The Beths: « Jump Rope Gazers »

11 juillet 2020

Le « debut album » de ce combo néo-zélandais qu’est The Beths, Future Me Hates Me, avait été l’un des points forts de l’année 2018, et il avait inscrit ces artistes originaires de Auckland sur la liste des « meilleurs » par de nombreux critiques musicaux. Nous entendons la suite de la pop puissante et brillante du groupe, et l’écriture intelligente de la chanteuse Elizabeth Stokes, ainsi que les harmonies vocales et le punch de la guitare rock de ses camarades de groupe, sur cette belle et deuxième suite on retrouvera, comme lors de la dernière fois, des grands titres power pop plus audacieux comme « Great No One » et « Uptown Girl » qui ont attiré les auditeurs et leur ont fait découvrir que Stokes & Co. ont une palette sonore plus large et une profondeur émotionnelle plus profonde que ce que l’on trouve habituellement chez les rockers rapides et accrocheurs. À cet égard, Jump Rope Gazers continue à faire preuve de cette capacité à surprendre et à ravir.

Le disque s’ouvre sur les deux titres « I’m Not Getting Excited » et « Dying to Believe », qui soulignent les points forts de ce groupe, de la mélodie accrocheuse de Stokes aux sonorités de guitare expressives du guitariste/producteur Jonathon Pearce, qu’il s’agisse de broyer un son rythmique croustillant ou d’élever un solo planant d’un soupir à un cri, et l’énergie cinétique et la chimie du batteur Tristan Deck et du bassiste Benjamin Sinclair qui insufflent la vie aux supports structurels qui sous-tendent le jeu rythmique de Stokes. La bonté de la première chanson peut vous faire penser au meilleur travail de groupes comme Liz Phair ou Julianna Hatfield. Lorsque les guitares croquantes tombent sur le deuxième morceau, lorsque Sinclair et Deck ramènent à la maison l’énergie de ce rythme de basse et de batterie et que Stokes se met à chanter par-dessus, vous commencez à penser qu’elle a peut-être dépassé le stade où les comparaisons sont utiles.

Sur la chanson titre, on a une idée plus large du potentiel de ce groupe. Alors que Stokes déverse son cœur dans l’une des nombreuses chansons d’amour de rupture, le groupe parvient à faire correspondre l’angoisse intérieure de sa chanson avec juste ce qu’il faut d’harmonie vocale et de muscle musical. « Acrid » revient à uneaccroche pop percutante, mais les paroles continuent de porter le poids de l’agitation intérieure de Stokes, alors qu’elle chante « Tel un disque qui tourne lentement / comme une flèche qui manque toujours / je siffle toujours / mais c’est toi que je veux rencontrer (Like a record slowly twisting/like an arrow always missing/I’m always whistling by/But it’s you I want to run into), les guitares et les harmonies vocales atteignent leur but même si la relation n’est pas parfaite. Qu’elle supplie son amour de rester »(« Don’t Go Away »), promet d’attendre (« Out of Sight ») tout en reconnaissant que l’attente est difficile (« Do You Want Me Now »), ou finalement dit au partenaire de juste aller en enfer (« Mars, The God of War »), Stokes parvient à écrire un alt-rock artistique d’auteure-compositrice-interprète qui donne à Pearce beaucoup à travailler, à la fois comme guitariste et producteur, où il semble exceller sur les deux plans.

En général, les auteurs-compositeurs-interprètes introspectifs ont du mal à trouver le bon équilibre émotionnel lorsqu’ils travaillent dans un groupe, car, comme l’écrit Stokes, la nuance peut rendre une personne un peu déprimée. Ici encore, The Beths s’élèvent au rang des meilleurs exemples de chanteuses ayant trouvé cet équilibre savant entre expression nuancée et rocking hard, mettant Stokes & Co. en compagnie de Chrissie Hynde & ses Pretenders, et une autre venue d’en bas, Courtney Barnett. Malgré toute l’introspection des paroles de Stokes, non seulement le groupe fait du rock, mais elle parvient à gérer les sentiments les plus sombres tout en étant, comme elle le chante à un autre dans l’avant-dernier morceau folk rock de 10, « You Are a Beam of Light ». Alors que ses chansons sont empreintes d’incertitude et d’indécision, comme l’admet le dernier morceau, elle est « Just Shy of Sure », mais les fans de guitare pop, eux, ne le seront pas.

