Peaness: « World Full Of Worry »

11 mai 2022

Pour une fois, lorsque le communiqué de presse utilise l’expression  » longuement attendu  » pour parler d’une nouvelle sortie, on ne peut qu’être d’accord à 100% car ce premier long player du trio de Chester Peaness donne l’impression d’être en route depuis une éternité. Mais ne nous en plaignons pas, il est là et il est étonnant ; ce qui mérite bien qu’on y plonge. World Full Of Worry démarre avec la strate acoustique relativement douce de  » Take A Trip « , une chanson pleine de douceur et d’innocence mais aussi d’une tristesse palpable. L’ancien single  » Kaizen  » augmente considérablement le niveau d’énergie avec ce que l’on ne peut décrire que comme de l’indie-pop punchy et guillerette qui fait mouche. Ces guitares hachées sont de nouveau au premier plan sur  » How I’m Feeling « , une chanson qui parle d’une relation ou d’un travail qui n’est pas satisfaisant et qui détruit l’âme, et dont il faut sortir. Nous sommes tous passés par là, non ? 

La basse massive de  » Girl Just Relax  » est rapidement équilibrée par le riffage paresseux des guitares et vous vous retrouvez au milieu d’un diagramme du mathématicien Venn des années 90, entre Britpop, Shoegaze et Grunge, et vous vous sentez vraiment, vraiment chez vous.

Un de nos morceaux préférés de 2022 est le récent single  » irl  » qui met le  » pop  » dans l’indie-pop avec les harmonies vocales mélodiques de Jessica Branney et Carleia Balbenta formant un puissant rayon de positivité visant directement votre cœur. Le titre intermédiaire  » Doing Fine  » ressemble à l’enfant orphelin de Lush et Bis, tandis que  » Worry  » ressemble à un titre de Long Blondes qui se serait perdu dans le dossier d’un fauteuil vintage.

L’une des merveilles de cet album est qu’il donne l’impression à l’auditeur de rajeunir grâce à l’énergie et aux mélodies de chansons bien construites. La chanson douce ‘Left To Fall Behind’ est empreinte d’une nostalgie lourde avec des lignes telles que « hoping for the best, preparing for the worst » (espérer pour le meilleur, se préparer pour le pire) avant que ‘Whats The Use ? L’avant-dernier morceau,  » Hurts ’til It Doesn’t « , a un côté Looker qui me ramène aux nuits passées sur Kilburn High Road, avant que l’album ne se termine sur le très explicite  » Sad Song « , qui sera joué en boucle par de nombreux jeunes indé lorsque leur relation actuelle connaîtra une fin insatisfaisante. C’est un grand album indé et on peut imaginer beaucoup, beaucoup de gpersonnes le garder près de leur cœur pour un vertain bout de temps en raison du soin, de l’énergie et de la joie pure qui ont été versés dans chaque morceau. Pas mal pour un début. 

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Honeyglaze: « Honeyglaze »

26 avril 2022

Le trio du sud de Londres qu’est Honeyglaze – composé de la chanteuse Anouska Sokolow, du bassiste Tim Curtis et de Yuri Shibuichi à la batterie – n’a peut-être pas la grandiloquence des précédents signataires du label Speedy Wunderground de Dan Carey, mais en écoutant attentivement leur premier album, le groupe se révèle d’une profondeur étonnante. Recueillis par Carey après une courte résidence au Windmill, Honeyglaze propose une indie-pop aride et baroque, proche des Orielles ou de Cate Le Bon, rendue froide et étrange par l’excellente mélodie folk anglaise de Sokolow. Si les premiers titres de l’album manquent de personnalité –  » Creative Jealousy « , en particulier, le disque méritera pourtant des écoutes répétées.

Prenons l’exemple de « Burglar », un titre progressif et inquiétant : avec ses six minutes, sa durée plus longue laisse bien mieux la place au penchant du groupe pour les crochets en forme de trappe et les grooves lénifiants qui se réveillent et se rendorment soudainement comme s’ils étaient frappés d’une malédiction. Deep Murky Water « , un autre morceau marquant, reprend courageusement le riff de  » Don’t Let Me Down  » des Beatles, et utilise des paroles surréalistes et des harmonies hivernales pour renforcer l’ambiance de résignation romantique de cette chanson. Lorsque Sokolow prononce des paroles telles que « You know my body like no-one else does », c’est avec une ambiguïté sévère capable de blesser sérieusement.

