Tess Roby: « Ideas of Space »

27 avril 2022

La Montréalaise Tess Roby ne fait pas de la musique pour un monde destiné au streaming. Elle n’est pas rapide dans ses accroches. Elle n’est pas maximaliste et ne s’impose pas. Elle n’essaie pas de rivaliser avec d’autres artistes, vrais ou faux.

La musique exige qu’on lui consacre du temps, qu’on la vive, et c’est une belle chose. Si vous essayez de faire plusieurs choses à la fois, vous ne profiterez inévitablement que d’une petite partie des expériences significatives qui vous attendent. Il faut être présent.

Dans cette présence, Roby crée une musique engageante et mélodique qui s’inscrit dans des paysages sonores fascinants et des espaces sacrés. Son deuxième album, Ideas of Space, qui sort aujourd’hui, porte donc bien son nom. Ce titre est aussi une promesse qu’elle tient de manière exponentielle.

Avec son premier album en 2019, Beacon, Roby s’est imposée comme une artiste dotée d’une capacité surnaturelle à tisser des tapisseries complexes mais accessibles, à la fois belles et inédites, mais qui n’ont jamais détourné le cœur profondément humain et émotionnel de son travail. Cette fois-ci, cet esprit persiste, mais la musique a plus d’espace pour respirer. La voix mezzo-soprano de Roby fait circuler l’air de manière plus libre et les compositions à base de synthétiseurs, bien que toujours complexes, sont tissées de manière moins serrée. La section rythmique est plus importante, avec une batterie et des programmations de batterie qui produisent une réverbération plus robuste. Le morceau propulsif et boisé « Eyes of Babylon » et la chanson-titre à base d’arpèges incarnent ce changement.

Le morceau phare « Path » montre Roby dans un espace plus rapide, plus rythmé – un rythme auquel elle donne plus d’importance car elle place sa voix une octave ou deux plus haut que son registre habituel. Ajoutez à cela un ensemble transcendant de synthétiseurs, et le résultat est une sorte de musique de nuit peu éclairée et lavée de mantras. « House/Home » est dans le même esprit, associant une section rythmique cinétique à des synthés intergalactiques et à des voix éthérées, à la manière d’un chef-d’œuvre que l’on retrouve sur l’inimitable série d’enregistrements intitulée Pure Moods.

« Up 2 Me », l’un des singles de pré-lancement de l’album, est un autre titre remarquable. Roby y déchaîne une cascade d’arpèges glassiens, sous lesquels une section rythmique excitée épouse le tourbillon avec une discipline mécanique. Les rondes vocales de Roby se joignent à la cascade, mimant (et complétant) la répétition thématique.

La batterie fait une pause sur l’extraordinaire « Euphoria in August », un morceau méditatif porté par des synthés tempérés mais passionnés et un violoncelle déployé avec goût. La voix hypnotique de Roby crée un environnement de contemplation débridée. C’est un autre morceau qui ressemble à un mantra, avec seulement quelques lignes qui se répètent avec une immédiateté poignante : « Who am I to love/Mother of the moon/Euphoria in August/Silence in the room » (Qui suis-je pour aimer/Mère de la lune/Euphorie en août/Silence dans la chambre).

Dans l’ensemble, Ideas of Space permet à Roby d’éviter de tomber dans le piège du deuxième album. Peut-être est-ce dû à un plus grand contrôle artistique – elle a quitté les Italiens de Do It Better et sort sur son propre label, ce qui conduit inévitablement à une sorte de « nouveau bail sur la vie » pour de nombreux musiciens. Elle a également un peu plus de collaborateurs, ce qui peut aussi permettre de garder les choses fraîches. On pourrait ainsi lancer une centaine de spéculations, mais l’essentiel est que cet album est important. Que ce soit dans sa carrière solo ou avec le trio électronique Dawn to Dawn, Roby a toujours montré qu’elle était destinée à une certaine forme de grandeur. On a pu qualifier son dernier album de chef-d’œuvre et on peur estimer que ce terme s’applique également à Ideas of Space. Elle a donc peut-être déjà atteint le stade de la grandeur. Quoi qu’il en soit, on est prêt à écouter ce disque en boucle à l’infini et nous avons hâte de voir ce qu’elle nous réserve à l’avenir.

