Dot Allison: « Heart-Shaped Scars »

4 août 2021

Les lecteurs d’un certain âge classeront instantanément Dot Allison aux côtés de Beth Orton comme le premier pourvoyeur de trip-hop folktronica post-club du tournant du siècle, avec ses rythmes crépusculaires et ses échantillons de vinyle craquants, sous des vocaux vaporeux pour apaiser et adoucir l’arrivée du dimanche matin. Vingt ans après son passage dans l’air du temps, et douze ans après son dernier album, Allison revient avec un disque tout aussi crépusculaire et rêveur que ses précédentes sorties, mais cette fois-ci, l’électronique a été remplacée par une guitare acoustique clairsemée, des arrangements de cordes sombres rappelant le travail de Robert Kirby pour Nick Drake, et des contre-mélodies de piano arachnéennes, gothiques et délicates, comme si elles avaient été choisies sur un montant poussiéreux dans le grenier d’une maison abandonnée des North Yorkshire Moors.

La voix d’Allison, familière, respirante et fragile, est toujours là, et l’effet de cette voix sur une instrumentation aussi éthérée est d’évoquer un sentiment de langueur nostalgique mêlé à des moments de mélancolie et d’effroi de conteur sorcier, ce qui en fait un album d’une clarté satisfaisante, sûr de s’étendre dans son propre monde sonore : plusieurs des morceaux débordent sur une sixième minute sans jamais vraiment faire quoi que ce soit, mais l’atmosphère magnifiquement endormie de l’album est telle que rien ne semble surjoué. Il y a des moments de divergence stylistique – un refrain gentiment hymnique (mais heureusement pas grandiloquent) sur le funèbre « Ghost Orchid » se rapproche doucement du territoire de la ballade de Coldplay, les strums de « Constellation » l’orientent vers le pop, et le résolument trip-hop « Love Died In Our Arms », avec sa riche orchestration pleine de propulsion et de groove, ressemble au point culminant d’un tout autre album de Dot Allison – mais dans l’ensemble, le retour d’Allison est gracieusement sobre, intime et intrigant, idéal pour la dérive après les heures de travail, même si les jours de clubbing sont passés.

***1/2


Drug Store Romeos: « The World within our Bedrooms »

4 août 2021

Ces chouchous de l’indie que sont Drug Store Romeos sortent leur premier album The world within our Bedrooms et il s’agit d’une collection stellaire de pop psychédélique merveilleusement conçue, avec une touche de groove et de stoner rock.

L’album débute avec « Building Song « , qui plonge immédiatement l’auditeur dans la pop synthétisée qui a fait la réputation de Drug Store Romeos. Les guitares et la batterie se complètent tout au long de l’introduction du morceau, avant que le chant shoegaze et space-age n’entre en scène, emmenant le morceau vers un endroit vraiment lointain.

Ce charme de dream-pop psychédélique est la base sur laquelle l’album va s’enraciner, en particulier avec des morceaux tels que «  Elevator »  » et « What’s On Your Mind », tous deux remarquables. Ce dernier titre illustre particulièrement bien la nature unique et merveilleuse du son de Romeo, la ligne de basse le poussant vers une merveille psychédélique. Dans ce morceau, le rythme et l’intensité s’accélèrent, avec une batterie qui pousse plus fort que sur n’importe quel autre morceau de l’album.

Cela ne veut pas dire que e LP ne présente pas une large tapisserie de sons : loin de là. Par moments, l’album dérive vers un son électronique étrange et intéressant. « Walking Talking Marathon » ainsi que « No Placing » montrent à quel point Drug Store Romeos est capable de plier les genres à sa volonté et de créer des chansons brillantes avec un large éventail de sonorités. « No Placing » », en particulier, mettra en valeur ces sonorités électro de manière experte, avec des accroches de guitare serrées et nettes qui font place à des sons de synthé lisse et doux.

