Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la conformité. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième album de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau de la dream-pop sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, je reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent l’admiration.

Contrairement à Modern Meta Physic, Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être retracée. 

Dans une période de turbulences énormes et de gel de la culture, le Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommes surpris, nous réfléchissons.

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Happy Accidents: « Sprawling »

Happy Accidents – Phoebe Cross et Rich Mandell – font un retour bienvenu avec leur troisième album Sprawling. Autoproduit, les récentes sorties de « Secrets » et du morceau-titre laissaient présager que le duo s’aventurerait sur de nouveaux territoires, au-delà de l’indie-pop accrocheuse qui les a si bien servis dans le passé

Phoebe chante « Swallowed you whole » à plusieurs reprises sur un piano plus silencieux et rêveur au début de l’album Whole. Il s’agit d’une intro à combustion lente avec de nombreuses couches texturées pour envelopper vos oreilles et elle est rapidement suivie par le style Delta Sleep de « Secrets ». Dans « Grow »le tandem se dirige vers un son plus lâche et parlent de se libérer des liens qui vous lient dans un effort pour grandir en tant que personne : « Dis-moi quand tu vas bien. Quand tu es d’humeur à rire. Peut-on s’il te plaît être qui on veut être ? » (Tell me when you’re OK. When you’re in the mood to laugh. Can we please be who we want to be?)

Le titre de la chanson a, en son coeur, un côté DIY car Rich offre un aperçu expressif de son état d’esprit : « If I Do » se situe dans le même genre d’espace mélodique que Peaness, sa précédente collègue de label, tandis que Phoebe prend la tête du chant et parle de passer à quelque chose de nouveau : « Toi, je sais que tu ne veux pas que je le fasse. Je sais que tu ne le veux pas, mais que se passerait-il si je le faisais ? »; « Et si je soupirais alors que l’exaltation s’ensuivrait habituellement ? » (You, I know you don’t want me to. I know you don’t want me to, but what if I do?; What if I sighed when elation would usually ensue?)

« Sparkling » est saupoudré de sonorités scintillantes et expérimentales, tandis que le groupe parle de ses amis, de ses soucis et de l’effrayante perspective du changement. Le premier commence avec des accroches de guitare plus bruyants et bégayants, à la Tellison, et Rich révèle « I felt today I might not get much done », tandis que le second est un morceau de sadpop avec Cross qui se mobilise contre le passé : «  I don’t want to see our face. I see it every time I close my eyes. »

« Back in My Life » se tourne vers la surf pop avec des guitares puissantes et des paroles conscientes de soi sur la perte de quelque chose qui aurait pu être spécial (« The years have slowly burned our trust away ») avant que l’album ne s’achève avec le psychédélisme flottant, doux et perspicace de « Comet » Sprawling montre le son d’un combo plus sobre et plus réfléchi, un accident dont on aimerait bien être victime.

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The Howl & The Hum: « Human Contact »

Alors que nous sommes souvent désireux de battre en brèche les directives établies par les standards de la musique pop, le monde de l’indie a administré ses propres tropes, des tropes qui peuvent facilement devenir des pièges pour les groupes prometteurs. The Howl & The Hum de York n’évite peut-être pas volontairement ces pièges à ses débuts, mais même lorsqu’ils répondent aux attentes, ils font bien de mettre en avant une certaine individualité.

Human Contact est un premier album timide, lyrique et conflictuel, qui cherche à montrer sa personnalité et sa vigueur, mais qui est en réalité timide. The Howl & The Hum sont un exutoire rock romantique, amoureux des années 80, et plus encore de l’allégeance des années 2000 aux synthés, thématiquement dépouillés, mais émotionnellement disponibles.

Ils sont fiers de leur poésie ; « Love You Like a Gun « brille par sa métaphore – « tu m’aimes comme un serpent à sonnette aime la musique de la queue qui fait du bruit»,( you love me like a rattlesnake loves the music of the rattling tail) tout en berçant la simplicité de la romance, voir le tourbillon de pop informatique « Got You on My Side », toujours équipé de références à Jekyll & Hyde.

Ces chansons sont livrées avec un sourire tendre, bien que The Howl & The Hum n’hésitent pas à se lever et à bouger. « Until I Found a Rose » met en avant la batterie comme l’arme de prédilection du groupe, constamment en mouvement au milieu de textes d’amour criant sur les toits.