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Metronomy: « Small World »

27 février 2022

S’il y a une constante dans la vie et l’époque de Metronomy, c’est le frontman et unique membre du groupe, Joseph Mount. Agissant comme le métronome titulaire qui garde le rythme à travers les différentes itérations du groupe, Mount est un leader intéressant, un penseur constant sur les questions de cœur qui ne peut s’empêcher de garder une distance ironique. Mais pas cette fois-ci. L’avènement de leur dernier renouveau et de l’album correspondant, Small World, voit émerger un nouveau Mount, en paix avec son rôle de romantique et débordant d’espoir pour un monde dépassant les deux dernières années. Sans son côté sardonique, cependant, il y a peu de choses qui le différencient de ses influences pop des années 90.

Malgré leur association avec la scène indé, Metronomy a depuis longtemps gardé son propre rythme, un rythme qui remonte à l’électronique abstraite et ambiante du premier album solo de Mount sous le nom de Metronomy, Pip Paine (Pay Back the £5000 You Owe), sorti en 2006. Mais c’est sur le disque mélancolique et funk de Nights Out (2008) que le groupe a mis en avant son facteur de différenciation, en introduisant la voix rauque de Mount, perpétuellement inoffensive mais immédiatement reconnaissable. Avec The English Riviera (2011), Metronomy s’est annoncé comme un groupe pop à part entière, bien qu’il soit rendu frappant par les ruminations de Mount sur les amours non partagées et la psychose des petites villes. Chaque album suivant a ajouté une nouvelle ride à leur éclat pop sucré, qu’il s’agisse de considérations méta sur leur propre percée sur Summer 08 en 2016, ou d’un retour aux enregistrements solo de Mount avec Metronomy Forever en 2019.

Alors quel est le facteur de différenciation ici ? Eh bien, le dernier mouvement de pendule musical de Mount fait dévier le groupe vers une pop si douce qu’elle fond pratiquement au contact du tympan. Délaissant les lignes de basse synthétiques qui formaient autrefois l’épine dorsale de leur funk électronique, Metronomy dérive maintenant sur une mer de guitares rythmiques inoffensives, naviguant sur des twangs acoustiques, des harmoniques mignonnes et des sentiments tièdes. Il y a bien quelques touches de psychédélisme, comme sur le délavé « I lost my mind », et une ligne de synthétiseur qui perce à travers le kitsch, mais c’est un album plutôt direct. Il y a même des sifflements.

En parlant de Small World Mount a exposé son inspiration : « Je me suis souvenu de ce que c’était quand j’étais enfant, quand j’étais assis sur la banquette arrière de la voiture de mes parents et qu’ils passaient leur musique et je me disais ‘c’est horrible’, mais il y avait une ou deux chansons que j’aimais bien ». Pourtant, malgré son clin d’œil à la pop enjouée des Boo Radleys et à la chanson « inanimement positive » qu’est « Shiny Happy People » de R.E.M., ce disque est un effort essentiellement sincère pour capturer la nostalgie de la douce brise de la pop moyenne des années passées. En ce sens, il est difficile de dire que Small World est autre chose qu’un succès, mais un succès en ces termes ne peut s’empêcher de ressembler à une mimesis superficielle. Le mieux que l’on puisse dire, c’est que ce n’est pas affreux.

Comparé aux discursions tentaculaires de leur dernier album, Metronomy Forever (une entreprise gigantesque de 17 chansons, qui menaçait de durer une heure entière), c’est une affaire beaucoup plus dépouillée, dépassant à peine la demi-heure. Alors que Forever s’inspirait des excès de Drake et consorts, où un album est plutôt un amas d’idées déconnectées, Small World, au titre approprié, restreint la vision de Mount. Mais sans les divergences créatives de son prédécesseur, on se retrouve avec une bouillie assez oubliable, sauvée uniquement par sa brièveté. Le même sens de l’accroche pop répétitive et accrocheuse persiste, comme sur « It’s good to be back », un titre qui prouve le talent de Mount pour les mélodies enjouées, mais qui manque de sentiment au-delà d’un optimisme beige post-pandémique pour l’avenir.

