Deep Sea Diver: « Impossible Weight »

19 septembre 2020

Depuis près d’une décennie, Deep Sea Diver continue d’impressionner avec sa fusion passionnée de rock indie et de sensibilité pop. Emmenés par la compositrice californienne Jessica Dobson, connue pour avoir travaillé avec de grands noms tels que Beck, Yeah Yeah Yeahs et The Shins, leur fanbase flottante continue d’augmenter grâce à ses plongées courageuses dans d’immenses profondeurs émotionnelles et à sa volonté de poursuivre des voies jusqu’alors inexplorées en explorant de nouvelles voies musicales. 

Après une période de profonde dépression exacerbée par la pression des tournées constantes, Dobson est de nouveau à la tête du groupe basé à Seattle, alors qu’elle met les voiles avec son nouvel album Impossible Weight, son œuvre la plus personnelle à ce jour. Le single qui l’accompagne est un aperçu révélateur des peurs intérieures de Dobson, avec une contribution de la célèbre compositrice Sharon Van Etten.

L’introspection est un thème constant tout au long du disque, et on la retrouve immédiatement sur la première chanson, la songeuse « Shattering The Hourglass ». Les voix tendres sont accompagnées d’un doux travail de touches avant de se lancer dans une explosion libératrice de tambours, alors que Dobson parle de ses propres luttes et de celles de son ami proche Richard Swift qui lutte contre l’alcoolisme.

Tout ce qui inclut Sharon Van Etten est forcément spécial et ne déçoit pas. L’introspection se poursuit sur le split single dont l’album tire son titre. Impossible Weight est un cycle de dépression paralysant qui convainc les gens de se taire et de se sentir indignes d’aide lorsqu’ils comparent leurs propres expériences à la douleur ou à l’angoisse des autres. Des paroles crues telles que « A million times tongue tied \ Spit it out, never mind \ I think I’m addicted to the fear » (des millions de fois la langue attachée ! Crachez le morceau, peu importe ! Je crois que je suis accro à la peur) révèlent l’agitation intérieure tandis que le rythme saccadé troublant souligne le malaise, parfois réconforté par les gouttes de pluie qui tombent curtesy des touches. 

Les voix communes de Dobson et Van Etten s’élèvent ensemble dans un rugissement flatteur, qui fait passer la chanson du simple bon single de rock indépendant à un hymne qui pourrait résumer nos angoisses communes croissantes de cette année la plus terrible. Cette passion qui exige d’être entendue est un véritable point fort de cet album qui transforme constamment la vulnérabilité en déclarations audacieuses.

Un autre moment de véritable génie est la chanson « Eyes Are Red (Don’t Be Afraid) », d’une durée de sept minutes. Tout en s’occupant de ses propres luttes internes, Dobson a fait du bénévolat au centre d’accueil pour sans-abri Aurora Commons et cet instrumental triomphant est un cri de ralliement pour ceux qui sont perdus et oubliés dans un monde indifférent. Dobson aborde les difficiles histoires de la vie réelle qu’elle a rencontrées sur des chansons comme « Hurricane » qui, malgré ses sonorités pop éclatantes, révèle, à une écoute plus attentive, la détresse de quelqu’un qui tombe dans des relations abusives avec les paroles « I never felt so low \ Keep searching for love in the places you don’t wanna go » (Je ne me suis jamais sentie aussi mal ! Continue à chercher l’amour dans les endroits où tu ne veux pas aller) et l’album atteint sa note la plus sombre avec « Switchblade » et son récit d’une femme marchant sur le bord, constamment soumise à la menace très réelle de la violence masculine.

Cependant, aussi mélancolique que soit le sujet, Impossible Weight ne sombre pas complètement dans le désespoir, car il est équilibré par des morceaux comme un « Lights Out » jalonné par sa basse heavy qui explose d’énergie, le titre plein d’entrain qu’est « People Come And Go », la chanson glorieusement disco « Lightening Bolts » tout comme « Wishing » qui est un chef-d’œuvre hypnotique tourbillonnant avec ses accroches pop et un refrain chantant qui pourrait en faire un incontournable prochain « single ».

L’album se termine par l’émouvante chanson acoustique « Run Away With Me » les sentiments ne sont pas entravés par une production ouverte, optant pour une performance live dépouillée au lieu de laisser toutes les vagues d’émotion sortir de son cœur et s’enfoncer dans l’âme de l’auditeur. C’est une fin vraiment émouvante pour un album puissant.

