Andrew Tasselmyer: « Piano Frameworks »

20 mai 2021

Andrew Tasselmyer a enregistré Piano Frameworks (u cours de l’hiver 2020, étrangement calme, alors que le port du masque était indispensable, que la « police de Covid » patrouillait et parcourait les rues, et que les nations étaient prises dans le cycle répétitif des confinements successifs. Neuf « cadre » » émotifs constituent le corps du disque, dont la musique s’étend et s’étire au maximum. Un son fluide, semblable à de l’eau, est enveloppé dans la couche humide de la réverbération, ses notes se pliant sans véritable squelette, musculature ou forme définitive, mais fournissant néanmoins une série d’harmonies lumineuses qui, au début, semblent ancrées et sûres. Au fur et à mesure que la musique progresse, cependant, les harmonies commencent à se décomposer, et l’impermanence est un thème majeur du disque.

Piano Frameworks est aussi un album de redécouverte, à la fois du potentiel musical illimité du piano lorsqu’il est utilisé comme outil de conception sonore, et de la redécouverte des libertés musicales, comme la rupture des frontières et la déconstruction et l’effacement progressif des classifications de genre. Les possibilités sont toujours là, prêtes à être explorées, s’étendant au-delà du champ de vision normal et au-delà de l’horizon, et sur Piano Frameworks, Tasselmyer puise dans le grand inconnu avec une musique rajeunie. C’est un peu contradictoire, car la musique est pleine de vie malgré son déclin et sa mort éventuelle, et le disque est presque une célébration de la vie persistante contenue dans ses notes mourantes. Le disque ressemble effectivement à un rajeunissement, mais, comme le dit Tasselmyer, « je voulais lui donner un sentiment général d’impermanence. Les pianos, les magnétophones et même la cassette sur laquelle la musique est imprimée vont inévitablement se dégrader, être remplacés ou tomber en morceaux. Tout cela est susceptible de se dégrader ».

Cela dit, la musique semble vivante, et c’est peut-être dû au fait qu’elle accepte le caractère inévitable de sa propre dégradation. Les magnétophones et autres équipements physiques tombent en panne, mais la musique peut aussi s’user. Cette acceptation est la raison pour laquelle Piano Frameworks semble si libre et si vivant, même si ses notes commencent à s’effriter et à se défaire.

« Outgrowth » donne en fait l’impression de se débarrasser de sa vieille peau, d’évoluer en quelque sorte, plutôt que de s’éloigner et de retourner dans un silence qu’il appelait autrefois sa maison. Bien que les notes soient affaiblies et effilochées sur les bords, elles sont encore capables de briller, et le rythme léger, syncopé et tremblant est une injection de vitalité ; la musique ne se rendra pas.

La musique tombera un jour, retournant au silence, mais elle le fera avec un visage courageux, se prélassant dans la lumière d’une victoire glorieuse plutôt que de succomber à sa propre faiblesse et fragilité.

Les tons sont impermanents, comme tout le reste, et ils ont fini par accepter le fait que rien ne dure éternellement. Mais ce n’est pas une raison pour abandonner et, au contraire, la musique tire le meilleur parti du moment, tant en termes de potentiel que de qualité. Tasselmyer est un habitué de la composition d’ambiances, et l’expérience dégouline de chaque morceau de musique : des couches d’ambiances lumineuses remplissent les zones environnantes, capables d’étendre le son, tandis que le piano roule doucement. La décadence ne s’arrête pas, et elle ne peut être inversée. Il n’y a pas de crème anti-âge pour combler les lacunes, ni de maquillage pour dissimuler sa véritable nature, et avec des morceaux comme « Made New » » les contrastes sont là pour que tout le monde puisse voir – que, malgré sa mort lente, une partie d’elle renaît, créant quelque chose de nouveau, à chaque respiration et chaque note. La musique continue de s’éteindre jusqu’à ce que le soleil se couche entièrement, mais ce n’est pas une musique mélancolique ou douce-amère ; c’est comme si elle savait déjà que de meilleures choses l’attendent…

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Abe Anderson: « Seasick Lullaby »

2 mars 2021

Au cours des dernières années, Abe Anderson s’est fait un nom en tant que producteur de type « DIY » dans la région de Minneapolis, prêtant ses talents de producteur et son studio de garage à un grand nombre de groupes de Twin Cities. Il a notamment passé l’année 2020 à enregistrer en coulisses le trio indie emo de Minneapolis Thank You, I’m Sorry et à jouer dans son groupe pop punk festif, niiice. En dehors de ce travail de production exceptionnel, Anderson a également consacré du temps à une carrière solo florissante, qui a culminé avec la sortie de son premier album solo, Seasick Lullaby. 