« Female Lead « , qui plonge dans la boîte à pansements et trouve un sens de l’humour encore inexploré, est formidablle et le dernier titre de l’album,  » Childish Things « , est une vaste nuit noire de l’âme qui évoque  » Who Knows Where the Time Goes  » de Fairport. Il y a de quoi alimenter le soupçon que ce groupe pourrait valoir une douzaine de contemporains post-punk plus évidents du sud de Londres.

Ce premier album aurait-il pu être amélioré par des arrangements plus complets et peut-être une plus grande expérience de la scène ? Bien sûr, mais le fait que le groupe mentionne Broadcast à plusieurs reprises dans des interviews suggère des domaines spectraux où ce projet pourrait sûrement mener à l’avenir. Un début discret mais très engageant. Il faudra patienter un peu pour savoir si la saveur initiale de l’album se confirme..

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The Jeanines: « Don’t Wait for a Sign »

24 avril 2022

L‘approche indie-pop des Jeanines est la simplicité même. Le duo composé de la chanteuse/guitariste Alicia Jeanine et du bassiste/batteur Jed Smith ne fait rien de compliqué ; il se contente de faire des disques qui capturent parfaitement l’esprit de C-86, sans chichis, et de livrer de grandes chansons avec du cœur et un sens aigu du détail. Leur premier album éponyme était parfois un peu hésitant, comme s’ils étaient encore en train de chercher à savoir exactement à quoi ils voulaient ressembler. Avec Don’t Wait for a Sign, tout devient plus clair. Les chansons sont plus tendues, la production est plus percutante et, surtout, Jeanine a l’air plus sûre en tant que chanteuse. On ne la confondra jamais avec Adele, mais sa voix rocailleuse transmet autant de chagrin, de joie et d’incertitude que n’importe qui travaillant deux fois plus dur. La façon dont elle minimise les émotions s’accorde parfaitement avec la batterie discrète, la basse mélodiquement agile et les guitares qui s’entrechoquent. Plus encore que le premier album, celui-ci est rempli de chansons qui ne se contentent pas de rappeler les points forts des groupes indie pop précédents, mais qui demandent à être considérées dans le même esprit. Le morceau d’ouverture « That’s Okay » est un morceau de pop court et vif qui associe une assurance chaleureuse à des harmonies vocales ; « Any Day Now » a des progressions d’accords magiques, un refrain agréable et, encore une fois, des harmonies vocales de premier ordre, tandis que « People Say » est une belle ballade midtempo qui a la tristesse du premier Aislers Set incorporée et un jeu de guitare néo-psychique par-dessus.

Ce ne sont là que les trois premières chansons, et la sortie est déjà profondément ancrée dans la mémoire ; le reste de l’album ne manque pas de rythme. Jeanine et Smith s’appuient sur le cadre qu’ils ont établi de manière intéressante sur « Got Nowhere to Go », qui ressemble à un single de Beau Brummels, s’enfoncent dans la mélancolie sur la chanson larmoyante « Never Thought », et ajoutent des guitares acoustiques à « Turn on the TV ». Les changements sont mineurs mais ils fonctionnent bien pour élargir le son de manière importante. Les Jeanines se sentent toujours très à l’aise et presque douloureusement racontables ici ; la différence est similaire à l’augmentation du contraste sur un écran ou à la syntonisation d’une station de radio légèrement floue : tout saute un peu plus et coupe un peu plus profondément. Parfois, sur leur premier album, ils avaient l’air d’un groupe de fantaisie avec leur approche rétro parfaite, mais ici, ils sonnent comme un groupe sérieux, du genre à briser des cœurs et à changer des vies.

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Tim Kasher: « Middling Age »

19 avril 2022

Après avoir publié un troisième album solo intime et théâtral, No Resolution en 2017 — qui a doublé la bande-son de ses débuts dans le cinéma — Tim Kasher s’est reconverti avec Cursive, plus sombre et plus agressif. Son groupe a publié une paire d’albums avant que le début de la pandémie de COVID-19 n’oblige les musiciens à quitter la route tout en augmentant l’opportunité et la provocation pour la rumination existentielle. Middling Age trouve l’auteur-compositeur — 46 ans au moment de sa sortie — plongeant profondément dans l’incertitude, la peur de la perte et une auto-évaluation inconfortable. L’album a été enregistré avec l’ingénieur Jason Cupp (American Football, Ratboys), à qui Kasher a attribué le son relativement dépouillé de l’album. Les rockers en colère sont toujours de la partie, notamment l’entraînante et distordue « Life Coach », qui renforce la batterie par une section de cuivres, mais en moyenne, Middling Age privilégie la réflexion malaisée à la catharsis. « What Are We Doing », par exemple, utilise une batterie active et une basse électrique, mais l’arrangement est tempéré par une flûte et des cordes, ainsi que par un refrain qui voit sa section rythmique se replier sur la cloche de la cymbale et la basse qui marque la mesure.