***1/2


Gum Country: « Somewhere »

23 juin 2020

Gum Country se décrivent comme faisant du « harsh twee », de la twee-pop hard, , une description qui peut paraître ridicule à première vue. Mais en écoutant leur premier disque, on se rend compte à quel point c’est approprié, car le duo de Courtney Gavin (The Courtneys) et Connor Mayer mélange fréquemment des mélodies aérées de style C86 avec une guitare de type shoegaze.

Mais même lorsque le chanteur/guitariste Gavin monte les guitares, les chansons sonnent rarement de manière abrasive. L’ambiance de l’album semble presque provocante. Elle rayonne simplement de vibrations positives et ensoleillées. Cette atmosphère est d’autant plus surprenante que les paroles deviennent plus acerbes ou introspectives.

Toutefois, la plupart des textes sont axés sur le quotidiens, allant des jeux vidéo au tennis en passant par le jardinage. Parfois, cette obsession des détails de la vie quotidienne se révèle attachante. D’autres fois, pas tellement. « Tennis (I Feel Ok) », une chanson qui est moins « harsh twee » et plus « twee twee », est un bon exemple de quand elle est dans un mode à vous faire grincer des dents. Le leitmotiv répété « Why don’t we go down to the court ? » est le refrain le plus souvent utilisé par les spectateurs de Wimbledon au fil des ans. Il est d’autant plus agaçant qu’il est accompagné par des claviers de style Casio – un mélange qui est presque emblématique de la « twee pop ».

En revanche,  « Talking To My Plant »s, également composé de deux musiciens, est plutôt merveilleux. Son refrain répété « I’m talking to my plants / Or are they talking to me ? » »donne à la chanson un air agréablement dément. On pourrait dire qu’il y a un certain niveau d’ironie hipster dans les choix lyriques, mais il y a suffisamment de sensations authentiquement bizarres pour que le duo remporte le morceau.

Donc, sur le plan des paroles, le disque n’est peut-être pas parfait. En termes d’instrumentation, Gavin et Mayer sont tous deux excellents. Il suffit d’écouter le riff nerveux de Gavin sur « I Don’t Stay Up » ou les percussions noueuses de Mayer sur « Jungle Boy » pour s’en convaincre.

En fait, musicalement, sur les douze morceaux, il n’y a pas grand chose qui cloche ici. À l’exception de la chanson sur le tennis mentionnée ci-dessus, il n’y a pas de vrais ratés et même quelques-uns que l’on pourrait facilement voir devenir des hymnes indés comme le morceau d’ouverture du titre où le duo montre son côté plus rauque.

Si cet ensemble de chansons présente un inconvénient, c’est que les influences du duo ne se font pas tant sentir ; on y trouve une bonne dose de Stereolab et une poignée de The Breeders, parmi de nombreuses autres allusions aux groupes indépendants de la fin des années 80 et du début des années 90. Dans ces conditions, le disque peut ressembler à une capsule temporelle même s’il ne s’agit pas d’un disque perdu de 1991.

En fin de compte, Somewhere ne possède pas assez de caractère distinctif pour être excellent. Mais c’est quand même un effort amusant et stimulant, qui plaira certainement aux nostalgiques d’une certaine image de l’indie-pop.