Bien qu’Anderson joue déjà de nombreux rôles en tant que producteur, compositeur et musicien, Seasick Lullaby se distingue de ses autres projets, explorant un ensemble de nouveaux sons qu’Anderson fait siens. Libéré par la quarantaine pour explorer son style et aiguiser ses talents d’auteur-compositeur, Anderson a puisé dans la New Wave des années 80, le rock indie lo-fi, la pop de rêve et même le shoegaze pour ses débuts en solo. En conséquence, le disque est plus uni par l’humeur que par le style, ce qui donne parfois lieu à une écoute disjointe. Pourtant, Anderson présente également une gamme impressionnante, chaque chanson révélant de nouvelles dimensions à sa musique et de nouvelles facettes de son écriture. 

« Processional » ouvre la scène avec une ouverture instrumentale, marquée par des cuivres funèbres résonnants et une magnifique mélodie tout aussi émouvante que triste. Le morceau s’ouvre sur « Seasick Lullaby », qui flotte sur un lit de synthétiseurs luxuriants, tandis que les cuivres reviennent pour les pauses instrumentales avant que le morceau ne se transforme en solo de guitare, avant de se terminer par un changement de tonalité. Puis Anderson change à nouveau de tonalité avec la sensation de power pop insouciante de « Pushing Me Under ». La boîte à rythmes optimiste, les lignes de guitare scintillantes et le son léger de ce morceau se rapprochent de la pop indie et dynamique de Chris Farren, avec un soupçon de distorsion shoegaze en plus. 

Heureusement, Anderson réunit toujours ces styles avec une oreille attentive pour une mélodie irrésistible et une émotion sincère. Les sons de synthé New Wave de « On and Always » se marient brillamment avec un crochet de ver d’oreille et une batterie lourde, à la Phil Collins, tandis que « Ricky » brille avec un refrain entraînant et une ambiance indie rock revigorante. Le centre émotionnel de l’album se trouve dans « Love You More », le morceau le plus sincère du disque. Anderson rend hommage aux petits moments qui rendent une relation spéciale, en livrant à son tour le moment instrumental le plus dépouillé de l’album, associant le mélodisme New Wave des années 80 à des éclaboussures de sonorités de guitare indie. Enfin, il termine avec « You Don’t Have to Stay », un mélange parfaitement équilibré de percussions électroniques et d’instrumentation acoustique pour mener l’album à son terme. 

Anderson parcourt chaque morceau avec un sens de l’aventure très aiguisé, rebondissant entre les styles avec un œil curieux et une sensibilité mélodique toujours présente. Bien que la nature du disque ne définisse pas nécessairement un style individuel pour le travail solo d’Anderson, pris ensemble, ils indiquent un musicien et un compositeur d’une adaptabilité peu commune. Avec une telle diversité de sons dans sa boîte à outils, il n’est pas étonnant qu’Anderson soit devenu si connu sur sa scène locale. La façon caméléonienne dont Anderson habite les styles de Seasick Lullaby en fait un point d’orgue de cette première et sortie lo-fi de l’année, à même de nous prodiguer une écoute enrichissante.

***1/2


Sun Glitters: « Yesterday, Tomorrow … Today »

7 décembre 2020

Victor Ferreira, également connu sous son nom de Sun Glitters, est un artiste aux multiples facettes qui, bien qu’il ait manifestement développé son propre style au fil des ans – consciemment ou inconsciemment – semble toujours savoir exactement quel type d’œuvre publier et quand. 

Nous avons déjà parlé de la justesse de son surnom – l’euphorie, le bonheur lo-fi chillwave -, le musicien est surtout connu pour ses miroitements avec la sérénité de la gentillesse, avec un ton d’authenticité et de tranquillité qui parcourt ses œuvres qui chantent envoûtantes dans la nature, tout en berçant une chaleur amoureuse dont, franchement – peut-être maintenant plus que jamais – nous avons tous désespérément besoin.

Le sentiment que l’on éprouve dans le domaine auditif que crée Sun Glitters est pour le moins réconfortant ; il nous permet de prendre véritablement une grande respiration, un moment de la turbulence qui nous entoure, et nous donne la permission de simplement lâcher prise ; d’exister sans le chaos frénétique et souvent terrifiant qui entoure notre vie quotidienne. Ainsi, lorsque nous disons que Ferreira a tendance à sortir de la musique exactement au moment où nous en avons le plus besoin ; nous nous retrouvons à l’écouter à travers son travail et à nous exclamer souvent « j’avais vraiment besoin de ça aujourd’hui ». 

On pourrait facilement en dire autant du LP qu’il a sorti au début de l’année, SSoofftt Ttoouucchh qui a induit en nous ce sentimennt que la nature des journée sest certainement améliorée par les paysages sonores que Ferreira a créés.

