Fell From the Tree: « Enough »

20 janvier 2021

Pour Hannah Jocelyn, c’en était assez (enough). Après avoir passé les quatre dernières années à sortir de la musique sous le nom de Fell from the Tree, Jocelyn conclut maintenant un cycle de quatre albums par inadvertance avec Enough, une réflexion et une déclaration enthousiastes sur la propre identité de Jocelyn. Il n’y a pas de place pour contourner les idées ou dire ce que vous ne pensez pas dans ce titre – Jocelyn se met entièrement au service du projet. À un certain moment, c’est assez : il faut se faire face soi-même. 

C’est cette acceptation qui est à la base d’Enough. Ses onze chansons décrivent en détail l’agitation personnelle de Jocelyn et sa transition éventuelle, tout en définissant son son avec plus d’assurance que jamais. Plus qu’une simple pop de chambre accrocheuse, Enough repousse les limites de la musique de Fell from the Tree, en ajoutant une instrumentation live et des chansons plus ambitieuses qui osent être inattendues.

Au-delà d’un raffinement de Fell from the Tree au niveau du son lo-fi, Enough propose des invités puissants qui ajoutent de nouvelles dimensions aux chansons. « Never Alone » ajoute au mix un couplet inspiré de « Red Bone » du rappeur LoneMoon ; « Good Thing » se termine par un solo de guitare radical de l’artiste d’ambiance Brosandi. Le violon de Molly Robins est peut-être le plus émouvant de tous, car il transporte le dernier acte de la chanson dans un lieu d’une beauté cinématographique.

Bien que les principaux invités soient un ajout bienvenu au disque et aident à ajouter de nouvelles couches au son lo-fi de Fell from the Tree, ils n’éclipsent jamais la propre voix de Jocelyn. Suffisamment, après tout, est l’aboutissement de quatre années de découverte de soi, de Jocelyn sortant du placard et partageant son identité avec le monde. Enough est autant un record qu’une déclaration de soi, avec toute la douleur et les faux pas qui peuvent accompagner l’acceptation de ce que nous sommes vraiment. ll est à son meilleur quand il est le plus sincère et le plus courageux que Jocelyn nous offre une vue de première ligne de son parcours. Pour tous les synthés et les rythmes variés, je me trouve toujours plus attiré par les moments les plus simples d’Enough – Jocelyn chantant presque a capella pour commencer « What You Want », une ligne de piano minimaliste sur « Good Enoug » » qui implique de la profondeur sans donner sa main. 

Ces rares moments de parcimonie tendent à mettre en évidence l’expansion générale de l’album, qui peut être une bénédiction et une malédiction. La gamme d’influences et d’instrumentation est passionnante, mais sans beaucoup de moments de répit, les pulsations des rythmes peuvent commencer à s’épuiser. De même, les paroles de Jocelyn – bien que profondément personnelles – s’étendent sur des pages et des pages ; elles sont sérieuses et conversationnelles, mais verbeuses à l’excès, laissant peu de place à la contemplation.

Pour les douleurs de croissance qui peuvent accompagner l’ambition d’Enough, l’album s’achève sur une note plus forte, plus claire et plus confiante. Le coup de poing des deux titres de clôture de l’album, « Dress » et « Good Advice », amène la vision d’Enough à sa conclusion logique. Ils se gonflent et s’éclatent, prenant le temps de trouver leur sens et leur identité. Molly Robins ajoute des lignes de violon qui complètent parfaitement la voix de Jocelyn et donnent un sentiment de clôture à un album qui lui est consacré. À la fin de tout cela – Assez, oui, mais aussi le grand voyage de découverte de soi de Jocelyn qui a alimenté sa musique sous le titre Fell from the Tree – on nous offre une opportunité d’espoir. Nous ne savons peut-être pas où chercher, mais la découverte de notre véritable moi est le seul point de départ. 

***1/2


Molly Payton: « Porcupine »

20 décembre 2020

Il n’est pas rare de voir des adolescents de mauvaise humeur comme tout bon adolescent créer de la musique, et il peut donc être difficile de se démarquer. Avec Porcupine, Molly Payton réussit à prendre toutes ces trophes classiques de lamentations adolescentes et à y ajouter sa propre touche. C’est une musique pleine d’esprit, avec un lyrisme qui rappelle Maisie Peters et Nina Nesbitt, mais qui est un retour au garage-rock bruyant des années 90, avec des voix qui sont en partie celles de Florence Welch et en partie le son riche et caverneux de Molly Payton.