Tout en n’ayant pas peur de dévoiler les aspects les plus sombres de sa vie et les chagrins des gens qui l’entourent, Jessica Dobson a réussi à créer un disque puissant de Deep Sea Diver qui mérite toute l’attention tout en étant extrêmement agréable à écouter. The Impossible Weight est une documentation digne des moments les plus difficiles, mais elle nous apporte une exaltation qu’on ne saurait passer sous silence.

***1/2


Ian Skelly: « Drifters Skyline »

23 août 2020

S’il n’y a rien de plus dont vous pouvez être certain, c’est que, quelles que soient vos circonstances, il y aura toujours une foule de conseils dont vous n’aurez pas besoin.

Ian Skelly, principalement le batteur de The Coral, a commencé à enregistrer Drifters Skyline en traitant de la perte personnelle et des émotions qui l’accompagnent. Cependant, au lieu de s’enfouir la tête dans un livre d’auto-assistance, il a choisi de s’installer quelques jours à Berlin avec le producteur et muse Paul McKinnel, où il a découvert une nouvelle joie. Souriant à l’extérieur, Skelly a expliqué : « Se décharger de sa tristesse sur une chanson est un acte de complaisance… Ce qui aurait dû être du travail en studio s’est avéré être une joie ».

L’approche, semble-t-il, aurait pu être résumée dans le titre « Laugh To Keep Me From Crying » ,mais rien n’est forcé ici, le titre d’ouverture, «  Captain Caveman » est même presque dans ce qui aurait pu être une composition « lounge », lavec des textes sui s’avèrent présenter un flux de conscience désarmant de type « Sha Lang, Sha Lang/Oogum Boogum, Rolling Stones/Flying Burritos et Country Joe/Watch Captain Caveman pour cumuler le tout et rendre la chose acceptable ».

Skelly a admis que le processus créatif tourbillonnant (ces chansons ont été écrites dans une période frénétique de sept jours) lui a fait réaliser seulement maintenant d’où venaient les inspirations. Et comme elles ont été enregistrées directement sur cassette sans entraînement ni démo, il est difficile de ne pas se laisser emporter par une partie du bonheur spontané, qui bouillonne le plus sur le doux country rock de Jokerman, le genre de réponse mélodique au désespoir : « Tous mes chagrins sont venus aujourd’hui» (All of my sorrows have come today) qui se contente de hausser les épaules et d’en tirer le meilleur parti.

Parfois, l’ambiance est si légère qu’elle en devient presque pastiche – « Travelling Mind » est si intangible qu’il n’est presque rien, même avec le sifflet d’un arrêt de bus – et « Over The Moon, » d’une durée d’environ deux minutes, est folklorique et fantaisiste, mais terminé avant de commencer.

Si la première moitié se poursuit dans cette stase largement tourbillonnante, ceux qui s’attendent à un peu plus de poids seront beaucoup plus heureux avec le temps, les sillons de la chemise hawaïenne s’évaporant progressivement tandis que Skelly, McKinnell et l’ingénieur Paul Pilot – ajoutant des claviers – passent avec confiance les vitesses. Dans ce lieu, le son vintage de son groupe habituel et le côté psychédélique plus dur des héros cultes de Liverpool The Stairs and Clinic sont à nouveau réunis, » Spirit Plane » un regard lourd de réverbération sur l’obscurité et, de plus près, « Wake The World » sera une odyssée de blues du désert râpeux, tandis que le morceau-titre remarquable est à la fois un air de thème d’espionnage des années 60, et une leçon de poésie kaléidoscopique de derrière le rideau.

Ne pas faire attention à ce qu’on vous dit être la bonne chose à faire a ses bons côtés. Plutôt que de créer de la misère à partager, sur Drifters Skyline, Ian Skelly a accéléré au galop et a inventé toutes ses propres règles.

***1/2


The Killers: « Imploding The Mirage »

22 août 2020

Sur leur nouvel album, Imploding The Mirage, il y a des moments où The Killers se sentent bien en deça de la force imparable de la nature. C’est un disque rempli d’exhortations à la tempête, un album baigné de tonnerre et d’éclairs ; un groupe qui déferle dans le désert, les puissants hymnes du groupe qui déferlent sur les stades manquent d’ironie, mais s’orientent plutôt vers le genre de rock affirmant la vie que Brandon Flowers a passé sa vie à essayer de perfectionner.

