Wesley Gonzalez: « Appalling Human »

De nos jours, l’omniprésence de personnes en position de pouvoir peut vraiment faire des ravages. Sur son deuxième album, Appalling Human, le pastiche sans complexe de Wesley Gonzalez, l’auteur-compositeur approfondit son autocritique. Des échecs relationnels aux efforts comiques médiocres et aux remarques acerbes à l’adresse de ses pairs, Gonzalez est extrêmement charmant dans son autodérision sans limite, réglée sur la synth-pop effervescente des années 80.

Cela fait cinq ans que Let’s Wrestle, son ancien véhicule pour les morceaux indés doux et amusants, a été dissous. Sur le plan sonore, son matériel solo ne pourrait pas être plus éloigné de ses origines, un changement déclenché par le fait que Gonzalez a mis sa guitare de côté pour écrire des chansons au piano. Le Londonien décrit la suite de Excellent Musician de 2017 (les titres d’album sont son point fort, évidemment) comme son album « post-thérapie ». Avant d’entrer dans ce monde tonalement kaléidoscopique, nous avons un aperçu de cet arc narratif à partir de quelques titres de chansons : « If I’m Sad », « Fault of The Family » et « Used To Love You ».

Avec le précédent disque de Wesley Gonzalez, ses arrangements et ses performances vocales ont été portés à onze, ce qui démontre une grande envie d’explorer ce nouveau paysage sonore. Ici, la poussière s’est installée et il semble extrêmement à l’aise pour faire la transition entre les chansons teintées de néon qu’il a composées et la bande sonore du vendredi soir, avant de résumer la léthargie qui s’installe le dimanche soir à l’approche de la peur d’affronter la réalité et d’une nouvelle semaine. Associées à sa cadence habile, les tonalités variées du synthé et des touches font partie intégrante de la création des nombreuses humeurs d’Appalling Human.

En ce qui concerne le ton de l’album, Gonzalez a cité le Yellow Magic Orchestra, Pulp, le R&B de la fin des années 90 et Arthur Russell comme sources d’inspiration qui ont inspiré ces compositions. Ces influences ont généreusement contribué à élargir la portée de ses morceaux électro-pop contagieux. Mais c’est en fermant les yeux et en écoutant attentivement que Gonzalez se souvient de certains motifs identifiables à la première époque de MGMT sur « If I’m Sad », tandis que le premier morceau, « Tried To Tell Me Something », avec son rythme puissant, son solo de saxophone exubérant et ses synthés flous, ramène l’auditeur à la première vague de synth-pop nostalgique des années 80 de Golden Silvers. Ailleurs, comme » »Fault Of The Family » évolue des années 808 vers des synthés puissants, évoquant un mélange de Giorgio Moroder et de Justice.

Outre les similitudes sonores, il y a des exemples dans ce disque où le lyrisme de Gonzalez puise dans la manière évocatrice (et racontable) dont Richard Dawson exprime ses défauts personnels et son mépris pour certains comportements sociétaux. Ces sentiments et observations découlent d’un sentiment d’inadéquation en tant que partenaire romantique : « Je ne suis pas apte à vous faire sourire » (I’m not fit to make you smile), de la consommation d’alcool bon marché : « Cette bière ne coûte que 2,99 £ » This beer just cost £2.99), de remarques acerbes (« Un crâne épais ne vous mène pas loin » /A thick skull only gets you so far/) et de l’observation de la tendance matérialiste qui s’empare des gens (« Une barre granola donnée gratuitement, est-ce le point culminant de votre journée ? » /A granola bar freely given away, is this the highlight of your day?) Ce sont ces moments qui contribuent à briser la barrière entre l’artiste et le public.

Dans ces arrangements bondés, Wesley Gonzalez s’épanouit au milieu de couches denses de riffs de basse flottants, de mélodies de piano enjouées et de solos de saxophone époustouflants. Oui, des gens épouvantables sont tout autour de nous, mais au moins nous avons ces chansons vivifiantes pour remplir nos oreilles.