On conviendra donc de la même chose à propos de son tout nouveau disque,Yesterday, Tomorrow … Today sorti par le collectif DXFXWXU. Cet opus reprend la technique caractéristique de Sun Glitter tout en continuant à mettre en valeur la croissance de l’artiste. Aussi, nous en avions vraiment besoin aujourd’hui.

L’atmosphère mielleuse de Yesterday, Today … Tomorrow n’est pas dénuée de mélancolie, comme on peut s’y attendre, et est empreinte de nostalgie ; cependant, la sérénité générale apporte un sentiment de joie tranquille parmi les souvenirs qui accompagnent l’écoute de chaque morceau. Ce qui est … agréable. 

Le titre d’ouverture « Summer Soul » résume l’esthétique de Ferreira d’une manière qui rappelle la pochette de l’album elle-même, tout en présentant une aura d’expérimentation qui s’écarte des attentes typiques de la lo-fi chillwave. Le rythme est vif et animé, mais sa composition unique est étincelante. Le rythme pose une base solide pour le paysage sonore somptueux que crée Ferreira, le flux et le reflux doux de synthés délicats et de doux échantillons vocaux se poursuivent en un interlude méditatif qui est luxuriant avec un ton réfléchi, le morceau semblant gentiment introspectif.

Le dernier morceau, « Bird Sounds At 6am », est un titre approprié ; on peut imaginer la lumière matinale de l’été qui traverse les rideaux de mousse, le réveil naturel du monde qui nous entoure qui brille de gouttelettes de rosée et de la vie en général, le gazouillis des oiseaux et la sensation de ne pas être tout à fait réveillé mais pas tout à fait endormi non plus ; l’agréable purgatoire d’une sensation de début de dimanche matin. Bird Sounds at 6am » est un morceau d’introspection, plus doux que des titres comme eSummer Soule.

La nature atmosphérique du sisque est riche en électronique texturée, tissée d’une manière qui apparaît comme très bien écrite et produite, authentique et personnelle, ce qui est une joie à vivre, surtout dans des moments comme celui-ci.

***1/2


Told Slant: « Point the Flashlight and Walk »

18 novembre 2020

Peu d’artistes ont un impact aussi fort que Told Slant. La voix de Felix Walworth ne cache rien. De ses moments les plus cathartiques sur des titres comme « Ohio Snow Falls » à ses moments plus intimes sur des chansons comme « Tsunami », les auditeurs ressentent chaque mot exactement comme Walworth les prononce. La semaine dernière, Walworth a sorti son troisième disque sous les titres Told Slant, Point the Flashlight et Walk.

L’album nous montre un son plus mûr dchez Walworth, en ajoutant plus d’instruments à leur son, ainsi qu’une production plus raffinée que leurs disques précédents. « Meet You in the City » semble ainsi presque trop optimiste pour une chanson de Told Slant, mais c’est un excellent début pour le disque, avec ses claviers carillonnants et une légère couche de percussions. « Bullfrog Choirs » s’inspire très bien du morceau d’ouverture avec une merveilleuse section de chant et un travail de batterie complexe qui fait de Walworth l’un des batteurs les plus remarquables de New York. La fin est étonnante et ne ressemble à rien de ce que nous avons entendu de la part de Told Slant : une énorme guitare et un synthé-basse en construction avant que le morceau ne s’efface.

L’album tire son nom d’une ligne de « Flashlight On ». Le morceau est construit à partir d’une base de guitare triée sur le volet et de la voix de Walworth recouverte de distorsion, ce qui ajoute une qualité nostalgique. La chanson se construit jusqu’à ce que la voix de Walworth prenne de la vitesse en chantant :

« J’ai passé une grande partie de ma vie sans aucune passion : Je veux juste me perdre, pointer la lampe de poche et marcher » (I’ve spent so much of my life with no passion at all/Just want to get lost, point the flashlight and walk).

Ce sont des lignes comme celle-ci qui définissent l’écriture de Walworth. Honnêtes, souvent de façon brutale. Ce sont des émotions que beaucoup d’auditeurs ressentent – toute personne qui a été amoureuse ou qui s’est sentie coincée. Une chanson comme « Run Around The School » résume si bien ces émotions. C’est un concept simple et parfois innocent sur l’amour à l’école, mais Walworth ajoute la véritable couche de la façon dont même un amour non partagé peut être quelque chose à célébrer.

Les deux titres suivants, « Whirlpool » et « Family Still », semblent créer un tampon entre deux moitiés assez distinctes de Point the Flashlight and Walk. Ce sont deux chansons plus lentes et intimes, avec une instrumentation très intéressante. Elles comprennent également des moments vraiment incroyables, comme lorsque « Family Still » se brise et que Walworth entonne : «  Je pose ma main sur ta poitrine / J’espère qu’elle battra quand je te quitterai » (put my hand on your chest / I hope it beats when I leave you).