Si Small World clarifie quelque chose, c’est que Mount a toujours été un papa rockeur des années 90. Ce qui ne répond pas à la question de savoir à qui s’adresse ce disque. Est-il destiné aux parents assis à l’avant, qui n’absorbent rien d’autre que les progressions d’accords joyeuses, ou à l’enfant assis à l’arrière, qui prie pour que la sédation sereine cesse ? Lorsque l’album se termine par la répétition mantrique « I have seen enough… », on a l’impression que Mount anticipe les critiques sur sa tendance à la mièvrerie. Tout ce qu’on peut espérer, c’est que le prochain coup de Metronomy aura un peu plus de poids.

***1/2


Kelly Lee Owens : « Inner Song »

4 septembre 2020

Le LP éponyme de Kelly Lee Owens sorti en 2017 avait envoyé les auditeurs vers des hauteurs célestes, où les glyphes techno décontractés étaient tempérés sans effort par un chant hypnotique d’abandon joyeux. Le premier album, très expansif sur le plan rythmique, avait été très apprécié pour son sens d’exploration du silence, qui était un clin d’œil à divers sous-genres et était parsemé de moments d’obscurité parfaitement poignants. L’album qui s’est démarqué a permis à Owens de s’élever au rang d’artiste, prouvant ainsi qu’elle est bien plus qu’une chanteuse. Ce baptême du feu lui a permis $de se frayer un chemin dans un monde de spectacles joués à guichets fermés, de places de festivals et de collaborations impressionnantes avec des artistes comme Jon Hopkins.

Pourtant, parmi les réactions enthousiastes à ses débuts et les nombreux éloges de la critique, Owens n’a pas eu la vie facile. Son dernier album est le fruit de ce qu’Owens décrit comme « les trois années les plus difficiles de ma vie », une période chargée d’émotion qui, selon elle « a définitivement influencé ma vie créative et tout ce pour quoi j’avais travaillé jusqu’alors. Je n’étais pas sûre de pouvoir encore faire quelque chose, et il m’a fallu beaucoup de courage pour arriver au point où je pouvais à nouveau faire quelque chose ».

Cette offrande d’une Owens qui avait déjà du punch détaille les luttes qu’elle a menées au cours des trois dernières années, confrontant des pensées et des sentiments difficiles qu’elle a exprimés avec tant d’éloquence. « Inner Song » marque un autre pas de géant dans son évolution en tant qu’artiste, continuant à s’appuyer sur une discographie sans cesse croissante et aux promesses illimitées. 

L’album s’ouvre sur un remix audacieux de « Arpeggi » de Radiohead, qui est à mille lieues de la possibilité d’être étiqueté comme sacrilège. L’ouverture d’Owen rend simultanément hommage au morceau, tout en lui insufflant magistralement une nouvelle vie. Le morceau « On » en est la suite parfaite, avec es synthés en yoyo se mêlant de façon pittoresque à l’introduction de l’électro-pop, marquant une renaissance sonore du son de l’artiste galloise.

« Melt » est le titre le plus marquant de l’album et sans doute le plus expérimental. Ici, Owen confronte sa profonde frustration aux problèmes actuels du changement climatique. Le morceau est un rappel glacial des conséquences de la négligence humaine, employant un mélange de samples glaciaires aux sons de la fonte des glaces et du patinage. Les samples sont soutenus par des couches caverneuses de techno qui nous donnent envie de retourner sur la piste de danse.

En plus des questions globales, Owens aborde aussi des questions personnelles dans l’album. Ses racines personnelles sont aussi présentes que ses préférences sonores, puisque son compatriote John Cale, artiste gallois et légende de l’avant-garde, prête ses tuyaux caractéristiques au présage de « Corner Of My Sky » : « John et moi avons déjà travaillé ensemble lors d’une session précédente et avons formé un lien. J’ai réalisé que je pouvais entendre sa voix par-dessus cette berceuse psychédélique. J’ai osé lui demander s’il voulait bien contribuer au morceau et utiliser un peu de gallois là-dedans ».  

