Biff Bang Pow !: « A Better Life : Complete Creations 1984-1991 »

2 juin 2022

Biff Bang Pow ! est à l’origine de nombreux singles classiques, d’une série d’excellents albums et a contribué à établir le son et le style de Creation Records lors de sa création. Composé des fondateurs du label et de sommités (Alan McGee, Dick Green, Andrew Innes), il n’est pas étonnant qu’ils aient établi le son de Creation ; ce qui est amusant, c’est qu’ils n’ont pas reçu beaucoup de crédit pour cela à l’époque. Si on les mentionnait, c’était pour les réduire à un projet vaniteux de McGee. La collection exhaustive de Cherry Red, A Better Life : Complete Creations 1984-1991, raconte l’histoire du groupe à l’aide de singles, de faces B, d’extraits d’albums, de démos et d’enregistrements live rares, et, ce faisant, démonte totalement cette théorie et les révèle comme l’un des premiers groupes pop indépendants de l’époque. Le groupe a commencé comme des punks endiablés, construisant un son sur les Dexy, le garage rock, le punk et les Byrds qui sonne aussi frais des décennies plus tard qu’à l’époque. À partir du single « Fifty Years of Fun », le groupe s’est montré habile dans la juxtaposition d’accroches et de mélancolie, donnant à McGee une belle toile de fond pour des récits de frustration et de malheur. The Girl Who Runs the Beat Hotel, en 1987, est l’apogée de cette première approche, mélangeant la production en écho de Joe Foster avec les chansons nostalgiques écrites par McGee et la chanteuse Christine Wanless, pour aboutir à une chanson intemporelle épicée d’un flash occasionnel de bizarrerie art pop.

Un changement subtil s’est produit avec Oblivion, sorti la même année. Le groupe s’est chargé lui-même de la production et a réalisé un disque plus soigné destiné à rivaliser avec les meilleurs groupes de Creation de l’époque. Il serait difficile de trouver un autre disque de pop à guitare fait à l’époque qui l’égale ; des chansons comme « In a Mourning Town » et « She’s Got Diamonds in Her Hair » ont tout le drame captivant, les mélodies langoureuses et les paroles pleines de larmes que l’on peut désirer, et dans l’ensemble, c’est un classique. Love Is Forever n’est pas loin derrière en termes de qualité et a apporté de nouvelles influences comme Neil Young. Les chansons de McGee sont devenues de plus en plus personnelles et déchirantes, et les deux derniers albums du groupe sont essentiellement constitués de l’épanchement de ses tripes au son d’une guitare acoustique. Moins pop avec un grand « P » mais toujours douloureusement efficace. Si le coffret ne contenait que les albums rassemblés, il vaudrait la peine d’être acheté, mais les suppléments en font un rêve pour les fans. Non seulement il y a des démos – dont une pour « She’s Got Diamonds » qui brille comme l’objet en question – mais il y a aussi un set live super fun de 1987, tous les morceaux hors LP et le mini-album perdu Sixteen Velvet Fridays, qui était censé suivre Beat Hotel, mais qui a été mis au placard à la dernière minute. S’ajoute à cela un disque complet de titres des groupes pré-BBP !, The Laughing Apple et Newspeak, ainsi qu’une démo de quatre chansons que McGee a enregistrée avec Jowe Head. Tout cela donne quelque chose d’assez beau ; un artefact approprié pour un groupe qui a créé une des musiques les plus excitantes, les plus mélancoliques et les plus durables du début de l’ère Creation/post-C-86, même si personne ne l’a vraiment remarqué à l’époque.

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Alfie Templeman: « Mellow Moon »

27 mai 2022

Après plusieurs singles, EPs et mini-albums autoproduits à son actif, le premier album d’Alfie Templeman était attendu depuis longtemps par tous ceux qui l’ont accompagné dans cette aventure sucrée.