***1/2

Oh, Rose: « While My Father Sleeps »

L’une des joies de la musique est de faire l’expérience des émotions d’un autre être humain à travers les paroles et les chansons, puis de déterminer où cela s’inscrit dans votre vie et comment vous vous identifiez à cet art.  Cet album du groupe Oh, Rose d’Olympia dans l’état de Washington vous emmènera sur le chemin du deuil de la manière la plus éclectique possible.

La chanteuse et parolière Olivia Rose met tout son cœur dans ce projet.  Il rend hommage à sa mère, décédée en 2017.  Rose a déclaré qu’il est écrit dans la langue de la mort.  Le titre de l’album fait référence à un livre que sa mère a écrit tout au long de sa vie et que l’on peut voir sur la pochette de l’album.  Sa voix porte son âme et apporte cette expérience à chaque composition.

L’album s’ouvre avec le sombre et lunatique « 25 Alive ».  Il s’agit d’une chanson marécageuse et déformée qui explore les effets du traitement d’un parent souffrant d’une maladie mentale.  Chaque chanson du disque prend une autre tournure avec une émotion et un tempo différents, mais la constante est le chant de Rose.  Solide avec le sentiment.  Le point fort de l’album est la chanson « Easy ».  Un morceau prêt pour la radio, au tempo élevé, qui sort de la porte d’entrée, dur et lourd, et qui ne s’arrête jamais.

‘Olympia a une riche histoire avec des groupes qui repoussent les limites pour faire entendre leur voix.  Oh, Rose continue ce qui leur a été présenté avec un effort solide.  While My Father Sleeps mérite indéniablement d’être écouté.

***1/2

Annie Hart: « A Softer Offering »

Beaucoup d’artistes aiment se lancer en solo et le faire tout seuls, souvent en se dépouillant de leur son – et cela ne fonctionne pas toujours. Le plus simple peut perdre quelque chose, sans parler du fait que tout commence par se ressembler. Mais la sobriété de A Softer Offering d’Annie Hart lui permet de briller.

Un tiers de Au Revoir Simone, Hart a depuis fait sa propre carrière solo, mais elle utilise toujours les synthés bien usés du groupe qu’ils avaient avant que tout le monde ait des synthés.

Oui, la retenue en solo de morceaux comme « Wilderness Hill » et l’écho de « Wandering Free » les rendent assez doux, mais sur les meilleurs morceaux, l’émotion de Hart transparaît. « Don’t Breathe For Me » est puissant dans sa nature calme, tandis que plus proche, « The Paper Pull » est un déchirement touchant.

C’est sans aucun doute un album pour les moments de calme, quand on veut être tranquille et avec soi-même – le titre de A Softer Offering est certes vrai, mais il est aussi plus doux.

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Test Card: « Music For The Towers »

L’hiver a duré longtemps longtemps, ou du moins c’est ce qu’on a l’impression de vivre. Le vent et la pluie apparemment sans fin et le ciel gris : la suppression de l’humeur est vraiment devenue palpable ces dernières semaines. Une de mes amies m’a dit récemment qu’elle ne pouvait pas attendre l’été et pouvoir s’asseoir dans le jardin le soir, en buvant quelque chose de froid et d’alcoolisé. Je commence à ressentir la même chose.

Des signes de printemps se profilent cependant à l’horizon, avec quelques fleurs ici et là, et les jonquilles sont là aussi. Et à l’intérieur ? Eh bien, Music For The Towers est un vestige de l’été comme on en a rarement entendu, et un rêve des changements à venir malgré sa date de sortie au milieu de l’hiver.

Composée de simples accords de guitare, de synthés, d’enregistrements en champ distal et de lignes de drones élégiaques, Music For The Towers sonne comme un écho, un fragment de temps bucolique piégé dans la radiosphère. « « We Oscillated Like Sheep Grazing on Grassy Waveforms » » peint des scènes pastorales entières, des chants d’oiseaux nichés au milieu de longs mouvements de l’electronica rougeoyante. Le mouvement d’une soirée d’été, peint et prolongé, est projeté dans l’espace, des vibrations apaisantes issues de la résonance sonore.