« Inner Song » sera un voyage atmosphérique autour de sommets et de vallées, de la voix éthérée qui transcende la réalité à des ballades électrisantes qui stimulent les sens. « Le pouvoir de conceptualisation de qui vous êtes a vraiment influencé cet album », déclare Owens à propos de l’essence de Inner Song, et son deuxième album l’exécute parfaitement. Cet opus est une découverte de soi qui ouvre les yeux, mis à nu pour tous puissent la voir

***1/2


Låpsley – Through Water

30 mars 2020

Parfois, la pochette d’un album vous dit tout ce que vous devez savoir sur l’œuvre qui s’y trouve. Sur le premier album de 2016, Long Way Home, Låpsley vous dévisage, le regard défiant de son jeune visage plantant le décor de ses médiations tristes et synthétiques sur les relations décevantes et les blessures intérieures. Sur Through Water, elle a cessé d’exiger des réponses et s’est abandonnée aux éléments – une plongée profonde d’engagement, allant là où les vagues pourraient l’emmener.

Le saut a définitivement porté ses fruits – sa voix inimitable s’épanouit dans un dancehall grotesque et un « First » d’inspiration afrobeat et une grande confiance pop sur « Womxn ».

Mais elle sait aussi prendre du recul, parsemant le disque de segments de paroles et de mantras sincères qui lient le tout. Son travail sera toujours défini par sa nature discrète et vulnérable, mais ici, on ressent beaucoup plus une intention qu’un accident – un artiste qui apprend à s’appuyer sur ses points forts, ne plus reculer dans le sillage de l’obscurité. En mettant un terme au délicat « Speaking Of The End », elle l’affronte directement : « ’m running a new race… I’ve sculpted a new face. » (Je cours une nouvelle course… j’ai sculpté un nouveau visage). En ajoutant une couche supplémentaire de complexité au son qui l’habite sans compromettre l’intimité, c’est une évolution solide qui augure incroyablement bien de l’endroit où elle choisira ensuite de nager.

***1/2


Caribou: « Suddenly »

27 février 2020

Il est dit que chaque action entraîne une réaction ; cette affirmation est vraie pour Dan Snaith, alias Caribou, et pour la façon dont il a abordé la création de son septième album Suddenly. Le Canadien avait déclaré ouvertement que Our Love, son sixième disque, était la formulation pop la plus polie, la plus brillante et la plus concise de la musique qu’il lui était possible de faire. En réfléchissant davantage, Snaith avait ajouté ne pas pouvoir aller pouvoir aller plus loin dans cette direction, ce qui signifie que Suddenly est un animal différent de son prédécesseur. Deux facteurs clés ont contribué à façonner la dernière offre de notre protagoniste : l’un a été d’embrasser un grand nombre d’artistes plus récents (Drake, Post Malone) dans le domaine de la pop et du hip-hop, tout en sautant à l’autre extrémité du spectre en absorbant de vieux disques rares avec la problématique e raaliser quelque chose qui a un pied dans la production contemporaine, et l’autre dans le monde le plus bizarre et le plus extérieur auquel on peut penser. L’autre élément de Suddenly était la formation de chansons issues de ces deux sphères différentes et d’opérer une trensition douce comme dans une composition de Our Love et d’y laisser des rebords qui ne soient pas lisses. Ceux-ci, sur Suddenly, sont, en effet, déchiquetés mais ils donnent à l’ansemble un côté humain ; combiné au style vocal apaisant de Snaith, vous avez un disque sur lequel vous pouvez danser et qui vous donne une sensation de chaleur et de flou à l’intérieur. Une utilisation habile de tics vocaux échantillonnés donne à plusieurs morceaux des accroches infectieuses ; ce sont pour la plupart des mailles sonores sans paroles, mais c’est la façon dont elles sont délivrées parmi les synthés ondulés et les percussions saccadées qui donne au dernier né de Caribou une impulsion vitale. « You and I » commence peut-être comme un morceau pop des années 80, mais au bout de trois quarts, il se déploie en un paysage sonore changeant de bribes de voix coupées et d’ondes de saxophone qui s’entrechoquent. L’influence hip-hop mentionnée plus haut transparaît dans « Sunny’s Time » avec sa mélodie au piano et son chant enroulé en staccato. Ajoutez à cela des rythmes urgents et des cuivres plus abrasifs et vous comprendrez d’où vient Snaith quand il dit qu’il quitte ces bords. Le chant échantillonné est utilisé différemment sur « Home », au lieu de fragments de sons indéchiffrables appliqués comme une autre couche sonore, Snaith s’approprie une saveur soul et terreuse à la fois; représenté par un chant riche répétant le titre du morceau encore et encore, qui est ensuite combiné avec des beats vintage et un arrangement de cordes. On faitcomme découvrir une chanson gospel perdue depuis longtemps, mais on lui donne le traitement de 2020. « Never Come Back » vous plonge directement sur la piste de danse au coucher du soleil à Ibiza, avec un refrain de piano des Baléares et un échantillon vocal aigu et haché. Les couches de percussion qui se transforment sans cesse et le battement sourd de la chanson la mènent à un climax euphorique et vertigineux.