Avec un catalogue étendu d’expérimentations anguleuses, s’étendant sur quatre ans, se premier disque, nommé Mellow Moon, agit comme un saut dans l’inconnu, car Templeman semble plonger dans ses projets passés pour créer quelque chose de fin.

Ayant grandi à une époque où l’indie/rock était incontournable, l’album est transparent quant aux influences de jeunesse de Templeman. La plume « Folding Mountains » est un parfait hommage à « Distant Past » d’Everything Everything, tandis que « Candyfloss » est plus proche de l’esprit de The 1975 de 2016, avec des synthés audacieux et des connotations de rose. Alors que les influences admirables sont nombreuses, la valeur du mentor musical de Templeman est également ajoutée à l’album. La direction de Tom McFarland (Jungle), collaborateur régulier, s’infiltre dans « You’re A Liar », alors qu’Alfie adopte ce son furtif avec une manipulation de sa voix pour atteindre des pics de falsetto qui balaient sans effort la surface.

Incroyablement, certaines personnes âgées croient encore sincèrement que l’adolescence est le meilleur moment de votre vie, Alfie Templeman se bat pour prouver que ce n’est pas tout. La juxtaposition transparente de « Broken » est l’une des meilleures offres de Templeman sur le disque. Possédant un son hymnique et gai, Alfie présente l’angoisse de l’adolescence moderne et l’anxiété de ne pas être à sa place, chantant de façon poignante « Sometimes I think that I might be broken / Don’t you feel like you’re broken ? » (Parfois je pense que je suis peut-être brisé / Ne te sens-tu pas brisé ?).

Alors qu’il inonde de créativité le moteur de ses morceaux pour générer une base sonore puissante, il devient évident qu’Alfie a parfois besoin d’être ravitaillé en paroles. Le new-wave-esque « Do It » a besoin d’un peu d’entrain et d’imagination, car « Buy my album, show some love / Go to Paris, see some stuff «  (Achetez mon album, montrez de l’amour / Allez à Paris, voyez des trucs) n’est pas à la hauteur.

Osant s’échapper du chaos de son propre esprit, « Take Some Time Away » est un morceau impressionnant qui pourrait facilement fonctionner comme une face B de The Last Shadow Puppets. Exceptionnellement sulfureux avec des sections de cordes et un solo de guitare impressionnant, le morceau est un piédestal pour mettre en valeur les compétences et la polyvalence de Templeman. Et son sens du spectacle ne s’arrête pas là, puisque le dernier morceau, « Just Below The Above », est époustouflant et constitue l’anomalie de l’album en étant le seul morceau lent. Enrobant des essences de Radiohead, Bowie et Pink Floyd, c’est une extase psychédélique qui place le jeune musicien dans son état le plus vulnérable. Mellow Moon est le pays des merveilles expérimental d’Alfie Templeman, qui montre que rien n’arrêtera sa production créative.

***1/2


Peaness: « World Full Of Worry »

11 mai 2022

Pour une fois, lorsque le communiqué de presse utilise l’expression  » longuement attendu  » pour parler d’une nouvelle sortie, on ne peut qu’être d’accord à 100% car ce premier long player du trio de Chester Peaness donne l’impression d’être en route depuis une éternité. Mais ne nous en plaignons pas, il est là et il est étonnant ; ce qui mérite bien qu’on y plonge. World Full Of Worry démarre avec la strate acoustique relativement douce de  » Take A Trip « , une chanson pleine de douceur et d’innocence mais aussi d’une tristesse palpable. L’ancien single  » Kaizen  » augmente considérablement le niveau d’énergie avec ce que l’on ne peut décrire que comme de l’indie-pop punchy et guillerette qui fait mouche. Ces guitares hachées sont de nouveau au premier plan sur  » How I’m Feeling « , une chanson qui parle d’une relation ou d’un travail qui n’est pas satisfaisant et qui détruit l’âme, et dont il faut sortir. Nous sommes tous passés par là, non ? 

