Knot : « Knot »

1 septembre 2020

Parfois, des cendres naît quelque chose d’encore plus étonnant et plus beau que ce qu’il y avait autrefois, Knot prouve que cet axiome est tout à fait vrai. Avec leur premier album éponyme, Knot, le quatuor composé de Jonah Furman, Aaron Ratoff, Ian Becker et Joe Demanuelle-Hall, a réalisé un album plein d’intenses questions, de colère montante et d’une interconnexion universelle. Les guitares de Furman et de Demanuelle-Hall s’entremêlent et s’écartent l’une de l’autre à travers des leads chargés de tension et de slithing et des accords de chunking derrière une section rythmique solide et martelante. Ce disque montre comment les gens interagissent et se traitent les uns les autres dans une société qui semble toujours au bord de l’effondrement ou du changement et examine comment les structures de la vie ont besoin d’être encouragées et encouragées pour progresser. 

« Fallow » commence avec des guitares qui sonnent et qui dansent tranquillement, des basses qui s’envolent, avant de s’abandonner à une histoire tortueuse et enchevêtrée sur la façon de tirer le meilleur parti des circonstances les plus stériles. La voix de Furman frémit et s’élève tout au long de la lente construction et de la combustion tout en lâchant des lignes sur la revitalisation et une forme de renaissance comme « Fallow/ the fields considered/the use and goodness of dew and moisture/So I considered/The use and goodness… of EVERYTHING » (Jachère/ les champs considérés/ l’utilisation et la bonté de la rosée et de l’humidité/ donc j’ai considéré/ l’utilisation et la bonté… de TOUT ) et « After some real time wringinging/hollow/ the thought occurrence/change is key… » (Après quelques tiraillements en temps réel, le changement de pensée est la clé…). « Justice » est un morceau anxiogène qui se tortille et qui fait saillie, avec des arrêts brusques et des changements de signature temporelle, tandis que le chant de Furman transmet un sentiment de force formidable. Furman chante les prises de conscience que le fait de se joindre à une union, que ce soit sur le plan interpersonnel ou social, est le moyen d’opérer un véritable changement et d’apporter de la compassion et de l’amour à tout ce que l’on fait et à la bonne façon de progresser.

« I Live in Fear » est un examen de la paranoïa chez ceux qui ont un pouvoir ou un privilège et de son impact sur la vie quotidienne. Furman chante ici le point de vue d’une personne privilégiée à son insu qui se heurte à des inconvénients mineurs comme un enfant qui pleure de faim dans un café, ou comment le fait de renoncer à une partie du pouvoir par des actions attentionnées pourrait conduire à un soulèvement théorique. Le titre s’avère être une condamnation incisive de ceux qui manquent d’empathie ou de ceux dont le statut socio-économique est confortable et qui montrent une réticence à travailler à l’égalité et à un meilleur mode de vie pour tous. « The World » est un autre examen de la façon dont on peut travailler à faire de quelque chose d’aussi grand un endroit meilleur pour plus de gens et se lancer à fond dans cette entreprise, ce qui se traduit par une impressionnante démonstration musicale de roulement de tambour et de riffs de guitare déchiquetés et fracassants. Furman répète le mantra « Je ne veux pas d’un autre monde/Je veux celui-ci… » (I don’t want another world/I want this one…) tout en reconnaissant que des changements doivent avoir lieu et que le fait de travailler pour y parvenir entraîne une imprévisibilité difficile qui devient nécessaire.

Bien que certaines choses puissent être et seront toujours présentes, Knot a établi un dossier qui est très proche du présent et qui vous demande de travailler à la fois vers l’intérieur et vers l’extérieur. Knot est un défi pour tous ceux qui écoutent, qui persévèrent et qui s’efforcent de résoudre des problèmes dans leur vie personnelle et sociale.   Ce disque montre un groupe qui a quelque chose de substantiel musicalement et lyriquement à ajouter à la mêlée et qui le fait d’une manière unique et réfléchie. C’est un disque qui se pousse et ne relâche pas ses efforts pour atteindre ses ambitions. Il y a un nous à tout ce qui est exposé ici, Furman et compagnie ont ajouté quelques nouvelles allées musicales et lyriques à explorer de manière réfléchie et mesurée. Knot est un disque qui place la barre très haut à bien des égards et vous encourage à travailler dur pour votre propre croissance ainsi que pour la promesse d’un autre avenir.

***1/2


Silverbacks: « Fad »

30 août 2020

Il peut être tentant de comparer les Silverbacks à leurs contemporains irlandais Fontaines D.C et The Murder Capital, après tout on peut tracer des lignes entre le marasme et les atmosphères parfois menaçantes créées par ces groupes. Mais le premier album des Silverbacks, Fad, est un hommage à un échantillon plus large de genres.