Au milieu des débris sonores, il y a une mélancolie rassurante qui maintiendra Suddenly sur terre. Cela est dû en partie à Snaith et à sa voix tendre qui dépeint des paroles sincères et vulnérables. Smith revient sur « losses and close calls with mortality” » (les pertes et les accidents évités de justesse avec la mortalité) tout en déclarant : « In the last five years, over and over again I’ve been in that scenario. It’s something that catches up with everybody. Music-making helps me come out of those things feeling some solace and optimism. I want the music to be comforting in that way. I want it to sound like a hug. »(Au cours des cinq dernières années, j’ai été dans ce scénario à maintes reprises. C’est quelque chose qui rattrape tout le monde. Faire de la musique m’aide à sortir de ces situations avec un peu de réconfort et d’optimisme. Je veux que la musique soit réconfortante de cette façon. Je veux qu’elle sonne comme un câlin) » « Lime », une chanson qui ne serait pas déplacée sur le Random Access Memories de Daft Punk ; fai ts’exclamer calmement le leader de Caribou : «  make up your mind/before it goes away/don’t waste your time/don’t let it slip away » (décidez-vous avant que cela ne disparaisse/ne perdez pas votre temps/ne laissez pas cela vous échapper) comme s’il s’agissait de quelqu’un qui a certainement lutté contre la mortalité récemment. Sur le morceau de club « Ravi », qui sonne sous l’eau, un autre moment où l’on échange des échantillons vocaux intangibles et un hédonisme de pompage, Snaith se contente de déclarer « It’s always better when I’m with you. » (C’est toujours mieux quand je suis avec toi). Le « closer » « Cloud Song », une chanson épique, qui glisse au ralenti sur des sons de science-fiction rétro, est le point où le pendule Suddeenly se balance d’un endroit de chaleur vers un bunker, par opposition au point où vous êtes confronté à vos propres problèmes. Même dans ce dernier cas, la chanson ne vous laisse pas abattu, mais plutôt réconforté et soutenu. « When you’re alone with your memories/I’ll give you a place to rest your heard » apporte le réconfort, tandis que « no one is granted an eternity » fait écho à la notion de fragilité humaine que Snaith a explorée tout au long de Suddenly. Délicieusement nuancé par un maquillage sonore novateur et un cœur humain très réel, l’album s’offre comme le lieu sûr dont nous avons tous besoin lorsque les choses deviennent un peu trop lourdes à supporter.

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Ásgeir: « Bury The Moon »

10 février 2020

Beaucoup de gens ne connaissent que Of Monster & Men et Björk, mais Ásgeir est cet autre artiste, dont le premier album a été le plus vendu de l’histoire de l’Islande. Avec la sortie de ce troisième opus on ne peut que penser que de plus en plus de personnes vont commencer à apprendre son nom.

Écouter Bury The Moon, c’est comme réécouter, avec la distance, son enfance, ou du moins ce qui pourrait en être la bande-son. idéalisée Les paroles sont réfléchies, la musique est un beau mélange d’acoustique et d’électronique minimale, et c’est une histoire cohérente.

En débutant sur un « Pictures » accrocheur, Bury The Moon évoque la bande originale de The Secret Life of Walter Mitty. Elle est à la fois paisible et édifiante, tout en évoquant les luttes de la vie. Écoutez le travail de guitare au début de « Youth » ; il imite notre anxiété comme le tic-tac métallique aigu de « Staircas » de Radiohead. Mais ici, la voix d’Ásgeir est apaisante comme celle d’un vieil ami.