Wonderful Wonderful en 2017 a mis fin à l’éloignement des Killers d’une manière ou d’une autre, en présentant un groupe dont l’appétit rauque n’a pas encore été assouvi. Imploding The Mirage met en valeur ces réalisations sans effort, un sommet de carrière pour le groupe de Las Vegas, en mettant en avant les perspectives ouvertes si puissamment explorées dans leurs paroles contre de tendres évocations d’amour et de foi.

D’une certaine manière, c’est un disque déchiré entre deux pôles. Parfois, The Killers se rapproche du rock des cols bleus alors que la légende de Fleetwood Mac, Lindsey Buckingham, apparaît sur « Caution » et que que K.D. Lang fait une belle apparition sur « Lightning Fields » comme pour tempérer les ambitions de Brandon Flowers. Mais il y a aussi une soif expérimentale, un désir ardent de créer un lien avec l’underground – l’artiste canadien secret Alex Cameron co-écrit quatre chansons, tandis que Weyes Blood est le contrepoint évocateur de la déclaration spirituelle « My God » de The Killers.

Il y a même une étrange citation musicale, aussi. « Dying Breed » est la déclaration d’un groupe hors du temps, un groupe qui a longtemps surpassé ses pairs – et pourtant il s’ouvre sur un rythme de moto bouillonnant, style Neu !, échangeant l’autoroute contre une route du désert. Le titre des années 80 « Running Towards A Place » fait référence aux racines du groupe, tout en faisant un clin d’œil à l’œuvre centrale des esthètes écossais The Blue Nile.

Lorsque The Killers équilibrent ces deux instincts, Imploding The Mirage atteint des sommets insurmontables. L’ouveture, « My Own Soul’s Warning », se transporte dans une ambiance de béatitude pendant ces premières mesures, avant d’exploser hors des pièges pour se transformer en un monstre de lutte et de jaux avec les poings. « Fire In Bone » affectera l’hédonisme de Simple Minds, le groupe qui embrasse de grands espaces, s’assurant des vues infinies comme un miroir de leur propre désir artistique insatiable.

Le « single » de plomb qu’est « Caution » cristallise parfaitement ce que The Killers s’efforcent de réaliser. En entrant dans la ruche d’exploration sonore, le groupe se concentre soudainement sur une performance de Brandon Flowers qui déchire les nerfs et fait éclater les poumons, et sur des paroles qui transforment l’auto-réflexion de Las Vegas en une sorte de quête d’auto-mythologisation du rêve américain doré.

Avec des sonorités de stadim rock pures, sans fioritures, et un cœur d’or, Imploding The Mirage trouve que The Killers offrant ici l’un des plus grands albums de leur carrière, tant sur le plan sonore qu’émotionnel. C’est une réussite propulsive, qui pousse leur écriture à la limite de l’excitation, d’une manière qui n’a rien à voir avec le diable. Sans ironie et imprégné de sentiments jusqu’à ce qu’il éclate, Imploding The Mirage est le contrepoint idéal à la claustrophobieangrangée par la quarantaine – c’est le son d’innombrables portes qui s’ouvrent, avec The Killers qui s’éloignent de leurs limites dans une explosion d’ambitions opportunément non diluées.

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The Coronas: « True Love Waits »

30 juillet 2020

Vers la fin de l’année 2019, le guitariste Dave McPhillips a décidé de quitter le groupe après avoir été avec les Coronas pendant plus de dix ans. Malgré la réaction mélancolique, cette nouvelle reçue des membres restants du groupe et des fans n’a pas empêché la productivité musicale ni les tournées prévues en 2020 au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis. Malheureusement pour ce trio désormais irlandais, la majorité de ces dates de tournée ont été annulées en raison du virus mondial dont ils partagent le même nom, auquel le frontman Danny O’Reilly a réfléchi.

The Coronas sont un groupe qui cherche toujours à se remettre en question et à rester sur sa faim alors que O’Reilly réfléchit à « l’incroyable montée d’adrénaline » et à « la connexion que vous ne pouvez pas obtenir… dans une arène ». Tout en admettant qu’ils changeraient de nom s’ils étaient plus récents et s’ils n’étaient pas déjà connus, les choses auraient pu être pires s’ils avaient conservé leur nom initial de groupe Corona, que The Coronas’ a changé pour éviter toute confusion avec le groupe de danse des années 90 qui a connu un succès retentissant avec « Rhythm of the Night ».