Lorsque « Warm Body » démarre – tout en lo-fi, en rythme rapide et en cordes – c’est un exposé lyrique aux proportions de groove épique, avec la voix de Payton qui semble brute et morose face à la production sans ride d’Oli Barton-Wood. Sur « I’m Too Smart », à mi-chemin du EP, elle ralentit le rythme avec un contenu lyrique sensible, pétillant d’humour et ironiquement intelligent.

Tous les morceaux de ce disque ont un sentiment d’appartenance, avec « Going Heavy », un tube en bouteille qui explore la scène nocturne londonienne. Plus proche, « Rodeo » est le passage le plus doux du disque, un ruisseau de tristesse à la fois poignant et mélodiquement enivrant qui permet au talent vocal de Payton de briller.

« How To Have Fun » et « Planet Holida » » se font moins remarquer, le premier s’appuyant sur l’amour de Payton pour le refrain classique de l’indie building avec des chants en écho, mais ils sont toujours dignes de ce EP. C’est un témoignage de son énergie créative que des bops comme ceux-ci semblent un peu plats par rapport aux autres morceaux.

Porcupine est peut-être un EP classique par et pour les adolescents, mais il apporte avec lui une présence fraîche, presque distante, qui montre que Payton vient juste de commencer son voyage dans la création d’une musique ironique, haute et addictive.

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YUNGBLUD: « Weird! »

17 décembre 2020

YUNGBLUD est un combo de Doncaster qui s’inscrit dans la catégorie des outsiders avec son deuxième album Weird !. Alors que son EP Underrated Youth était le début d’un message d’espoir pour les marginaux, le nouvel opus est une célébration totale de tout ce qui est bizarre, une célébration dans laquelle son chanteur se délecte de ce qui a à voir avec l’extraordinaire.

Weird ! est un disque aux multiples facettes qui met en valeur les diverses composantes du talent artistique de YUNGBLUD. Les différents personnages qu’il assume tout au long de l’album explorent des thèmes comme la sexualité dans « Strawberry Lipstick » et « Cotton Candy », ou la solitude avec « Love song ». Weird ! atteint son sommet émotionnel avec le « single » « Mars », qui reprend les références lyriques du classique de David Bowie « Life On Mars » et raconte l’histoire d’une jeune fille transgenre inspirée par un fan rencontré après un spectacle. Sur ce registre, cette chanson est aussi poignante que « Polygraph Eyes » datant de 2018.

Les « singles » sont le genre de compositions que l’on a, ici, envie de crier à pleins poumons – mais ce ne sont pas les seuls joyaux de l’album. D’ailleurs, l’album n’a pas de pistes de remplissage, tant chaque chanson se démarque par elle-même, un peu comme si à chaque écoute une une nouvelle chanson devenait la favorite de l’album.

Un autre point fort est le « single » « God save me, but don’t drown me out » ; il met en évidence la capacité inébranlable du combo à exprimer des émotions dans leur forme la plus brute et il est difficile de penser à une autre composition qui transmette avec autant de succès ce genre de désespoir et d’acceptation de soi.

L’album nous donne ainsi exactement ce qu’il promettait. En plus du son rock/pop habituel, on y distingue un noyeau de musique expérimentale se revendiquant du concept de la bizarrerie. L’album s’ouvre avec l’intro un peu effrayante sur fond de boîte à musique, « Teresa » et affiche une construction presque théâtrale,avec une étincelle supplémentaire et excitante qui montre YUNGBLUD sous son meilleur jour. Cette énergie chaotique est présente tout au long de l’album, surtout dans les titres conduit à l’electronicaque sont « Superdeadfriends » et « Ice Cream Man ».

Le rythme en constante évolution de l’album, de la mélancolique « Love Song » à la divinement désordonnée « Charity « , est totalement représentatif de l’art de YUNBLUD et il ne fait donc aucun doute que Weird !Sera un spectacle impeccable sur scène si la tournée mondiale annoncée sematérialise en 2021.

***1/2


BENEE: « Hey u x »

16 novembre 2020

Si vous avez entre 16 et 28 ans et que vous disposez actuellement d’une connexion Internet, vous avez probablement entendu parler de BENEE. En effet, « Supalonely » a été l’une des réussites de TikTok pour l’été 2020, avec des milliards de flux et un engouement pour la « dance ». BENEE a seulement 20 ans et, dans la taxonomie des bops TikTok, « Supalonely » appartient à la catégorie de la pop douce et décalée, successeur spirituel du « Coffee » de Beabadoobee, ou de « Say So » de Doja, plutôt qu’au rap ou au mumblecore, les deux autres genres qui ont tendance à bien se comporter sur la plateforme. Il est facile de comprendre pourquoi « Supalonely » a pris un tel essor : alors que les paroles peuvent être pessimistes comme « Je sais que j’ai merdé, je suppose que je suis un loser » (I know I fucked up, guess I’m a loser). « Supalonely » est une pop jam qui se déchaîne, avec la légèreté insistante des tubes de l’été comme « Happy » de Pharrell, ou même « Uptown Funk ». C’est une musique de montage idéale, la preuve que même en été marqué par une urgence nationale, les gens voulaient encore écouter de la musique qui vous donne l’impression de conduire une voiture avec la capote baissée, le vent fouettant vos cheveux.