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Orlando Weeks: « A Quickening »

21 juin 2020

The Maccabees étaient une rareté parmi les groupes indés ; définis par leur honnêteté, le groupe a annoncé leur séparation et une série de concerts d’adieu il y a trois ans, alors qu’ils étaient au sommet (ou presque) de leur art. Deux albums à succès, mais relativement ordinaires, leur ont donné la confiance nécessaire pour repousser leurs propres limites sur leur chef-d’œuvre, Given To The Wild, nominé aux Mercury. Le son habituel a été renforcé et élargi, tout en étant plus éthéré et plus fragile.

Après Marks To Prove It en 2015, un frère inférieur (mais non moins réussi), le quintette était certainement le prochain à se retrouver dans les salles de concert. Au lieu de cela, les membres du groupe ont eu le sentiment d’avoir suivi leur propre voie et de s’être séparés. Vous connaissez sans doute ces détails, mais cette biographie tronquée n’est pas sans raison, puisque A Quickening, le premier album du frontman Orlando Weeks, fait office de quasi-spin off à Given To The Wild.

Cela semble banal, mais il est très facile d’imaginer que les Maccabées suivent cette voie, et plus particulièrement ses moments de réflexion et de tendresse. Cela est probablement dû à la voix caractéristique de « Weeks » (toujours mieux adaptée à la douceur plutôt qu’à la frénésie) et au sujet, basé sur sa récente paternité. Il n’y a pas de doute, c’est un album concept, et il est signalé comme tel.

Les trois titres principaux le montrent clairement : tous sont atmosphériques, avec des séquences d’accords et des boucles fragiles, parsemés de trompettes pensives et de craintes d’anxiété accablantes. « Milk Breath » (« My son/so young, I’m a beginner ») est un album de Weeks qui tente de vocaliser les premiers pas timides vers la paternité. Il se lève et s’évanouit avant de se détendre à nouveau comme, eh bien, une forte inspiration. « Blood Sugar » et le merveilleux « Safe In Sound » sont tout aussi contemplatifs, avec un léger grondement de percussions sur ce dernier.

« Takes A Village » a pour fond des cuivres et un piano à queue, représentant des nuits sans sommeil et l’anticipation de devoir rendre service à un petit être humain à un moment donné. « All The Things » est, comme une grande partie de l’album, hypnotique par sa simplicité et l’utilisation de crochets répétitifs, tandis que « Blame Or Love Or Nothing » est fantomatique et éthéré, contenant une mélodie qui choisit de manière intrigante d’opérer dans une sphère séparée du reste de la chanson, ne se reposant jamais sur ses lauriers et ne participant pas là où la logique le dicte.

« None Too Tough » est chatoyante et cinématographique, tandis que « Summer Clothes » Weeks utilise un truc familier ; The Maccabees aimaient accélérer le tempo des morceaux pour aboutir à une sortie orgasmique, ce procédé pourrait devenir usant s’il est utilisé trop facilement et est donc plus efficace quand il est peu fréquent. Paradoxalement, sur un album avec une telle marge de manœuvre, c’est rassurant.

Le style que Weeks a choisi, ainsi que son style vocal caractéristique, ont un prix sous forme de répétition, bien qu’avec peu de graisse. Avec un rythme minimal ou une certaine urgence, c’est un album conçu pour la mélancolie contemplative tout en regardant par la fenêtre (en effet « St Thomas’ » et éMoon’s Opera », présentent tous deux des « samples » de pluie).

À cet égard, on ne pouvait pas mieux tomber.

***1/2


Sleep Kicks:  « Recovery »

21 juin 2020

La situation actuelle affectel es groupes et, en fait, tous les aspects de l’industrie de la musique, et c’est toujours la base et les échelons inférieurs qui sont les plus touchés, comme c’est le cas dans tout type de crise. Les artistes de premier plan seront toujours en bonne santé, car il existe des stations de radio qui diffusent leur musique et produisent un flux constant de redevances, et leurs millions de fans continuent de diffuser leurs chansons en ligne sans fin. Beyoncé, Bono et Ed Sheeran ne vont pas mourir de faim en étant enfermés.