Néanmoins, l’engouement pour le sixième album s’est exacerbé avec l’augmentation du nombre de titres sur Spotify. Le groupe s’est vanté d’avoir utilisé de vrais cuivres pour la première fois et d’avoir recruté le « jeune » producteur George Murphy pour injecter des idées nouvelles et fraîches afin de refléter « un groupe qui mûrit, qui arrive à l’âge adulte tout en ne jouant pas trop prudemment ». À en juger par la pochette de l’album (qui présente une figure du style Matisse sur une toile de fond minimaliste des débuts de l’ère moderne) et le « single » « Find the Water » enregistré au parc national de Joshua Tree en Californie, on peut s’attendre à un développement et une maturité musicale.

En ouvrant avec une chanson qui partage le même titre que ce LP, on n’est pas séduit par les guitares diluées, et on est sans émotion et sans passion, ce qui donne un son terne et sans mordant. Malheureusement, la majorité des morceaux suivants ne parviennent pas à donner un élan à ce faux départ. L’intro fade et mécanisée au piano sur le fait d’être « Cold » avec des percussions distinguées mais étouffées sur le fait d’être seul sans partenaire ne parvient pas à susciter des émotions humaines. Malheureusement, ces défis font que l’auditeur n’est pas touché par cette expérience probablement douloureuse et personnelle. De même, « Heat of the Moment » manque d’intensité et les touches de synthétiseur, la batterie diluée et les guitares acoustiques sont toutes imbriquées les unes dans les autres, à tel point qu’il est difficile de retracer les différents éléments individuels qui composent cette chanson. Le principal problème est que la chanson incite rarement à s’y intéresser.

Il y a des poches d’espoir où l’on voit une réanimation réussie. Le deuxième morceau, « Never Ending (On Your Side) », comporte des riffs de piano impressionnants qui complètent ceux de « Smokers Outside the Hospital Doors » et de Death Cab pour « I Will Possess Your Heart » de Cutie. Le feu et la passion qui manquent au premier morceau sont libérés et renforcés par une injection de vrais cuivres (comme promis par le groupe) sans pour autant atteindre un crescendo et monopoliser ce morceau aux couches élégantes. « Brave » impressionne également en sonnant comme une version teintée d’irlandais et plus mainstream d’une ballade au piano de Bright Eyes. La force réside dans la détection d’un sentiment et d’une inquiétude véritables dans le fait de vouloir « vous entendre crier ». L’avant-dernier titre, « Light Me Up » dispose d’un rebondissement accrocheur servi par le rythme de la batterie et de la guitare comme « Crash and Burn » de Savage Garden.

Malheureusement, la majorité des sons vous rappellent d’autres chansons sans créer d’exaltation, comme « Haunted » qui ressemble à « Jealous » de Nick Jonas et « Need Your Presence » qui résonne comme « Halo » de Beyoncé. Si « Light Me Up » est un bon titre autonome, le voyage d’écoute décevant pour atteindre cette destination ne semble pas justifié, d’autant plus que le titre de playout « LA at Night » revient à la typographie initiale.

En conclusion, alors que la présence des guitares a toujours été destinée à être minimisée, le piano compense trop souvent sans imagination. Les cuivres ne sont pas pleinement accueillis et utilisés comme un nouvel ami de confiance. Alors que True love Waits ne déçoit pas au niveau des paroles, l’absence d’essence musicale dans les chansons, y compris « Find the Water », fait que l’on ne veut pas faire d’effort pour essayer de déchiffrer la métaphore que représente l’eau.

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Nits : « Knot »

14 juillet 2020

Il est clair depuis des décennies que The Nits aiment sortir des sentiers battus dans leur musique. Bien que le groupe ait toujours garanti une volonté créative, Henk Hofstede, Robert Jan Stips et Rob Kloet ont fait de la musique encore plus difficile ces dernières années, surtout depuis l’album Malpensa de 2012. Petit, raffiné, minimal, calme et subtil sont des mots qui viennent invariablement à l’esprit. Mais aussi : visuel, coloré, pittoresque, pénétrant, tranchant et d’une grande beauté.