Les Dublinois était à l’origine un projet entre les frères Daniel et Killian O’Kelly, qui ont téléchargé des démos inspirées de Strokes sur Soundcloud. Plus tard, les projets de formation d’un groupe ont été abandonnés par un membre du groupe qui a déménagé, ce qui a allongé le processus de constitution d’un contingent complet. Aujourd’hui dans la trentaine, Fad aura mis beaucoup de temps à voir le jour.

L’album est un voyage à travers leurs influences post punk, new wave et art/indie rock. Le premier riff de l’album sur « Dunkirk » semble trembler de trépidation, mais il est bientôt fléchi et interpolé avec d’autres riffs pour produire un chaos organisé qui n’est pas très différent de celui de Parquet Courts.

Les Silverbacks sont un groupe qui sait manifestement s’amuser avec une guitare. Sur « Just in the Band », on a l’impression d’être dans un filet tentaculaire, les riffs s’étendent, s’élancent en angle aigu comme si on regardait un plan du métro londonien en mouvement. Ils puisent directement dans leurs influences, « Fad ’95 » est ouvertement influencé par Pavement au point qu’il réclame à grands cris ne serait-ce qu’un soupçon de nuance.

Une constante dans les paroles est le thème des générations et de la responsabilité générationnelle, que l’on peut explorer au mieux dans « Drink It Down ». Le tempo et la voix sont comme une montée de sang, car ils évoquent les tendances destructrices de l’histoire, le fait est que chaque génération a été coupable de haine inutile et d’effusion de sang, « une haine pour quelque chose de différent qui brûle jusqu’à la moelle » (a hatred for something different that burns to the core).

Dans une récente interview avec NME, Daniel a parlé du stéréotype de l’irlandais heureux et chanceux mais a souligné que les immigrants irlandais ont contribué au racisme inhérent à l’Amérique. Il y a une portée plus large à cela sur « Drink It Down », disant que les ancêtres ont amplifié cette haine immense et que des générations plus tard, on lutte toujours contre des idéaux racistes et haineux.

Les paroles de « Drink It Down » sont choisies par la bande, qui ne se réjouit pas de ses observations, mais se tourne vers l’humour pour juxtaposer le contexte d’une chanson, « ce n’était pas Jésus qui n’était qu’un connard en robe de chambre » (that wasn’t Jesus that was just some fucker in a dressing gown). « Klub Silberrucken » » est l’un des morceaux dans lesquels la bassiste Emma Hanlon prend la tête du chant, l’instrumentation est fréquente dans des accès de fureur à l’accroche, comme ceux que des groupes comme Working Men’s Club ont produit récemment.

Fad est un album amusant, voire jouissif, avec des riffs de guitare et des crochets à foison, mais il s’embourbera parfois en jouant trop près de ses influences. Il y a aussi l’ajout de trois morceaux instrumentaux, dont deux à l’intérieur d’un même morceau qui ne contribuent pas à l’expérience d’écoute, en fait qui semblent être une divergence inutile. On y trouve un pic lyrique parfois trop clair qui peut affecter l’engagement avec le reste de l’album mais il fournit un regard intéressant à travers le trou de serrure des différents genres de rock.

***1/2


Crack Cloud: « Pain Olympics »

21 août 2020

Ce dont nous avons besoin à notre époque, c’est d’honnêteté. Cela ferait-il du mal à quelqu’un d’être franc et de dire la vérité ? Dans Crack Cloud, nous avons trouvé l’héroïsme post-moderne. Notre monde, asphyxié par l’emprise du capitalisme ne laisse aucune place à la franchise. Cependant, le puissant collectif canadien a fourni une catharsis bien nécessaire avec sa dernière révolte à huit voies et notre salut, Pain Olympics, à savoir les Jeux olympiques de la douleur. 

Crack Cloud a produit ici un examen existentiel de la condition humaine et il y défie tout genre. Pain Olympics est, à cet égard, un savoureux cocktail de motifs tenaces et de voix astucieuses où le vaudeville sourit au post-punk et le psycho-rock flirte avec le hip-hop. 

L’album commence par le son méditatif de l’eau qui jaillit d’un robinet et qui chatouille la surface sur laquelle elle tombe – seul Crack Cloud pourrait trouver du réconfort dans le banal. Cependant, cet air de tranquillité est rapidement soufflé lorsqu’une guitare hurlante entre de manière effrontée comme le cri strident d’une sirène. C’est le « Post Truth (Birth Of A Nation) », un morceau se transforme rapidement en un tourbillon de sons avec la marche rapide des percussions caressése par les chœurs, la harpe et les touches. Si elle était visuelle, elle ne serait rien de moins qu’un chef-d’œuvre cinématographique.