De douces vagues déferlent sur les bords de « Let Single Sideband Loneliness Receivers Be Happy », des synthétiseurs qui suivent de près toutes les lueurs avec un bourdonnement d’énergie qui s’épanouit avec éclat. Les transmissions ponctuelles de la guitare se fissurent en éclats mélodiques périodiques, donnant à la pièce un poids étrange, une sensation de plomb qui rend compte de cette saison de marée : s’il vous plaît, n’y allez pas/retournez. Une version moins explicite arrive au début de « Data Taken Over Under Rating », dont les lignes rythmiques vont et viennent dans des vagues douces, des bourdons ondulants faisant place à de luxuriants pickings de guitare et des dérives éthérées de synthétiseurs.

Insouciant, mignon et pittoresque, il se déplace avec précision, mais aussi avec une grâce manuelle nonchalante. Il est facile à vivre, ininterrompu, détendu. Ce n’est que dans son dernier quart que le synthé arpégé arrive pour lui donner une certaine structure, une douce rigueur électronique esquissant juste le contour du ciel de la nuit d’été qui commence à scintiller au-dessus de nos têtes.

Le meilleur est à trouver dans la luxuriante « Horizontal Sweep Correction Lullaby », berçant ces pulsations de synthétiseur presque majestueuses qui gonflent comme la lumière du soleil se courbant sous l’horizon. Le monde nage pour voir, porté par les suggestions du gazouillis radio qui s’engouffre dans le fond, suspendant l’électronique scintillante qui se déploie en rubans rayonnants.

Ce serait bien de revoir le Soleil bientôt, mais pour l’instant on va sans doute s’en tenir à Test Card et ses envolées prometteuses et souces-amères.

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The Beths: « Jump Rope Gazers »

Le « debut album » de ce combo néo-zélandais qu’est The Beths, Future Me Hates Me, avait été l’un des points forts de l’année 2018, et il avait inscrit ces artistes originaires de Auckland sur la liste des « meilleurs » par de nombreux critiques musicaux. Nous entendons la suite de la pop puissante et brillante du groupe, et l’écriture intelligente de la chanteuse Elizabeth Stokes, ainsi que les harmonies vocales et le punch de la guitare rock de ses camarades de groupe, sur cette belle et deuxième suite on retrouvera, comme lors de la dernière fois, des grands titres power pop plus audacieux comme « Great No One » et « Uptown Girl » qui ont attiré les auditeurs et leur ont fait découvrir que Stokes & Co. ont une palette sonore plus large et une profondeur émotionnelle plus profonde que ce que l’on trouve habituellement chez les rockers rapides et accrocheurs. À cet égard, Jump Rope Gazers continue à faire preuve de cette capacité à surprendre et à ravir.

Le disque s’ouvre sur les deux titres « I’m Not Getting Excited » et « Dying to Believe », qui soulignent les points forts de ce groupe, de la mélodie accrocheuse de Stokes aux sonorités de guitare expressives du guitariste/producteur Jonathon Pearce, qu’il s’agisse de broyer un son rythmique croustillant ou d’élever un solo planant d’un soupir à un cri, et l’énergie cinétique et la chimie du batteur Tristan Deck et du bassiste Benjamin Sinclair qui insufflent la vie aux supports structurels qui sous-tendent le jeu rythmique de Stokes. La bonté de la première chanson peut vous faire penser au meilleur travail de groupes comme Liz Phair ou Julianna Hatfield. Lorsque les guitares croquantes tombent sur le deuxième morceau, lorsque Sinclair et Deck ramènent à la maison l’énergie de ce rythme de basse et de batterie et que Stokes se met à chanter par-dessus, vous commencez à penser qu’elle a peut-être dépassé le stade où les comparaisons sont utiles.

Sur la chanson titre, on a une idée plus large du potentiel de ce groupe. Alors que Stokes déverse son cœur dans l’une des nombreuses chansons d’amour de rupture, le groupe parvient à faire correspondre l’angoisse intérieure de sa chanson avec juste ce qu’il faut d’harmonie vocale et de muscle musical. « Acrid » revient à uneaccroche pop percutante, mais les paroles continuent de porter le poids de l’agitation intérieure de Stokes, alors qu’elle chante « Tel un disque qui tourne lentement / comme une flèche qui manque toujours / je siffle toujours / mais c’est toi que je veux rencontrer (Like a record slowly twisting/like an arrow always missing/I’m always whistling by/But it’s you I want to run into), les guitares et les harmonies vocales atteignent leur but même si la relation n’est pas parfaite. Qu’elle supplie son amour de rester »(« Don’t Go Away »), promet d’attendre (« Out of Sight ») tout en reconnaissant que l’attente est difficile (« Do You Want Me Now »), ou finalement dit au partenaire de juste aller en enfer (« Mars, The God of War »), Stokes parvient à écrire un alt-rock artistique d’auteure-compositrice-interprète qui donne à Pearce beaucoup à travailler, à la fois comme guitariste et producteur, où il semble exceller sur les deux plans.

