Sylvie: « Sylvie »

28 octobre 2022

Membre de la scène psychédélique de Los Angeles ayant joué dans des groupes comme Golden Daze et Drugdealer, Ben Schwab a eu l’idée de créer son propre projet, Sylvie, après avoir trouvé une boîte de cassettes de 1975 enregistrées par son père, John Schwab, et ses camarades. Sans imiter le groupe (Mad Anthony, qui n’a jamais signé), il s’est plongé dans l’ambiance et les textures de la scène réfléchie de Lauren Canyon et de la pop d’auteur-compositeur-interprète des années 70 pour les débuts nostalgiques de son projet. L’une des chansons figurant sur les cassettes était une reprise de « Sylvie » de Matthews Southern Comfort, et le jeune Schwab a pris l’habitude d’appeler les chansons découvertes « Sylvies » avant d’adopter ce surnom pour son projet et son premier album éponyme.

Dans la lignée de l’époque du Laurel Canyon ainsi que de sa scène contemporaine, on retrouve une approche collaborative des morceaux réalisés pour la plupart par Schwab et enregistrés dans son garage de Silver Lake. L’album a été mixé par Jarvis Taveniere de Woods. La chanteuse Marina Allen est invitée à chanter sur le morceau d’ouverture « Falls on Me », ce qui donne à l’album un caractère chaud et doux, sur une chanson qui parle de chagrin d’amour et de retour à la maison. Le titre fait également appel à des collaborateurs tels que le guitariste pedal steel Connor Gallagher, le batteur Sam Kauffman Skloff et le corniste JJ Kirkpatrick. Allen réapparaît plus tard, sur le morceau « Further Down the Road », tandis que Sam Burton prend la tête du groupe sur deux autres morceaux, dont le morceau « Sylvie », rêveur et imprégné de pedal steel. La septième piste, « 50/50 », est un instrumental langoureux, agrémenté de cordes, précédé d’un segment de conversation enregistrée entre les deux Schwab au sujet des cassettes. Au moment de la sortie de l’album, on ne savait pas si d’autres Sylvie suivraient, mais Schwab a rendu public son intention de publier les bandes de Mad Anthony.

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The Orielles: « Tableau »

11 octobre 2022

The Orielles sortent leur nouvel album, Tableau, un disque véritablement contemporain qui dépasse largement les limites musicales atteintes par leurs précédents albums Silver Dollar Moment (2018), Disco Volador (2020) et La Vita

Olistica (2021). L’opus a été autoproduit en collaboration avec Joel Anthony Patchett (King Krule, Tim Burgess). Outre l’adoption d’une production contemporaine du 21e siècle, The Orielles ont utilisé des concepts issus du monde de l’art et du minimalisme pour créer Tableau. Sidonie a fait des recherches sur la méthode de notation graphique du trompettiste et compositeur Wadada Leo Smith, nommé au prix Pulitzer. Ils ont également utilisé Oblique Strategies – les cartes à jouer conçues pour favoriser la créativité, créées par Brian Eno et l’artiste Peter Schmidt au début des années 1970.

Le résultat est un double album qui mérite une immersion sérieuse, aussi complexe que diversifiée. Bien que Tableau soit susceptible de remettre en question les idées préconçues, c’est quelque chose que le groupe suggère de faire depuis un certain temps déjà.

« Tout au long de notre carrière, nous avons dû faire nos preuves », explique Henry. « On ne peut pas non plus dissocier l’âge et le sexe », ajoute Esmé. « Les gens déprécient notre âge parce qu’ils voient des femmes dans le groupe. Alors que les groupes de garçons, s’ils ont dix-huit ans, c’est apparemment exactement ce que les gens veulent voir ». Le fait d’être originaire d’une petite ville de l’ouest du Yorkshire a peut-être contribué à cette situation, mais Sidonie rétorque que « le fait d’être originaire d’Halifax a également été une bénédiction, cela a permis de contenir nos égos ».

Mais peut-être plus que tout cela, Tableau est aussi simplement le produit de la télépathie unique entre trois musiciens singuliers qui ont grandi en symbiose depuis plus d’une décennie maintenant – simplement tous les trois dans une pièce.