C’est un Noel Gallagher dansant, un Killers intime, ils font venir les Heartlands en Angleterre, notamment avec Hall of Fame, qui est abordé avec une fente téméraire, un romantique dont le cœur est suspendu à une manche, sur un corps empêché de tomber en morceaux par des trombones. L’embuscade du groupe est suivie d’une autre embuscade au synthétiseur, qui brille comme si les empreintes digitales de Brandon Flowers étaient présentes sur le morceau.

Le manque d’idées avant-gardistes est évident, mais si l’appartenance à la même classe que des modernistes comme Circa Waves et Catfish and the Bottlemen est le modus operandi du groupe, les épaules sont assurément frottées. Ils savent ce qu’ils font à cet égard ; ils associent les tripes d’un rocker à la couleur disco (« A Hotel Song »), ils embrassent la Britpop (« Human Contact »), commandent l’empathie par la douceur (« Sweet Fading Silver »), et sont peu susceptibles de snober un crochet de guitare percutant (Smoke).

Les Howl & The Hum font plus de choses sans s’éloigner trop du confort que certains ne le font en se délectant de l’expérimentation. Ils sont rarement frivoles, ne recherchent qu’une poignée de sensations fortes, mais parviennent à obtenir une touche indie pop, faite de timidité, emmenée dans la disco alternative.

***1/2

Marker Sterling: « High January »

Après la sortie en 2018 de Trust an Amateur, Chris A. Cummings, également connu sous le nom de Marker Starling, met à jour sa signature de grooves décontractés (ce qu’il décrit comme des « party jams mélancoliques ») avec le plus ambitieux High January. Remplaçant les hi-hats persistants et les mélodies vibrantes, quoique somnolentes, par des airs de dance-pop plus brillants, High January joue avec une instrumentation plus stratifiée et des mélodies plus variées. 

L’album n’est jamais grandiose, mais transmet néanmoins une confiance qui semblait manquer dans les œuvres antérieures de Marker Starling, car la production de Sean O’Hagan ajoute de la complexité tout en conservant l’esthétique dépouillée de Cummings. Le morceau d’ouverture, une ode à la musique elle-même, met en scène le synthé éthéré de O’Hagan et une superbe performance à la guitare d’Andy Whitehead, affirmant ainsi l’engagement de Marker Starling dans cette nouvelle inspiration musicale.

Laetitia Sadier de Stereolab apparaît sur les titres « Waiting for Grace » et « Starved for Glamour » qui rendent tous deux hommage à des éléments de la musique pop des années 60, 70 et 80, en faisant allusion à la nostalgie tout en évitant le pastiche. Les apparitions du Stereolab se poursuivent avec Andy Ramsay en clôture du morceau « A Little Joy », avec sa mélodie de synthé évoquant la Californie ensoleillée, ainsi que les chants d’accompagnement du Vancouverois Nicholas Krgovich.

Ces soirées mélancoliques sont destinées aux moments les plus subtils de la vie – discrets, élégants et nostalgiques. Ces chansons sont plus susceptibles d’être jouées à la fin d’une fête plutôt qu’au milieu de celle-ci. Elle opte pour la mignonnerie plutôt que le sexe, le romantisme plutôt que la passion, la tendresse plutôt que la vulnérabilité, et la mélancolie plutôt que la tristesse. High January est un pas en avant tréussi pour Marker Starling.

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The Magnetic Fields: « Quickies »

Stephen Merritt et compagnie n’auraient pas pu mieux planifier cela s’ils avaient su à l’avance qu’une pandémie mondiale allait balayer le monde, envoyant tout le monde dans un isolement social et se préparant à une nouvelle normalité de plus en plus déprimante. Ces rois et reines des disques aux thèmes cohérents ont livré exactement l’album Magnetic Fields dont le monde a besoin en ce moment : quelque chose de distrayant, de léger, et – même si c’est un peu bête ; de délicieux.