L’histoire de Bury The Moon vient des talents qu’a l’artiste en matière de construction d’albums. Il entraîne l’auditeur dans des hauts et des bas, en imitant la vie. « Breathe », la troisième chanson de l’album, est l’exemple parfait du conflit concentré en une seule composition au demeurant extrêmement écoutable. Elle commence par de simples accords de piano contre une alarme électronique qui tourne en rond et cherche en arrière-plan. Elle est encore renforcée par la confiance d’un narrateur qui sait que « wherever I go, I’ll find my way home «  (où que j’aille, je trouverai le chemin de la maison). La chanson est suivie de « Eventide », une marée étale comme ce moment où on peut se retrouver soi-même, avant que « Lazy Giants » ne nous ramène au conflit. Aller-retour : « Overlay », la chanson d’amour suivie de « Rattled Snow »,, titre qui contient le son le plus électronique de l’album. « Turn Gold To Sand » » avec son côté blues et une légère montée en puissance dans « Living Water », jusqu’au conflit final et au point culminant qu’est « Until Daybreak ». Ásgeir chevauche les conflits comme des vagues tout au long de l’album jusqu’à ce qu’il nous emmène à terre avec l’envolée finale, « Bury The Moon ».

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Poliça: « When We Stay Alive »

1 février 2020

«Laying in bed, as I healed from a ten-foot fall of carelessness with my life, I would dream of running in green grass and tears would pour from my eyes. » (Allongée dans mon lit, alors que je guérissais d’une chute de trois mètres d’insouciance dans ma vie, je rêvais de courir dans l’herbe verte et les larmes coulaient de mes yeux) ; c’est ainsi que la « leader » de Poliça, Channy Leaneagh,décrit en détail l’expérience qui l’a changée au début de 2018, comme cela a été épinglé dans la section des commentaires de YouTube pour « Driving », un « single » de son nouvel album, When We Stay Alive.

Pour être clair, l’album n’avait pas ce titre avant l’accident. Avant de tomber de son toit alors qu’elle dégageait de la glace, de se fracasser une vertèbre et de se blesser la colonne vertébrale, Leaneagh n’avait aucune idée de ce qui allait bientôt devenir l’inspiration du titre. Pourtant, en tant que quatrième album de Poliça, When We Stay Alive ne parle pas que d’un seul accident inattendu : c’est un voyage synthpop transformateur qui explore comment nos pires moments nous façonnent en tant qu’individus pour nous faire atteindre notre meilleur.

« Driving » commence lentement et de manière atmosphérique, mais prend de l’élan et attire les auditeurs par son intensité rythmique. « TATA » suit pour changer complètement l’ambiance, canalisant la férocité et l’espièglerie en même temps. La chanson suivante, « Fold U », est obsédante et dissonante, mais il est difficile de dire si la composition elle-même est faible ou si elle manque simplement de beauté et de merveille par rapport à toutes les autres entreprises du disque Plus tard vient « Be Again » qui a d’abord servi de pratique vocale à Leaneagh pour qu’elle retrouve sa voix tout en portant une attelle ; avec cette histoire en tête, la chanson en soi dévientpuissante et inspirante, et elle créée avec une passion si profonde qu’elle semble presque tangible.

 Bien que la moitié de When We Stay Alive ait été enregistrée avant l’accident de Leaneagh et l’autre moitié après, l’album est étonnamment cohérent. L’album maintient un récit éclairant tout au long de son déroulé ; en communiquant que si les malheurs de l’existence peuvent être difficiles, c’est à travers le processus de guériso, que nous pouvons revenir à nos vies plus forts que jamais.

***1/2


Whyte Horses: « Hard Times »

26 janvier 2020

Imaginez que vous créez une mixtape où il ne s’agit pas simplement de sélectionner des pistes et de décider de l’ordre de passage, mais où vous commencez à enregistrer et à produire une sélection de chansons très appréciées en faisant appel à certains de vos artistes préférés. C’est exactement ce que les Whyte Horses ont réussi à faire sur leur troisième album studio, Hard Times.

Whyte Horses peuvent sembler être un projet de pop art en constante évolution, avec des spectacles immersifs en direct qui sont bien plus théâtraux que la moyenne des concerts indépendants, mais pour leur DJ, producteur et maître de cérémonie, Dom Thomas, cela demeure une question de musique,de dissection du travail des autres pour voir comment ils écrivent leurs chansons.