Si vous voulez avoir un avant-goût de la qualité de l’album, allez directement à « Beam/s », un magnifique morceau de 7 minutes et 53 secondes d’une dream pop céleste en constante évolution et qui annonce ce véritablement exceptionnel Tableau.

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Broken Bells: « Into the Blue »

10 octobre 2022

Cela fait un peu plus d’une décennie que le monde a découvert les créations colorées de Broken Bells. La combinaison du super producteur Danger Mouse et du frontman de The Shins, James Mercer, s’entraide pour explorer de nouvelles sonorités et de nouveaux tempos qui aboutissent à leurs albums acclamés par la critique. Leur vision unique de l’indie-rock a connu un succès immédiat et leur premier album éponyme de 2010 a été nommé aux Grammy Awards. La suite, After the Disco en 2014, était remplie à ras bord de titres up-tempo et dansants qui penchaient davantage du côté de la pop. Après une longue attente, le duo a refait surface avec un tout nouveau LP qui continue d’élargir le son du groupe. Into The Blue est la suite de 9 chansons de leur deuxième album, qui met en valeur le côté plus sentimental du groupe. 

Broken Bells a remplacé les tempos prêts à chanter d’After The Disco par des ballades aux proportions presque orchestrales. Du côté de la production, on entend Danger Mouse créer des instruments plus grands que nature qui remplissent vos enceintes de textures cosmiques. Ces chansons atteignent un équilibre spécial en sonnant à la fois spacieuses et grandioses, extrêmement concentrées mais ouvertes, ce qui apporte un sentiment d’imprévisibilité de la meilleure façon possible. Aucune chanson ne le prouve mieux que la luxuriance de 7 minutes de la piste 4, « Love On The Run ». La section de cuivres d’ouverture vous permet de vous mettre à l’aise alors que le reste de la chanson présente des tournures sonores qui s’amplifient pour créer une plate-forme d’atterrissage douce pour les douces mélodies de Mercer. Cette formule gagnante se poursuit tout au long de l’album, enchaînant toutes ces chansons pour créer un projet incroyablement cohérent.

Alors que les instruments fournissent tant de textures lumineuses, l’ingrédient clé ici est le travail vocal de Mercer. Into The Blue présente des harmonies parmi les plus impressionnantes de l’année, un véritable chef-d’œuvre de superposition vocale. Cela est évident dès le début avec la lenteur de la première piste, « Into The Blue », qui commence par une performance angélique de Mercer. Les synthés bourdonnants qui donnent le coup d’envoi sont bientôt rejoints par des jets de croonage de l’artiste qui vous attirent subtilement. Lorsque la chanson s’enfle et que Mercer entame sa ballade, ces harmonies initiales servent maintenant de chœurs, ajoutant à cette chanson déjà bien structurée. Il y a un sentiment de nostalgie dans le travail vocal de Mercer sur cet album, un sentiment de passion non filtrée qui anime sa performance et crée un sentiment d’intimité tout au long de cet album. 

Alors que tout sur cet album semble tourner autour de la grandeur de ses textures sonores, les paroles de Mercer ajoutent une belle touche personnelle. Ce n’est pas une surprise pour les fans de longue date de l’artiste, mais cette fois-ci, il recontextualise ses textes personnels pour les adapter aux instruments, donnant à l’ampleur de la production la douceur nécessaire. Si la production de Into The Blue donne l’impression de flotter dans une piscine, les paroles mélancoliques de Mercer sont les nuages de pluie qui s’attardent au-dessus de nos têtes pour nous ramener à la réalité. Lorsque ces deux éléments se combinent, on obtient de la poésie en mouvement, ce qui montre bien à quel point l’alchimie est forte au sein de Broken Bells. 

Lorsque deux artistes bien établis s’unissent et mettent leur ego de côté pour le bien de la musique, vous obtenez Broken Bells. Les paroles toujours déchirantes de Mercer, combinées à la capacité de Danger Mouse à créer des instruments luxueux, donnent à Into The Blue sa personnalité colorée. Au cours des 40 minutes que dure l’album, le duo explore de nouveaux territoires, tandis que les textes poétiques de Mercer maintiennent les instruments de Danger Mouse en équilibre.