La basse massive de  » Girl Just Relax  » est rapidement équilibrée par le riffage paresseux des guitares et vous vous retrouvez au milieu d’un diagramme du mathématicien Venn des années 90, entre Britpop, Shoegaze et Grunge, et vous vous sentez vraiment, vraiment chez vous.

Un de nos morceaux préférés de 2022 est le récent single  » irl  » qui met le  » pop  » dans l’indie-pop avec les harmonies vocales mélodiques de Jessica Branney et Carleia Balbenta formant un puissant rayon de positivité visant directement votre cœur. Le titre intermédiaire  » Doing Fine  » ressemble à l’enfant orphelin de Lush et Bis, tandis que  » Worry  » ressemble à un titre de Long Blondes qui se serait perdu dans le dossier d’un fauteuil vintage.

L’une des merveilles de cet album est qu’il donne l’impression à l’auditeur de rajeunir grâce à l’énergie et aux mélodies de chansons bien construites. La chanson douce ‘Left To Fall Behind’ est empreinte d’une nostalgie lourde avec des lignes telles que « hoping for the best, preparing for the worst » (espérer pour le meilleur, se préparer pour le pire) avant que ‘Whats The Use ? L’avant-dernier morceau,  » Hurts ’til It Doesn’t « , a un côté Looker qui me ramène aux nuits passées sur Kilburn High Road, avant que l’album ne se termine sur le très explicite  » Sad Song « , qui sera joué en boucle par de nombreux jeunes indé lorsque leur relation actuelle connaîtra une fin insatisfaisante. C’est un grand album indé et on peut imaginer beaucoup, beaucoup de gpersonnes le garder près de leur cœur pour un vertain bout de temps en raison du soin, de l’énergie et de la joie pure qui ont été versés dans chaque morceau. Pas mal pour un début. 

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Honeyglaze: « Honeyglaze »

26 avril 2022

Le trio du sud de Londres qu’est Honeyglaze – composé de la chanteuse Anouska Sokolow, du bassiste Tim Curtis et de Yuri Shibuichi à la batterie – n’a peut-être pas la grandiloquence des précédents signataires du label Speedy Wunderground de Dan Carey, mais en écoutant attentivement leur premier album, le groupe se révèle d’une profondeur étonnante. Recueillis par Carey après une courte résidence au Windmill, Honeyglaze propose une indie-pop aride et baroque, proche des Orielles ou de Cate Le Bon, rendue froide et étrange par l’excellente mélodie folk anglaise de Sokolow. Si les premiers titres de l’album manquent de personnalité –  » Creative Jealousy « , en particulier, le disque méritera pourtant des écoutes répétées.

Prenons l’exemple de « Burglar », un titre progressif et inquiétant : avec ses six minutes, sa durée plus longue laisse bien mieux la place au penchant du groupe pour les crochets en forme de trappe et les grooves lénifiants qui se réveillent et se rendorment soudainement comme s’ils étaient frappés d’une malédiction. Deep Murky Water « , un autre morceau marquant, reprend courageusement le riff de  » Don’t Let Me Down  » des Beatles, et utilise des paroles surréalistes et des harmonies hivernales pour renforcer l’ambiance de résignation romantique de cette chanson. Lorsque Sokolow prononce des paroles telles que « You know my body like no-one else does », c’est avec une ambiguïté sévère capable de blesser sérieusement.

« Female Lead « , qui plonge dans la boîte à pansements et trouve un sens de l’humour encore inexploré, est formidablle et le dernier titre de l’album,  » Childish Things « , est une vaste nuit noire de l’âme qui évoque  » Who Knows Where the Time Goes  » de Fairport. Il y a de quoi alimenter le soupçon que ce groupe pourrait valoir une douzaine de contemporains post-punk plus évidents du sud de Londres.

Ce premier album aurait-il pu être amélioré par des arrangements plus complets et peut-être une plus grande expérience de la scène ? Bien sûr, mais le fait que le groupe mentionne Broadcast à plusieurs reprises dans des interviews suggère des domaines spectraux où ce projet pourrait sûrement mener à l’avenir. Un début discret mais très engageant. Il faudra patienter un peu pour savoir si la saveur initiale de l’album se confirme..