Le fait que les paroles soient heureusement pertinentes a aidé. Écrite comme une chanson de rupture, « Supalonely’s hook » est devenue un sinistre reflet de l’état d’esprit national pendant ce long et tortueux été. « J’ai été seule, mm, ouais » (I’ve been lonely, mm, yeah) fredonne BENEE, avant que lcliquris de verres ou de lunettes ne résonne et n’entre en action. Il fait des millions de signes de reconnaissance dans le cyberespace. Qui n’a pas été seul cet été ? Qui n’a jamais bu ?

Pour certains artistes, avoir autant de succès concentré dans un premier  « single « a toujours posé un peu de problème. Pour les débuts de BENEE, la stratégie a clairement été de se diversifier. Hey u x est une sélection de chansons en rafale, qui oscille entre les genres, soutenue par quelques caractéristiques scintillantes. Le premier morceau, « Happen To Me », est presque MOR, un morceau de rock indépendant morose. « Sheesh » (avec Grimes) est une électro-pop de retour – et c’est assez amusant, bien que Grimes s’y soit perdu, enterré sous des synthés dominants. Le même problème se produit dans « Plain » (Lily Allen & Flo Milli). BENEE et Allen ont des styles vocaux aussi langoureux, et avec une épaisse couche d’autotune appliquée sur le dessus, il est très difficile de faire la différence entre eux. Au moins Flo Milli est là pour animer les choses, son couplet fougueux donnant vie aux thèmes du morceau : « On dirait que vos sont allés au plus bas » (Looks like your standards went way down).

Dans un autre temps, la réception de Hey u x auraitpeut-être été luecomme une indication de la longévité et du succès futur de BENEE. En 2020,jrien n’assure que cela ait de l’importance. Si la mort de l’album a été largement exagérée, son importance a certainement été réduite. BENEE n’est pas nécessairement un artiste d’album, mais les auditeurs constateront que la plupart des bases sont couvertes dans les 13 titres de Hey u x. « Snail » est un titre plein d’entrain et inspiré du hip-hop, avec des paroles bizarres et attachantes : « Je suis un escargot / Tu es un mec / Je suis juste en colère / Je ne peux pas foutrement m’élever » (I’m a snail / You’re a guy / I’m just mad / I can’t fl”)y), « A Little While » est un album folk sucré et doux, et si le peps de « Supalonely » vous manque, le funk pour plagistes qu’est de « Kool » sera à votre goût. Il y a ici une chanson pour chaque liste de lecture, même si consommer les 13 d’affilée devient un peu pénible.

La biographie de BENEE parle de son enthousiasme pour l’A&R ; elle a même lancé sa propre maison de disques, Olive Records. Ces ambitions sont évidentes dans sa perspicacité de conservatrice – mais si Hey u x est peut-être la version album de la mise en boîte et de l’observation de ce qui colle, le fait est que certaines choses collent comme elles se doivent de le faire.

***1/2


The Jacques: « The Four Five Three »

6 novembre 2020

Après la mort tragique de Will J Hicks qui, depuis longtemps, était leur bassiste ainsi que quelques changements de personnel, les Jacques se sont installés sur un line up stable comprenant Finn O’Brien (voix, guitare), Elliot O’Brien (batterie), Harry Thomas (claviers) et James Lay (basse). Venant de Bristol et de Londres (le guitariste, et chanteur/compositeur, Finn O’Brien et son frère Elliot O’Brien aux percussions) sont tous deux nés dans la capitale anglaise et ont été élevés et scolarisés à Bristol, avant de revenir à Londres. Leur premier album, The Four Five Three, oscille entre des influences punk abrasives et déformées, une instrumentation chaotique et une luxuriante dream-pop.