Ltracklist de Hard Times est sans aucun doute le résultat du temps que Thomas a passé en tant que DJ à rechercher l’étrange et le merveilleux, à mélanger les plaisirs de la foule avec ceux sui sont plus obscurs. En effet, les choix qui résonnent sur cet album sont souvent ceux qui suscitent suffisamment votre intérêt pour que vous vous procuriez l’original à comparer. La chanson titre « Hard Times », par exemple, a été écrite à l’origine par Curtis Mayfield pour un chanteur de soul plus grand que nature appelé Baby Huey, que beaucoup considéraient comme l’un des grands talents perdus de la musique. L’original des années 1970 est un classique indéniable et la réinterprétation de Whyte Horses avec la voix douce de John Grant lui rend certainement justice. 

 L’un des points forts de l’album est la reprise de « Mr. Natural » des Bee Gees, qui a à peine atteint le Top 100 du Billboard lors de sa sortie en 1974. Il présente une performance magnifiquement nuancée, émotive et pleine d’âme d’Elly Jackson, qui est à des millions de kilomètres de l’image de la sirène stylisée u’elle a utilisée pour les premiers « singles » de La Roux. 

 Tout n’est pas parfait. « Satellite of Love’ (avec Badly Drawn Boy) est une agréable plutôt qu’une interprétation radicale et n’ajoute rien de nouveau au classique de Lou Reed. Gruff Rhys se joint au collectif pour reprendre « Tocyn » de Brân, un rock glamour en langue galloise de 1974. Le résultat n’est pas sans rappeler l’union entre Chicory Tip et The Rubettes qui expérimenteraient les champignons magiques. 

 Le faux classique punk de Plastic Bertrand, « Ça Plane Pour Moi », est bien meilleur. Il n’a pas de chanteur invité de grande renommée, mais sa fusion effervescente de Northern Soul et de New Wave, pleine de klaxons, et de voix de groupe de filles est parfaitement réalisée. « I Saw the Light » de Todd Rungredon, chantée par Mélanie Pain, est une autre interprétation pétillante qui fait ressortir la beauté désolée et nostalgique qui réside au cœur de la chanson. 

 L’album se termine par une autre superbe réinterprétation et un titre qui reflète à nouveau le passé de DJ fouilleur de caisses de Thomas sous la forme de « Want You to Kno » ». Il s’agit d’une composition originale de Roy Kerr, alias The Freelance Hellraiser. Kerr est crédité comme l’un des créateurs de la scène « mashup » britannique et s’est fait connaître en 2001 avec « A Stroke of Genius », qui a fusionné « Hard to Explain » des Strokes avec le pop smash « Genie in a Bottle » de Christina Aguilera. 

 Hard Times est une collection de chansons conservée avec amour, essentiellement un album de reprises pour les personnes qui n’aiment pas les albums de reprises. Et en ces temps sombres et difficiles, cet opus est un exercice d’évasion bien nécessaire qui vous permet de vous immerger complètement dans l’univers kaléidoscopique de la pop mystique de Whyte Horses.

***1/2


Låpsley: « These Elements »

12 janvier 2020

La transition entre l’adolescence et l’âge adulte peut être une période particulièrement difficile pour tout le monde. Si vous êtes un artiste qui se trouve dans le processus de cette énorme transition de vie tout en étant sous les feux de la rampe, ce processus peut être encore plus difficile. Heureusement, ces artistes peuvent compter sur leur médium, quel qu’il soit, pour traiter ce développement. Pour Låpsley, la chanteuse, compositrice et productrice anglaise, elle a pu documenter cela pour son nouveau EP These Elements. Son premier album, Long Way Home est sorti il y a trois ans et entre-temps, Låpsley a connu les mêmes difficultés de croissance que nous tous, de l’adolescence à la vingtaine, et c’est avec These Elements que, façon de se faire entendre, elle se met à nu .

Cette collection de quatre chansons est très réfléchie. L’EP commence avec «  My Love Was Like The Rain » qui met en avant le chant doux de Låpsley sur de beats minimalistes et des synthés aériens. L’autre chose que le morceau met en avant est la clarté et la confiance retrouvées dans son approche de l’écriture de chansons, un peu comme si qu’elle avait vécu des changements et qu’elle était devenue une personne plus mature à travers ces expériences. « Eve », avec ses applaudissements syncopés et son refrain addictif, est aussi accrocheur que beau. A propos d’une relation à sens unique, Låpsley déplore une situation dans laquelle son partenaire semble prendre plus que donner.