Mais les groupes qui comptent sur les concerts dans les pubs aux côtés d’autres groupes qui comptent sur les concerts dans les pubs pour trouver une fanbase et peut-être fouetter suffisamment de marchandises pour couvrir leur carburant entre lesdits concerts n’ont pas de quoi se rabattre.

L’histoire de Sleep Kicks n’est en aucun cas unique, mais la façon dont ils la racontent en présentant leur nouveau « single » est atypique puisque moins de deux semaines après la sortie de leur premier « single », toute la scène musicale s’est arrêtée. Au lieu de faire des concerts et des répétitions, ils ont continué à travailler seuls avec une poignée de chansons déjà enregistrées. Le mixage, les vidéos, les illustrations terminés, ils ont réalisé que l’une des chansons décrivait cette situation bizarre, et le sentiment qu’on éprouverait une fois tout cela terminé. En bref, cet album est la bande-son de la sortie de l’isolement urbain ; une ode épique à la ville qui les a aidés à garder le moral pendant les temps sombres !

Avec Recovery, le quatuor norvégien peint les scènes d’un monde vide qui renaît, et les difficultés de la perspective d’un réajustement. Un rythme endiablé et un carillon de guitare ouvrent la voie à un motif de basse ambulant et se fondent en un paysage sonore spacieux et réfléchi qui se situe entre A-Ha, Editors, et U2 et Simple Minds du milieu des années 80. Au milieu de cette épopée de six minutes et demie, les choses s’accélèrent et font même un signe de tête à l’hymne, avant de s’épanouir pleinement pendant la dernière minute, où elles s’envolent à tous les niveaux en jetant un regard vers un avenir plus radieux : non pas l’arc-en-ciel dessiné à la craie sur le trottoir de la couverture, mais une vie de plénitude, une réémergence de l’état de stase du présent à la vie réelle, plutôt que de simplement exister.  Pour un « petit » groupe, ils ont un grand son ambitieux qui a aussi un grand potentiel de public. Il faut espérer qu’ils le réaliseront.

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Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

2 juin 2020

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la conformité. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième album de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau de la dream-pop sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, je reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent l’admiration.

Contrairement à Modern Meta Physic, Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être retracée. 

Dans une période de turbulences énormes et de gel de la culture, le Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommes surpris, nous réfléchissons.

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Happy Accidents: « Sprawling »

1 juin 2020

Happy Accidents – Phoebe Cross et Rich Mandell – font un retour bienvenu avec leur troisième album Sprawling. Autoproduit, les récentes sorties de « Secrets » et du morceau-titre laissaient présager que le duo s’aventurerait sur de nouveaux territoires, au-delà de l’indie-pop accrocheuse qui les a si bien servis dans le passé

Phoebe chante « Swallowed you whole » à plusieurs reprises sur un piano plus silencieux et rêveur au début de l’album Whole. Il s’agit d’une intro à combustion lente avec de nombreuses couches texturées pour envelopper vos oreilles et elle est rapidement suivie par le style Delta Sleep de « Secrets ». Dans « Grow »le tandem se dirige vers un son plus lâche et parlent de se libérer des liens qui vous lient dans un effort pour grandir en tant que personne : « Dis-moi quand tu vas bien. Quand tu es d’humeur à rire. Peut-on s’il te plaît être qui on veut être ? » (Tell me when you’re OK. When you’re in the mood to laugh. Can we please be who we want to be?)

Le titre de la chanson a, en son coeur, un côté DIY car Rich offre un aperçu expressif de son état d’esprit : « If I Do » se situe dans le même genre d’espace mélodique que Peaness, sa précédente collègue de label, tandis que Phoebe prend la tête du chant et parle de passer à quelque chose de nouveau : « Toi, je sais que tu ne veux pas que je le fasse. Je sais que tu ne le veux pas, mais que se passerait-il si je le faisais ? »; « Et si je soupirais alors que l’exaltation s’ensuivrait habituellement ? » (You, I know you don’t want me to. I know you don’t want me to, but what if I do?; What if I sighed when elation would usually ensue?)