Sur Knot, le groupe s’éloigne encore plus des structures pop. L’album a été réalisé en trois sessions au cours desquelles le groupe a improvisé une sorte de « composition instantanée ». Des décennies de jeu en commun ont permis aux Nits de s’asseoir ensemble sans plan et de toujours trouver quelque chose de beau. Ainsi, alors que l’année a été très chargée pour Robert Jan Stips avec son Supersister Projekt, le groupe a réussi à simplemen » jouer un nouvel album ensemble.

Ce chemin qui mène d’une pop artistique bien réglée à une musique moins explicite mais très associative et caressante pour l’oreille a été plus souvent parcouru dans le passé, pensez à Mark Hollis et David Sylvian, deux noms qui sont apparus lors de réunions des Nits et qui le resteront certainement dans un avenir proche. La chanson d’ouverture de Knot, « Ultramarine » est une belle esquisse atmosphérique londonienne qui fait le lien avec Monet, qui est venu à d’autres tableaux à un âge plus avancé : encore plus vague et rêveur, mais avec une égale éloquence.

L’accompagnement musical de l’air strident de Hofstede sur « The Blue Car « est d’une beauté et d’un raffinement étonnants. Sur « Dead Rat Ball, » une description saisissante d’Ostende, le groupe fait de la magie sonore. Sur Knot on n’entend pas de guitare, mais ce que Rob Kloet et Robert Jan Stips évoquent de leurs instruments est une nouvelle preuve de leur ouverture d’esprit et de leur musicalité. L’étang électrique est un point fort. Ici, le groupe peint quelque chose de mystérieux, quelque chose d’une beauté sombre et inconnue. Les différentes couches vocales et les paroles de Hofstede élèvent cette chanson encore plus haut : « All my five senses / Following the frozen wires in the electric pond / All my senses ».

Henk Hofstede, sur cet album limité au piano et au mellotron, revient également sur sa jeunesse et l’histoire de sa famille. Dans sa voix et ses paroles, on peut entendre et lire la mélancolie, la fragilité et la vieillesse, mais heureusement encore l’inspiration et l’envie créative. Le chaleureux « The Garden Centr »e semble relativement familier. A la fin, nous percevons la voix de la mère de Hofstede. Dans La maison en béton, il visite la maison où elle est morte. C’est un travail pénétrant, et avec quelques autres titres sur Knot, un bon exemple de l’approche moins axée sur la chanson du groupe. Sur  « (Un)Happy Hologram », une chanson avec violon et batterie, Hofstede dit : « JI had no moving picture of my father… / Inside my computer, there’s a thing / There’s a thing called a Happy Hologram ».

Knot n’est pas un album de chansons instantanées. L’œuvre d’art, avec les portraits délavés et confus des membres du groupe, est révélatrice à cet égard. Tout comme l’étaient les visages décolorés de la couverture de Henk (1986). Cependant, ce nouveau disque des Nits est à nouveau plein de musique merveilleuse et de paroles alléchantes. À cet égard, il n’y a rien de nouveau sous le soleil. Une qualité de santé, mais enveloppée dans des structures plus lâches.

***1/2


Vita and the Woolf: « Anna Ohio »

27 mai 2020

Originaire de Philadelphie mais transplantée à L.A. , Vita and the Woolf, alias Jen Pague et al plus ont fait de gros efforts pour leur troisième album, Anna Ohio. Il marque, en effet, une évolution continue qui a commencé en 2014 avec la démo de Fang Song, et sa pléthore de guitares, et celle-ci continué à se développer surTunnels qui date de 2017. Pour Anna Ohio il semble que Vita and the Woolf aient pleinement adopté leurs tendances pop avec des accroches fortes et une production élaborée. Pague s’est approprié le personnage de la fictive Anna Ohio et en a conclu qu’un « examen onirique de la vie sous le capitalisme tardif (« Home », « Auntie Anne’s Waitress ») et le désir d’évasion (« Operator ») sont en quelque sorte plus réels que la réalité ».