Lorsque le disque atteint son point culminant, son ton change radicalement en s’éloignant de la dream pop vive et optimiste pour se transformer en un album plus lent et plus mélancolique. Des morceaux comme « Circle of Life » et « Adult Glamour » abandonnent la sensibilité pop et ressemblent davantage à des berceuses. C’est un changement de rythme rafraîchissant pour l’album, qui montre un côté plus mature et plus profond du groupe. 

The world within our Bedrooms est un excellent « debut album » ; léger et aérien avec des moments plus lourds et introspectifs, il fait montre de ce tour de force que Drug Store Romeos semble voué à installer À cet égard, c’est ‘une des meilleures tranches d’indie-pop que vous êtes susceptible d’entendre cette année ainsi qu’un un accompagnement parfait pour l’été.

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Marina: « Ancient Dreams In A Modern Land »

13 juin 2021

L’artiste anciennement connue sous le nom de Marina and the Diamonds a ébloui nombre de personnes depuis qu’elle a fait irruption sur la scène dans une explosion de couleurs il y a plus de dix ans. Il n’a pas fallu longtemps pour qu’elle devienne une figure influente de l’industrie musicale, et l’on peut dire que la pop alternative ne serait pas ce qu’elle est aujourd’hui sans Electra Heart. Après avoir éduqué une génération sur la façon d’être des briseurs de cœur, Ancient Dreams in a Modern Land la voit s’attaquer à tout, du patriarcat au changement climatique, avec une langue acérée et une musique pop victorieuse. Avec la même attitude pince-sans-rire dont elle est toujours armée, ce nouvel album prouve que Marina ne se rate jamais.

Alors que l’album passe progressivement d’un rythme rapide à des tempos plus lents, la première moitié de l’album est une bombe à haute énergie, avec les « singles » précédents, « Ancient Dreams in a Modern Land », « Man’s World » et « Purge The Poison » qui se disputent votre attention. L’effet est un showstopper audacieux qui arrive rapidement avant de s’installer dans l’ambiance plus décontractée de la seconde moitié. L’ouverture de la chanson titre vous ramène à la dance-pop enivrante de la fin des années 2000, avec un message beaucoup plus moderne : un appel à l’humanité pour lui dire que nous sommes en train de tout faire foirer. Marina n’a jamais caché les messages de sa musique, et avec des paroles qui vous giflent le visage pendant que vous dansez, elle n’est pas prête de s’arrêter.

« Venus Fly Trap » est un rappel frappant de The Family Jewels et d’Electra Heart ; la question centrale de « pourquoi faire tapisserie quand on peut être un piège à mouches de Vénus ? » (why be a wallflower when you can be a Venus fly trap?) renvoie au charisme teinté de sarcasme du personnage d’Electra Heart. Mais ici, Marina ne chante pas derrière un personnage ; même lorsqu’elle chante en tant que Mère Nature sur « Purge The Poison », on a l’impression qu’elle chante en tant qu’elle-même.

Alors que le début de Ancient Dreams in a Modern Land vous attire avec des tubes contagieux, les ballades au piano de la seconde moitié de l’album nécessitent quelques écoutes avant d’atteindre le cœur des paroles. « Highly Emotional People » » reprend les mêmes superbes paroles que celles de « To Be Human «  de Love + Fear. « New America »  » revient en force, démontant le mythe du rêve américain avec des cordes et des paroles cinglantes.

Il y a peu de stars comme Marina qui trouvent l’équilibre entre le fait d’être sans filtre dans leur politique tout en créant une musique pop de haut niveau et complexe. Elle est authentique avant tout – après tout, ce sont des sujets qu’elle chante depuis le tout début de sa carrière. La tentation est toujours grande de se détacher de ces messages politiques, mais au lieu d’inclure des morceaux politiques symboliques, Marina crée un récit cohérent en rendant ses commentaires, même les plus évidents, profondément personnels.