« Sparkling » est saupoudré de sonorités scintillantes et expérimentales, tandis que le groupe parle de ses amis, de ses soucis et de l’effrayante perspective du changement. Le premier commence avec des accroches de guitare plus bruyants et bégayants, à la Tellison, et Rich révèle « I felt today I might not get much done », tandis que le second est un morceau de sadpop avec Cross qui se mobilise contre le passé : «  I don’t want to see our face. I see it every time I close my eyes. »

« Back in My Life » se tourne vers la surf pop avec des guitares puissantes et des paroles conscientes de soi sur la perte de quelque chose qui aurait pu être spécial (« The years have slowly burned our trust away ») avant que l’album ne s’achève avec le psychédélisme flottant, doux et perspicace de « Comet » Sprawling montre le son d’un combo plus sobre et plus réfléchi, un accident dont on aimerait bien être victime.

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The Howl & The Hum: « Human Contact »

1 juin 2020

Alors que nous sommes souvent désireux de battre en brèche les directives établies par les standards de la musique pop, le monde de l’indie a administré ses propres tropes, des tropes qui peuvent facilement devenir des pièges pour les groupes prometteurs. The Howl & The Hum de York n’évite peut-être pas volontairement ces pièges à ses débuts, mais même lorsqu’ils répondent aux attentes, ils font bien de mettre en avant une certaine individualité.

Human Contact est un premier album timide, lyrique et conflictuel, qui cherche à montrer sa personnalité et sa vigueur, mais qui est en réalité timide. The Howl & The Hum sont un exutoire rock romantique, amoureux des années 80, et plus encore de l’allégeance des années 2000 aux synthés, thématiquement dépouillés, mais émotionnellement disponibles.

Ils sont fiers de leur poésie ; « Love You Like a Gun « brille par sa métaphore – « tu m’aimes comme un serpent à sonnette aime la musique de la queue qui fait du bruit»,( you love me like a rattlesnake loves the music of the rattling tail) tout en berçant la simplicité de la romance, voir le tourbillon de pop informatique « Got You on My Side », toujours équipé de références à Jekyll & Hyde.

Ces chansons sont livrées avec un sourire tendre, bien que The Howl & The Hum n’hésitent pas à se lever et à bouger. « Until I Found a Rose » met en avant la batterie comme l’arme de prédilection du groupe, constamment en mouvement au milieu de textes d’amour criant sur les toits.

C’est un Noel Gallagher dansant, un Killers intime, ils font venir les Heartlands en Angleterre, notamment avec Hall of Fame, qui est abordé avec une fente téméraire, un romantique dont le cœur est suspendu à une manche, sur un corps empêché de tomber en morceaux par des trombones. L’embuscade du groupe est suivie d’une autre embuscade au synthétiseur, qui brille comme si les empreintes digitales de Brandon Flowers étaient présentes sur le morceau.

Le manque d’idées avant-gardistes est évident, mais si l’appartenance à la même classe que des modernistes comme Circa Waves et Catfish and the Bottlemen est le modus operandi du groupe, les épaules sont assurément frottées. Ils savent ce qu’ils font à cet égard ; ils associent les tripes d’un rocker à la couleur disco (« A Hotel Song »), ils embrassent la Britpop (« Human Contact »), commandent l’empathie par la douceur (« Sweet Fading Silver »), et sont peu susceptibles de snober un crochet de guitare percutant (Smoke).

Les Howl & The Hum font plus de choses sans s’éloigner trop du confort que certains ne le font en se délectant de l’expérimentation. Ils sont rarement frivoles, ne recherchent qu’une poignée de sensations fortes, mais parviennent à obtenir une touche indie pop, faite de timidité, emmenée dans la disco alternative.