Après un bref prologue, la chanson d’ouverture « I Don’t Think About You » est une ballade acoustique à la McCartney, avec des chœurs de Megan Siebe et des paroles qui prouvent que le titre est ironique : « Am I torturing myself?/These maudlin mementos aren’t good for my health/Perhaps I don’t want to be well »(Est-ce que je me torture ? /Ces souvenirs larmoyants ne sont pas bons pour ma santé/Peut-être que je ne veux pas être me sentir bien). Plus loin dans la liste des pistes, une autre entrée (principalement) à la guitare acoustique avec un titre ironique, le méandre psychique « You Don’t Gotta Beat Yourself Up About It », s’ouvre sur la ligne « Je ne veux pas être oublié » avant que la notion d’héritage ne s’enlise dans l’histoire coloniale violente de l’Amérique et le comportement capitaliste insatisfaisant. On en arrive finalement à « This is my life’s work/Questioning my worth » (Voici le travail de ma vie/Me questionner sur ma valeur). Se déroulant comme une collection d’essais engageants à la première personne, l’album se termine sur la chanson « Forever of the Living Dead », branchée et couverte, à laquelle participent Jeff Rosenstock et Laura Jane Grace, ainsi que la nièce de Kasher, âgée de neuf ans, qui termine l’album en répétant « Forever seems so far away/But forever’s just a day away », éventuellement sans accompagnement. Loin d’offrir des réponses, Middling Age s’attarde sur « ce qui va suivre », ce qui est peut-être son album solo le plus profond – et le plus mélodieux – à ce jour.

***1/2


Lucius: « Second Nature »

16 avril 2022

Sur leur deuxième album, Good Grief, les quatre membres du groupe Lucius de Brooklyn ont parfaitement réinventé leur jeu. Des cendres de leur premier album indie-folk est né un retour électrisant à la dance-pop des années 80 et 90, grâce à l’allure assurée des harmonies enivrantes de Jess Wolfe et Holly Lasseig. Cette euphorie vocale, soutenue par les instruments fascinants de Dan Molad et Peter Lalish, a résisté à plus d’une demi-décennie d’épreuves et de tribulations, pour aboutir à Second Nature, le disque le plus concis de Lucius à ce jour.

Sur le premier single, « Next to Normal », Lasseig et Wolfe chantent sur des guitares psychédéliques et une batterie à plusieurs niveaux (des bongos ? !) en remerciement de leur relation – le lien de co-écriture qui a donné naissance à Lucius. Cela ouvre la voie à un album qui vise à surmonter les inévitables réalités de la vie grâce au pouvoir de la musique et du mouvement. Des chansons comme « Dance Around It » et « Second Nature » vont directement dans ce sens, proclamant fièrement « Our love’s burning out, we’ll keep dancing around it » (Notre amour s’éteint, nous continuerons à danser) sur une combinaison infectieuse de guitare distordue et de batterie rapide qui sonne comme une version Top 40 du disco. Même l’indéniablement entraînant « Promises » utilise sa durée pour canaliser des sentiments blasés avec jubilation alors que les dames réprimandent un amant méprisé avec « Promises/Empty like the bed you sleep in » (Promesses/Vides comme le lit dans lequel tu dors). La production de Sheryl Crow est ici la plus présente.

Lasseig & Wolfe ne sont pas toujours aussi timides, cependant. Sur les ballades « 24 » et « White Lies », leur voix au cœur brisé occupe le devant de la scène. C’est lorsque les paroles ne se cachent pas derrière la musique que les choses deviennent sérieuses, canalisant des harmonies irrésistibles avec des mots émouvants. Sur « The Man I’ll Never Find », les deux compères proclament désespérément : « I wish it was worth the work and I wasn’t tired/I can’t just stop and try to fix it if I know that it was never right (J’aimerais que le travail en vaille la peine et que je ne sois pas fatiguée, je ne peux pas m’arrêter et essayer d’arranger les choses si je sais que ce n’était pas bien).