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The Jeanines: « Don’t Wait for a Sign »

24 avril 2022

L‘approche indie-pop des Jeanines est la simplicité même. Le duo composé de la chanteuse/guitariste Alicia Jeanine et du bassiste/batteur Jed Smith ne fait rien de compliqué ; il se contente de faire des disques qui capturent parfaitement l’esprit de C-86, sans chichis, et de livrer de grandes chansons avec du cœur et un sens aigu du détail. Leur premier album éponyme était parfois un peu hésitant, comme s’ils étaient encore en train de chercher à savoir exactement à quoi ils voulaient ressembler. Avec Don’t Wait for a Sign, tout devient plus clair. Les chansons sont plus tendues, la production est plus percutante et, surtout, Jeanine a l’air plus sûre en tant que chanteuse. On ne la confondra jamais avec Adele, mais sa voix rocailleuse transmet autant de chagrin, de joie et d’incertitude que n’importe qui travaillant deux fois plus dur. La façon dont elle minimise les émotions s’accorde parfaitement avec la batterie discrète, la basse mélodiquement agile et les guitares qui s’entrechoquent. Plus encore que le premier album, celui-ci est rempli de chansons qui ne se contentent pas de rappeler les points forts des groupes indie pop précédents, mais qui demandent à être considérées dans le même esprit. Le morceau d’ouverture « That’s Okay » est un morceau de pop court et vif qui associe une assurance chaleureuse à des harmonies vocales ; « Any Day Now » a des progressions d’accords magiques, un refrain agréable et, encore une fois, des harmonies vocales de premier ordre, tandis que « People Say » est une belle ballade midtempo qui a la tristesse du premier Aislers Set incorporée et un jeu de guitare néo-psychique par-dessus.

Ce ne sont là que les trois premières chansons, et la sortie est déjà profondément ancrée dans la mémoire ; le reste de l’album ne manque pas de rythme. Jeanine et Smith s’appuient sur le cadre qu’ils ont établi de manière intéressante sur « Got Nowhere to Go », qui ressemble à un single de Beau Brummels, s’enfoncent dans la mélancolie sur la chanson larmoyante « Never Thought », et ajoutent des guitares acoustiques à « Turn on the TV ». Les changements sont mineurs mais ils fonctionnent bien pour élargir le son de manière importante. Les Jeanines se sentent toujours très à l’aise et presque douloureusement racontables ici ; la différence est similaire à l’augmentation du contraste sur un écran ou à la syntonisation d’une station de radio légèrement floue : tout saute un peu plus et coupe un peu plus profondément. Parfois, sur leur premier album, ils avaient l’air d’un groupe de fantaisie avec leur approche rétro parfaite, mais ici, ils sonnent comme un groupe sérieux, du genre à briser des cœurs et à changer des vies.

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Tim Kasher: « Middling Age »

19 avril 2022

Après avoir publié un troisième album solo intime et théâtral, No Resolution en 2017 — qui a doublé la bande-son de ses débuts dans le cinéma — Tim Kasher s’est reconverti avec Cursive, plus sombre et plus agressif. Son groupe a publié une paire d’albums avant que le début de la pandémie de COVID-19 n’oblige les musiciens à quitter la route tout en augmentant l’opportunité et la provocation pour la rumination existentielle. Middling Age trouve l’auteur-compositeur — 46 ans au moment de sa sortie — plongeant profondément dans l’incertitude, la peur de la perte et une auto-évaluation inconfortable. L’album a été enregistré avec l’ingénieur Jason Cupp (American Football, Ratboys), à qui Kasher a attribué le son relativement dépouillé de l’album. Les rockers en colère sont toujours de la partie, notamment l’entraînante et distordue « Life Coach », qui renforce la batterie par une section de cuivres, mais en moyenne, Middling Age privilégie la réflexion malaisée à la catharsis. « What Are We Doing », par exemple, utilise une batterie active et une basse électrique, mais l’arrangement est tempéré par une flûte et des cordes, ainsi que par un refrain qui voit sa section rythmique se replier sur la cloche de la cymbale et la basse qui marque la mesure.