On a vraiment l’impression que Ancient Dreams in a Modern Land a quelque chose pour tout le monde. Marina nous a montré une grande variété de sons au fil des ans et il y a un peu de tout ici – de la pop-rock des années 2000, brillante et nostalgique, à des ballades au piano plus douces, en passant par un excellent travail de guitare et une écriture plus audacieuse que jamais. Ce qui rassemble tous ces éléments, c’est un sentiment résolu d’émancipation. Avec Ancient Dreams in a Modern Land, Marina pourrait facilement entrer amorcer l’été avec quelque chose qui pourrait être nominé au titre d’album de l’année.

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Japanese Breakfast: « Jubilee »

5 juin 2021

Le troisième album studio de Japanese Breakfast, Jubilee, est un paradoxe : à la fois fort et délicat. Il satisfait comme une comédie shakespearienne ; il accueille les auditeurs avec une floraison comme l’aube, continue à vous briser le cœur, puis avec un soin méticuleux vous reconstitue. Plus grand et plus cinématographique que Psychopomp (2016) et Soft Sounds from Another Planet (2017) grâce à ses cordes et ses cuivres, cet album est une invitation de Michelle Zauner à faire fi de toute prudence et à se prélasser dans un bonheur non dissimulé. Danser, et même pleurer – parce que, semble dire l’album, l’acte de ressentir lui-même vous donnera de l’espoir quand rien d’autre ne le peut.   

Zauner décrit l’album comme un combat pour le bonheur, ce qui prend un sens particulier au vu des circonstances difficiles qui ont donné naissance aux deux premiers albums du groupe : La mère de Zauner est décédée des suites d’un cancer gastro-intestinal. Alors que Psychopomp et Soft Sounds avaient pour thèse un sentiment spécifique et urgent – le chagrin et son traitement -, cet album est guidé par un effort pour ressentir tout court. Chaque morceau est une tentative confinée de gaieté, une histoire succincte au service de cette plus grande mission d’émotion désinhibée – qui est finalement, espérons-le, la joie.   

Le disque s’ouvre avec « Paprika », qui est tout en cornes et en fioritures dans ce qui est l’équivalent sonore d’un réveil du sommeil, frais et lumineux. « Slide Tackle » comporte un solo de saxophone qui ferait pâlir d’envie « Run Away With Me » de Carly Rae Jepsen. La première moitié de l’album est ludique de cette manière, même un titre comme « Kokomo, IN », qui chante la douce solitude de l’attente du retour de votre béguin en tant qu’adolescent. Mais à mi-chemin, le lyrisme tranchant de Zauner, dont la gravité pourrait facilement passer inaperçue dans le funk de « Be Sweet », devient difficile à ignorer. 

« Le monde se divise en deux, » chante Zauner sur « Posing in Bondage », ceux qui ont ressenti la douleur et ceux qui ne l’ont pas encore ressentie. Ces morceaux plus lourds, dont la sombréité est presque sournoise, ponctuent l’album – ils ont certes un rythme poppy et jovial, et vous pouvez toujours danser dessus lorsque vous êtes pompette, mais lorsque vous devenez ivre, vous risquez de pleurer. N‘hésitez pas à pleurer pourtant ; en effet tout cela est conforme à l’objectif qui fonde Jubilee : pleurer pour Zauner, c’est se rappeler que l’on est vivant, un soulagement qui peut mener à la joie. Zauner veut que vous soyez trempé de part en part par l’émotion. « L’enfer, c’est trouver quelqu’un à aimer et je ne peux pas t’avoir » (Hell is finding someone to love and I can’t have you), chante Zauner sur « In Hell ». C’est un refrain insistant qui pique férocement.

Le dernier morceau, « Posing for Cars », est la plus grande des finales car il illustre le mieux l’objectif de l’album, qui est de vous faire ressentir l’acuité de l’adolescence. Zauner chante un vide si vaste que cela fait mal d’y penser – mais sa voix, alors qu’elle chante l’incertitude du temps, semble consolante, comme si elle souriait. Les cordes, une guitare électrique au son doux, un piano majestueux et des cuivres jubilatoires créent une grandeur qui propulse les auditeurs vers le bonheur, validant tout ce qui peut vous passer par la tête. 