La description de poste de Pain Olympics est de nature anxiogène. « Bastard Basket » et « Something’s Gotta Give » constituent un échauffement intense et lourd en basses annonçant « The Next Fix ». Le morceau lui-même se concentre sur les difficultés et les problèmes liés à la dépendance. En tournant autour du même riff et des lignes rapides du chanteur Zach Choy, il imite les pensées rapides, les battements de coeur, les coups de tête contre un mur. 

« Favour Your Fortune » aurait pu être vendu à Brockhampton. Le morceau passe à un groove lo-fi pulsé, décoré d’un chant endiablé mi-chanté mi-bruit. En revanche, tout en poursuivant l’approche sans effort de la voix, « Ouster Stew » aurait pu être tiré tout droit des années 80. Il s’agit d’une discothèque de synthés ludiques et de solos de batterie et de saxophone aventureux. 

« Tunnel Vision » est le jumeau diabolique d’ « Ouster Stew ». Les riffs sont légèrement plus sombres, sans doute plus intenses et trois fois plus sinistres. La répétition est leur point fort, avec la même partie de guitare spirituelle martelée sous une vague de bruit tumultueux. 

Le dernier morceau de l’album est marqué par la léthargie, au lieu de leur signature de plein fouet. « Angel Dust (Eternal Peace) » est comme une claque sur le visage d’un mur d’air humide. Trop théâtrale par rapport à ses homologues, la chanson est faite de bruit blanc et de voix qui ne peuvent être fournis que par des êtres éthérés. Crack Cloud a certainement donné naissance, avec cet opus, à une apocalypse émotionnelle. 

***1/2


Young Jesus: « Welcome to Conceptual Beach »

18 août 2020

Après plusieurs disques, et sans être sûr que le nombre d’albums soit vraiment important étant donné la propension du Young Jesus à changer de voie, le groupe à l’esprit d’improvisation se réinvente une fois de plus sur Welcome to Conceptual Beach. Le rivage imaginaire du titre de l’album est un endroit où le leader du groupe, John Rossiter (guitare/voix), se retire pour devenir son espace créatif. Comme l’indiquent les documents de presse, cette fois-ci, Rossiter emmène avec lui d’autres membres du groupe, Kern Haug (batterie), Marcel Borbón (basse) et Eric Shervin (claviers) pour la sortie. Aussi improbable que cela puisse paraître, non seulement ils reviennent avec leur meilleur et plus cohérent enregistrement à ce jour, mais ils rencontrent aussi des amis en chemin. Ils ont aussi apparemment laissé la version à la voix plus brute de Rossiter, tiré de The Whole Thing Is Just There (2018), se remettre à l’ouvrage.

L’approche vocale de Rossiter a (encore) migré vers un hybride de Thom Yorke et ANOHNI dans le registre aigu. Que cela vous plaise ou non est certainement une question de préférence personnelle, mais il semble que nous entendions le vrai Rossiter et que cela corresponde bien à la musique. Musicalement, les Young Jesus sont à leur meilleur ici sur les morceaux plus longs où ils se laissent emporter – perdus dans un « Dirty Three « ou plus probablement abandonnés à un sentiment d’abandon joyeux façonVan Morrison du début des années 80, en particulier grâce à l’ajout de cors de Brian Tuley. Le court « Pattern Doubt » illustre bien cette fusion de sources et reprend le mantra du groupe : « comment un modèle doute, quand il est modelé » (how a pattern doubts, when it’s patterned out). Ne se soumettant pas à des limitations, des directions ou d’autres limites standard, les chansons se transforment, s’imitent et s’élancent sur de nouvelles voies sans se soucier du temps dont elles disposent pour le faire.

L’introduction de l’album, « Faith », donne une bonne approximation de ce qui est à venir. En commençant par l’écho de la batterie et le chant auto-accordé de Rossiter, la chanson prend rapidement une multitude de directions. Un flash d’information urgent apparaît au début, pour ensuite apparaître dans les dernières secondes de la chanson comme si l’impulsion ne savait pas qu’elle était sur une courte corde. Voici deux des chansons les plus courtes, qui ne pourraient pas être plus différentes dans leur approche tout en s’inscrivant dans les limites de l’album. « Pattern Doubt », avec son saxophone et ses claviers scintillants, est la chanson qui touche le plus la facette néo-eltique de Morrison, même si le moment est bref. Alors que le « (dé)savoir » ((un)knowing) suivant montre le groupe se pliant en un son de guitare plus grand qui avance puis se désintègre tandis que Rossiter se laisse dépasser par sa prestation vocale la plus passionnée.