Second Nature ne se concentre pas toujours sur les moments difficiles, cependant. « LSD » s’abandonne aux joies séduisantes de la romance – dans ce cas, l’acronyme signifie bassement amour si profond(love do deeply). « Heartbursts » fait honte aux génériques de John Hughes avec son refrain follement joyeux « Better give your heart than never give at all » (Mieux vaut donner son cœur que de ne jamais donner du tout) sur une batterie percutante et des touches rêveuses. Cette dichotomie entre la tristesse et la joie est bien résumée par « Tears In Reverse », qui demande où il faut mettre la faute, en proposant « What comes first/Wanting the water or feeling the thirst ? » (Qu’est-ce qui vient en premier ? Vouloir l’eau ou ressentir la soif ?). La solution de la chanson, bien sûr, est de transformer tout ce qui est en quelque chose de significatif.

Avec leur troisième album, Lucius fait de leur mélange de ballades et de pop indé un tout, tissant thématiquement des fils de chagrin et d’espoir pour brouiller la ligne entre leurs plus profondes cicatrices et leurs plus grands exploits. Et si Second Nature médite sur les deux, il est difficile de nier qu’il appartient à la deuxième catégorie.

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Yumi Zouma: « Present Tense »

15 avril 2022

Present Tense, le quatrième album du quatuor néo-zélandais Yumi Zouma, vise une évolution plutôt qu’une révolution en termes de sonorité globale. Le groupe – composé de Josh Burgess (chant, guitare), Charlie Ryder (guitare, basse, clavier), Christie Simpson (chant, clavier) et Olivia Campion (batterie) – préfère avancer progressivement plutôt que de faire un grand saut sonore. Après tout, ils ne sont pas exactement réputés pour leur rock ‘n’ roll sauvage, et le changement est donc plus subtil que sismique.

Malgré cela, le groupe semble plein d’énergie, et il est difficile d’écouter cet album sans se dire que tout cela était plutôt charmant. Un problème courant avec la beauté est qu’elle peut commencer à sonner un peu comme de la vanille. Heureusement, Yumi Zouma évite ce genre d’écueil grâce à la qualité de son écriture.

Après avoir sorti leur précédent album, Truth or Consequences, le jour même où une pandémie mondiale a été déclarée, ce qui les a obligés à annuler leur tournée américaine, le groupe s’est dispersé dans ses différentes maisons à travers le monde, à Londres, New York et en Nouvelle-Zélande. En raison de leur logistique géographique, les membres du groupe ont toujours été habitués à enregistrer à distance. Sans savoir quand la pandémie se résorberait, ils ont décidé de travailler sur un nouvel album. Ils ont donc passé beaucoup plus de temps sur Present Tense que sur les albums précédents. « Nous avions l’habitude de fonctionner à l’adrénaline, et si une chanson ne fonctionnait pas, nous la tuions dans l’œuf et passions à autre chose. Ce processus nous a donné l’occasion de nous asseoir avec les chansons et de les repenser jusqu’à ce qu’elles aient l’impression d’avoir leur place dans la collection », explique Josh Burgess.

Cela se voit tant Present Tense est une collection de chansons méticuleusement élaborée, un album doux-amer et évocateur qui défile devant vous comme un rêve pastel nostalgique. Chaque note, chaque rythme, chaque inflexion est parfaitement jugée et placée avec un sens aigu de l’objectif.

Le groupe est connu pour sa dream pop mélodique et discrète et Present Tense s’écoule généralement à un rythme majestueux et nuancé. Cependant, lorsqu’ils accélèrent le rythme – sur des morceaux tels que « In the Eyes of Our Love », qui a un soupçon de Fleetwood Mac de l’époque de Tango In the Night, « Where the Light Used to Lay » et « Of Me and You » – la voix lisse comme du caramel de Simpson peut briller et les résultats sont rarement moins qu’éblouissants. Les morceaux plus lents, comme le très beau et sombre « Astral Projection », qui clôt l’album, fonctionnent tout aussi bien – les mélodies sont parfois presque trop parfaites. Present Tense est une collection de chansons chatoyantes qui vous conduisent à travers un labyrinthe musical immersif en passant par une large gamme d’émotions, et c’est certainement un album dans lequel il faut se perdre.

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Wallows: « Tell Me That’s Over »

30 mars 2022

En 2019, Wallows posait la question essentielle : « Are You Bored Yet ? » (Vous vous ennuyez déjà ?). Trois ans plus tard, ils sont de retour avec leur deuxième album Tell Me That It’s Over. Une chose est sûre : toute question d’ennui est effacée de l’ardoise et Tell Me That It’s Over est un plaisir non stop, non dilué.

