No BS: Just Rock & Roll!

Avec un titre ouvertement tourné vers le passé comme A Bit of Previous, il n’est pas surprenant que les vétérans écossais de l’indie pop Belle and Sebastian sonnent mieux lorsqu’ils revisitent leurs gloires passées. Le dernier album du groupe – qui se situe quelque part entre le neuvième et le douzième, selon que l’on compte les bandes originales et les trilogies d’EP – est un produit de la pandémie, car les confinements l’ont obligé à abandonner ses projets d’enregistrement en Californie. Ils ont fini par s’autoproduire à Glasgow, enregistrant à la maison pour la première fois en plus de 20 ans, et c’est peut-être pour cela que l’album semble si confortable et douillet.

Le premier titre, « Young and Stupid », est parfaitement dépourvu de spectacle, son rebondissement acoustique mid-tempo fournissant la toile de fond d’un violon magnifiquement faible et d’un outro parlé. « Maintenant, nous sommes vieux avec des os qui grincent / Certains ont des partenaires, d’autres sont seuls / Certains ont des enfants et d’autres des chiens / Nous traversons la galère de la nuit » (Now we’re old with creaking bones / Some with partners, some alone / Some with kids and some with dogs / Getting through the nightly slog), roucoule tendrement le leader Stuart Murdoch, apportant un sentiment de maturité à la mélancolie classique de B&S. C’est un plaisir d’entendre Murdoch apporter la mélancolie sensible de ses premières années à une nouvelle étape de sa vie.

Le single phare « Unnecessary Drama » salit le son avec un stomp électrique de type garage, l’harmonica gémissant du guitariste Stevie Jackson rappelant le fameux « Me and the Major » du groupe. La somnolente « If They’re Shooting at You » et la swinguante « Come on Home » rappellent la chaude âme AM de The Life Pursuit, sorti en 2006. On peut dire la même chose de la dernière chanson « Working Boy in New York City », bien que l’arrangement magnifique de flûte et d’harmonies douces de ce morceau soit quelque peu gâché par une correction de hauteur qui donne l’impression que la voix de Murdoch s’éteint. Qui, d’aillers, écoute Belle and Sebastian pour entendre une voix parfaite ?.

L’album comprend certaines des meilleures chansons que B&S a écrites depuis des années, « Unnecessary Drama » étant une compilation de best-of. Ailleurs, A Bit of Previous offre un peu d’incohérence – en particulier lorsque le groupe s’appuie trop sur des arpèges de synthétiseurs froids avec le « Reclaim the Night » chanté par Sarah Martin ou le « Prophets on Hold » à saveur eurodance, qui ne sont tout simplement pas assez accrocheurs pour fonctionner comme une véritable synthpop (bien que ce dernier évoque joliment « Electronic Renaissance » de Tigermilk en se situant au milieu de l’album et en n’étant pas du tout à sa place). La voix de Murdoch est saisissante sur la ballade « Do It for Your County », mais celle-ci, ainsi que la ballade country de Jackson « Deathbed of My Dreams », sont trop lentes et laborieuses pour tenir tête aux meilleurs morceaux de l’album.

Mais même ces morceaux plus faibles n’enlèvent rien à l’humble douceur de A Bit of Previous. Belle and Sebastian ne fait pas une grande déclaration ici ; plutôt, plus de sept ans après leur dernier LP, Girls in Peacetime Want to Dance, B&S affine certains de leurs styles de signature et fait un album qui sonne quintessentiellement comme eux.

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Drew Citron est une membre établie de la scène indie de Brooklyn et est surtout connue sa participation dans des groupes tels que : Avan Lava et Beverly. Citron a formé Beverly en 2013 et a tourné avec des groupes comme The Drums et We Are Scientists. Citron et le batteur de Beverly, Scott Rosenthal, ont ensuite ouvert au Bushwick, la mythique salle de concert à Brooklyn, et ont récemment joué avec un groupe post-punk très apprécié, Public Practice. Dans toutes ces collaborations, elle a développé, affiné et finalement donné vie à ce qui est devenu son premier album solo, Free Now.

La chanteuse a produit Free Now après sa rupture avec son ancien petit ami, avec qui elle était en couple depuis six ans. L’album est une interprétation déchirante de la fin d’une relation à long terme. L’album aborde les thèmes du deuil, de l’autonomisation et de la gratitude. Les mélodies accrocheuses et les moments de distorsion grunge sont influencés par la dream pop, le grunge et le pop-punk des années 80 et 90. Avec des lignes de guitares pleines de deuil et de belles harmonies, l’album saisit parfaitement le sentiment de perdre un être cher. Cependant, les tempos s’accélèrent avec des claviers étincelants et des guitares endiablées jusqu’à ce que tous les instruments, à l’exception de la batterie, se retirent pour laisser place à un moment de clarté, nous rappelant que, même dans le cas d’un chagrin d’amour le plus douloureux, il y a toujours de la lumière au bout du tunnel. Citron chante : « I’m so free now/Moving slowly in the waves/I’m so over it » (Je suis si libre maintenant/Mouvement lent dans les vagues/J’en ai fini avec ça). Des titres comme Kiss Me et 17 sont des morceaux plus légers, avec beaucoup de distorsion, de cordes et de chatoiement.