Jubilee n’a pas pour but de repousser la douleur, mais plutôt de valider ce que vous ressentez. Avec cet album, Zauner veut que vous sachiez que vous avez la capacité de trouver la joie dans n’importe quel désordre que la vie vous envoie. La voix de Zauner contient une sensualité qui descend le long de votre colonne vertébrale et s’infiltre dans vos pores, travaillant à travers vos viscères et vous faisant sentir vivant.

***1/2


Teenage Fanclub: « Endless Arcade »

15 mai 2021

On peut honnêtement affirmer que, depuis 31 ans que le premier « single » du groupe écossais, « Everything Flows », est tombé comme une bouffée d’air frais par une chaude journée d’été, il ne nous a amais été donné de rencontrer personne qui n’aime pas Teenage Fanclub. Bien que la composition et le son du groupe aient considérablement changé au fil du temps, ils sont restés les piliers de leur métier. Une sorte d’institution qui a émergé de l’époque faste de l’« indi », comme on l’appelle aujourd’hui. Pourtant, ils n’ont jamais été du genre à faire des compromis ou à tenter vaguement de s’intégrer à la scène du jour, quelle qu’elle soit (et ils en ont vu beaucoup aller et venir).

C’est donc tout à leur honneur que trois décennies plus tard, un nouveau Teenage Fanclub soit toujours aussi attendu par les fans qu’il l’était au début du groupe. Et c’est tant mieux, car leur dixième album marque le début d’un nouveau chapitre dans l’histoire féconde du groupe. Cela tient principalement au fait qu’il s’agit du premier album de Teenage Fanclub sur lequel ne figure pas le membre fondateur Gerard Love (il a quitté TFC en 2018). C’est aussi leur premier album où le multi-instrumentiste et auteur-compositeur Euros Childs a joué un rôle actif dans le processus d’écriture du groupe, étant devenu un membre permanent pendant la période intermédiaire.

Formés dès le départ à l’art de la composition classique, les Teenage Fanclub ont toujours porté leur cœur sur leurs manches en arborant des patchs Byrds et Big Star sans jamais devenir des pastiches ou des copieurs. Leur héritage est aussi brillant que celui de leurs influences, et Endless Arcade représente un autre ajout sain à un catalogue inébranlable qui suinte la qualité depuis le début.

Écrit et enregistré tout au long de l’année 2019 et finalement terminé avant que la pandémie de COVID-19 ne vienne mettre un terme à la vie telle que nous la connaissons au début de l’année 2020, Endless Arcade est un disque qui montre que Norman Blake et Raymond McGinley sont deux des auteurs-compositeurs les plus doués (pour ne pas dire réguliers) de leur génération. Ce qui signifie que Endless Arcade ressemble à une sorte de journal intime. Riche en intégrité émotionnelle tout en évoquant le passé, Teenage Fanclub respire l’honnêteté par tous les pores. « Nous avons vécu le rêve mais nous n’avons jamais su » (We lived the dream but we never knew), suggère McGinley sur « In Our Dreams », et trois décennies plus tard, Teenage Fanclub est encore un combo dont la proposition demeure magique et visionnaire.

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girl in red: « if i could make it go quiet »

5 mai 2021

« Ecoutez-vous girl in red ? » Au sein de la communauté lesbienne, cette question est devenue un code. Une sorte de phrase magique, signifiant l’appartenance – voire le désir. Mais If I could make it go quiet est plus qu’un simple symbole. En l’écoutant pour la énième fois d’affilée, on est frappé par les joyaux cachés des chansons que l’on n’a pas entendues les premières fois. Des vompositions comme « You Stupid Bitch » et « Serotonin » sont fortes, furieuses et captivantes, et elles dominent le reste de l’album. Pourtant, lorsque qu’on atteint la huitième piste, l’album a soudainement changé du tout au tout. Les oreilles se dressent alors et le coeure met à battre plus vite. On ne peut être alors que décontenancé par le fait que tout ce que l’on était en train de faire se soit briquement arrêté.