Mais c’est sur les deux derniers morceaux, « Lark » et « Magicians », qui constituent près de la moitié de l’album en plus de 20 minutes, que l’album brille le plus. « Lark » commence avec des sons trouvés et des pings harmoniques et s’épanouit en une mélodie resplendissante conduite par Haug et Shervin. Tantôt ludique, tantôt témoignant d’une manière brûlante, la chanson se fraie un chemin à travers des notes tordues, des mélodies en miroir et des tambours à feu rapide qui tirent de la piste d’ouverture de l’album. « Magicians » qui suit renforce le dynamisme de « Lark », passant de remplissages de chœurs à un buzz d’ampli presque silencieux, puis à travers des moments lourds à une fusion totale. Que Young Jesus soit en fait provoqué par des magiciens comme le déclarent les paroles ou qu’il ait juste trouvé son moment dans le temps, ces deux dernières compositions sont une merveille en elles-mêmes.     

Welcome to Conceptual Beach est un album entièrement réalisé qui ne se contente pas d’être une œuvre d’art figée. Des bribes de mélodie, des battements de tambour et des idées erronées apparaissent, se retirent et réapparaissent, parfois dans des chansons différentes. Aussi libres et libres que l’album sonne par endroits, ces balises apportent de la cohésion et tout est réuni grâce à la clôture complète de « Lark » et « Magicians ». Des chansons au titre simple qui se déroulent aussi naturellement qu’un film sur le temps écoulé d’une clôture pleine de bourgeons de jasmin qui se détachent à l’aube, embaument l’air, se détachent de la végétation et s’arrêtent pour la nuit, pour ensuite répéter le cycle. Welcome to Conceptual Beach est peut-être le type d’album que l’on oublie si l’on ne prend pas le temps de s’y plonger. Il vaut la peine de se laisser dépasser par le produit de ses incantations.

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Glass Animals: « Dreamland »

7 août 2020

Dreamland, le nouvel opus de Glass Animals brouille la frontière entre le rêve et la réalité, en se faufilant dans le journal de la vie du frontman Dave Bayley. L’album répertorie les relations, les observations et les douleurs de croissance de l’auteur-compositeur-interprète avec une attention colorée et typiquement ressentie envers les sens. En tant que tel, il est plus personnel que les deux précédents albums du groupe, mais cela signifie aussi qu’il sacrifie l’alignement kaléidoscopique des sentiments et de l’imagination qui a contribué à rendre ces albums si distincts. C’est donc un peu un compromis, car le changement de sujet permet à Glass Animals de trouver une nouvelle direction, mais leur mode précédent de construction du monde était, d’une certaine manière, plus satisfaisant.

Le premier album du groupe, Zaba, sorti en 2014, semble avoir été envoyé d’une autre planète, avec des paroles remplies d’images bizarres accompagnées d’instruments vaguement exotiques et gorgés d’eau et de chants d’oiseaux lointains, tandis que How to Be a Human Being, sorti en 2016, est un recueil de chansons ludiques et littéraires sur un groupe de personnages de fiction. Dreamland fait toujours place à des paroles et des sonorités évocatrices et sensorielles qui frôlent le cinéma, mettant en avant le sens du toucher physique (ce dernier mot est utilisé à plusieurs reprises tout au long du film), mais il consacre également beaucoup de temps aux objets banals de la banque de souvenirs personnels de Bayley – Grand Theft Auto, les hôtels avec des peintures de piscine sur le mur » Scooby-Doo, The Price Is Right – à l’effet moyen. Et ses expressions de convoitise pour divers amoureux alternent entre le rebattu : « Parfois, je ne pense qu’à toi/Les nuits de la mi-juin » ( Sometimes all I think about is you/Late nights in the middle of June) est répété ad nauseam sur « Heat Wave » avec le le non-sens : « u as le goût des vidéos de surf » (You taste like surfing videos), sur « Waterfalls Coming Out Your Mouth ».

Tout au long de Dreamland, Bayley restera fixé sur les évasions charnelles qui rendent la réalité supportable, comme le sexe et la drogue, et la fugacité de ces plaisirs, que Glass Animals explore avec une sagesse éclairée. Les chansons du groupe sont à la limite entre la disséquation de ces mécanismes d’adaptation et l’offre d’une évasion propre :leurs touches rebondissantes, leurs mélodies irrépressibles et la voix malléable de Bayley sont enivrantes en elles-mêmes, ce qui contredit le fait que ces chansons sont parfaitement conscientes du caractère éphémère de leurs plaisirs.