***1/2


Alvvays: « Blue Rev »

10 octobre 2022

Alvvays a donné à son troisième album le nom d’une vodka caféinée, mais Blue Rev ressemble moins à un buzz hyperactif qu’à l’écrasante gueule de bois du lendemain matin : chaotique, anxieusement surstimulé et teinté d’une mélancolie pleine de regretsLes deux premiers albums du groupe torontois ont perfectionné leur marque de pop indé classique, avec le premier album éponyme en 2014 qui canalisait la boue lo-fi du blog-core de la fin des années 80 et Antisocialites en 2017 qui polissait à la fois leurs paysages sonores et leurs chansons accrocheuses. Alvvays était potentiellement prêt à faire un grand saut dans le grand public – peut-être avec une synthpop élégante comme tant d’autres avant eux, ou peut-être un tournant dans l’écriture de chansons de bon goût.

Blue Rev prend plutôt un virage vers des paysages sonores plus durs et des compositions plus complexes et obtuses. Il n’y a rien ici d’aussi instantanément gratifiant que les méga-chorus du passé comme « Marry Me, Archie » ou « Dreams Tonite » ; au lieu de cela, le premier titre et single de Blue Rev, « Pharmacist », est une explosion de deux minutes de noise pop nerveuse et un solo de guitare qui est plus un feedback qu’une mélodie. Ce n’est pas une fausse piste, mais le signe d’un album difficile où les mélodies dorées de la chanteuse Molly Rankin sont trempées dans des dissonances shoegaze.

Blue Rev a été produit par le grand manitou Shawn Everett (Kacey Mugraves, The War on Drugs), lauréat d’un Grammy, qui a fait jouer l’album deux fois au groupe, en direct du studio, puis a passé le reste du processus d’enregistrement à bousiller méticuleusement les enregistrements. Le chaos contrôlé de cette approche peut être entendu dans les moindres détails – la façon dont la voix de Rankin se déforme et fait écho sur le synthé flou « Very Online Guy », ou le phaser qui renforce les fills de batterie menant au refrain final de « Many Mirrors ».

L’écriture des compositions est tout aussi minutieuse et difficile à analyser : les baisses et les hausses imprévisibles de la mélodie vocale de Rankin sur « Easy on Your Own ? » ressemblent plus aux Dirty Projectors qu’aux références K Records des albums précédents d’Alvvays, et la power ballade « Belinda Says » a un changement de tonalité ascendant – une astuce empruntée directement à « Heaven Is a Place on Earth » de Belinda Carlisle, une chanson citée dans les paroles.

Avec plus de complexité sonore et compositionnelle, il serait facile d’ignorer que ces 14 titres sont, à la base, des chansons classiques des Alvvays : « Many Mirrors » a des arpèges qui s’entrechoquent et un refrain qui réfracte la lumière et qui n’a rien à envier à n’importe quelle accroche d’Antisocialites, tandis que « Easy on Your Own ? » est un récit absolument dévastateur de l’absence de but du début de l’âge adulte, avec Ranking qui demande plaintivement « Comment puis-je évaluer / Si c’est de la stase ou du changement ? Chaque chanson est remplie d’images aussi vivantes que des photographies, qui se précisent au fil des écoutes : « Pleurer au drive-in dans un milkshake » sur le boppy « After the Earthquake », ou « Une armoire pleine de dentelle acquise récemment » sur « Velveteen ». Le jangle très Smiths de « Pressed » s’enfle en un magnifique outro de « I won’t apologize for something I’m not sorry for », Rankin faisant rimer « apologize » avec des non sequiturs d’une perfection étourdissante : « Ce cocktail est trop cher » et « Eau bénite, zeste de citron ».

La plupart des morceaux durent moins de trois minutes et sont remplis à ras bord d’interludes de synthétiseurs, de larsens et de bribes de boîtes à rythmes. C’est l’album le moins pénétrable et le plus difficile d’Alvvays, mais il conserve les meilleures qualités du groupe, sonnant à la fois chaotique et laborieux.