Avec un souffle vivifiant et stabilisant, « Hard to Believe » explose. C’est cette hésitation initiale qui domine l’album : comme si Wallows avait eu une grande prise de conscience et qu’ils étaient juste nerveux de la dévoiler. Au fil du temps, cependant, ils s’installent dans cette situation et se l’approprient. Depuis l’album Nothing Happens en 2019, le groupe a entamé une courbe d’apprentissage et ce nouvel opus présente un nouveau Wallows : ils sont plus attentifs, plus astucieux et prêts à montrer leur vrai visage sur ce disque.

C’est une démarche intrépide mais intrinsèquement douce : après avoir fait le tour de la question, ils en ressortent avec un verre à moitié plein. Tell Me That It’s Over est un ressort sonore dans votre démarche ; après avoir lutté pour trouver leurs marques et déchiffrer qui ils pourraient être, ils ont laissé tomber l’incertitude. Au lieu de cela, ils regardent l’avenir avec des yeux brillants. Il y a un mysticisme étourdissant dans des morceaux comme « Permanent Price », un titre lié à l’amour et dosé d’harmonies aériennes, une ode à une relation rédemptrice. 

C’est sans aucun doute l’album le plus romantique de Wallows à ce jour – romantique dans le sens où il est plein d’espoir, imaginant votre avenir en cinq secondes d’engouement. Il évoque le même sentiment par des chemins différents : « Missing Out » est une pensée persistante dont vous ne pouvez vous débarrasser, tandis que sur le plan sonore, « Hurts Me » et son synthétiseur lourd et joyeux décrit le vertige de ces semaines dans l’éther. Bien sûr, Wallows est toujours sérieux et réel – la douleur se fait parfois sentir, et ce n’est pas toujours l’extase absolue. Mais même lorsqu’ils chantent qu’ils se sentent stupides en amour et qu’ils en affrontent les répercussions, il y a un sentiment d’affection qui fait que l’album donne l’impression de tomber la tête la première. 

Ils sont plus audacieux dans leur expérimentation qu’auparavant, donnant la priorité à la passion et à l’excitation plutôt qu’à la satisfaction des gens. Tout est livré avec un sourire malicieux et c’est dans ces moments que Wallows est à son meilleur. Des morceaux comme « At the End of the Day « peuvent polariser ceux qui sont habitués à la bedroom-pop directe sur laquelle Wallows s’est fait les dents, mais son chant amoureux et sa production étincelante et exaltée semblent toucher le cœur de ce que le groupe essaie d’accomplir ici. C’est un album rempli d’un espoir absolu : ils ont fouillé les profondeurs de leurs âmes et en sont ressortis assurés de l’euphorie à venir. 

Il y a une certaine tranquillité dans cette prise de conscience – il y a moins de moments vraiment turbulents. Au lieu de cela, il y a une contemplation et une paix intrinsèque au groupe. Ils essaient d’être la meilleure et la plus vraie version d’eux-mêmes, et ils y parviennent en s’amusant dans divers domaines de l’indie et de la pop. Alors que « Guitar Romantic Search Adventur »’ – l’un des meilleurs morceaux de l’arsenal du groupe jusqu’à présent – sort de l’album, l’erreur de prudence qui a précédé l’album a disparu depuis longtemps. Ils sont sans équivoque sûrs d’être là où ils sont, et Tell Me That It’s Over vous fait espérer que c’est exactement là où ils resteront. 

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Peter Doherty & Frédéric Lo : « The Fantasy Life Of Poetry And Crime »

22 mars 2022

Le calme est revenu autour de Peter Doherty. Du moins lorsqu’il s’agit des gros titres de la presse à sensation. Rien d’étonnant à cela, puisque l’ex-Libertine vit depuis quelque temps isolé dans un petit village de la côte normande. Au lieu d’errer dans les rues de Londres, il préfère se promener dans la forêt avec ses chiens. Il ne possède même pas d’ordinateur ou de téléphone portable, explique Doherty dans l’interview. Récemment, le chanteur, qui dit être abstinent depuis deux ans, s’est marié avec Katia de Vidas, sa collègue de groupe au sein des Puta Madres. Peter Doherty semble donc être arrivé, et cela s’entend dans The Fantasy Life of Poetry & Crime.