Il y a quelque chose de tellement désinhibé dans cet album. Les paroles parlent ouvertement de pensées intrusives, d’insécurité et de perte d’amour. Mais d’une certaine manière, la musique qui se cache derrière est encore plus vulnérable que le contenu. Contrastant de manière positive avec le morceau précédent, le piano discret du début de « Apartment 402 » constitue une introduction émotive et est en symbiose avec l’incertitude évidente de la chanson. Il y a une nostalgie dans le battement sourd de la basse et de la batterie qui est aussi évocatrice que les images qu’elle évoque. Les jours d’été, les clubs bondés et solitaires, et la grasse matinée flottent au premier plan de mon esprit. Il tire sur ma corde sensible.

Sa voix est pure et forte, presque aussi pure que le soleil de l’après-midi qui frappe les particules de poussière. Elle résonnera en nous d’une manière similaire à « Habits (Stay High) » de Tove Lo. Bien que les deux chansons soient distinctes, elles partagent une expression de nostalgie et d’angoisse si puissante que je voudrais presque pouvoir m’y identifier. La tristesse qui s’en dégage est dévorante et persiste longtemps après la fin des chansons. Encapsulés et piégés à jamais dans une sombre nostalgie.

Plus on écoute, plus on est amené à considérer cet album comme un concept. Il passe de la colère à la tristesse, reflétant l’évolution des émotions. Dans ce contexte, il semble que la fille en rouge mûrit et grandit de la perte d’une petite amie idéalisée. L’intensité avec laquelle j’ai vécu par procuration cette progression tout au long de l’album a été cathartique et agréable. C’est un album qui demande à être écouté dans tous les scénarios imaginables. Que ce soit en hurlant passionnément les paroles sous la douche, en dansant sur l’album lors d’une fête ou en l’écoutant en privé sous les couvertures pour garder le secret. Je veux les faire tous.

Complexe et sophistiqué, if i could make it go quiet est l’un des nouveaux albums les plus séduisants qui nous a été donnés d’entendre et à écouter en boucle depuis longtemps ; un disque à chérir et à apprendre par cœur,

****1/2


Kumi Takahara: « See-Through »

1 avril 2021

Sur « Nostalgia », le troisième morceau du premier album de Takahara, deux mains pianistiques se croisent comme des étrangers dans les escaliers. Elles semblent avoir une conscience périphérique l’une de l’autre, mais sont emportées dans leurs propres trajectoires de rêverie, tandis qu’une main descend et que l’autre monte. La pièce dépeint ce moment et rien d’autre. Les deux lignes mélodiques apparaissent comme les personnages d’une photographie non étiquetée, présentée hors contexte et profondément suggestive d’une histoire et d’un sentiment qui s’étendent bien au-delà du cadre.

See-Through est construit sur des scènes comme celle-ci. Les mélodies sont modestes et spacieuses – s’installant dans des répétitions de trois notes, s’effondrant dans la résolution avec une luxuriante inévitabilité – mais la nuance et la contradiction sont convoquées par la façon dont ces mélodies sont jouées : comment les cordes se tiennent sur le bord du piano, balançant leurs pieds et buvant la vue devant elles, ou comment les vocalisations sans paroles glissent comme de la soie sur les pentes des gammes majeures mélancoliques. Lors d’un passage particulièrement frappant de « Chime », Takahara joue le carillon de Big Ben, sorti de nulle part : Londres apparaît comme si elle émergeait d’un brouillard, la douce mélancolie de son jeu plongeant la scène dans une bruine de 5 heures du matin.