L’album s’ouvre sur « Born Sore », un morceau de musique assez sombre sur la naissance, la fertilité et le péché originel. Une batterie, des synthés déformés et une ligne de basse lancinante nous mettent sur la voie avant que la voix discrète de Finn O’Brien ne donne à ce morceau un air plutôt menaçant. Les chansons se construisent au fur et à mesure de leur progression avant de se terminer presque abruptement. « Kiss the Pharaoh » était une proposition intéressante qui semblait parfois avoir un léger accent égyptie, mais, une fois de plus, c’e sera une composition intense et sombre, avec un chant plus profond presque obscurci tout au long.

« Swift Martin » arborera un vrai rythme électronique avec des accords de guitare qui s’écrasent et une batterie qui suit le rythme. C’est une autre chanson qui encourage l’interprétation religieuse, car le chant de Finn O’Brien semble se dissimuler dans la cacophonie du bruit et qui rappelle par moments Gang Of Four. « Do Me For A Fool », lui, évoquera The Libertines à première écoute ; un air joyeux qui semble être un éloge de l’amour et qui est très différent de ce qui s’est passé auparavant sur le plan musical.

« The Ugliest Look » se moque des cercles sociaux prétentieux qui entouraient l’époque de Finn au Goldsmiths College et où les paroles complexes sont partagées rapidement sur une toile de fond musicale merveilleusement animée. « Count On Me Pt 1 » et « Count On Me Pt 2 » bien que séparés sur le disque sont presque des images miroir l’un de l’autre, toutes deux des compositions floues, grunge et décontractées avec une voix déformée et des paroles indéchiffrables.

« Tiny Fuzzy Parasite » et « Cradle My Heart » sont pris en sandwich entre les deux parties de « Count On Me » et « Tiny » était censé être écrit comme une parodie assez effrayante, mais véhiculant un charme doux et sirupeux. Le sujet concerne le fait que nous avons chacun notre propre version de Dieu. Bien qu’il ne soit pas un prêcheur, on peut lui trouver un attrait sous-jacent et une vibe musicale plus lourde.

Mamacita est un mot utilisé pour désigner ou décrire une belle femme ou une belle fille et « Holy Mamacita » est une chanson d’amour avec une petite pirouette où il sera question de laisser tomber quelqu’un. C’est un titre qui transmet doucement le message, avec des voix délicatement partagées. « Hendrik » est le plus ancien morceau de l’album et a été renommé pour célébrer l’un des amis les plus proches de Finn qui avait toujours aimé cette chanson avant sa mort. L’interprétation y assez rapide, jouée de façon complexe, verbeuse mais extrêmement agréable.

« Taste The Mexican Sun » est tiré d’une légende apparemment dénuée de sens que Finn et Will ont remarqué sur un gobelet en plastique alors qu’ils traînaient dans un festival de musique. Il s’agit d’une autre balle courbe avec une légère touche mexicaine due à ce qui semble être une trompette jouée tout au long du numéro. La voix de Finn se fond presque dans le mixage, ce qui lui donne un charme envoûtant.

L’album se termine avec « God’s Lick » qui évoque des souvenirs doux-amers de sessions de jam sans fin lorsque Will était dans le groupe. C’est un morceau partagé en toute tranquillité qui semble flâner avec peu de direction ; un choix intéressant pour clore l’album.

Le groupe a été décrit comme granuleux, déformé, luxuriant, rêveur, discordant, infectieux, inventif, évocateur, romantique et ridicule. Une évaluation juste et la plupart de ces descriptions sont reprises dans The Four Five Three. Il y a, certes, beaucoup à apprécier avec cet album, mais jil donne parfois l’impressiond’avoir été réalisé pour plaire à toute le monde. Il sera, par conséquent, intéressant de voir comment et vers où le groupe va s’acheminer.

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Deerhoof: « Love-Lore »

5 novembre 2020

Ce groupe de San Francisco sort ici un album de 35 minutes rempli de reprises de chansons qui ont été initialement publiées dans les années 50 jusqu’à la fin des années 80. Love-Lore est publié quelques mois seulement après Future Teenage Cave Artists, leur plus récent LP. Il contient 43 reprises « live » qui ont été produites en studio et a été enregistré en un après-midi seulement et a été lancé le lendemain au Time:Spans Festival en 2019.

En 2017, le batteur de Deerhoof, Greg Saunier, a attiré l’attention sur sa page Facebook en publiant des articles sur Daytrotter, une entreprise de médias, et a exposé les activités de l’entreprise. Daytrotter aurait partagé des enregistrements bruts d’artistes et de groupes. Saunier a déclaré : « Daytrotter existe depuis de nombreuses années et a fait de nombreuses sessions formidables, et la grande majorité des musiciens ont sans doute eu une bonne expérience de travail avec eux. Mais pas tout le monde ».