Le Britannique semble avoir les pieds sur terre. Alors qu’auparavant, il marmonnait à travers les lignes de ses chansons, il est désormais étonnamment clair. Il n’a en aucun cas perdu de son charme. Il faut bien sûr noter que l’album n’est pas un projet solo de Doherty. Frédéric Lo, qui compose la musique et a déjà collaboré avec des grands noms de la musique comme Stephan Eicher et Pony Pony Run Run, joue un rôle tout aussi important.

Lo et Doherty se sont rencontrés dans le cadre d’un projet d’hommage au musicien Daniel Darc. Comme Doherty n’avait plus composé de nouvelles chansons à la guitare depuis deux ans par manque d’inspiration, il s’est concentré exclusivement sur les paroles. Ce qui est remarquable, c’est que les mélodies sonnent parfois comme si elles avaient été écrites par Doherty. A la différence que les chansons – et c’est là que la fine plume de Lo entre en jeu – sont produites jusque dans les moindres détails.

La pop se mêle à des éléments de chansons, parfois des cordes et des cuivres s’y ajoutent, à d’autres moments le piano domine. The Fantasy Life Of Poetry And Crime ouvre l’album de manière pompeuse avec des cuivres, des violons et une guitare. « The Epidemiologist » est un morceau de piano à cordes silencieux dans lequel Doherty jette un regard sur le rôle des épidémiologistes : « I search and I search / I lurch headlong into atrocities / With an exponential known only to epidemiologists » (Je cherche et je cherche / Je fonce tête baissée dans les atrocités / Avec une exponentielle connue seulement des épidémiologistes), chante-t-il. Sur « Yes I Wear A Mask », le troubadour reprend également de manière métaphorique un thème de la coronapandémie. « Oui, je porte un masque – en moi », admet Doherty.

« Rock & Roll Alchemie » fait penser aux Babyshambles et est plus rapide. « The Monster » sonne comme si l’intro avait été composée par Yann Tiersen, mais les mélodies s’assemblent ensuite avec délicatesse en un morceau violon-guitare dans lequel la voix de Peter joue le rôle principal. C’est le point culminant de l’album.

Avec « Abe Wassenstein », on peut facilement imaginer que les chansons du disque ont été écrites à la table de la cuisine. Frédéric Lo prend la guitare en main, Doherty fredonne les premières lignes et les fragments d’une nouvelle chanson se forment lentement. Insouciant, spontané, dans le plus pur style de l’auteur-compositeur-interprète. Ne nous restera plus qu’à espérer que ce ne sera pas la seule collaboration entre les deux artistes.

***1/2


The Slow Show: « Still Life »

21 mars 2022

The Slow Show est un groupe de pop indie, formé à Manchester en 2010, qui a été décrit comme offrant « des numéros minimalistes mais épiques imprégnés de paysages sonores atmosphériques ». Ils sont composés de Rob Goodwin (voix et guitare), Frederik ‘t Kindt (claviers), Joel Byrne-McCullough (guitare solo) et Chris Hough (batterie). Ils sortent ici leur quatrième album studio, le premier depuis trois ans : Still Life

L’album s’ouvre sur « Mountbatten », avec un piano roulant qui nous guide, accompagné de ce qui ressemble à un violoncelle, tandis que la voix profonde raconte, dans un format presque parlé, une réminiscence assez pensive et introspective. Une chanson qui traite du deuil et de la guérison. Un numéro auquel je suis revenu à de nombreuses reprises. Le groupe a demandé à ses fans de partager des histoires, des poèmes, des photos et des vidéos inspirés par l’isolement de la récente pandémie. Une réponse massive a contribué à la version finale de « Anybody Else Inside ». Le titre commence de manière assez éthérée mais s’épanouit au fur et à mesure qu’il évolue et augmente en volume et en rythme avec une percussion rythmée et des accords de guitare chatoyants avec des voix qui s’élèvent au sommet.

« Slippin » est une réflexion profonde sur le fait que le temps est arrivé où il faut avancer dans la vie, non seulement de là où l’on est, mais aussi de là où l’on vit. Il y a un côté mélancolique dans cette chanson et l’ajout d’une trompette dans les derniers instants la rend encore plus poignante. J’ai trouvé qu’il y avait une texture presque cinématographique sur « Rare Bird » qui bénéficie d’une base de piano délicieuse qui accompagne une voix où la douleur est presque tangible dans son phrasé haletant. Le numéro accélère le tempo dans la section finale lorsque la batterie se joint à l’ensemble avant de retourner à son atmosphère rêveuse précédente.  