Après un bref prologue, la chanson d’ouverture « I Don’t Think About You » est une ballade acoustique à la McCartney, avec des chœurs de Megan Siebe et des paroles qui prouvent que le titre est ironique : « Am I torturing myself?/These maudlin mementos aren’t good for my health/Perhaps I don’t want to be well »(Est-ce que je me torture ? /Ces souvenirs larmoyants ne sont pas bons pour ma santé/Peut-être que je ne veux pas être me sentir bien). Plus loin dans la liste des pistes, une autre entrée (principalement) à la guitare acoustique avec un titre ironique, le méandre psychique « You Don’t Gotta Beat Yourself Up About It », s’ouvre sur la ligne « Je ne veux pas être oublié » avant que la notion d’héritage ne s’enlise dans l’histoire coloniale violente de l’Amérique et le comportement capitaliste insatisfaisant. On en arrive finalement à « This is my life’s work/Questioning my worth » (Voici le travail de ma vie/Me questionner sur ma valeur). Se déroulant comme une collection d’essais engageants à la première personne, l’album se termine sur la chanson « Forever of the Living Dead », branchée et couverte, à laquelle participent Jeff Rosenstock et Laura Jane Grace, ainsi que la nièce de Kasher, âgée de neuf ans, qui termine l’album en répétant « Forever seems so far away/But forever’s just a day away », éventuellement sans accompagnement. Loin d’offrir des réponses, Middling Age s’attarde sur « ce qui va suivre », ce qui est peut-être son album solo le plus profond – et le plus mélodieux – à ce jour.

***1/2


Lucius: « Second Nature »

16 avril 2022

Sur leur deuxième album, Good Grief, les quatre membres du groupe Lucius de Brooklyn ont parfaitement réinventé leur jeu. Des cendres de leur premier album indie-folk est né un retour électrisant à la dance-pop des années 80 et 90, grâce à l’allure assurée des harmonies enivrantes de Jess Wolfe et Holly Lasseig. Cette euphorie vocale, soutenue par les instruments fascinants de Dan Molad et Peter Lalish, a résisté à plus d’une demi-décennie d’épreuves et de tribulations, pour aboutir à Second Nature, le disque le plus concis de Lucius à ce jour.

Sur le premier single, « Next to Normal », Lasseig et Wolfe chantent sur des guitares psychédéliques et une batterie à plusieurs niveaux (des bongos ? !) en remerciement de leur relation – le lien de co-écriture qui a donné naissance à Lucius. Cela ouvre la voie à un album qui vise à surmonter les inévitables réalités de la vie grâce au pouvoir de la musique et du mouvement. Des chansons comme « Dance Around It » et « Second Nature » vont directement dans ce sens, proclamant fièrement « Our love’s burning out, we’ll keep dancing around it » (Notre amour s’éteint, nous continuerons à danser) sur une combinaison infectieuse de guitare distordue et de batterie rapide qui sonne comme une version Top 40 du disco. Même l’indéniablement entraînant « Promises » utilise sa durée pour canaliser des sentiments blasés avec jubilation alors que les dames réprimandent un amant méprisé avec « Promises/Empty like the bed you sleep in » (Promesses/Vides comme le lit dans lequel tu dors). La production de Sheryl Crow est ici la plus présente.

Lasseig & Wolfe ne sont pas toujours aussi timides, cependant. Sur les ballades « 24 » et « White Lies », leur voix au cœur brisé occupe le devant de la scène. C’est lorsque les paroles ne se cachent pas derrière la musique que les choses deviennent sérieuses, canalisant des harmonies irrésistibles avec des mots émouvants. Sur « The Man I’ll Never Find », les deux compères proclament désespérément : « I wish it was worth the work and I wasn’t tired/I can’t just stop and try to fix it if I know that it was never right (J’aimerais que le travail en vaille la peine et que je ne sois pas fatiguée, je ne peux pas m’arrêter et essayer d’arranger les choses si je sais que ce n’était pas bien).