« No Backpack » est accompagné d’une batterie et d’un piano marte. Il contient également certaines des meilleures parties de guitare du disque, ce qui crée une atmosphère incroyable. « Moon and Sea » »est suivi d’un piano électrique dans une approche très folk. C’est l’un des morceaux les plus émouvants du disque, en particulier lorsque Walworth chante «  Non, n’arrête pas cette respiration » (Don’t stop this breathing) et qu’il se transforme en un superbe solo de clavier.

Certains affirment que l’avant-dernier morceau d’un album est le plus important, et « From the Roofbeams » est la pièce maîtresse de Point the Flashlight and Walk. Il résume à la fois l’album et presque tout ce que Told Slant a sorti jusqu’à présent : des moments déchirants, des moments de catharsis et une intimité tranquille. Walworth chante « Prenez tous ces tambours de canon, les sentiments de trompette du ciel que j’ai pour vous » (Take all these cannon drum, heaven trumpet feelings that I have for you), ce qui, bien que ce ne soit peut-être pas intentionnel, évoque l’imagerie du dernier morceau du précédent album de Told Slant.

Le disque se termine par l’étonnant « Walking With the Moon ». Bien qu’il ne s’agisse que de quelques mots, il conclut toute l’émotion de l’album avec une question supplémentaire : « Ne devrais-je pas t’aimer ? » (Shouldn’t I love you?)

Dans un article de blog, Walworth dit qu’ils se sont inspirésdu Nebraska de Springsteen pendant qu’ils travaillaient sur ce disque. Il y a d’ailleurs beaucoup de parallèles entre The Boss et Walworth. Ce sont des histoires humaines, elles sont racontables. Elles parlent d’amour, de perte, d’amitié, et de l’étrange, et parfois réconfortant, des lieux émotionnels entre les deux. Point the Flashlight and Walk est un disque puissant, bien que discret. Il emmène cependant les auditeurs bien au-delà de ce qu’ont pu faire les disques Told Slant dans le passé. Des parties de guitare immersives, des mélodies de harpe glaçantes, des claviers et d’autres sons nouveaux amènent la musique de Walworth à des sommets incroyables. C’est une croissance et une évolution qui leur convient bien, faisant de cet opus leur meilleur album à ce jour.

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Sing Leaf: « Not Earth »

5 novembre 2020

Le nouvel album de Sing Leaf a été écrit dans la maison du créateur David Como, dans uncadre calmer, peut-être lorsque les oiseaux chantent en hauteur sur une branche d’automne, lorsque le soleil est juste au sommet d’une colline ou même à l’aube, lorsque des rêves étranges et fictifs sont encore dans l’esprit. Ce nouvel album, intitulé judicieusementNot Earth, exerce le même attrait que les Beatles avec leurYellow Submarine et Urban Spaceman du Bonzo Doo Dah Dog Band. Et, même si ces chansons appartiennent à une époque révolue, cet album est définitivement dans l’air du temps.

« Easy On You « pourrait bien être l’appel acoustique rêveur de Donavan avec The Mama and Papas sur des harmonies douces, des sons riches et caressants, ceux d’une vie loin du monde dans lequel nous vivons ; le genre de choses que vous vous attendez à entendre sur une île déserte. On peut entendre de légers coups de coude vers Donovan sur « Little Magic », avec une structure d’accords similaire à celle de « Sunshine Superman », qui laisse place à une guitare électrique à réverbération pétillante. Avez-vous déjà fait l’expérience d’une de ces compilations musicales que vous écoutez, pour vous détendre avec une voix bizarre vous disant de relaxer votre esprit et votre âme, non moi non plus, mais « Honey Eater » sonne comme une version plus classieuse de ce type de musique, le vrai truc pour aider votre esprit à dériver comprend de nouveaux royaumes de paradis musical.

« Forever Green » est le morceau qui se démarque sur l’album, un magnifique itrede pop acoustique, avec quelques voix douces et délicates de Como mélangées à des ba ba’s harmoniques fraîches, tout droit sorties du top des Beach Boys. « Out Of The Dream » clôt l’album avec ce qui ressemble à des chants sous l’eau ou même l’habileté unique de chanter dans une bouteille vide. Il y a quelques similitudes avec Empire Of The Sun avec des sons vaudous bizarres plus un chant qui ressemble à l’un des meilleurs efforts vocaux de Jonathan Donahue. Globalement, l’album est quelque chose dont on a vraiment besoin en ce moment, un album pacifique et angélique, quelque chose qui est bienvenu dans ce monde souvent fou et chaotique dans lequel nous vivons actuellement.

***1/2