Quickies est une collection de 28 titres, dont aucun ne dure plus de deux minutes et 35 secondes ; plus de la moitié sont de moins de deux minutes. C’est une explosion de musique rapide qui ressemble à Double Nickels on the Dime des Minutemen, ou aux 21 derniers titres de l’Apollo 18 de They Might Be Giants, surtout lorsque les chansons (par exemple « Death Pact ») prennent moins d’une minute pour monter une blague avant de se terminer. La plupart de ces titres, qu’ils soient humoristiques ou non, sont empreints d’humour. « The Biggest Tits in History » est un morceau de jeu de mots accrocheur – imaginez les « Big Balls » d’AC/DC ou « My Ding-a-ling » de Chuck Berry, mais pour le set indie – qui suscite beaucoup de rires avec ses paroles à la sonorité coquine sur les gros seins rebondissants. Ensuite, vous avez « Bathroom Quickie », qui est plus direct avec son humour classé R : « Ramassez-moi, faisons un quickie salle de bain/Donnez-moi un énorme suçon, comme un tatouage ». (Pick me up, let’s have a bathroom quickie/Give me an enormous hickey, like a tattoo) Il y a tant de choses qui sont si bêtes, si orientées vers les adultes et pourtant si résolument juvéniles.

D’autres morceaux sont un peu plus satiriques. Le premier « single » « The Day the Politicians Died » imagine un monde où les élus tombent tous morts en même temps, et où chacun dans le monde – même leurs « propres mères, maris et femmes » – organise une grande fête. «  You’ve Got a Friend in Beelzebub » raconte l’histoire d’un personnage qui profite d’un agréable thé l’après-midi avec des démons et des archidiables. « Let’s Get Drunk (And Get Divorced) » est probablement l’une des chansons les plus drôles que l’on puisse écrire sur un mariage qui s’effondre : « Nous étions saouls quand nous nous sommes mariés/ Soyons saouls à nouveau, et divorçons / J’étais blotti à notre mariage / Pour ce que j’en sais, j’ai été forcé ». (We were drunk when we got married/Let’s get drunk again, and get divorced/I was blotto at our wedding/For all I know, I was forced.)

Quickies est un numéro du magazine Mad sous forme musicale. C’est très amusant et c’est un soulagement bienvenu pour la situation dans laquelle nous nous trouvons actuellement. Est-ce que la situation est inégale par endroits ? Oui, je pense. Est-ce que certains gags vieillissent lors de visites répétées ? Bien sûr. Va-t-on vouloir l’écouter autant après la pandémie que certains des autres disques plus mûrs de The Magnetic Fields ? Probablement pas. Mais, quelle que soit la durée pendant laquelle COVID-19 gâche nos bons moments, il sera très difficile de ne pas réécouter une face… et puis l’autre.

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Lake: « Roundelay »

Encore de la pop indie aux couleurs de la terre d’Olympia, gdans l’état de Washington connu pour le thème de clôture de Adventure Time. Au milieu des années 70, l’entreprise de jouets Mattel a fabriqué ces poupées appelées The Sunshine Family qui ressemblaient à The Carpenters, et ont fabriqué leurs propres vêtements ; leur accessoire le plus groovy était un camion familial qui servait également de magasin d’artisanat mobile. Quand on écoute Lake, c’est presque ce que l’on peut avoir à l’esprit. Avec une palette de couleurs (teintes, verts, orange brûlé), mais aussi une palette sonore. Ce n’est pas une mauvaise chose, il y a juste une certaine simplicité intentionnelle, de la simplicité, de l’innocence dans leur musique qui a toujours été une de leurs forces. C’est aussi un peu une illusion, car il y a beaucoup plus de choses dans le son de Lake si on l’examine de plus près. Lake est devenu plus raffiné depuis « Christmas Island », leur chanson de 2009 qui a servi de générique de fin à Adventure Time, mais la nature complexe de leur musique pouvait déjà être entendue à l’époque. Avec Roundelay, il y a une plus grande profondeur que vous pouvez sentir plus que la mesure, qui brille avec des claviers chauds, des accords jazzy, des lignes de basse que vous pouvez sentir dans votre cage thoracique (si vous l’avez assez forte), et des percussions compliquées – mais sans prétention. Tout cela avec les mélodies typiquement joyeuses de Lake.