Second Nature ne se concentre pas toujours sur les moments difficiles, cependant. « LSD » s’abandonne aux joies séduisantes de la romance – dans ce cas, l’acronyme signifie bassement amour si profond(love do deeply). « Heartbursts » fait honte aux génériques de John Hughes avec son refrain follement joyeux « Better give your heart than never give at all » (Mieux vaut donner son cœur que de ne jamais donner du tout) sur une batterie percutante et des touches rêveuses. Cette dichotomie entre la tristesse et la joie est bien résumée par « Tears In Reverse », qui demande où il faut mettre la faute, en proposant « What comes first/Wanting the water or feeling the thirst ? » (Qu’est-ce qui vient en premier ? Vouloir l’eau ou ressentir la soif ?). La solution de la chanson, bien sûr, est de transformer tout ce qui est en quelque chose de significatif.

Avec leur troisième album, Lucius fait de leur mélange de ballades et de pop indé un tout, tissant thématiquement des fils de chagrin et d’espoir pour brouiller la ligne entre leurs plus profondes cicatrices et leurs plus grands exploits. Et si Second Nature médite sur les deux, il est difficile de nier qu’il appartient à la deuxième catégorie.

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Yumi Zouma: « Present Tense »

15 avril 2022

Present Tense, le quatrième album du quatuor néo-zélandais Yumi Zouma, vise une évolution plutôt qu’une révolution en termes de sonorité globale. Le groupe – composé de Josh Burgess (chant, guitare), Charlie Ryder (guitare, basse, clavier), Christie Simpson (chant, clavier) et Olivia Campion (batterie) – préfère avancer progressivement plutôt que de faire un grand saut sonore. Après tout, ils ne sont pas exactement réputés pour leur rock ‘n’ roll sauvage, et le changement est donc plus subtil que sismique.

Malgré cela, le groupe semble plein d’énergie, et il est difficile d’écouter cet album sans se dire que tout cela était plutôt charmant. Un problème courant avec la beauté est qu’elle peut commencer à sonner un peu comme de la vanille. Heureusement, Yumi Zouma évite ce genre d’écueil grâce à la qualité de son écriture.

Après avoir sorti leur précédent album, Truth or Consequences, le jour même où une pandémie mondiale a été déclarée, ce qui les a obligés à annuler leur tournée américaine, le groupe s’est dispersé dans ses différentes maisons à travers le monde, à Londres, New York et en Nouvelle-Zélande. En raison de leur logistique géographique, les membres du groupe ont toujours été habitués à enregistrer à distance. Sans savoir quand la pandémie se résorberait, ils ont décidé de travailler sur un nouvel album. Ils ont donc passé beaucoup plus de temps sur Present Tense que sur les albums précédents. « Nous avions l’habitude de fonctionner à l’adrénaline, et si une chanson ne fonctionnait pas, nous la tuions dans l’œuf et passions à autre chose. Ce processus nous a donné l’occasion de nous asseoir avec les chansons et de les repenser jusqu’à ce qu’elles aient l’impression d’avoir leur place dans la collection », explique Josh Burgess.

Cela se voit tant Present Tense est une collection de chansons méticuleusement élaborée, un album doux-amer et évocateur qui défile devant vous comme un rêve pastel nostalgique. Chaque note, chaque rythme, chaque inflexion est parfaitement jugée et placée avec un sens aigu de l’objectif.