Je fais cette déclaration sans malice ni intention de parvenir à autre chose que de faire savoir à mes collègues musiciens ce que Daytrotter peut faire, afin que vous puissiez décider par vous-mêmes si cela vous convient », a déclaré Saunier. Il a indiqué qu’il n’était pas en mesure de confirmer ou de nier que ses allégations avaient été faites à Deerhoof.

Love-Lore est composé de reprises qui ont été interprétées à l’origine par d’autres artistes de renom tels que The Beach Boys, Derek Bailey, The Velvet Underground et bien d’autres encore. Bien qu’ils aient repris de nombreuses chansons tristement célèbres, l’une des reprises les plus populaires est « Electric Avenue » qui a été chantée à l’origine par Eddy Grant. En même temps, « Song For A Future Generation » a fait une apparition sur l’album qui était à l’origine interprétée par les B-52’s.

Dans l’ensemble, Love-Lore a un côté très indie. Il incorpore des sons instrumentaux résonnants accompagnés d’une voix menaçante pour créer une aura relaxante et thérapeutique qui honore les versions originales des chansons. En outre, il réussit à leur donner une perception unique et inhabituelle.

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Smokescreens: « A Strange Dream »

29 octobre 2020

Ce groupe Los Angelese n’est pas étrangerà ce qu’il y a de meilleur dans indie-pop. L’album du combo, sorti en 2018, Used To Yesterday, était excellent, mais leur dernier disque, A Strange Dream, est encore meilleur tant il explique comment faire de la jangle-pop en 2020 et que la production de David Kilgour (The Clean) ne fait qu’élever le niveau.

Si la présence du producteur Kilgour est perceptible, ce n’est pas vraiment le signe que le groupe est dérivé du son de The Clean. En fait, on irait même jusqu’à dire que Smokescreens veut intentionnellement sonner comme The Clean ici, et qu’il y parvient. « Fork in the Road » possède ici l’un des meilleurs ancrages de guitare de 2020 tandis que « On and On » est tout autant familier du langage. Ailleurs, « Working Title » est un peu plus dur, les riffs un tant soit peu plus forts, tandis que « Streets of Despair » sonne moins comme The Clean et plus comme un combo de tye The Close Lobsters en 1987. L’écriture économique de Smokescreens met l’accent sur une grande guitare centrale, avec l’instrumentation et le chant qui l’accompagnent. Parfois, le son rappellera Velvet Crush mais Smokescreens s’intéresse moins aux Byrds qu’à l’historique label Flying Nun Records.

A l’écoute, A Strange Dream ne perd pas de temps à fournir le genre de rock qui a fait grandir tant d’entre nous et qui nous fait vivre encore. Même un morceau relativement lent comme « I Can Still See You » révèle à quel point ces musiciens s’attachent à trouver une mélodie forte, même s’ils se perdent momentanément dans la variété des textures. Pourtant, Smokescreens ne sera jamais un groupe de shoegaze, même si les guitares s’écrasent et les accords s’effondrent. A Strange Dream est à la fois une leçon de jangle-pop et l’un des meilleurs exemples de cette forme en 2020, étendu sur 10 étincelants morceaux.

***1/2


Vacations: « Forever In Bloom »

19 octobre 2020

Deux ans après la sortie de leur premier album, ce quatuor indie pop de Newcastle est de retour avec son second opus, Forever In Bloom. Ce disque marque la première fois que le groupe travaille avec un producteur, avec Oscar Dawson de Holy Holy (qui a produit pour de nombreux artistes australiens dont Ali Barter, Alex Lahey et Bec Sandridge), ce qui a permis d’affiner et de façonner leur son léger et ensoleillé. 

Des couches de synthés chatoyants crescendo sur des sons d’oiseaux ambiants sur l’instrument d’ouverture Floraison, donnant le ton pour les morceaux de rêve inspirés de la pop et du shoegaze à suivre.

Une ligne de basse percutante traverse le jingle de la guitare sur « Panache », qui met en scène Sarah Sykes de la formation Sunscreen de Sydney ainsi que d’autres habitants de Newcastle, Craterface et teddie (saxophone). « Lavender » est à la fois rêveur et puissant, avec des synthés brillants et des guitares aériennes et flottantes, le tout soutenu par une batterie serrée et percutante, offrant des grooves dansants et rebondissants – une combinaison dont ils ne s’éloignent jamais. Les vacances font très bien monter les chœurs, le chanteur/guitariste Campbell Burns se glissant souvent dans le faussetto pour livrer des crochets mémorables, imprégnés de réverbération, comme en témoignent « Ego » et « Something Here ».

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