***1/2


Marker Sterling: « High January »

19 mai 2020

Après la sortie en 2018 de Trust an Amateur, Chris A. Cummings, également connu sous le nom de Marker Starling, met à jour sa signature de grooves décontractés (ce qu’il décrit comme des « party jams mélancoliques ») avec le plus ambitieux High January. Remplaçant les hi-hats persistants et les mélodies vibrantes, quoique somnolentes, par des airs de dance-pop plus brillants, High January joue avec une instrumentation plus stratifiée et des mélodies plus variées. 

L’album n’est jamais grandiose, mais transmet néanmoins une confiance qui semblait manquer dans les œuvres antérieures de Marker Starling, car la production de Sean O’Hagan ajoute de la complexité tout en conservant l’esthétique dépouillée de Cummings. Le morceau d’ouverture, une ode à la musique elle-même, met en scène le synthé éthéré de O’Hagan et une superbe performance à la guitare d’Andy Whitehead, affirmant ainsi l’engagement de Marker Starling dans cette nouvelle inspiration musicale.

Laetitia Sadier de Stereolab apparaît sur les titres « Waiting for Grace » et « Starved for Glamour » qui rendent tous deux hommage à des éléments de la musique pop des années 60, 70 et 80, en faisant allusion à la nostalgie tout en évitant le pastiche. Les apparitions du Stereolab se poursuivent avec Andy Ramsay en clôture du morceau « A Little Joy », avec sa mélodie de synthé évoquant la Californie ensoleillée, ainsi que les chants d’accompagnement du Vancouverois Nicholas Krgovich.

Ces soirées mélancoliques sont destinées aux moments les plus subtils de la vie – discrets, élégants et nostalgiques. Ces chansons sont plus susceptibles d’être jouées à la fin d’une fête plutôt qu’au milieu de celle-ci. Elle opte pour la mignonnerie plutôt que le sexe, le romantisme plutôt que la passion, la tendresse plutôt que la vulnérabilité, et la mélancolie plutôt que la tristesse. High January est un pas en avant tréussi pour Marker Starling.

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The Magnetic Fields: « Quickies »

19 mai 2020

Stephen Merritt et compagnie n’auraient pas pu mieux planifier cela s’ils avaient su à l’avance qu’une pandémie mondiale allait balayer le monde, envoyant tout le monde dans un isolement social et se préparant à une nouvelle normalité de plus en plus déprimante. Ces rois et reines des disques aux thèmes cohérents ont livré exactement l’album Magnetic Fields dont le monde a besoin en ce moment : quelque chose de distrayant, de léger, et – même si c’est un peu bête ; de délicieux.

Quickies est une collection de 28 titres, dont aucun ne dure plus de deux minutes et 35 secondes ; plus de la moitié sont de moins de deux minutes. C’est une explosion de musique rapide qui ressemble à Double Nickels on the Dime des Minutemen, ou aux 21 derniers titres de l’Apollo 18 de They Might Be Giants, surtout lorsque les chansons (par exemple « Death Pact ») prennent moins d’une minute pour monter une blague avant de se terminer. La plupart de ces titres, qu’ils soient humoristiques ou non, sont empreints d’humour. « The Biggest Tits in History » est un morceau de jeu de mots accrocheur – imaginez les « Big Balls » d’AC/DC ou « My Ding-a-ling » de Chuck Berry, mais pour le set indie – qui suscite beaucoup de rires avec ses paroles à la sonorité coquine sur les gros seins rebondissants. Ensuite, vous avez « Bathroom Quickie », qui est plus direct avec son humour classé R : « Ramassez-moi, faisons un quickie salle de bain/Donnez-moi un énorme suçon, comme un tatouage ». (Pick me up, let’s have a bathroom quickie/Give me an enormous hickey, like a tattoo) Il y a tant de choses qui sont si bêtes, si orientées vers les adultes et pourtant si résolument juvéniles.