***1/2


Two Door Cinema Club: « Keep on Smiling »

7 septembre 2022

Trois ans et demi après False Alarm en 2019, voici le cinquième album du trio nord-irlandais Two Door Cinema Club. Connu pour avoir plus de rebondissement que la moyenne des groupes, leur marque d’électro pop teintée de guitare a gagné les cœurs, les esprits et les ventes dans une mesure à peu près égale.

Confondant les attentes dès le départ, le nouvel album est proprement (presque) conclu par deux instrumentaux, le sombre « Messenger AD » et son avant-dernier morceau « Messenger HD ». Le premier rappelle les beaux jours de John Carpenter (ou de Stranger Things, selon votre âge). D’une durée de près de trois minutes, c’est un choix courageux pour introduire l’album.

C’est aussi une sorte d’épaulement, une fausse piste, bien qu’intéressante. Ce qui suit tombe, en gros, dans des chants indie-synthétiques bizarres et anguleux, et dans une pop radio-friendly dense et stratifiée, conçue pour les stades et le Stateside. Ou peut-être pour les stades des États-Unis, étant donné le calendrier des tournées du groupe pour les prochains mois.

C’est la première option qui convient le mieux aux forces du groupe. Keep On Smiling prend vie lorsque le groupe est dans son élément de danse indie, lorsqu’il joue rapidement et de manière croisée, avec un rythme effréné. C’est dans ces eaux que les mélodies accrochent le plus. Le récent single « Lucky » se déroule à un rythme motorisé, avec une ligne de basse qui va de pair, et fournit la plateforme parfaite pour les synthés sucrés et leur falsetto familier.

En parlant de familier, il y a des points de référence fugaces qui apparaissent à travers cette collection : le « Sledgehammer » de Peter Gabriel, le phrasé pop pur d’Aztec Camera, et même une touche de Chris Isaaks sur le morceau « High », qui permet de respirer à mi-chemin, semblent tous avoir atterri dans le creuset de Two Door.

Jusque-là, tout va bien. Cependant, que ce soit le groupe qui essaie d’étoffer son son ou les producteurs qui mettent trop de viande sur l’os, il y a des occasions où la production devient trop dense, laissant aux chansons trop peu d’espace pour respirer. « Wonderful Life » est présenté comme un retour à l’énergie des premiers albums du groupe mais, au fur et à mesure que la chanson progresse, elle met tout en avant tout en hurlant ses intentions. De même, le morceau « Disappearer », excessivement compressé et étrangement auto-tuné, semble être un choix étrange pour clore l’album, sacrifiant la nuance ludique pour une batterie lourde et trop de couches. 

C’est dommage car, dans une forêt de groupes habillés en camouflage indie, les mélodies et les accroches de Two Door Cinema Club restent des valeurs sûres. Ils ont juste besoin de s’assurer qu’ils ne crient pas trop fort pour être entendus.

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The Orchids: « Dreaming Kind »

3 septembre 2022

De retour après leur première sortie depuis 2015, le groupe de Glasgow The Orchids présente ici Dreaming Kind, 13 pistes d’indie pop complexe et groovy centrées sur des idées de futilité romantique, de mauvaise communication involontaire et de déchirement confus qui survient lorsque deux personnes réalisent qu’elles pourraient ne jamais être sur la même page.

Le morceau d’ouverture « Didn’t We Love You » est un titre brillant et énergique avec des guitares qui roulent et « Limitless #1 (Joy) » est une suite dynamique, révélant une des premières forces de cet album, à savoir la douceur avec laquelle un titre s’enchaîne au suivant. « What Have I Got to Do » s’ouvre sur une montée de cordes cristallines, presque comme des cloches, Hackett chantant « what have I got to do to make you love/now I’m on my knees, would you take a look at me ? », des lignes qui résument les thèmes récurrents de l’album d’un interlocuteur se sentant perpétuellement à moitié entendu, à moitié compris et ne sachant pas comment avancer. Le morceau le plus fort, et le meilleur exemple de la variation stylistique de l’album, est le début de « I Never Thought I Was Clever » avec sa guitare d’ouverture dramatique, juxtaposée aux quatre premiers morceaux qui la précèdent, mais qui devient plus ensoleillée à la fin, atteignant le groove vocal froid d’un groupe comme Real Estate. Plus tard dans l’album, sur un titre comme « I Don’t Mean to Stare », qui s’ouvre sur un dialogue enregistré fantomatique, des touches de cor accompagnent la mélodie bondissante de la batterie à claques qui sous-tend l’ensemble du morceau, Hackett chantant « Didn’t I, didn’t I see the love in your eyes » (N’ai-je pas, n’ai-je pas vu l’amour dans tes yeux ?), une autre référence au sentiment d’incertitude et de confusion qui traverse la plupart de ces morceaux.

