont même un amour non partagé peut être quelque chose à célébrer.

Les deux titres suivants, « Whirlpool » et « Family Still », semblent créer un tampon entre deux moitiés assez distinctes de Point the Flashlight and Walk. Ce sont deux chansons plus lentes et intimes, avec une instrumentation très intéressante. Elles comprennent également des moments vraiment incroyables, comme lorsque « Family Still » se brise et que Walworth entonne : «  Je pose ma main sur ta poitrine / J’espère qu’elle battra quand je te quitterai » (put my hand on your chest / I hope it beats when I leave you).

« No Backpack » est accompagné d’une batterie et d’un piano marte. Il contient également certaines des meilleures parties de guitare du disque, ce qui crée une atmosphère incroyable. « Moon and Sea » »est suivi d’un piano électrique dans une approche très folk. C’est l’un des morceaux les plus émouvants du disque, en particulier lorsque Walworth chante «  Non, n’arrête pas cette respiration » (Don’t stop this breathing) et qu’il se transforme en un superbe solo de clavier.

Certains affirment que l’avant-dernier morceau d’un album est le plus important, et « From the Roofbeams » est la pièce maîtresse de Point the Flashlight and Walk. Il résume à la fois l’album et presque tout ce que Told Slant a sorti jusqu’à présent : des moments déchirants, des moments de catharsis et une intimité tranquille. Walworth chante « Prenez tous ces tambours de canon, les sentiments de trompette du ciel que j’ai pour vous » (Take all these cannon drum, heaven trumpet feelings that I have for you), ce qui, bien que ce ne soit peut-être pas intentionnel, évoque l’imagerie du dernier morceau du précédent album de Told Slant.

Le disque se termine par l’étonnant « Walking With the Moon ». Bien qu’il ne s’agisse que de quelques mots, il conclut toute l’émotion de l’album avec une question supplémentaire : « Ne devrais-je pas t’aimer ? » (Shouldn’t I love you?)

Dans un article de blog, Walworth dit qu’ils se sont inspirésdu Nebraska de Springsteen pendant qu’ils travaillaient sur ce disque. Il y a d’ailleurs beaucoup de parallèles entre The Boss et Walworth. Ce sont des histoires humaines, elles sont racontables. Elles parlent d’amour, de perte, d’amitié, et de l’étrange, et parfois réconfortant, des lieux émotionnels entre les deux. Point the Flashlight and Walk est un disque puissant, bien que discret. Il emmène cependant les auditeurs bien au-delà de ce qu’ont pu faire les disques Told Slant dans le passé. Des parties de guitare immersives, des mélodies de harpe glaçantes, des claviers et d’autres sons nouveaux amènent la musique de Walworth à des sommets incroyables. C’est une croissance et une évolution qui leur convient bien, faisant de cet opus leur meilleur album à ce jour.

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Sing Leaf: « Not Earth »

5 novembre 2020

Le nouvel album de Sing Leaf a été écrit dans la maison du créateur David Como, dans uncadre calmer, peut-être lorsque les oiseaux chantent en hauteur sur une branche d’automne, lorsque le soleil est juste au sommet d’une colline ou même à l’aube, lorsque des rêves étranges et fictifs sont encore dans l’esprit. Ce nouvel album, intitulé judicieusementNot Earth, exerce le même attrait que les Beatles avec leurYellow Submarine et Urban Spaceman du Bonzo Doo Dah Dog Band. Et, même si ces chansons appartiennent à une époque révolue, cet album est définitivement dans l’air du temps.

« Easy On You « pourrait bien être l’appel acoustique rêveur de Donavan avec The Mama and Papas sur des harmonies douces, des sons riches et caressants, ceux d’une vie loin du monde dans lequel nous vivons ; le genre de choses que vous vous attendez à entendre sur une île déserte. On peut entendre de légers coups de coude vers Donovan sur « Little Magic », avec une structure d’accords similaire à celle de « Sunshine Superman », qui laisse place à une guitare électrique à réverbération pétillante. Avez-vous déjà fait l’expérience d’une de ces compilations musicales que vous écoutez, pour vous détendre avec une voix bizarre vous disant de relaxer votre esprit et votre âme, non moi non plus, mais « Honey Eater » sonne comme une version plus classieuse de ce type de musique, le vrai truc pour aider votre esprit à dériver comprend de nouveaux royaumes de paradis musical.

« Forever Green » est le morceau qui se démarque sur l’album, un magnifique itrede pop acoustique, avec quelques voix douces et délicates de Como mélangées à des ba ba’s harmoniques fraîches, tout droit sorties du top des Beach Boys. « Out Of The Dream » clôt l’album avec ce qui ressemble à des chants sous l’eau ou même l’habileté unique de chanter dans une bouteille vide. Il y a quelques similitudes avec Empire Of The Sun avec des sons vaudous bizarres plus un chant qui ressemble à l’un des meilleurs efforts vocaux de Jonathan Donahue. Globalement, l’album est quelque chose dont on a vraiment besoin en ce moment, un album pacifique et angélique, quelque chose qui est bienvenu dans ce monde souvent fou et chaotique dans lequel nous vivons actuellement.

***1/2