D’autres morceaux sont un peu plus satiriques. Le premier « single » « The Day the Politicians Died » imagine un monde où les élus tombent tous morts en même temps, et où chacun dans le monde – même leurs « propres mères, maris et femmes » – organise une grande fête. «  You’ve Got a Friend in Beelzebub » raconte l’histoire d’un personnage qui profite d’un agréable thé l’après-midi avec des démons et des archidiables. « Let’s Get Drunk (And Get Divorced) » est probablement l’une des chansons les plus drôles que l’on puisse écrire sur un mariage qui s’effondre : « Nous étions saouls quand nous nous sommes mariés/ Soyons saouls à nouveau, et divorçons / J’étais blotti à notre mariage / Pour ce que j’en sais, j’ai été forcé ». (We were drunk when we got married/Let’s get drunk again, and get divorced/I was blotto at our wedding/For all I know, I was forced.)

Quickies est un numéro du magazine Mad sous forme musicale. C’est très amusant et c’est un soulagement bienvenu pour la situation dans laquelle nous nous trouvons actuellement. Est-ce que la situation est inégale par endroits ? Oui, je pense. Est-ce que certains gags vieillissent lors de visites répétées ? Bien sûr. Va-t-on vouloir l’écouter autant après la pandémie que certains des autres disques plus mûrs de The Magnetic Fields ? Probablement pas. Mais, quelle que soit la durée pendant laquelle COVID-19 gâche nos bons moments, il sera très difficile de ne pas réécouter une face… et puis l’autre.

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Lake: « Roundelay »

10 mai 2020

Encore de la pop indie aux couleurs de la terre d’Olympia, gdans l’état de Washington connu pour le thème de clôture de Adventure Time. Au milieu des années 70, l’entreprise de jouets Mattel a fabriqué ces poupées appelées The Sunshine Family qui ressemblaient à The Carpenters, et ont fabriqué leurs propres vêtements ; leur accessoire le plus groovy était un camion familial qui servait également de magasin d’artisanat mobile. Quand on écoute Lake, c’est presque ce que l’on peut avoir à l’esprit. Avec une palette de couleurs (teintes, verts, orange brûlé), mais aussi une palette sonore. Ce n’est pas une mauvaise chose, il y a juste une certaine simplicité intentionnelle, de la simplicité, de l’innocence dans leur musique qui a toujours été une de leurs forces. C’est aussi un peu une illusion, car il y a beaucoup plus de choses dans le son de Lake si on l’examine de plus près. Lake est devenu plus raffiné depuis « Christmas Island », leur chanson de 2009 qui a servi de générique de fin à Adventure Time, mais la nature complexe de leur musique pouvait déjà être entendue à l’époque. Avec Roundelay, il y a une plus grande profondeur que vous pouvez sentir plus que la mesure, qui brille avec des claviers chauds, des accords jazzy, des lignes de basse que vous pouvez sentir dans votre cage thoracique (si vous l’avez assez forte), et des percussions compliquées – mais sans prétention. Tout cela avec les mélodies typiquement joyeuses de Lake.

Roundelay joue comme une photo d’un voyage d’Olympia à Chicago avec des images fantômes de la scène « naïve » dont ils sont issus ainsi que du monde enivrant de Jim O’Rourke et Archer Prewitt, avec quelques preuves d’un arrêt à Duluth pour visiter Low. Des guitares poliment grattées et des claviers rebondissants alimentent des titres pop ensoleillés comme « Resolution », « Don’t Pray for Me » et « Hanging Man », un morceaufacon Go-Betweens, tandis que le côté jazzier se manifeste sur « Forgiveness » (qui fait un bon usage du vocoder), la chanson légèrement tropicale « She Plays One Chord », et le morceau-titre de Roundelay qui est probablement la chanson la plus agréable à découvrir. Tout se passe très bien, mais Lake ne pousse pas le chariot à calories. C’est bon pour et et nous aussi.

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