Les deux dernières pistes semblent tendre vers une résolution, l’avant-dernière piste « I Want You I Need You » est franche et confessionnelle, Hackett chantant « I don’t know why I got a feeling it will all work out/it seems to me there’s more to life than we’ll ever need » (Je ne sais pas pourquoi, j’ai le sentiment que tout va s’arranger. Il me semble qu’il y a plus dans la vie que ce dont nous aurons jamais besoin.) suivie de la conclusion offerte dans « Limitless #2 (Hurt) » qui ralentit considérablement, mélancolie et rejet, Hackett étirant chaque mot, chantant « I never thought you could be/as cruel as you are to me/all the words you used to use/that got me all so confused/I’m used to » ( Je n’ai jamais pensé que tu pouvais être aussi cruel que tu l’es avec moi, tous les mots que tu utilisais, qui m’ont rendu si confuse, je suis habituée à…) des lignes qui fournissent un élément de clôture à l’album.

Il est bon de rappeler que The Orchids fait de la musique depuis plusieurs décennies maintenant, leurs premiers travaux datant de la fin des années 80, et il y a des moments tout au long de l’album où il est encore possible, avec les synthés et le travail de guitare, d’évoquer des groupes comme R.E.M et The Smiths s’ils avaient des paroles plus poppées et plus structurées. En fin de compte, il s’agit d’une musique polie, joyeuse et bien produite par un groupe qui le fait depuis longtemps, et d’un ajout digne de ce nom à une vaste carrière commune.

***1/2


beabadoobee: « Beatopia »

17 juillet 2022

Dans le sillage de son premier album, Fake It Flowers, Bea Kristi a fait l’objet d’une attente injuste. L’artiste qui se produit sous le nom de beabadoobee a été saluée par une partie de la presse musicale comme le signe que sa musique, clairement inspirée du rock alternatif des années 90, pouvait trouver un écho auprès d’un nouveau public et infiltrer la culture populaire. En raison de ses débuts sur TikTok, Kristi était un missionnaire potentiel pour un sous-ensemble de la culture qui sentait son influence sur les jeunes diminuer. Et bien que sa musique incorpore le rock indépendant de ses idoles – elle a écrit une chanson intitulée « I Wish I Was Stephen Malkmus » – ses chansons sont écrites à partir d’un lieu d’admiration pour l’attrait de masse pailleté de la musique pop. L’hypothèse avancée par ces spectateurs pleins d’espoir, à savoir que l’on peut faire du cheval de Troie avec du rock dans une chanson pop, reste à prouver. Indépendamment de ce qui l’attire personnellement, beabadoobee fait de la power-pop dynamique, capable de s’adapter à ses caprices. Parfois, elle se présente sous la forme d’une ballade à la guitare, lente et chaloupée, à laquelle sa voix aérienne donne de la force, comme sur le morceau « How Was Your Day » de Flowers. Plus souvent, elle s’exprime à travers des chansons optimistes, gonflées par des sons de guitare si brillants et tranchants que vous pouvez les sentir se répercuter dans votre corps. Quel que soit le moyen utilisé par Kristi pour canaliser ses ambitions musicales, il sera toujours plus intéressant que les récits dans lesquels sa production est placée.

Son deuxième album, Beatopia, la voit freiner la portée plus sauvage de son premier album et produire quelque chose de plus authentique. Nommé d’après le monde intérieur de son enfance, ses chansons sont plus authentiquement beabadoobee, moins comme si elle essayait des choses.