Le point fort du EP, « Ligne 3 » est une médiation émouvante sur une relation qui a échoué. Chanson composée à la fin de sa dernière relation elle éfléchit sur sur le fait que passer à autre chose n’est pas aussi simple qu’il n’y paraît ; une émotion qui frappe fort et qui est douloureusement réelle tant la vie ne fonctionne pas comme s’il suffisait de clauqer les doigts pour ce faire. Cette piste est clairsemée et flotte sur l’émotion pure et Låpsley peint le tableau simplement et honnêtement à travers ses paroles. L’EP se terminera avec « Drowing », une autre tentative magnifiquement minimale. Doucement et en subtilté, elle chante sur un riff de piano bourdonnant qui éclate dans un refrain qui fait de ce titre le plus passage d’un disque qui, fondamentalement, ne lésine pas sur des sentiments qu’elle souhaite cathartiques.

Essayer de s’adapter aux changements dans sa vie, tout en se lançant toutes sortes de défis, fait partie de l’enfance. Låpsley semble clairement avoir vécu sa part de difficultés ces dernières années. Elle a dit à propos de la collection de chansons qui composent These Elements que l’amour émotionnel, le désir physique, la dépression et l’estime de soi forment un tout tel qu’il a été vécu au cours de ces quatre dernières années qui sont comme ces quatre nouvelles compositions. Belle leçon donnée que de réaliser qu’on ne sort pas de façon abstraite ou obtuse de certaines situations mais qu’on le fait très directement et complètement en mettant son coeur à nu. Grandir n’est peut-être pas facile, mais avec des albums comme These Elements, il y aura toujours quelque chose pour atténuer la douleur et prouver que nous ne sommes pas seuls.

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Girl Ray: « Ray »

6 novembre 2019

Les trois anglaises de Girl Ray font cette année leur retour deux ans après un Earl Grey fortement remarqué. Alors qu’on les avait laissées sur un premier album à la pop aussi mainstream qu’expérimentale, elles ont pu nous dévoiler il y a trois mois « Show Me More », « single » idéal pour introduire ce second opus sobrement et significativement intitulé Girl.

On retrouve sur Girl des chansons pop dans un style qui leur est prope et le trio dévoilera ensuite un second « single » avec un refrain accrocheur en diable, « Friends Like That »,, ou encore un « Because » aux synthés dansants et bipolaires. Comme précédemment se feront de nombreuses autres influences et expérimentations, à commencer par ces intonations R&B, assez légères pour ne pas aliéner les réfractaires au genre ; une approche qui fait tout le sel de la musique de Girl Ray.
Après deux tiers de pop entraînante, « Just Down The Hall » change
ra radicalement de sonorités pour nous embarquer dans une minute de soul classieuse, tandis que plus loin la formation londonienne nous propose « Keep It Tight », un de ses morceaux les plus singuliers, autant par sa structure que ses arrangements, et en son sein, un refrain des plus épiques qui soit pour le groupe.

Alors que l’on est relativement habitué à ce que les trois musiciennes nous surprennent, la première écoute de « Takes Time » prendra de court par son entame sur un couplet hip-hop. Pswuave, rappeuse londonienne à la voix douce et paisible, viendra d’ailleurs poser son « flow » sur une composition pop, le mariage fonctionnant dès lors parfaitement.
Tout aussi posé, « Let It Go « est un piano jazz aux chœurs lancinants en arrière-plan qui, à mi-parcours, bifurque sur une synthpop plus rythmée portée par une flûte de pan. Cette dernière se voit également être au centre de « Go To The Top », courte chansons entraînante et hypnotisante, à la limite de l’expérimental, qui nous amène
ra sans transition sur un irrésistible « Beautiful », pendant reggaeton de « Go To The Top » et sur lequel on ne peut s’empêcher de danser.
Ainsi est arfaitement définéie et calibrée la musique de Girl Ray : diverse et osée, complexe et débridée, mais qui se tient de la première à la dernière seconde, le tout porté par la voix protectrice et enivrante de Poppy Hankin, la basse omniprésente de Sophie Moss et la batterie percutante d’Iris McConnell. Girl est un second album qui parvient à égaler – si ce n’est le surpasser – un premier déjà nettement abouti. Un exploit que peu de groupes peuvent se targuer de réussir.

***1/2