Roundelay joue comme une photo d’un voyage d’Olympia à Chicago avec des images fantômes de la scène « naïve » dont ils sont issus ainsi que du monde enivrant de Jim O’Rourke et Archer Prewitt, avec quelques preuves d’un arrêt à Duluth pour visiter Low. Des guitares poliment grattées et des claviers rebondissants alimentent des titres pop ensoleillés comme « Resolution », « Don’t Pray for Me » et « Hanging Man », un morceaufacon Go-Betweens, tandis que le côté jazzier se manifeste sur « Forgiveness » (qui fait un bon usage du vocoder), la chanson légèrement tropicale « She Plays One Chord », et le morceau-titre de Roundelay qui est probablement la chanson la plus agréable à découvrir. Tout se passe très bien, mais Lake ne pousse pas le chariot à calories. C’est bon pour et et nous aussi.

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Sandra’s Wedding: « Frame Yourself »

On ne va pas se mentir ; Sandra’s Wedding n’est pas le genre de nom de groupe qui va attirer votre attention. Et évidemment, leur »stratégie marketing interne ne l’est pas non plus. Mais heureusement pour eux, quelque chose chez ces musiciens suggère qu’ils veulent vous faire croire qu’ils ne prennent pas ce jeu trop au sérieux mais, qu’au fond, ils le font honnêtement.

Frame Yourself est un LP qui mérite d’être pris au sérieux. Tout groupe qui peut associer ses capacités musicales manifestes à une belle poésie et à une belle mélodie attirera toujours l’attention. Et ici, tout semble se dérouler sans effort. Le titre d’ouverture, «  Can’t Look At You For Crying », met en valeur la voix de Paul Heaton de Joseph Hodgson, et est le genre de chanson qui brise les coeurs et que les grands noms de la musique paieraient cher pour enregistrer.

Moins les mots sarcastiques ;  « Penguin Joke » est, sans doute, une blague des plus préférées et préférables mais ils n’ont probablement jamais eu l’intention de l’enregistrer. Une chanson sur les enfants qui zonent le samedi, le hooliganisme au football et les drogues de rue est le genre de choses qui vous fait craquer dans des circonstances normales – à moins que vous n’ayez une incroyable capacité à la transformer en une saga à la Neil Hannon.

Raconter des histoires à travers la musique est presque devenu une forme d’art perdue. Heureusement, nous avons encore des groupes comme Sandra’s Wedding. « No Tools Left In This Van Overnight » et « Cold, Wet Tuesday Night in Stoke » sont racontables et honnête. Si vous aimez Gene, Longpigs et Pulp, vandra’s Wedding fera votre affaire.

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Jackie Lynn: « Jacqueline »

Qu’on ne dise jamais qu’Haley Fohr ne sait pas s’y prendre avec un alter ego engageant. Après ses débuts sous le nom de Jackie Lynn en 2016 – et une deuxième incursion très réussie dans ce qu’on appelait autrefois le « freak folk » sous le nom de Circuit des Yeux – Fohr défie l’idée que ces deux projets devraient la coincer avec Jacqueline, un concept qui suit ostensiblement la vie quotidienne de notre picaro titulaire, une femme chauffeur de camion long-courrier, du casino au bar Odessan, avec un répertoire incongru sur un support disco électrique comme toile de fond audacieuse ; la station-service Americana comme camp d’altitude, à quelques centaines de mètres de son précédent opus.

Tout cela pour dire que, aussi solide que Jacqueline puisse être sur le plan conceptuel – de l’adoration moralisatrice de « Casino Queen » à l’exubérante comédie « Traveler’s Code of Conduct » – suivre le vague récit n’approchera pas de la joie pure du son. Fohr est peut-être l’un des seuls artistes capables de se livrer à des exercices de genre avec le même attrait professionnel que sa production plus « sérieuse ». « Shugar Water » est l’un de ses morceaux les plus pop à ce jour (pensez à Nico devant Talking Heads qui se fraye un chemin à travers une coupe profonde d’ABBA), mais il est loin d’être dévalorisé par la bizarrerie persistante de Fohr. C’est Jacqueline, l’une des artistes les plus farfelues d’aujourd’hui, qui tente de créer un lien plus large, ironiquement projeté à travers un masque étincelant.

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Beach Bunny: « Honeymoon »

On dit que les premiers stades de l’amour peuvent induire un état biologique euphorique similaire à celui de la consommation de cocaïne. La montée en flèche de la dopamine, de l’adrénaline et de la sérotonine produit une dépendance et une vague d’émotions étourdissantes. Et pourtant, à chaque euphorie succède l’inévitable dépression.