Beatopia est un album qui est plus captivant quand il essaie explicitement de l’être. Les morceaux les plus marquants sont dotés de refrains accrocheurs, d’accroches savamment élaborées et d’une production magistrale. Le premier d’entre eux, « 10:36 », est construit autour d’une combinaison de batteries live et de rythmes plus artificiels pour évoquer un ton frénétique. Dans ses paroles, Kristi admet froidement qu’elle garde la personne à qui elle chante autour d’elle uniquement par commodité. Alors que la chanson éclate dans une grêle de guitares atmosphériques, elle chante : « You’re just a warm body to hold / At night when I’m alone »  (Tu n’es qu’un corps chaud à serrer / La nuit quand je suis seule). C’est désarmant dans sa brutale honnêteté et permet à une chanson qui frappe déjà fort de porter un coup supplémentaire. Un autre point fort, le single « Talk », est une chanson power-pop accrocheuse qui s’aligne parfaitement avec le lead de Flowers, « Care ». Une batterie étouffée et la voix filtrée de Kristi naviguent sur une mer de guitares endiablées. Incorporant des aspects spécifiques du shoegaze à la musique pop, elle s’appuie sur les sons que nous avons vus récemment chez des artistes comme Halsey et Magdalena Bay.

Le refrain de « Don’t get the deal », morceau phare de la face B, contient des éclats de guitare et de voix à forte réverbération. Le caractère intermittent de la chanson est désorientant, mais il se traduit par un délicieux coup de fouet lorsqu’elle s’ouvre finalement sur un solo de guitare puissant, l’un des meilleurs de la carrière de Kristi jusqu’à présent.

Mais lorsque les moments forts de Beatopia font une pause, l’élan s’arrête net. Le bien nommé « Lovesong » passe la majeure partie de ses quatre minutes à être laborieux et clairsemé avant de s’épanouir, donnant un aperçu en temps réel de ce qu’il pourrait être plus intéressant s’il était plus élevé. Bien qu’elle soit accompagnée d’une section de cordes, la ballade « Ripples » ne parvient pas à décoller, donnant à chaque instant l’impression d’être un morceau calme qui n’est pas à sa place. La dernière chanson du disque, « You’re here that’s the thing », est étouffante. Le lyrisme de Kristi n’est guère un point de mire, car ses chansons vous saisissent par leur seule mélodie, mais l’écriture ici est chaleureuse, mais vide – « I’ve got you wrapped around my finger / Like a piece of ribbon / You just won’t admit it that you’re smitten » (Je t’ai enroulé autour de mon doigt / Comme un morceau de ruban / Tu ne veux pas admettre que tu es amoureux. Sur un disque qui signale tant de croissance pour beabadoobee, c’est un rare pas en arrière.

Il est difficile de trouver un article sur beabadoobee qui ne mentionne pas ses influences des années 90, et il est facile de voir pourquoi. Il y a indéniablement une trace de Liz Phair dans les albums qu’elle a sortis depuis qu’elle a signé avec Dirty Hit, et elle a parlé haut et fort des groupes qu’elle considère comme des influences pour elle, y compris des groupes comme Smashing Pumpkins et Sonic Youth. Cependant, Beatopia sonne comme un décalage dans le temps – n’étant plus redevable à l’outsider sleaze des années 90, le son de Kristi a complètement évolué vers le pop-rock des radios des grands labels des années 80. La meilleure comparaison serait peut-être Michelle Branch, qui a fait le même genre de hits pop-rock hyméniques que Kristi, des chansons qui vous supplient de crier chaque ligne en retour. Comme Branch avant elle, Kristi a exploité la puissance qui vient de la fusion de l’agression de la musique rock dans des chansons pop soignées et présentables. Bien que Beatopia soit un disque imparfait, c’est un niveau supérieur assez fort pour montrer quelque chose de, peut-être, plus que prometteur à l’horizon.