Le groupe est connu pour sa dream pop mélodique et discrète et Present Tense s’écoule généralement à un rythme majestueux et nuancé. Cependant, lorsqu’ils accélèrent le rythme – sur des morceaux tels que « In the Eyes of Our Love », qui a un soupçon de Fleetwood Mac de l’époque de Tango In the Night, « Where the Light Used to Lay » et « Of Me and You » – la voix lisse comme du caramel de Simpson peut briller et les résultats sont rarement moins qu’éblouissants. Les morceaux plus lents, comme le très beau et sombre « Astral Projection », qui clôt l’album, fonctionnent tout aussi bien – les mélodies sont parfois presque trop parfaites. Present Tense est une collection de chansons chatoyantes qui vous conduisent à travers un labyrinthe musical immersif en passant par une large gamme d’émotions, et c’est certainement un album dans lequel il faut se perdre.

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Wallows: « Tell Me That’s Over »

30 mars 2022

En 2019, Wallows posait la question essentielle : « Are You Bored Yet ? » (Vous vous ennuyez déjà ?). Trois ans plus tard, ils sont de retour avec leur deuxième album Tell Me That It’s Over. Une chose est sûre : toute question d’ennui est effacée de l’ardoise et Tell Me That It’s Over est un plaisir non stop, non dilué.

Avec un souffle vivifiant et stabilisant, « Hard to Believe » explose. C’est cette hésitation initiale qui domine l’album : comme si Wallows avait eu une grande prise de conscience et qu’ils étaient juste nerveux de la dévoiler. Au fil du temps, cependant, ils s’installent dans cette situation et se l’approprient. Depuis l’album Nothing Happens en 2019, le groupe a entamé une courbe d’apprentissage et ce nouvel opus présente un nouveau Wallows : ils sont plus attentifs, plus astucieux et prêts à montrer leur vrai visage sur ce disque.

C’est une démarche intrépide mais intrinsèquement douce : après avoir fait le tour de la question, ils en ressortent avec un verre à moitié plein. Tell Me That It’s Over est un ressort sonore dans votre démarche ; après avoir lutté pour trouver leurs marques et déchiffrer qui ils pourraient être, ils ont laissé tomber l’incertitude. Au lieu de cela, ils regardent l’avenir avec des yeux brillants. Il y a un mysticisme étourdissant dans des morceaux comme « Permanent Price », un titre lié à l’amour et dosé d’harmonies aériennes, une ode à une relation rédemptrice. 

C’est sans aucun doute l’album le plus romantique de Wallows à ce jour – romantique dans le sens où il est plein d’espoir, imaginant votre avenir en cinq secondes d’engouement. Il évoque le même sentiment par des chemins différents : « Missing Out » est une pensée persistante dont vous ne pouvez vous débarrasser, tandis que sur le plan sonore, « Hurts Me » et son synthétiseur lourd et joyeux décrit le vertige de ces semaines dans l’éther. Bien sûr, Wallows est toujours sérieux et réel – la douleur se fait parfois sentir, et ce n’est pas toujours l’extase absolue. Mais même lorsqu’ils chantent qu’ils se sentent stupides en amour et qu’ils en affrontent les répercussions, il y a un sentiment d’affection qui fait que l’album donne l’impression de tomber la tête la première. 

Ils sont plus audacieux dans leur expérimentation qu’auparavant, donnant la priorité à la passion et à l’excitation plutôt qu’à la satisfaction des gens. Tout est livré avec un sourire malicieux et c’est dans ces moments que Wallows est à son meilleur. Des morceaux comme « At the End of the Day « peuvent polariser ceux qui sont habitués à la bedroom-pop directe sur laquelle Wallows s’est fait les dents, mais son chant amoureux et sa production étincelante et exaltée semblent toucher le cœur de ce que le groupe essaie d’accomplir ici. C’est un album rempli d’un espoir absolu : ils ont fouillé les profondeurs de leurs âmes et en sont ressortis assurés de l’euphorie à venir. 