Bien que le thème principal de l’album soit le chagrin d’amour, on ne peut pas définir l’album comme étant uniquement cela. C’est valorisant de voir une femme de 34 ans se sentir libérée après avoir mis fin à une relation à long terme. Citron explique : « C’est légèrement ironique, et cela montre comment le fait d’aller de l’avant après une relation importante peut être libérateur tout en étant déchirant. Nous avons réalisé la vidéo dans le nord de l’État, dans la nature, en nous concentrant sur la beauté simple et la sensation douce-amère de la chanson ».

Citron est arrivée à un endroit où elle est au sommet de ses capacités d’interprétation, d’écriture et de production, ce qui se voit clairement sur Free Now. Elle n’a plus peur de monter sur scène et d’être la personne de tête, d’écrire ses propres morceaux ; «  de « e mettre derrière une table de mixage et de tourner les boutons pour produire mes propres compositions ».

Il aura fallu du temps pour cela mais celui-ci a été bien utilisé tant Free Now est inspirant et témoigne d’un talent indéniable. Bien qu’il soit accompagné d’un grand nombre de chagrins d’amour, les messages puissants et l’expérience de Citron transparaissent. Il est juste de dire que la chanteuse est très expérimentée dans son domaine, ayant joué dans de nombreux groupes et sur de nombreuses scènes, mais, nonobstant ce parcours, Free Now est sa production la plus excitante à ce jour.

***1/2

Vers la fin de l’année 2019, le guitariste Dave McPhillips a décidé de quitter le groupe après avoir été avec les Coronas pendant plus de dix ans. Malgré la réaction mélancolique, cette nouvelle reçue des membres restants du groupe et des fans n’a pas empêché la productivité musicale ni les tournées prévues en 2020 au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis. Malheureusement pour ce trio désormais irlandais, la majorité de ces dates de tournée ont été annulées en raison du virus mondial dont ils partagent le même nom, auquel le frontman Danny O’Reilly a réfléchi.

The Coronas sont un groupe qui cherche toujours à se remettre en question et à rester sur sa faim alors que O’Reilly réfléchit à « l’incroyable montée d’adrénaline » et à « la connexion que vous ne pouvez pas obtenir… dans une arène ». Tout en admettant qu’ils changeraient de nom s’ils étaient plus récents et s’ils n’étaient pas déjà connus, les choses auraient pu être pires s’ils avaient conservé leur nom initial de groupe Corona, que The Coronas’ a changé pour éviter toute confusion avec le groupe de danse des années 90 qui a connu un succès retentissant avec « Rhythm of the Night ».

Néanmoins, l’engouement pour le sixième album s’est exacerbé avec l’augmentation du nombre de titres sur Spotify. Le groupe s’est vanté d’avoir utilisé de vrais cuivres pour la première fois et d’avoir recruté le « jeune » producteur George Murphy pour injecter des idées nouvelles et fraîches afin de refléter « un groupe qui mûrit, qui arrive à l’âge adulte tout en ne jouant pas trop prudemment ». À en juger par la pochette de l’album (qui présente une figure du style Matisse sur une toile de fond minimaliste des débuts de l’ère moderne) et le « single » « Find the Water » enregistré au parc national de Joshua Tree en Californie, on peut s’attendre à un développement et une maturité musicale.

En ouvrant avec une chanson qui partage le même titre que ce LP, on n’est pas séduit par les guitares diluées, et on est sans émotion et sans passion, ce qui donne un son terne et sans mordant. Malheureusement, la majorité des morceaux suivants ne parviennent pas à donner un élan à ce faux départ. L’intro fade et mécanisée au piano sur le fait d’être « Cold » avec des percussions distinguées mais étouffées sur le fait d’être seul sans partenaire ne parvient pas à susciter des émotions humaines. Malheureusement, ces défis font que l’auditeur n’est pas touché par cette expérience probablement douloureuse et personnelle. De même, « Heat of the Moment » manque d’intensité et les touches de synthétiseur, la batterie diluée et les guitares acoustiques sont toutes imbriquées les unes dans les autres, à tel point qu’il est difficile de retracer les différents éléments individuels qui composent cette chanson. Le principal problème est que la chanson incite rarement à s’y intéresser.

Il y a des poches d’espoir où l’on voit une réanimation réussie. Le deuxième morceau, « Never Ending (On Your Side) », comporte des riffs de piano impressionnants qui complètent ceux de « Smokers Outside the Hospital Doors » et de Death Cab pour « I Will Possess Your Heart » de Cutie. Le feu et la passion qui manquent au premier morceau sont libérés et renforcés par une injection de vrais cuivres (comme promis par le groupe) sans pour autant atteindre un crescendo et monopoliser ce morceau aux couches élégantes. « Brave » impressionne également en sonnant comme une version teintée d’irlandais et plus mainstream d’une ballade au piano de Bright Eyes. La force réside dans la détection d’un sentiment et d’une inquiétude véritables dans le fait de vouloir « vous entendre crier ». L’avant-dernier titre, « Light Me Up » dispose d’un rebondissement accrocheur servi par le rythme de la batterie et de la guitare comme « Crash and Burn » de Savage Garden.