Sur « Mess Up », le premier « single » de l’album, ils mettent tout en œuvre pour la production du morceau et d’une vidéo montrant une actrice trébuchant et dansant dans un petit appartement enfumé. Ce titre est gigantesque. La production est entièrement consacrée à la pop d’Hollywood et de la côte ouest. On ne sera pas surpris d’y entendre ce titre absolument partout en quelques mois. Le deuxième « single », « Operator », possède un rythme lent et agréable, et est accompagné de joyaux lyriques tels que  » »ous avez une machine à remonter le temps dans la cave et la seule fois où nous pouvons la faire fonctionner, c’est quand nous sommes saouls et défoncés dans la cave quand nos corps sont froids » (ou have a time machine in the basement and the only time we get to operate it is when we’re drunk and stoned in the basement when our bodies are cold) et la vidéo y montre Pague et un ami errant dans le désert en combinaison d’astronaute. 

« Out of State »,fera penser aux Beach Boys et, sur « Confetti », lil est fait preuve de mains regrets : « Ai-je vraiment cru que la cocaïne allait tapisser les rues et les sommets des montagnes ? » (Did I really think cocaine would line the streets and mountaintops?) « Home », s’inscrit dans l’ambiance des clubs de danse avec un beat façon Katy Perry et « Kentucky » revient aux racines du folklore avec une basse à plectre et une mélodie de falsetto envoûtante. « Feet » a un rythme très agréable et met en scène la chanteuse qui se languit de son « camping back home » tapissée par une énorme ligne de basse. « Machine » est une chanson disco, avec un grand refrain et un peu de Lady Gaga tandis que « Auntie Anne’ Waitress » surprendra l’auditeur avec un beat sexy de type R&B qui vous fera immédiatement hocher la tête. Le morceau de clôture, « Paris », termine l’album avec un funk plus sexy et un fabuleux chant de falsetto. 

La côte Est leur manque peut-être, et Philadelphie les manque sûrement, mais L.A. a clairement eu un effet sur ce groupe.Ce déménagement a eu une grande influence positive sur l’écriture et la production de ce nouvel opus qui est leur meilleure productions à ce jour.

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 Twisted Wheel: « Satisfying The Ritual »

21 mars 2020

Croisez Liam Gallagher avec Miles Kane, et cela vous donnera peut-être un petit goût de Twisted Wheel. Ce fut une agréable surprise de constater que Satisfying the Ritual n’est pas votre disque indie standard, portant bien des influences. Toutes les chansons sont puissamment accrocheuses, avec un travail de guitare très réussi. Couvrant des sujets sensibles, « Black and Blue » a des harmonies mélancoliques lorsqu’il s’écrie de manière révélatrice: « Je ne crois en personne et j’ai à peine confiance en moi ».

« Bluesy 2020 Vision » est assez proche d’un instrument de haute énergie avec peu de mots capables de vous désorienter et d’émousser l’impact. « Satisfying The Ritual » satifera également un feeling rap et expérimental Satisfaire le feeling rap du Ritual est expérimental, tandis que « Show Me » est tout simplement magnifique. Cet album est craquant et sera l’accompagnement idéal d’une errance sonique.

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Bombay Bicycle Club: « Everything Else Has Gone Wrong »

21 janvier 2020

Ce quatuor sort le cinquième album en carrière titré Everything Else Has Gone Wrong. Pour être honnête, et après les avoir suivis depuis un certain temps, on doit avouer que les Londoniens redonnent un second souffle à leur carrière avec cet opus qui nous plonge dans une pop-rock psychédélique qui fait du bien à l’âme.

L’entraînante « Is it Real » est une composition quasi dansante et les motifs de guitare sont efficaces. La voix du meneur de jeu, Jack Steadman, se colle bien à l’ensemble de la pièce. On aime aussi la chanson titreoù le chanteur nous raconte comment il a pu se sortir de sa détresse personnelle en tentant de trouver refuge dans la musique. La phrase-titre,

répétée en fin de piste, amplifie ce sentiment de détresse et de réconfort retrouvé à travers les bienfaits de la musique. La batterie se déchaîne et la voix de Steadman, puissante, provoque des frissons. C’est psychédélique, structuré et tout à fait électrisant.

Sur « I Can Hardly Speak », les sonorités pop donnent envie de taper du pied. La formule est efficace et reste bien ancrée dans la tête. Ces fameux synthétiseurs y sont pour beaucoup tant ils dynamisent l’ensemble de la chanson et la rendent attachante.