Le titre-phare, « Your Love (Déjà Vu) » résume parfaitement ce fil conducteur, associant flûte virevoltante et synthétiseurs en forme de cor, avec des paroles telles que « I know you want one more night/And I’m backsliding/Into this just one more time » (Je sais que tu veux une nuit de plus / Et je recule / Ce sera simplement une fois de plus). La relation décrite dans la chanson est une solution temporaire dont la puissance décroissante est transmise par Glass Animals de telle manière qu’elle suggère que le temps s’écoule et qu’ils en tirent le meilleur parti possible.

Alors que Dreamland pivote du rock indie poli à l’électro-pop au hip-hop, il met largement à l’écart la guitare de Drew MacFarlane, qui n’est que le devant et le centre de la face B autoproclamée « Melon and the Coconut ». Des instuments de musique électronique 808 et des hi-hats dominent des chansons comme « Space Ghost Coast to Coast » et « Heat Wave », remplaçant la batterie, les marimbas et les percussions inspirées de la matière première du groupe, et c’est étonnamment rafraîchissant. « Tangerin » » incorpore un rythme staccato qui sonne presque identique à celui de « Hotline Bling » de Drake, tandis que Dr. Dre est nommé sur « Space Ghost Coast to Coast », une référence de la côte ouest que Glass Animals double en demandant à Derek Ali, du Top Dawg, de mixer le morceau.

Comme How to Be a Human Being, Dreamland se déplace sur un terrain plus vulnérable à la fin, mais la dernière série d’hymnes émotionnels de l’album précédent, dont « Poplar St » et « Agnes », de manière à compléter un arc émotionnel bien équilibré. Ici, des chansons comme « It’s All So Incredibly Loud » et « Domestic Bliss » »- qui se concentrent respectivement sur le point de rupture d’une relation et sur une femme victime de violence domestique – font un usage morne de sections de cordes enflantes, sapant ce qui devrait être le point d’appui tragique de l’album. Au lieu de cela, les meilleurs moments de Dreamland sont propulsés par des boîtes à rythmes bien huilées et la confiance de Bayley en tant que frontman. Son retour en arrière n’est pas sans humour et perspicacité, mais le fait d’écrire sur d’autres personnes sur les albums précédents a permis une expérience plus enveloppante, en étoffant des lieux imaginaires et des personnes avec une intrigue qui, ici, saura marquer l’auditeur.

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The Districts: « You Know I’m Not Going Anywhere »

6 août 2020

The Districts ont fait intrusion sur les radars en 2017, avec leur opus folk-punk Popular Manipulations, une marque de rock bien ancrée et déchirante, qui a ébranlé maints auditeurs. Ils ont clairement mis tout leur cœur dans ce disque, qui a fini par ressembler ce type d’album où vous efforceriez de récupérer votre ex si vous trouviez les bons mots. C’est le genre de disque parfait pour les moments de tristesse, un compagnon quotidien.

You Know I’m Not Going Anywhere est un disque d’un genre différent. Il est toujours évocateur de toutes ces mêmes images : « Hey Jo » est un chant de désespoir qui évoque une rupture brutale, « Changing » affiche un hymne d’une tristesse profonde qui fait allusion à l’anxiété sous-jacente qui anime le titre ; « Comme un monte-charge qui s’enfonce lentement sous terre… je ne peux pas continuer à chanter, tout le monde change » (Like some freight elevator slowly sinking deep underground…I can’t keep on singing, everybody’s changing), et « 4th of July » offre une morbidité d’une beauté absolue ; « Nous avons laissé nos corps sur la rive / et quand la marée est montée, ils ont coulé / dans la lueur de la lune bleue… » (We left our bodies on the bank / and when the tide came in they sank / into the blue moon’s glow…). L’atmosphère centrale de morosité et d’angoisse est toujours aussi palpable – mais alors que Popular Manipulations esonne comme sorti d’un bar, You Know I’m Not Going Anywhere projette sa douleur sur le grand écran. Le climat est presque cinématographique en matière de progression et de production, rayonnant d’un éclat brillant qui rend le tout plus histrionique et ambitieux que ce que l’on pouvait imaginer venu du combo.

En tant que tel, You Know I’m Not Going Anywhere est de loin l’enregistrement le plus aventureux du groupe sur le plan sonore à ce jour. « Sidecar » s’écrase ainsi à travers le mur à un rythme effréné qui explose avec des vagues de travail énergique à la guitare, des gémissements de falsetto et des oohs mélodiques, tandis que  » »All The Horses Go Swimming » s’ouvre avec un accordéon qui se fond progressivement dans une piscine cristalline d’ambiance de cordes. « Descend » est l’un des morceaux acoustiques les plus lucides, chaque guitare pastorale résonnant avec la clarté d’une ballade folk à la Sufjan Stevens, avant que le tout ne se transforme en un tourbillon d’effets sonores et de bourdonnements vocaux. « Dance » tremble et s’agite avec de fortes vibrations orientales, rapidement rejointes par des interjections de synthétiseurs. L’ouverture « My Only Ghost » ressemble presque à un hymne des Fleet Foxes. Le spectre des influences serait ridicule si le chanteur Rob Grote ne faisait pas le lien entre les deux, avec ses croons et hurlements émotionnels.