Malheureusement, la majorité des sons vous rappellent d’autres chansons sans créer d’exaltation, comme « Haunted » qui ressemble à « Jealous » de Nick Jonas et « Need Your Presence » qui résonne comme « Halo » de Beyoncé. Si « Light Me Up » est un bon titre autonome, le voyage d’écoute décevant pour atteindre cette destination ne semble pas justifié, d’autant plus que le titre de playout « LA at Night » revient à la typographie initiale.

En conclusion, alors que la présence des guitares a toujours été destinée à être minimisée, le piano compense trop souvent sans imagination. Les cuivres ne sont pas pleinement accueillis et utilisés comme un nouvel ami de confiance. Alors que True love Waits ne déçoit pas au niveau des paroles, l’absence d’essence musicale dans les chansons, y compris « Find the Water », fait que l’on ne veut pas faire d’effort pour essayer de déchiffrer la métaphore que représente l’eau.

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Originaire de Philadelphie mais transplantée à L.A. , Vita and the Woolf, alias Jen Pague et al plus ont fait de gros efforts pour leur troisième album, Anna Ohio. Il marque, en effet, une évolution continue qui a commencé en 2014 avec la démo de Fang Song, et sa pléthore de guitares, et celle-ci continué à se développer surTunnels qui date de 2017. Pour Anna Ohio il semble que Vita and the Woolf aient pleinement adopté leurs tendances pop avec des accroches fortes et une production élaborée. Pague s’est approprié le personnage de la fictive Anna Ohio et en a conclu qu’un « examen onirique de la vie sous le capitalisme tardif (« Home », « Auntie Anne’s Waitress ») et le désir d’évasion (« Operator ») sont en quelque sorte plus réels que la réalité ».

Sur « Mess Up », le premier « single » de l’album, ils mettent tout en œuvre pour la production du morceau et d’une vidéo montrant une actrice trébuchant et dansant dans un petit appartement enfumé. Ce titre est gigantesque. La production est entièrement consacrée à la pop d’Hollywood et de la côte ouest. On ne sera pas surpris d’y entendre ce titre absolument partout en quelques mois. Le deuxième « single », « Operator », possède un rythme lent et agréable, et est accompagné de joyaux lyriques tels que  » »ous avez une machine à remonter le temps dans la cave et la seule fois où nous pouvons la faire fonctionner, c’est quand nous sommes saouls et défoncés dans la cave quand nos corps sont froids » (ou have a time machine in the basement and the only time we get to operate it is when we’re drunk and stoned in the basement when our bodies are cold) et la vidéo y montre Pague et un ami errant dans le désert en combinaison d’astronaute. 

« Out of State »,fera penser aux Beach Boys et, sur « Confetti », lil est fait preuve de mains regrets : « Ai-je vraiment cru que la cocaïne allait tapisser les rues et les sommets des montagnes ? » (Did I really think cocaine would line the streets and mountaintops?) « Home », s’inscrit dans l’ambiance des clubs de danse avec un beat façon Katy Perry et « Kentucky » revient aux racines du folklore avec une basse à plectre et une mélodie de falsetto envoûtante. « Feet » a un rythme très agréable et met en scène la chanteuse qui se languit de son « camping back home » tapissée par une énorme ligne de basse. « Machine » est une chanson disco, avec un grand refrain et un peu de Lady Gaga tandis que « Auntie Anne’ Waitress » surprendra l’auditeur avec un beat sexy de type R&B qui vous fera immédiatement hocher la tête. Le morceau de clôture, « Paris », termine l’album avec un funk plus sexy et un fabuleux chant de falsetto. 

La côte Est leur manque peut-être, et Philadelphie les manque sûrement, mais L.A. a clairement eu un effet sur ce groupe.Ce déménagement a eu une grande influence positive sur l’écriture et la production de ce nouvel opus qui est leur meilleure productions à ce jour.

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Croisez Liam Gallagher avec Miles Kane, et cela vous donnera peut-être un petit goût de Twisted Wheel. Ce fut une agréable surprise de constater que Satisfying the Ritual n’est pas votre disque indie standard, portant bien des influences. Toutes les chansons sont puissamment accrocheuses, avec un travail de guitare très réussi. Couvrant des sujets sensibles, « Black and Blue » a des harmonies mélancoliques lorsqu’il s’écrie de manière révélatrice: « Je ne crois en personne et j’ai à peine confiance en moi ».

« Bluesy 2020 Vision » est assez proche d’un instrument de haute énergie avec peu de mots capables de vous désorienter et d’émousser l’impact. « Satisfying The Ritual » satifera également un feeling rap et expérimental Satisfaire le feeling rap du Ritual est expérimental, tandis que « Show Me » est tout simplement magnifique. Cet album est craquant et sera l’accompagnement idéal d’une errance sonique.

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