***1/2


Superorganism: « World Wide Pop »

16 juillet 2022

World Wide Pop nous offre un  bel assortiment de sons et d’énergie, et c’est la version ambitieusement bizarre de la pop de Superorganism. Subvertir la « pop » n’est pas nouveau, ce qui rend d’autant plus spécial le fait que dans une scène saturée, Superorganism ait réussi à faire quelque chose de totalement unique et – plus important encore – d’amusant. « Don’t mind me, I’m just a fruit fly that’s floatin’ on by » (Ne faites pas attention à moi, je ne suis qu’une mouche à fruits qui flotte), lance Orono Noguchi sur Into the Sun sur fond de synthés chaotiques, de batterie et d’une mélodie qui devient progressivement plus complexe et trippante. Sa voix nonchalante et caractéristique indique que, parfois, au milieu de l’absurdité et du chaos, il ne reste plus qu’à se détendre et à profiter du voyage.

Le son de WWP, tourné vers l’avenir, s’inspire davantage de l’éthique du « couper-coller » de l’âge d’or de l’indé que de l’hyperpop. En effet, la plupart des membres du groupe, désormais au nombre de cinq, originaires de Corée du Sud, du Japon, d’Australie, de Nouvelle-Zélande et du Royaume-Uni, se sont rencontrés en ligne, ce qui rend World Wide Pop d’autant plus approprié, faisant allusion à l’esprit de collaboration qui sous-tend leur travail. Bien que le maximalisme soit au cœur de ce disque (sur des morceaux comme « Solar System », on frôle parfois le trop de trop), dans l’ensemble, il trouve le juste milieu entre le chaos et la structure, la bêtise et la profondeur, et cça n’est pas un pétard mouillé

***1/2


Biff Bang Pow !: « A Better Life : Complete Creations 1984-1991 »

2 juin 2022

Biff Bang Pow ! est à l’origine de nombreux singles classiques, d’une série d’excellents albums et a contribué à établir le son et le style de Creation Records lors de sa création. Composé des fondateurs du label et de sommités (Alan McGee, Dick Green, Andrew Innes), il n’est pas étonnant qu’ils aient établi le son de Creation ; ce qui est amusant, c’est qu’ils n’ont pas reçu beaucoup de crédit pour cela à l’époque. Si on les mentionnait, c’était pour les réduire à un projet vaniteux de McGee. La collection exhaustive de Cherry Red, A Better Life : Complete Creations 1984-1991, raconte l’histoire du groupe à l’aide de singles, de faces B, d’extraits d’albums, de démos et d’enregistrements live rares, et, ce faisant, démonte totalement cette théorie et les révèle comme l’un des premiers groupes pop indépendants de l’époque. Le groupe a commencé comme des punks endiablés, construisant un son sur les Dexy, le garage rock, le punk et les Byrds qui sonne aussi frais des décennies plus tard qu’à l’époque. À partir du single « Fifty Years of Fun », le groupe s’est montré habile dans la juxtaposition d’accroches et de mélancolie, donnant à McGee une belle toile de fond pour des récits de frustration et de malheur. The Girl Who Runs the Beat Hotel, en 1987, est l’apogée de cette première approche, mélangeant la production en écho de Joe Foster avec les chansons nostalgiques écrites par McGee et la chanteuse Christine Wanless, pour aboutir à une chanson intemporelle épicée d’un flash occasionnel de bizarrerie art pop.