Il y a une certaine tranquillité dans cette prise de conscience – il y a moins de moments vraiment turbulents. Au lieu de cela, il y a une contemplation et une paix intrinsèque au groupe. Ils essaient d’être la meilleure et la plus vraie version d’eux-mêmes, et ils y parviennent en s’amusant dans divers domaines de l’indie et de la pop. Alors que « Guitar Romantic Search Adventur »’ – l’un des meilleurs morceaux de l’arsenal du groupe jusqu’à présent – sort de l’album, l’erreur de prudence qui a précédé l’album a disparu depuis longtemps. Ils sont sans équivoque sûrs d’être là où ils sont, et Tell Me That It’s Over vous fait espérer que c’est exactement là où ils resteront. 

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Peter Doherty & Frédéric Lo : « The Fantasy Life Of Poetry And Crime »

22 mars 2022

Le calme est revenu autour de Peter Doherty. Du moins lorsqu’il s’agit des gros titres de la presse à sensation. Rien d’étonnant à cela, puisque l’ex-Libertine vit depuis quelque temps isolé dans un petit village de la côte normande. Au lieu d’errer dans les rues de Londres, il préfère se promener dans la forêt avec ses chiens. Il ne possède même pas d’ordinateur ou de téléphone portable, explique Doherty dans l’interview. Récemment, le chanteur, qui dit être abstinent depuis deux ans, s’est marié avec Katia de Vidas, sa collègue de groupe au sein des Puta Madres. Peter Doherty semble donc être arrivé, et cela s’entend dans The Fantasy Life of Poetry & Crime.

Le Britannique semble avoir les pieds sur terre. Alors qu’auparavant, il marmonnait à travers les lignes de ses chansons, il est désormais étonnamment clair. Il n’a en aucun cas perdu de son charme. Il faut bien sûr noter que l’album n’est pas un projet solo de Doherty. Frédéric Lo, qui compose la musique et a déjà collaboré avec des grands noms de la musique comme Stephan Eicher et Pony Pony Run Run, joue un rôle tout aussi important.

Lo et Doherty se sont rencontrés dans le cadre d’un projet d’hommage au musicien Daniel Darc. Comme Doherty n’avait plus composé de nouvelles chansons à la guitare depuis deux ans par manque d’inspiration, il s’est concentré exclusivement sur les paroles. Ce qui est remarquable, c’est que les mélodies sonnent parfois comme si elles avaient été écrites par Doherty. A la différence que les chansons – et c’est là que la fine plume de Lo entre en jeu – sont produites jusque dans les moindres détails.

La pop se mêle à des éléments de chansons, parfois des cordes et des cuivres s’y ajoutent, à d’autres moments le piano domine. The Fantasy Life Of Poetry And Crime ouvre l’album de manière pompeuse avec des cuivres, des violons et une guitare. « The Epidemiologist » est un morceau de piano à cordes silencieux dans lequel Doherty jette un regard sur le rôle des épidémiologistes : « I search and I search / I lurch headlong into atrocities / With an exponential known only to epidemiologists » (Je cherche et je cherche / Je fonce tête baissée dans les atrocités / Avec une exponentielle connue seulement des épidémiologistes), chante-t-il. Sur « Yes I Wear A Mask », le troubadour reprend également de manière métaphorique un thème de la coronapandémie. « Oui, je porte un masque – en moi », admet Doherty.

« Rock & Roll Alchemie » fait penser aux Babyshambles et est plus rapide. « The Monster » sonne comme si l’intro avait été composée par Yann Tiersen, mais les mélodies s’assemblent ensuite avec délicatesse en un morceau violon-guitare dans lequel la voix de Peter joue le rôle principal. C’est le point culminant de l’album.

Avec « Abe Wassenstein », on peut facilement imaginer que les chansons du disque ont été écrites à la table de la cuisine. Frédéric Lo prend la guitare en main, Doherty fredonne les premières lignes et les fragments d’une nouvelle chanson se forment lentement. Insouciant, spontané, dans le plus pur style de l’auteur-compositeur-interprète. Ne nous restera plus qu’à espérer que ce ne sera pas la seule collaboration entre les deux artistes.

***1/2