Le véritable coup de maître de See-Through est la façon dont il se retient. Les indices sont laissés en suspens et l’auditeur ne peut s’empêcher de les dévider. Une brève apothéose sur « Tide » illustre ce qui est intentionnellement absent du reste du disque, remplissant chaque centimètre de l’image avec des voix, des cordes et des effets visuels scintillants, rendant sans équivoque l’océan en panorama. Cette déclaration grandiose ne fait que rendre encore plus riche la retenue qui règne ailleurs ; Takahara comprend le potentiel qu’il y a à n’offrir que des pages de journal intime déchirées, des cartes postales gribouillées et de faibles flashbacks, permettant à l’auditeur d’encadrer ces images partielles avec ses propres souvenirs et désirs.

***1/2


Ô Paradis / Nový Svet: « Entre Siempre Y Jamás Suben Las Mareas, Duermen Las Ciudades »

14 mars 2021

Entre Siempre y Jamás Suben las Mareas, Duermen Las Ciudades est une collaboration entre le groupe espagnol Ô Paradis et le combo autrichien Nový Svet. Nous avons été très impressionnés par le précédent album d’Ô Paradis, Serpiente De Luna, Serpiente De Sol. Ici,une guitare chatoyante et un chant d’oiseau ouvrent cet album avant de se lancer dans des couches de sons rythmés par des percussions. Demian et Juergen Weber de O Paradis se partagent les tâches vocales, la voix du frontman de Nový Svet étant la plus rauque. C’est un bon contrepoint à la voix mélodique et mélancolique de Demian. Les paroles semblent être prononcées dans une série de langues, mais elles n’ont pas beaucoup de sens pour ce chroniqueur monolingue. « Tierra Gastada «  est plein de chaleur, avec des guitares espagnoles. La contrebasse occupe une place de choix sur «  Barcelona ! »avec des couches de claviers et, à l’occasion, sur un rythme de jazz traditionnel, quant à « Te Vi Pasar », il est un joli morceau de pop méditerranéenne discrète.

Les tendances les plus capricieuses de Nový Svet sont ici maîtrisées et, à bien des égards, l’album en bénéficie vraiment. Les voix sont partagées, mais les arrangements musicaux sont construits de main de maître grâce à des couches de percussions, de claviers et de basses entrelacées avec des éléments de musique de leurs cultures respectives. Entre Siempre y Jamás Suben las Mareas, Duermen Las Ciudades pourrait facilement être considéré comme de la musique pop mais il y a suffisamment de sons expérimentaux et surréalistes pour séduire ceux qui s’intéressent aux nouvelles musiques. Et même si cet album n’atteint pas la magnificence de Serpiente De Luna, Serpiente De Sol, il s’intègre assez bien et, dans les bonnes conditions d’écoute, c’est un album solide et intéressant.

***1/2


Maximo Park: « Nature Always Wins »

12 mars 2021

Seize ans après leur premier album, A Certain Trigger, Maximo Park revient avec des hymnes de solidarité et de connexion sur leur septième opus studio Nature Always Wins.

Certains ont stupidement mis Maximo Park dans la pile des indés de seconde zone du milieu des années 90 ; ils ont loué Apply Some Pressure pour ses références indés disco rauques et infectieuses, mais n’ont jamais creusé un peu plus pour voir la magie des mots de Paul Smith et la capacité innée de son groupe à écrire des chansons universellement édifianteset réfléchissantle quotidien. En fait, leurs critiques ont toujours été étouffées par l’adulation pure et simple de leurs fans et le soutien indéfectible de certains des plus grands DJ du pays, ce qui a permis au groupe de survivre à nombre de ses pairs et de conserver sa place au premier plan de la pop indépendante aujourd’hui. 

Maximo Park a toujours su quelle était sa place dans le monde, ce qui est habilement lié au titre de ce nouvel album : ils savent qu’ils sont un groupe de pop, ils ne se battent pas. Ils ne s’assoient pas non plus sur leurs lauriers et ne produisent pas les mêmes pétards indés. Ils évoluent et progressent à chaque album, sans jamais se départir de leur expertise en matière de mélodies et de riffs contagieux et de leur penchant pour l’exploration de sujets plus élevés.