« Woven Blue » traite des conséquences du désaccouplement et il véhicule cette i on jetait un seau d’eau froide sur deux chiens qui s’accouplent. Le morceau est plutôt enjoué et léger, il parle de la fin d’une relation et de la nécessité d’aller de l’avant. Le rythme moyen de « Blue Nights » est délicieusement hypnotique gràace à un son qui ne peut que vous vous attirer

« Breathe va aborder le sujet difficile de ce que représente le mouvement Black Lives Matter et fait délicatement référence au cri de ralliement de John Boyega à Hyde Park de Londres. C’est une proposition intéressante et parfois édifiante qui, selon nous, partage un point de vue d’une manière intelligente et plus subtile. Avec « Blinking », nous avons une ode à l’amour, à la loyauté et au fait de ne jamais abandonner les personnes que l’on aime, selon le groupe. C’est une composition presque plus grande que nature, avec un côté hymnique qui sous-tend cette promesse ou affirmation de fidélité.

« Hey Lover «  aborde la fascination que peut exercer l’idée de soumission et qui nous exhrte à adopter une attitude contemplative tout comme « Who Knows » qui, elle, célèbre le changement avec la notion que la vie est un voyage à vivre et non un problème à résoudr et quil il faut donc l’embrasser avec tout ce qui en découle. L’écoute en devient, à cet égard, tout doucement captivante et envoûtante.

L’album se termine par  » »Weightless » », inspiré et écrit autour d’un poème du chanteur du groupe, Robert Goodwin, intitulé « Transit » ». Il s’agit principalement d’un texte parlé détaillant une période de transition, d’acceptation et de résolution. D’une durée d’un peu moins de sept minutes, il ne semble jamais trop long car nous sommes guidés dans un voyage musical qui est parfois perspicace, éthéré, ambiant et devient un peu jazz avec quelques bribes de cuivres intermittents, un merveilleux paysage sonore pour terminer.

Still Life est un opus stupéfiant, point final. Robert Goodwin a une voix qui est parfois presque angélique et un tel atout qu’elle est comme un instrument de musique supplémentaire. Avec ses collègues talentueux, ils ont produit un album qui, j’en suis sûr, figurera dans toutes les listes des dix meilleurs albums à la fin de l’année. Le seul groupe qui propose une vibration similaire est The Tindersticks ; pour un album qui laisse présager pleine croissance et si vous êtes prêt à lui donner le temps qu’il mérite, il vous récompensera inconditionnellement. 

***1/2


The Jazz Butcher: « The Highest In The Land »

25 février 2022

Le dernier album, tristement posthume, du grand Pat Fish (aka the Jazz Butcher) montre que la légende de l’indie-pop britannique a été emportée beaucoup trop tôt.

The Highest in the Land est le premier disque studio du Jazz Butcher (aka Pat Fish, né Patrick Huntrods) depuis Last of the Gentleman Adventurers en 2012. Malheureusement, c’est aussi son dernier. Fish est mort chez lui en octobre 2021. Il n’avait que 63 ans, mais sur « Time » de ce nouveau disque, il semble résigné à son sort : « My hair’s all wrong / My time ain’t long / Fishy go to Heaven » (Mes cheveux ont tout faux / Je n’en ai plus pour longtemps / Fishy s’en va au Paradis). Dans une récente série de vidéos de questions-réponses avec des fans, on ne voit guère Fish sans une cigarette ou une pinte à la main. Il l’a fait à sa façon, en jouant dans de petits clubs et, plus tard, en organisant des sessions en ligne avec ses amis, en restant classe et sans regrets.

Cette ambiance intime et confortable se traduit dans The Highest in the Land. Le shuffle sulfureux, ouaté, de style années 1920 de « Melanie Hargreaves’ Father’s Jaguar » donne le ton, comme s’il provenait de l’arrière-salle enfumée d’un ancien bar clandestin. L’apparition de Max Eider à la guitare, qui a toujours fait partie du groupe, ajoute à l’ambiance vintage.