Que se passe-t-il au-delà du premier amour, lorsque l’excitation qui fait vibrer les genoux s’estompe et que la réalité mord ? C’est la question que se posent les poppers indépendants de Chicago, The Beach Bunny, sur leur étincelant premier album Honeymoon, comme l’explique Lili Trifilio, membre fondateur, dans la bio officielle de l’album : “Mon but, en préparant cet album, était d’aborder tous les thèmes qu’une personne peut rencontrer lorsqu’elle quitte la phase de lune de miel d’une relation.” (My goal going into this album was to touch upon all the themes someone might go through when exiting the honeymoon stage of a relationship).

Beach Bunny a débuté comme le “bedroom project” de Trifilio en 2015. Il s’est depuis développé en un groupe complet avec l’ajout du guitariste Matt Henkels, du bassiste Anthony Vaccaro et du batteur Jonathan Alvarado, ce qui a permis à Trifiilo d’imprégner ses chansons chargées d’émotion d’un véritable poids sonore.

Bien que l’album soit souvent centré sur des thèmes que Nick Hornby décrirait sans doute comme “chagrin, rejet, douleur, misère et perte »” il n’est certainement pas dépourvu d’espoir et l’étiqueter simplement « sad girl » rendrait un grave préjudice à Honeymoon (si un artiste masculin devait exprimer ouvertement des sentiments similaires, il serait sans doute applaudi pour sa sensibilité poétique). Il est vrai que c’est un album émotionnellement brut et honnête, mais il ne se vautre pas dans un état de misère romancée. Au contraire, il tente de donner un sens à ces émotions. Certes, il utilise parfois la licence artistique en présentant une forme d’amour idéalisé. Le “Dream Boy”, par exemple, comme Triffili l’admet volontiers, est inspiré en partie par son amour des comédies romantiques nauséabondes qui habitent un monde où des adolescents amoureux planent sous la fenêtre de la chambre de leur amant dans l’espoir d’une affectation furtive à minuit.

Triffili s’avère être à la fois une experte du couplet succinct et une fournisseuse de mélodies pétillantes. Lors de la flamboyante “Cuffing Season”, elle chante « Parfois, j’aime être seule/j’ai peur de me retrouver seule » (Sometimes I like being on my own/I’m afraid of winding up alone). Dans le très beau “Rearvie” », elle résume avec adresse le conflit interne et l’ambivalence, la pression et l’attraction qui font partie intégrante de toute relation passionnée : “Sous toute apathie, tu es tissé dans ma tapisserie” (Underneath all apathy/You’re woven into my tapestry) .

Honeymoon est un album truffé de mélodies effervescentes qui sont souvent si enjouées qu’elles semblent en contradiction avec les paroles poignantes et sincères. C’est un album dans lequel Trifiilo et compagnie élèvent leur son à un tout autre niveau tout en ne perdant rien de leur charme.

Il est révélateur que les derniers mots de l’album se terminent sur une note positive et une sorte de résolution : “Quand je commence à tomber du ciel/Vous me rappelez comment voler/ Dernièrement, je me suis sentie non-vivante/Mais vous me ramenez à la vie » (When I start to tumble from the sky/You remind me how to fly/Lately I’ve been feeling un-alive/But you bring me back to life).

Malgré les hauts et les bas et la vulnérabilité émotionnelle détaillés tout au long de l’album, Tiffili conclut que l’amour est certainement quelque chose qui vaut la peine d’être tenté et pour lequel il faut se battre. Message qui peut être reçu par tout le monde..

***1/2

Mayflower Madame: « Preparing For A Nightmare »

Tout commence assez délicatement, ce second disque prophétique de Mayflower Madame d’Oslo (ils – Trond guitars/vox, Håvard guitar, Ola batterie)- jurent qu’ils ne savaient pas exactement à quel cauchemar ils se préparaient. Il y a un doux grincement de synthé, quelque part entre le sifflement solitaire d’un oiseau de nuit et le chatoiement d’un diapason errant, rien de bien sinistre, mais, assez vite ces sons apparaissent, des sons de guitare, ils grandissent comme s’ils s’approchaient d’un brouillard et ils apportent avec eux d’autres sombres linceuls sonores. Il suffit de s’arrêter, on pourrait jurer que l’air a refroidi. Vous en êtes déjà à une demi-minute et vous pourriez être pardonné de vous demander où vous êtes exactement. Avez-vous été attiré dans une chanson comme vous pensiez l’être ou dans l’ombre d’un asile ou d’un ossuaire ou même d’une combinaison des deux ? Heureusement, comme le temps, la batterie se met en marche et une basse vous calme, tandis qu’une fragile ligne de guitare électrique lysergique reprend la mélodie. Bien que cette fusion ne soit pas vraiment apaisante – elle a, pour être honnête, son propre sens de la menace – elle apporte au moins le confort d’une structure reconnaissable, basée sur des gammes occidentales, par oposition à l’irientalisme, et vous pouvez peut-être vous détendre un peu maintenant, le cauchemar est terminé, mais l’est-il ?