Nature Always Wins a été créé à la suite du départ du claviériste Lukas du groupe, ce qui signifie que seuls trois des cinq membres originaux sont restés : une période de transition pour tout groupe, mais particulièrement difficile pour un groupe bien connu pour son utilisation des touches. Plutôt que de considérer ce changement comme une sorte d’arrêt complet, Maximo Park a utilisé le remaniement comme un catalyseur et a entrepris de créer ce qui s’est avéré être l’un de leurs disques les plus ambitieux et les plus marquants à ce jour.

En travaillant avec le producteur Ben Allen (Deerhunter, Animal Collective, Gnarls Barkley), lauréat d’un Grammy Award, le groupe a adopté un son plus atmosphérique et s’est lancé dans un nouveau territoire ambiant audacieux avec des synthétiseurs dynamiques. Soyez assurés que le son punky typique de Maximo imprègne toujours les titres « Baby, Sleep » et « All of Me », qui s’envolent avec une sensibilité toute-puissante propre à chatouiller nos oreilles

Comme toujours, les paroles sont incisives et provocantes, mais il y a un niveau d’introspection et d’intimité sur le disque que nous n’avions jamais vu auparavant, avec le frontman Paul Smith détaillant l’anxiété de la nouvelle paternité et les questions existentielles qu’elle soulève. L’inlassable et indigné « Don’t Know What I’m Doing », avec son rythme effréné et ses paroles frénétiques, rappelle brutalement la pression à laquelle sont soumis les nouveaux parents – « l’ai-je transmise, toute la colère et le doute » (did I pass it on, all the anger and doubt ).

N’ayant jamais eu peur d’explorer les sujets les plus difficiles de la musique pop, « Why Must a Building Burn » déplore la perte d’unité et d’alliance et les réalités barbares du désastre et du terrorisme ainsi que les mauvais traitements infligés aux groupes ethniques minoritaires. Ce morceau est un autre exemple de premier ordre de leur capacité à dire quelque chose de profond et de déchirant dans un morceau qui est également si facile à chanter et à danser.

« Child of the Flatlands » a été leur première chanson de l’album et, comme il se doit, la dernière de l’album. C’est grandiose, ruminatif, et tout est refusé d’un seul coup. Le morceau nous fait parcourir métaphoriquement la vie de Paul avec lui, tant géographiquement que psychologiquement, les touches reflétant son rythme de marche. On a l’impression que c’est l’aboutissement parfait de tout ce qui a précédé ; on se laisse aller à la réflexion et à une légère mélancolie, en réfléchissant à sa propre existence.

Nature Always Wins est un album qui non seulement coche toutes les cases que les fans de Maximo recherchent (accroches, mélodies, refrains de chansons), mais qui montre de façon rafraîchissante une prise de conscience du vieillissement et réfléchit à l’évolution des priorités que la plupart d’entre nous qui étions avec eux au milieu des années quatre-vingt-dix connaissent maintenant aussi. Ils n’aspirent pas au passé, ils sont clairement très confrontés au présent.

***1/2


Typhoon: « Sympathetic Magic »

3 mars 2021

Comment donner suite à un chef-d’œuvre ? À quelques exceptions près, la réponse est simple : on ne le fait pas. On dit bien, en effet, que la foudre ne frappe pas deux fois eu même endroit, et si vous avez la chance, en tant qu’artiste, de voir les étoiles s’aligner et chaque pièce se mettre parfaitement en place sur un projet, alors c’est un exercice futile que de passer votre temps à essayer de retrouver la magie. Si une autre grande œuvre doit figurer sur les cartes, on ne peut pas la forcer, il faut la laisser se produire naturellement. La seule grande folie est de faire exactement le contraire, de tourner le dos à votre plus grand succès et de ne pas en tirer les leçons qui s’imposent. Si vous vous retrouvez dans l’ombre de votre dernière libération, la solution n’est pas de construire plus haut ou de continuer à courir jusqu’à ce que vous atteigniez la lumière du soleil, mais simplement d’être à l’aise à l’ombre.