En général, les auteurs-compositeurs-interprètes introspectifs ont du mal à trouver le bon équilibre émotionnel lorsqu’ils travaillent dans un groupe, car, comme l’écrit Stokes, la nuance peut rendre une personne un peu déprimée. Ici encore, The Beths s’élèvent au rang des meilleurs exemples de chanteuses ayant trouvé cet équilibre savant entre expression nuancée et rocking hard, mettant Stokes & Co. en compagnie de Chrissie Hynde & ses Pretenders, et une autre venue d’en bas, Courtney Barnett. Malgré toute l’introspection des paroles de Stokes, non seulement le groupe fait du rock, mais elle parvient à gérer les sentiments les plus sombres tout en étant, comme elle le chante à un autre dans l’avant-dernier morceau folk rock de 10, « You Are a Beam of Light ». Alors que ses chansons sont empreintes d’incertitude et d’indécision, comme l’admet le dernier morceau, elle est « Just Shy of Sure », mais les fans de guitare pop, eux, ne le seront pas.

***1/2

Gum Country: « Somewhere »

Gum Country se décrivent comme faisant du « harsh twee », de la twee-pop hard, , une description qui peut paraître ridicule à première vue. Mais en écoutant leur premier disque, on se rend compte à quel point c’est approprié, car le duo de Courtney Gavin (The Courtneys) et Connor Mayer mélange fréquemment des mélodies aérées de style C86 avec une guitare de type shoegaze.

Mais même lorsque le chanteur/guitariste Gavin monte les guitares, les chansons sonnent rarement de manière abrasive. L’ambiance de l’album semble presque provocante. Elle rayonne simplement de vibrations positives et ensoleillées. Cette atmosphère est d’autant plus surprenante que les paroles deviennent plus acerbes ou introspectives.

Toutefois, la plupart des textes sont axés sur le quotidiens, allant des jeux vidéo au tennis en passant par le jardinage. Parfois, cette obsession des détails de la vie quotidienne se révèle attachante. D’autres fois, pas tellement. « Tennis (I Feel Ok) », une chanson qui est moins « harsh twee » et plus « twee twee », est un bon exemple de quand elle est dans un mode à vous faire grincer des dents. Le leitmotiv répété « Why don’t we go down to the court ? » est le refrain le plus souvent utilisé par les spectateurs de Wimbledon au fil des ans. Il est d’autant plus agaçant qu’il est accompagné par des claviers de style Casio – un mélange qui est presque emblématique de la « twee pop ».

En revanche,  « Talking To My Plant »s, également composé de deux musiciens, est plutôt merveilleux. Son refrain répété « I’m talking to my plants / Or are they talking to me ? » »donne à la chanson un air agréablement dément. On pourrait dire qu’il y a un certain niveau d’ironie hipster dans les choix lyriques, mais il y a suffisamment de sensations authentiquement bizarres pour que le duo remporte le morceau.

Donc, sur le plan des paroles, le disque n’est peut-être pas parfait. En termes d’instrumentation, Gavin et Mayer sont tous deux excellents. Il suffit d’écouter le riff nerveux de Gavin sur « I Don’t Stay Up » ou les percussions noueuses de Mayer sur « Jungle Boy » pour s’en convaincre.

En fait, musicalement, sur les douze morceaux, il n’y a pas grand chose qui cloche ici. À l’exception de la chanson sur le tennis mentionnée ci-dessus, il n’y a pas de vrais ratés et même quelques-uns que l’on pourrait facilement voir devenir des hymnes indés comme le morceau d’ouverture du titre où le duo montre son côté plus rauque.