On accède à un peu plus de douceur avec « Good Day », un titre qui sort des sentiers battus de la pop-rock conventionnelle pour finalement montrer une autre facette intéressante de la formation. La voix du chanteur se révèle fragile, mais sincère. Idem pour « Eat, Sleep, Wake (Nothing But You) ». Les refrains répétés judicieusement, ceux-ci agrémentées par les nombreux bidouillages électroniques, captent l’attention.

Même si on peut déceler une certaine linéarité tout au long de l’écoute, les Anglais prouvent qu’ils ont encore le feu sacré. Ils se réinventent en injectant une bonne dose de sincérité pour en faire un objet sonore assez distinct. Leur signature est reconnaissable, mais c’est, quelque part, cet élément qui nous captive.

***1/2


Pup: « Morbid Stuff »

26 novembre 2019

Ce troisième opus des Canadiens de Pup représente tout ce que l’on peut affectionner dans la musique :, faire vibrer, chanter, danser et plus si affinités. Une musique entraînante, résolument rock aux relents punks saupoudrée de noise et de hardcore, juste ce qu’il faut pour faire pencher la balance et passer d’un disque réussi à un album indispensable d’une collection qui se respecte. Comment, en effet, ne pas succomber à la pop délicieuse de Morbid Stuff ? Comment ne pas se réjouir de cette verve alliant à la fois le mélodique et puissant avec un somptueux « Kid » » lancé à toute allure ? Et pourquoi résister au brûlot « Free at last » » aux hypnotiques  « See You at your Funeral » et « City » ou au chaotique et véritable rouleau compresseur qu’est « Full Blown Meltdown » ?

Pup est à l’aise dans tous les styles, que ce soit le rock, la pop, le punk et le hardcore. Avec pour dénominateurs communs des voix atypiques (à la limite de susciter parfois l’agacement), des guitares scintillantes et un basse/batterie monstrueusement en place. Et aussi un style déjà bien à lui, tellement riche et abouti qu’il ferait passer les morceaux plus classiques (et d’une qualité certaine) en second plan (« Scorpions Hills »).
La qualité de ce disque est déconcertante, tant le groupe fait preuve d’une maîtrise totale de la situation et propose des compos quasi parfaites (ils sont Canadiens et pas Angla
is). À noter que les textes ne sont pas des plus réjouissants, le frontman Stefan Babcock combattant encore les démons de la dépression, ce qui contraste avec l’entrain et l’énergie positive de l’orchestration. On ne connaît pas les deus premiers disques du combo ; deux bonnes raisons de faire mieux connaissance.

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Cold War Kids: « New Age Norms 1 »

4 novembre 2019

Il fut un temps où Cold War Kids détonnait grâce à son blues-rock original et l’approche DIY de sesleurs premiers albums à la fin de la décennie dernière. Et ces derniers temps, la bande à Nathan Willett a tendance à stagner et à emprunter un virage musical qui les dessert totalement notamment sur leur dernier album L.A. Divine. Le combo compte sur cet opus surfer sur cette vague avec un New Age Norms 1 dont il n’est pas interdit de sinterroger sur la teneur.

Ne cherchons pas les Cold War Kids qui nous avaient offert des morceaux peu conventionnels il y a dix années de cela. On va trouver ici le groupe californien arpenter des chemins pop groovy et ensoleillés comme le montre des titres plus contemporains et plus produits comme le titre d’ouverture nommé « Complainer » mais également « Fine Fine Fine » et « Waiting For Your Love » qui sont étrangement dansantes. Personne n’aurait pu s’imaginer que Nathan Willett et sa bande iraient emprunter ce virage et pourtant, les compositions de ce New Age Norms 1 a de quoi décontenancer les aficionados.

Entre la ballade au piano guimauve de « Beyond The Pale » et les moments nuancés du plus rock « Dirt In My Eyes » et « 4th of July », le nouvel album de Cold War Kids est une surdose de pop sucrée peut frôler à l’overdose si l’on ajoute des thèmes malheureusement bateaux et « fraternels » qui sont à mille lieues de ce que l’on attendait. Toutefois, il y a quand même des trucs qui fonctionnent bien comme la conclusion entraînante et fascinante nommée « Tricky Devil ». Mais pour le reste, il faut se rendre à l’évidence que le groupe californien a beaucoup évolué et les racines d’antan se sont malheureusement envolés. Toutefois, ne perdons pas espoir car une trilogie New Age Norms est annoncé dans un avenir proche. Avec, peut-être alors, des normes moins normées et plus novatrices.

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