Le quatrième album de The District marque un nouveau chapitre dans leur carrière. Il les voit émerger des recoins sombres et obscurs de Popular Manipulations avec une vigueur nouvelle, accompagnée d’une dynamique sonore qui n’existait pas auparavant dans leur musique. C’est un événement capital ; c’est comme s’ils prenaient l’air déprimant de Frightened Rabbit, le faisaient tourbillonner avec un penchant de The National pour les crescendos géants, puis exécutaient le tout avec le bombardement d’un album de Killers. Ce n’est pas forcément aussi déchiqueté ou aussi bon marché que les précédents albums du groupe, mais c’est aussi beaucoup plus divertissant. You Know I’m Not Going Anywhere est une percée pour The Districts, une preuve que, eux, vont bien quelque part.

***1/2


Cold Beaches: « Drifter »

5 août 2020

Parmi les caractéristiques les plus célèbres de Chicago, on trouve l’étonnant ensemble de plages aménagées qui s’étendent sur 28 miles de parcs vierges sur les rives du lac Michigan. Dans une ville également connue pour ses hivers brutalement froids et ses vents incessants, l’existence même de plages de classe mondiale semble être une anomalie, mais elle est tout à fait logique en tant que source de soulagement nécessaire en été pour les habitants de la ville privés de soleil après avoir enduré les longs hivers froids. La juxtaposition de la joie de vivre estivale et de la détermination d’acier qui découlent de l’exposition aux éléments extérieurs est également présente sur Cold Beaches et son Drifter, un album qui porte ses influences sur sa pochette et qui ressemble à un produit profondément personnel d’un temps et d’un lieu spécifiques.

Drifter est le point culminant de cinq années de démos, de singles et d’EPs du cerveau de Cold Beaches, à savoir Sophia Nadia, et propose un buffet de styles indie rock contemporains qui servent de plateforme à sa perspective lyrique unique. Il y a de nombreux points de contact musicaux auxquels Drifter fait référence tout au long de l’album, allant du rock garage impétueux le plus souvent associé à la sortie angulaire de Ty Segall, au psychédélisme teinté de soleil et de sépia, emprunté à des groupes de la côte ouest comme Sugar Candy Mountain. La voix et la cadence de Nadia rappellent souvent celles d’Angel Olsen, tandis que la présence de sons de guitare caractéristiques semble directement issue d’une source plus décontractée, de type beachbum. Bien qu’il ne soit pas toujours totalement original, le jeu est techniquement astucieux et la production est de premier ordre, ce qui confère à l’ensemble de l’album une sorte de familiarité confortable aussi facile à revêtir que tout type d’accoutrement. Le résultat est une expression personnelle construite à partir de styles variés et existants, comme un ensemble de vêtements confectionnés à partir d’un après-midi passé à fouiller les rayons des friperies des grandes villes, toujours assez unique pour se démarquer, mais pas au point de faire du bruit.

La première moitié de Drifter est dure comme le roc, Nadia adoptant la position de pouvoir indépendante et provocante d’un leader féminin fort, en opposition à l’objectivation superficielle des femmes et au comportement juvénile de la scène musicale dominée par les hommes. Les dents bien ancrées dans la détermination, Nadia appelle les musiciens avec des barbes piquantes enveloppées dans des crochets ensoleillés comme un parapluie noir coincé dans le sable chaud de juillet sur la plage de North Avenue. Ne confondez pas l’ambiance avec la tristesse ou même la colère, il y a une poussée d’énergie électrique qui souligne les expériences de Nadia et les encadre comme un carburant pour sa production musicale qui lui permet d’aborder des problèmes plus importants et des sentiments personnels avec un clin d’œil sans être trop cavalier.

« Band Boy (Redux) » est peut-être le morceau le plus fort de l’album, car Nadia, exaspérée, y fait passer un traité contre le droit masculin à l’affection féminine sur un rythme entraînant et des guitares mélodiques. « Pourquoi je ne peux pas aimer votre groupe ? Qu’est-ce qu’il vous faudra pour comprendre ? Je ne vis que pour le rock n roll, tout ce que vous voulez, laissez-moi tranquille » est une thèse du 21e siècle sur le besoin urgent d’égalité et de respect qui est absolument essentiel dans le climat social actuel, mais surtout sur la scène musicale.