Si cet ensemble de chansons présente un inconvénient, c’est que les influences du duo ne se font pas tant sentir ; on y trouve une bonne dose de Stereolab et une poignée de The Breeders, parmi de nombreuses autres allusions aux groupes indépendants de la fin des années 80 et du début des années 90. Dans ces conditions, le disque peut ressembler à une capsule temporelle même s’il ne s’agit pas d’un disque perdu de 1991.

En fin de compte, Somewhere ne possède pas assez de caractère distinctif pour être excellent. Mais c’est quand même un effort amusant et stimulant, qui plaira certainement aux nostalgiques d’une certaine image de l’indie-pop.

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Orlando Weeks: « A Quickening »

The Maccabees étaient une rareté parmi les groupes indés ; définis par leur honnêteté, le groupe a annoncé leur séparation et une série de concerts d’adieu il y a trois ans, alors qu’ils étaient au sommet (ou presque) de leur art. Deux albums à succès, mais relativement ordinaires, leur ont donné la confiance nécessaire pour repousser leurs propres limites sur leur chef-d’œuvre, Given To The Wild, nominé aux Mercury. Le son habituel a été renforcé et élargi, tout en étant plus éthéré et plus fragile.

Après Marks To Prove It en 2015, un frère inférieur (mais non moins réussi), le quintette était certainement le prochain à se retrouver dans les salles de concert. Au lieu de cela, les membres du groupe ont eu le sentiment d’avoir suivi leur propre voie et de s’être séparés. Vous connaissez sans doute ces détails, mais cette biographie tronquée n’est pas sans raison, puisque A Quickening, le premier album du frontman Orlando Weeks, fait office de quasi-spin off à Given To The Wild.

Cela semble banal, mais il est très facile d’imaginer que les Maccabées suivent cette voie, et plus particulièrement ses moments de réflexion et de tendresse. Cela est probablement dû à la voix caractéristique de « Weeks » (toujours mieux adaptée à la douceur plutôt qu’à la frénésie) et au sujet, basé sur sa récente paternité. Il n’y a pas de doute, c’est un album concept, et il est signalé comme tel.

Les trois titres principaux le montrent clairement : tous sont atmosphériques, avec des séquences d’accords et des boucles fragiles, parsemés de trompettes pensives et de craintes d’anxiété accablantes. « Milk Breath » (« My son/so young, I’m a beginner ») est un album de Weeks qui tente de vocaliser les premiers pas timides vers la paternité. Il se lève et s’évanouit avant de se détendre à nouveau comme, eh bien, une forte inspiration. « Blood Sugar » et le merveilleux « Safe In Sound » sont tout aussi contemplatifs, avec un léger grondement de percussions sur ce dernier.

« Takes A Village » a pour fond des cuivres et un piano à queue, représentant des nuits sans sommeil et l’anticipation de devoir rendre service à un petit être humain à un moment donné. « All The Things » est, comme une grande partie de l’album, hypnotique par sa simplicité et l’utilisation de crochets répétitifs, tandis que « Blame Or Love Or Nothing » est fantomatique et éthéré, contenant une mélodie qui choisit de manière intrigante d’opérer dans une sphère séparée du reste de la chanson, ne se reposant jamais sur ses lauriers et ne participant pas là où la logique le dicte.

« None Too Tough » est chatoyante et cinématographique, tandis que « Summer Clothes » Weeks utilise un truc familier ; The Maccabees aimaient accélérer le tempo des morceaux pour aboutir à une sortie orgasmique, ce procédé pourrait devenir usant s’il est utilisé trop facilement et est donc plus efficace quand il est peu fréquent. Paradoxalement, sur un album avec une telle marge de manœuvre, c’est rassurant.

Le style que Weeks a choisi, ainsi que son style vocal caractéristique, ont un prix sous forme de répétition, bien qu’avec peu de graisse. Avec un rythme minimal ou une certaine urgence, c’est un album conçu pour la mélancolie contemplative tout en regardant par la fenêtre (en effet « St Thomas’ » et éMoon’s Opera », présentent tous deux des « samples » de pluie).

À cet égard, on ne pouvait pas mieux tomber.