Dans ce milieu confortable, The Highest in the Land est typiquement éclectique, touchant à plusieurs styles que Fish affectionne – pop, rock, rockabilly, blues et, bien sûr, jazz. Tout cela est ancré dans une guitare creuse agréablement jangly. La seule exception à la sensation générale, et la seule surprise musicale, est l’instrumental « Amalfi Coast May 1963 ». Le morceau sonne exactement comme son titre, faisant référence à un village côtier italien. Le rythme légèrement traînant et la signature temporelle étrange mènent à des nappes de cordes à l’écran large et à une mélodie qui suggère un drame, mais pas assez pour perturber le cocktail que l’on tient à la main. Il s’agit d’un plaisir rétro facile à écouter qui serait tout aussi à l’aise sur un disque de Bert Kaempfert ou de Saint Etienne, et qui révèle une sophistication musicale qu’il est facile de négliger étant donné l’intelligence pop de Fish.

Lorsqu’ils atteignent la fin de leur carrière, certains artistes parviennent à un point où la musique est avant tout un moyen de vivre leurs paroles, leur sagesse et leur gravité générale. Leonard Cohen, Tom Waits et Lou Reed viennent à l’esprit. Jazz Butcher est-il digne d’une telle compagnie ? Certainement. Bien qu’il n’ait pas atteint le même niveau d’attention critique ou même de succès commercial, Fish était aussi vif, spirituel, perspicace et, lorsque cela était nécessaire, aussi impitoyable.

The Highest in the Land en fournit de nombreuses preuves. Bien que l’album soit dépourvu du mécontentement maniaque qui a souvent fait son chemin dans les travaux précédents, la relative tranquillité de la musique dément la désillusion et la frustration de Fish face à l’état actuel des choses.

Lorsqu’on écrit sur un album de Jazz Butcher, on est tenté d’énumérer toutes les vignettes, les images et les répliques, et The Highest in the Land n’est pas différent. « Lemmy, Bowie and Prince, all gone », se lamente Fish sur  « Running on Fumes » » La leçon ? « People like us can’t have nice things » (Les gens comme nous ne peuvent pas avoir de belles choses(. Le morceau est un démantèlement de ceux qui instillent la peur et la lutte pour leur propre gain : «Is there anything as cheap as chasing profit from despair? » ( Y a-t-il quelque chose d’aussi facile que de chercher le profit dans le désespoir ) demande-t-il. Bien qu’il laisse à l’auditeur le soin de remplir les blancs, il semble qu’il doive parler des politiciens, des élites mondiales et, très probablement, des entreprises. « D’un moment à l’autre, quelqu’un va dire ‘Toxic’, c’est sûr », prédit-il vers la fin de la chanson. Il est peut-être plus âgé, mais Fish est toujours aussi rapideen matière de lucidité. La musique, elle aussi, est un skiffle jovial, un des points forts de l’album.

Ce n’est pas le seul endroit où Fish offre un vitriol pour la culture d’aujourd’hui, obsédée par les médias sociaux et qui aime annuler. Sur « Sebastian’s Medicatio » », il appelle cela « political correctness gone mad »(le politiquement correct devenu fou). Son évaluation est suffisamment intelligente et éloquente pour écarter tout soupçon qu’il joue au gourou : «  [Everybody] screaming on the laptop in the basement / Store all the hate up and wait for it to burst out / I can’t believe you’re such an architect of your own destruction » ([Tout le monde] hurle sur l’ordinateur portable dans la cave / Stocker toute la haine et attendre qu’elle éclate / Je ne peux pas croire que tu sois un tel architecte de ta propre destruction). Une fois de plus, la musique des Stones suit le mouvement avec un solo de guitare distordu, multi-tempo et interminable. Ce n’est pas tout à fait le bruit incendiaire de certains anciens morceaux de Butcher, mais c’est facilement le moment le plus énergique de l’album.

Ceux qui connaissent la musique de Fish savent qu’il était aussi un romantique impénitent. C’est pourquoi The Highest in the Land contient deux de ses jolies ballades, « Never Give Up » et « Goodnight Sweetheart », le morceau de clôture au titre poignant. Mais même ici, le ton reste vif. « Never give up until you want to » (N’abandonne jamais jusqu’à ce que tu le veuilles). Chose dite de belle manière, en effet.

Tout au long de l’album, le ténor distinctif de Fish est toujours aussi jeune, mais aussi vieillissant et étrangement réconfortant. Bien qu’il ne s’agisse certainement pas d’une sortie majeure dans ce qui constitue un incroyable canon de 40 ans, The Highest in the Land prend une importance particulière en raison de sa nature posthume, rendant la mort prématurée de son créateur encore plus triste. Si le Boucher n’avait peut-être plus rien à prouver, il avait certainement beaucoup plus à dire.

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