Aux deux tiers du parcours de Drifter, le ton change brusquement. Un léger riff de piano se fond harmonieusement dans un enregistrement de boîte vocale exprimant des désirs nostalgiques de se rebiffer sur « I Miss You So So Much, I Really Do », mais le ton suggère un manque de véritable connexion émotionnelle avec le destinataire. À partir de là, l’album devient carrément triste. Cold Beaches s’appuie fortement sur la psychedelia, alors que Nadia adopte son meilleur Angel Olsen tout en exprimant des émotions qu’elle a gardées fermement cachées derrière la dure façade des morceaux précédents de l’album. Pour finir, avec le détaché et mélancolique « Go Easy On Me », les souvenirs saudoyants d’une affaire passée filtrent dans l’air sur les transmissions radio, pour finalement laisser place à une outro instrumentale qui donne l’impression que le soleil couchant projette de longues ombres sur les plages artificielles de Chicago ou que la douce haleine de l’été cède la place aux froides réalités d’un autre hiver agité du Midwest.

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Ganser: « Just Look At That Sky »

3 août 2020

Pas tout à fait punk, pas tout à fait post-punk, pas tout à fait alt. rock, mais toujours indie, et très Chicago. C’est ainsi que se décrit Ganser, un quatuor réputé pour son style musical sardonique, presque maniaque, auquel s’ajoute une présence énergique en live. Fidèle au son angoissant du groupe, le dernier album de Ganser est truffé d’anxiété et de tension, mais ce qui est peut-être le plus intéressant dans Just Look At That Sky, c’est la façon dont le groupe exprime ses thèmes lyriques – la contradiction entre croissance et amélioration s’avérant infructueuse ; la production est un peu plus soignée, la performance aussi serrée que le groupe l’a jamais été… en tous points, Just Look At That Sky est le meilleur son que Ganser ait jamais enregistré. Et pourtant, ce n’est pas un changement radical par rapport à ce que nous avons entendu lors de sorties passées comme Odd Talk ou You Must Be New Here. En fait, on pourrait faire valoir que Ganser n’a pas du tout progressé et, selon toute vraisemblance, les musiciens eux-mêmes seraient les premiers à le soutenir. Mais là encore, peut-être pas ? Est-ce vraiment important ? Comme on l’a dit, cet album est le meilleur que le groupe ait jamais produit, Alicia Gaines et Nadia Garofalo ayant troqué leurs fonctions vocales contre le yin et le yang d’un état d’esprit fracturé – à la fois calme et maniaque, recherchant la sérénité tout en la trouvant dans l’étreinte du chaos. Avec la précision de Brian Cundiff à la batterie, les grooves de Gaines à la basse, les touches atmosphériques de Garofalo aux claviers et les riffs de guitare stridents et grinçants de Charlie Landsman évoquant le son des premiers Killing Joke, chaque morceau de l’album offre une gamme d’émotions contradictoires qui ne manqueront pas de confondre et même de captiver l’auditeur.

Il y a les tourbillons psychédéliques et les rythmes stridents de « Told You So », avec les répétitions de « I’ll wake up tomorrow all righ » », et le trompeur et dansant « Emergency Equipment and Exits », au guttural mais harmonieux, « Self Service » bruyant mais mélodieux, rappelant la vague de Nina Hagen, un peu déséquilibrée et décalée, la parole troublante de Sean Gunderson, les guitares rêveuses et l’ambiance nuageuse de « [NO YES] », la batterie galopante, les accompagnements de cor martiaux et d’hymnes, et le chant bluesy de la chanson de clôture « Bags For Life ». ” Il suffit de dire que Ganser appuie sur tous les boutons – bons ou mauvais – de Just Look At That Sky pour rappeler à l’auditeur chaque moment d’inquiétude et d’incertitude. C’est inquiétant, c’est sûr, mais… vous pourriez vous en remettre suffisamment pour apprécier la performance de Ganser au sommet de son art.

***1/2


Madeline Kenney: « Sucker’s Lunch »

2 août 2020

Madeline Kenney, chanteuse originaire d’Oakland en Californie, n’est pas intéressée par une approche simple. La sienne est en spirale et en couches où la guitare défie toute catégorisation facile, tout comme son aversion pour les accroches de la mélodie pop traditionnelle. Sur son troisième disque, Sucker’s Lunch, Kenney applique cette instance musicale idiosyncrasique aux complexités des relations. 