Allez un peu plus loin encore. Le cauchemar vient, d’une certaine manière, de recommencer. Après tout, il s’agit de la chanson titre et, selon la conception et les stéréotype, elle est censée déranger. Très ironique puisque la composition elle-même, une fois qu’elle a pris pied au centre, flotte dans l’éther entre vos oreilles dans un sort de shoegaze presque (presque) rêveur, onirique plutôt qu’inquiétént.

C’est à peu près le modus operandi de Mayflower Madame ; vous séduire par une beauté crépusculaire, puis vous modre les sangs lorsque vous commencez à soupçonner fortement que quelque chose de malencontreux se cache dans la psyché souterraine de la musique. Ce qui, pour l’essentiel, serait bien, sauf qu’elle vous entraîne avec elle, sa force étant inexorable. La façon dont le groupe gère cela n’est pas un mystère en soi – d’une manière similaire mais nettement nordique à Echo & the Bunnymen, il y a une touche de qualité acidulée à leur marque de post-punk, comme si les chansons avaient été au moins occasionnellement filtrées par une machine à vent psychédélique – c’est juste un choix (ou une contrainte) stylistique ; Il s’agit simplement d’un choix stylistique (ou d’une contrainte ; on peut douter qu’il y ait tant de choix) plus difficile à faire qu’il n’y paraît, surtout avec la persuasion que l’on trouve dans « Preparing For A Nightmar »e. Porté par le présage, bordé par la colère et/ou l’anxiété, il y a néanmoins un étrange mais sombrement joyeux courant sous-jacent qui nous est proposé ici, au-delà du fait d’assister à la croissance continue du combo sur son chemin sinueux et unique.

Cette voie, tracée par le célèbre E.P. Premontion datant d’environ un an et demi, nous emmène – au-delà de l’agressivité et de la finesse du premier « single », « Vultures », de la pop mystique de « Swallow » et du brouillard narcotique de « Sacred Core », nous entraîne dans les profondeurs de l’écho de « Gold Mine » – qui suggère le vertigineux paradoxe d’une expansion claustrophobe avant que le disque ne se termine, un peu astucieusement, par un « Endless Shimmer », un plan d’adieu détendu, mais non moins chargé – et d’un joli hochement de tête à sa manière – qui prouve que la peur n’est pas moins palpable lorsqu’elle est lancée au ralenti.

C’est un voyage immersif, qui vous entraîne dans le bourdonnement de la tension de la vie moderne tout en vous envoûtant avec l’évasion implicite de ces grooves de guitare psychique qui, en fait, par les lois de l’ironie tordue, ne font qu’assurer qu’il n’y a pas d’évasion possible. Nous pensons cependant que le premier morceau que vous voudrez revisiter en sortant de cet album, en clignant des yeux au soleil, sera « Ludwig Meidner ».

Martelant l’énergie du Gun Club rencontrant Moodists, ce poème du peintre et graveur expressionniste allemand, créateur des « Paysages apocalyptiques », frissonne de puissance, la section rythmique étant forcément serrée mais presque sauvage avec elle, la voix animée par un but désespéré, notamment lorsqu’il transforme l’expression « danser sur sa tombe » en un acte de vengeance et d’affinité. C’est l’exception sur « Preparing For A Nightmare » qui prouve la règle de Mayflower Madame : ce groupe est l’intensité, quel que soit le tempo. Il n’est pas rare de trouver des artistes utilisant divers niveaux de retenue à des fins puissantes, voire explosives (il suffit de chercher plus loin que Low, par exemple), ce qui est rare, c’est de trouver que cela se fait avec ce somptueux niveau d’artisanat.

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