C’est ici que l’on trouve le nouveau disque surprise du groupe de Portland Typhoon. Après leur magnifique opus Offerings qui traitait d’une histoire poignante de perte de mémoire et de questions complexes d’identité, sa suite prend un peu de recul par rapport à ces concepts grandioses. Sympathetic Magic cherche plutôt à traiter simplement ces douze derniers mois tumultueux, et fait finalement un travail admirable pour capturer l’esprit du temps. Le lyrisme de Kyle Morton brille vraiment sur ce disque, abordant des sujets importants et s’attaquant à un enchevêtrement d’émotions déconcertant à sa manière, unique et parfois ludique, tout en brandissant la bannière des causes qui lui tiennent à cœur.

« We’re In It » commence par un rattrapage entre amis qui commentent la folie de tout ce qui est en jeu : « J’ai versé les boissons, j’ai échangé les conditions préalables, « Je suis bon », avez-vous dit, « mais le monde est merdique » (Poured the drinks, exchanged prerequisites, « I am good but the world is shit), avant de se concentrer sur le fait de montrer des vies encore plus bouleversées par la brutalité policière lors des manifestations du BLM : « Et la fois suivante où je t’ai vu, c’était sur un lit d’hôpital, avec une blessure par balle, les infirmières t’ont rasé la tête, tu as eu de la chance peut-être, peut-être le contraire » (And the next I saw you was a hospital bed, With a gunshot wound, nurses shaved your head, You were lucky maybe, maybe the opposite).  « Welcome to the Endgame » s’oppose à l’état de colère dans lequel se trouvent les États-Unis : « Amérique, je suis en toi, je donne des coups de pied, je crie sur tes tendons, c’est si facile de te blâmer, mais la culpabilité est aussi bonne que la mienne » (America, I’m inside you, Kicking, screaming at your sinews, It’s so easy to blame you, But the guilt’s as good as mine), tandis que « Time, Time » se rapproche de la sensation véhiculée sur Offerings en réfléchissant au vieillissement et au passage du temps avec une éloquence poignante et digne d’un tatouage, ligne après ligne. Les lignes qui vont le plus frapper sont alors celles du début de « Evil Vibes : « Ma façon de vivre est irréelle, purement par accident, ballottée entre les cataclysmes, Dis-le, je sais que j’ai glissé, Tout s’empile, l’évier est plein de vaisselle sale » (It’s been unreal the way I’m living, Purely by accident, tossed between cataclysms, Say it, I know that I’ve been slipping, Everything piling up, sink full of dirty dishes). C’est la meilleure description jamais faite sur de la mondanité frustrante de la vie en des temps sans précédent, et de la façon dont nous luttons tous pour maintenir une routine alors que tout s’effondre autour de nous.

Les paroles sont si frappantes sur ce disque en partie parce que la musique prend un recul marqué par rapport aux projecteurs. Pendant la majeure partie de sa durée de vie, Sympathetic Magic évite l’orchestration expansive habituelle du groupe en faveur d’un son plus inspiré du folk et de l’Americana. Bien que charmante à petites doses, cette approche dépouillée n’offre pas toujours à chaque morceau une identité unique. Heureusement, la brillante décision de faire revenir la section des cuivres qui était si importante sur White Lighter donne vraiment du corps au disque et ajoute beaucoup de chaleur à des morceaux comme « Time,Time », « Masochist Ball » et le point culminant de l’album « Empire Builder ». Cependant, tous les morceaux ne sont pas vraiment à la hauteur, car « We’re In It » semble certainement manquer de quelque chose musicalement et donne souvent l’impression de trébucher sur les paroles, et l’arrangement plus électronique du début de « Two Birds » semble plutôt déplacé.

Ce n’est peut-être pas un autre chef-d’œuvre, mais on n’hésitera pas à dire que c’est un sacré bon disque. Et bien que Sympathetic Magic vivra toujours dans l’ombre de son prédécesseur, on ne saurait trop le recommander aux nouveaux venus qui recherchent un disque pour les aider à gérer le désordre dans leur tête et dans la rue.

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