***1/2

Sleep Kicks:  « Recovery »

La situation actuelle affectel es groupes et, en fait, tous les aspects de l’industrie de la musique, et c’est toujours la base et les échelons inférieurs qui sont les plus touchés, comme c’est le cas dans tout type de crise. Les artistes de premier plan seront toujours en bonne santé, car il existe des stations de radio qui diffusent leur musique et produisent un flux constant de redevances, et leurs millions de fans continuent de diffuser leurs chansons en ligne sans fin. Beyoncé, Bono et Ed Sheeran ne vont pas mourir de faim en étant enfermés.

Mais les groupes qui comptent sur les concerts dans les pubs aux côtés d’autres groupes qui comptent sur les concerts dans les pubs pour trouver une fanbase et peut-être fouetter suffisamment de marchandises pour couvrir leur carburant entre lesdits concerts n’ont pas de quoi se rabattre.

L’histoire de Sleep Kicks n’est en aucun cas unique, mais la façon dont ils la racontent en présentant leur nouveau « single » est atypique puisque moins de deux semaines après la sortie de leur premier « single », toute la scène musicale s’est arrêtée. Au lieu de faire des concerts et des répétitions, ils ont continué à travailler seuls avec une poignée de chansons déjà enregistrées. Le mixage, les vidéos, les illustrations terminés, ils ont réalisé que l’une des chansons décrivait cette situation bizarre, et le sentiment qu’on éprouverait une fois tout cela terminé. En bref, cet album est la bande-son de la sortie de l’isolement urbain ; une ode épique à la ville qui les a aidés à garder le moral pendant les temps sombres !

Avec Recovery, le quatuor norvégien peint les scènes d’un monde vide qui renaît, et les difficultés de la perspective d’un réajustement. Un rythme endiablé et un carillon de guitare ouvrent la voie à un motif de basse ambulant et se fondent en un paysage sonore spacieux et réfléchi qui se situe entre A-Ha, Editors, et U2 et Simple Minds du milieu des années 80. Au milieu de cette épopée de six minutes et demie, les choses s’accélèrent et font même un signe de tête à l’hymne, avant de s’épanouir pleinement pendant la dernière minute, où elles s’envolent à tous les niveaux en jetant un regard vers un avenir plus radieux : non pas l’arc-en-ciel dessiné à la craie sur le trottoir de la couverture, mais une vie de plénitude, une réémergence de l’état de stase du présent à la vie réelle, plutôt que de simplement exister.  Pour un « petit » groupe, ils ont un grand son ambitieux qui a aussi un grand potentiel de public. Il faut espérer qu’ils le réaliseront.

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Peel Dream Magazine: « Agitprop Alterna »

Des éclats d’inspiration dansent au rythme de la conformité. Le musicien new-yorkais Joe Stevens continue à former un collage de spectacles sonores archivés avec l’album Agitprop Alterna, deuxième album de Peel Dream Magazine. Dès le morceau d’ouverture « Pill », un décollage sans séquences se lance vers d’étranges vibrations. Les tambours des moteurs de fusée ravivent la fureur explosive de leurs performances live en studio. La puissance de Brian Alvarez et Kelly Winrich derrière le kit semble illimitée alors que des frappes incessantes atterrissent avec précision. Les guitares à réaction bourdonnent en arrière-plan de chaque morceau, ne relâchant jamais leur attaque sur la réalité. Nous sommes déjà venus ici, mais pas comme ça. Les Peel Dream Magazine sont au-delà de l’hommage ou du pastiche ; ils élèvent le niveau de la dream-pop sans compromis. 

L’hypnotique et lucide harmonies vocales homme-femme de Joe Stevens et de son amie de longue date Jo-Anne Hyun sont présentes tout au long de l’album. Des morceaux particuliers comme « Emotional Devotion Creator » et « Escalator Ism » démontrent le potentiel d’une collaboration en direct et l’ampleur de leur capacité à transcender les murs des studios. Le chant contrôle un espace entre les rêves et la réalité. À chaque écoute, je reste un passager dans une croisière cosmique. Peel Dream Magazine mène une imagination affamée avec une direction complexe. Le perfectionnisme de Stevens expose des secrets faits maison qui suscitent l’admiration.