Un changement subtil s’est produit avec Oblivion, sorti la même année. Le groupe s’est chargé lui-même de la production et a réalisé un disque plus soigné destiné à rivaliser avec les meilleurs groupes de Creation de l’époque. Il serait difficile de trouver un autre disque de pop à guitare fait à l’époque qui l’égale ; des chansons comme « In a Mourning Town » et « She’s Got Diamonds in Her Hair » ont tout le drame captivant, les mélodies langoureuses et les paroles pleines de larmes que l’on peut désirer, et dans l’ensemble, c’est un classique. Love Is Forever n’est pas loin derrière en termes de qualité et a apporté de nouvelles influences comme Neil Young. Les chansons de McGee sont devenues de plus en plus personnelles et déchirantes, et les deux derniers albums du groupe sont essentiellement constitués de l’épanchement de ses tripes au son d’une guitare acoustique. Moins pop avec un grand « P » mais toujours douloureusement efficace. Si le coffret ne contenait que les albums rassemblés, il vaudrait la peine d’être acheté, mais les suppléments en font un rêve pour les fans. Non seulement il y a des démos – dont une pour « She’s Got Diamonds » qui brille comme l’objet en question – mais il y a aussi un set live super fun de 1987, tous les morceaux hors LP et le mini-album perdu Sixteen Velvet Fridays, qui était censé suivre Beat Hotel, mais qui a été mis au placard à la dernière minute. S’ajoute à cela un disque complet de titres des groupes pré-BBP !, The Laughing Apple et Newspeak, ainsi qu’une démo de quatre chansons que McGee a enregistrée avec Jowe Head. Tout cela donne quelque chose d’assez beau ; un artefact approprié pour un groupe qui a créé une des musiques les plus excitantes, les plus mélancoliques et les plus durables du début de l’ère Creation/post-C-86, même si personne ne l’a vraiment remarqué à l’époque.

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Alfie Templeman: « Mellow Moon »

27 mai 2022

Après plusieurs singles, EPs et mini-albums autoproduits à son actif, le premier album d’Alfie Templeman était attendu depuis longtemps par tous ceux qui l’ont accompagné dans cette aventure sucrée.

Avec un catalogue étendu d’expérimentations anguleuses, s’étendant sur quatre ans, se premier disque, nommé Mellow Moon, agit comme un saut dans l’inconnu, car Templeman semble plonger dans ses projets passés pour créer quelque chose de fin.

Ayant grandi à une époque où l’indie/rock était incontournable, l’album est transparent quant aux influences de jeunesse de Templeman. La plume « Folding Mountains » est un parfait hommage à « Distant Past » d’Everything Everything, tandis que « Candyfloss » est plus proche de l’esprit de The 1975 de 2016, avec des synthés audacieux et des connotations de rose. Alors que les influences admirables sont nombreuses, la valeur du mentor musical de Templeman est également ajoutée à l’album. La direction de Tom McFarland (Jungle), collaborateur régulier, s’infiltre dans « You’re A Liar », alors qu’Alfie adopte ce son furtif avec une manipulation de sa voix pour atteindre des pics de falsetto qui balaient sans effort la surface.

Incroyablement, certaines personnes âgées croient encore sincèrement que l’adolescence est le meilleur moment de votre vie, Alfie Templeman se bat pour prouver que ce n’est pas tout. La juxtaposition transparente de « Broken » est l’une des meilleures offres de Templeman sur le disque. Possédant un son hymnique et gai, Alfie présente l’angoisse de l’adolescence moderne et l’anxiété de ne pas être à sa place, chantant de façon poignante « Sometimes I think that I might be broken / Don’t you feel like you’re broken ? » (Parfois je pense que je suis peut-être brisé / Ne te sens-tu pas brisé ?).

Alors qu’il inonde de créativité le moteur de ses morceaux pour générer une base sonore puissante, il devient évident qu’Alfie a parfois besoin d’être ravitaillé en paroles. Le new-wave-esque « Do It » a besoin d’un peu d’entrain et d’imagination, car « Buy my album, show some love / Go to Paris, see some stuff «  (Achetez mon album, montrez de l’amour / Allez à Paris, voyez des trucs) n’est pas à la hauteur.

Osant s’échapper du chaos de son propre esprit, « Take Some Time Away » est un morceau impressionnant qui pourrait facilement fonctionner comme une face B de The Last Shadow Puppets. Exceptionnellement sulfureux avec des sections de cordes et un solo de guitare impressionnant, le morceau est un piédestal pour mettre en valeur les compétences et la polyvalence de Templeman. Et son sens du spectacle ne s’arrête pas là, puisque le dernier morceau, « Just Below The Above », est époustouflant et constitue l’anomalie de l’album en étant le seul morceau lent. Enrobant des essences de Radiohead, Bowie et Pink Floyd, c’est une extase psychédélique qui place le jeune musicien dans son état le plus vulnérable. Mellow Moon est le pays des merveilles expérimental d’Alfie Templeman, qui montre que rien n’arrêtera sa production créative.

***1/2