Elle continue ainsi à montrer une affinité pour les chansons qui s’envolent et tourbillonnent avec intensité cet opus. Ces morceaux peuvent sembler minimes au départ, mais il y a une beauté en couches qui se révèle à l’écoute. Kenney se rapproche du son art rock de ses débuts (Night Night at the First Landing en 2017) sur Sucker’s Lunch, en incorporant sa guitare comme un morceau mélodique majeur dans ces compositions. Mais elle continue également à s’appuyer sur les harmonies chatoyantes et les éléments électroniques de son deuxième album de 2018, Perfect Shapes. L’approche mélodique de Kenney vient souvent d’un angle inattendu, comme sur « Sugar Sweat », où son chant éthéré est soutenu par des lits luxuriants de synthés, des accents de saxophone et ses lignes de guitare filiformes. Bien qu’elle ne soit pas toujours immédiate ou familière, la musique de Kenney montre une puissance captivante. 

Jenn Wasner de Wye Oak a produit Perfect Shapes revient, cette fois-ci avec son compagnon d’orchestre Andy Stack, alors qu’ils prennent tous deux en charge la coproduction. Leur production est un élément particulièrement fort, donnant à certaines chansons, comme « White Window Light », une présence instrumentale imposante, tandis que d’autres, comme « Sweet Coffee », reçoivent une subtile chaleur.

Tout comme Kenney cherche le chemin le moins fréquenté musicalement, elle est tout aussi réticente aux réponses faciles sur le plan lyrique. Au lieu de cela, elle se penche sur les réalités difficiles de l’amour. « Double Hearted » voit l’artiste être déchiré dans différentes directions, la capturant dans un moment de spirale qui atterrit vers le point bas émotionnel de « Cut the Real » oùelle semble nier même la réalité autour d’elle. Ailleurs, dans la ballade intime « Sucker », Kenney va réfléchir à l’investissement continu d’énergie dans un amour fragile. 

De même, les chansons d’amour de Kenney ne sont pas maladivement douces ou flatteuses. Elle s’inspire plutôt de la tension entre la réserve romantique et le désir de se jeter dans l’amour avec un abandon inconsidéré. Kenney implore son partenaire, « Please/just forget me » tout en désirant une intimité vraiment vulnérable sur « Tell You Everything ». Il n’y a pas de solution facile à ce problème. Kenney aspire plutôt à la paix dans les moments banals, que ce soit dans l’imagerie romantique simple de son partenaire baigné de lumière ou dans la connexion quotidienne du partage d’une tasse de café. 

Tout comme son prédécesseur, Sucker’s Lunch ne révèle pas tout ce qu’il a à offrir dès la première écoute. Il s’agit plutôt d’un album à combustion lente, avec la voix immaculée de Kenney et des instruments curieux qui attirent l’auditeur dans son labyrinthe compliqué d’émotions. Alors que l’auditeur retire les couches de mélodies vitreuses et les bords discordants, on trouve un témoignage intime des contradictions inhérentes à l’amour.

***1/2


Land of Talk: « Indistinct Conversations »

2 août 2020

Indistinct Conversations, le dernier album du groupe montréalais Land Of Talk, est fidèle à son nom. La chanteuse Elizabeth Powell ne chante que des traces de pensées sur ce qu’elle ressent ou essaie de parler tout au long du disque, sans jamais faire connaître complètement l’histoire à l’auditeur. 

Sur des chansons comme « Weight of That Weekend », Powell fait allusion à la récupération émotionnelle d’une série de jours importants. « Maintenant je le ressens, je m’assieds avec lui pendant que j’attends près de la lune », chante-t-elle. « Parce que je ne dors pas. » (Now I feel it, sit with it while I wait by the moon…‘Cause I’m not sleeping.)

Il y a un côté mélancolique et contrôlé dans la plupart des titress, soutenu par Mark « Bucky » Wheaton à la batterie et aux clés, et Christopher McCarron à la basse, mais c’est la voix de Powell qui reste la plus frappante. C’est une voix légère, qui va aussi bien dans les aigus que dans les graves, qui souffle facilement le long des morceaux et qui ne semble jamais déplacée. Des chansons plus calmes et acoustiques comme les magnifiques « Festivals » mettent clairement en évidence l’émotion et le talent de Powell.

Et bien que les paroles soient vagues, il y a toujours des citations mémorables tout au long du morceau. « Get lost in a dream, now we can’t escape it. Know this ice was once warm water » ,(Se perdre dans un rêve, maintenant on ne peut plus y échapper. Sachez que cette glace était autrefois de l’eau chaude ) elle trille sur la chanson « Footnotes », qui comporte également un riff de guitare hypnotique, en forme de ver d’oreille. Indistinct Conversations se termine par une collection de bribes de conversations téléphoniques. Ils s’entremêlent et n’apportent aucune réponse, mais c’est la fin d’une collection de chansons fortes et mystérieuses.

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