Contrairement à Modern Meta Physic, Stevens ne chante pas seul pour la plupart des morceaux. Lorsqu’il le fait, les chansons sont accompagnées d’un cyclone d’effets de guitare, ce qui donne une impression de ton et de technique. L’un des morceaux les plus courts, « Do It », illustre la carte de visite du magazine Peel Dream : une simplicité étonnante. Vous entendez la ligne de basse qui se répète lors de vos promenades à la bodega, sous la douche, dans vos rêves. Toucher la psyché n’est pas un tour de passe-passe ni une aspiration répétée. Il arrive sans intention. 

Les souhaits flous Agitprop Alterna sont réalisés par la concentration. On peut entendre une continuation des méthodes de production expérimentales de My Bloody Valentine pendant Isn’t Anything tout au long de l’album, cependant, l’approche unique de Joe Stevens avec des membres qui entrent et sortent du studio, de la scène ou du comté, a fourni une mode utopique pour l’enregistrement. La patience et le dévouement à une forme d’art ressemblent à la fois à Kevin Shields et à Neil Halstead dans la manière de la délicatesse. Chaque engin tourne à son propre rythme et la récompense de la fluidité peut être retracée. 

Dans une période de turbulences énormes et de gel de la culture, le Peel Dream Magazine sort d’une chambre en quarantaine comme l’un des principaux champions de New York. Agitprop Alterna est un album qui sera rejoué d’innombrables fois dans notre étrange monde de musique post-live. Joe Stevens nous a involontairement réunis dans un moment où les New-Yorkais sont séparés, nous le rappelant ; quand nous sommes surpris, nous réfléchissons.

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Happy Accidents: « Sprawling »

Happy Accidents – Phoebe Cross et Rich Mandell – font un retour bienvenu avec leur troisième album Sprawling. Autoproduit, les récentes sorties de « Secrets » et du morceau-titre laissaient présager que le duo s’aventurerait sur de nouveaux territoires, au-delà de l’indie-pop accrocheuse qui les a si bien servis dans le passé

Phoebe chante « Swallowed you whole » à plusieurs reprises sur un piano plus silencieux et rêveur au début de l’album Whole. Il s’agit d’une intro à combustion lente avec de nombreuses couches texturées pour envelopper vos oreilles et elle est rapidement suivie par le style Delta Sleep de « Secrets ». Dans « Grow »le tandem se dirige vers un son plus lâche et parlent de se libérer des liens qui vous lient dans un effort pour grandir en tant que personne : « Dis-moi quand tu vas bien. Quand tu es d’humeur à rire. Peut-on s’il te plaît être qui on veut être ? » (Tell me when you’re OK. When you’re in the mood to laugh. Can we please be who we want to be?)

Le titre de la chanson a, en son coeur, un côté DIY car Rich offre un aperçu expressif de son état d’esprit : « If I Do » se situe dans le même genre d’espace mélodique que Peaness, sa précédente collègue de label, tandis que Phoebe prend la tête du chant et parle de passer à quelque chose de nouveau : « Toi, je sais que tu ne veux pas que je le fasse. Je sais que tu ne le veux pas, mais que se passerait-il si je le faisais ? »; « Et si je soupirais alors que l’exaltation s’ensuivrait habituellement ? » (You, I know you don’t want me to. I know you don’t want me to, but what if I do?; What if I sighed when elation would usually ensue?)

« Sparkling » est saupoudré de sonorités scintillantes et expérimentales, tandis que le groupe parle de ses amis, de ses soucis et de l’effrayante perspective du changement. Le premier commence avec des accroches de guitare plus bruyants et bégayants, à la Tellison, et Rich révèle « I felt today I might not get much done », tandis que le second est un morceau de sadpop avec Cross qui se mobilise contre le passé : «  I don’t want to see our face. I see it every time I close my eyes. »

« Back in My Life » se tourne vers la surf pop avec des guitares puissantes et des paroles conscientes de soi sur la perte de quelque chose qui aurait pu être spécial (« The years have slowly burned our trust away ») avant que l’album ne s’achève avec le psychédélisme flottant, doux et perspicace de « Comet » Sprawling montre le son d’un combo plus sobre et plus réfléchi, un accident dont on aimerait bien être victime.

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