No BS: Just Rock & Roll!

Depuis sa « créatio »n au début des années soixante-dix, le heavy metal a donné naissance à une panoplie d’artistes et de groupes qui se sont démarqués de leurs pairs ; pas seulement pour leur succès grand public ou leur look trop provocateur, mais pour leur pertinence artistique qui incarne en quelque sorte l’esprit du temps, faisant écho au son et à l’âme d’une époque. Et bien que le genre soit devenu essentiellement underground au cours des dernières décennies, on peut encore trouver quelques exemples qui sortent du lot pour diverses raisons. Les métalleux extrêmes de Long Island, Artificial Brain, appartiennent à cette niche étroite. Leur approche hybride dissonante, qui combine dans un récit de science-fiction la grandeur du death metal avec l’esthétique plus émotionnelle du black metal, reflète la personnalité bipolaire d’une génération qui embrasse et fusionne divers styles, rejetant les orthodoxies unidimensionnelles. Labyrinth Constellation et Infrared Horizon reflètent tous deux cette attitude agrégative, en étant les principaux représentants d’une production dissonante progressive qui s’est développée ces dernières années, revitalisant les fondements mêmes du genre, lui donnant de nouvelles formes et couleurs. Comme si Gorguts s’associait à Deathspell Omega dans un paysage sonore de science-fiction, mené par l’un des gutturaux les plus profonds que l’on connaisse. Une formule distinctive, basée principalement sur la combinaison contrastée entre le chant puissant de Will Smith et les riffs aigus dissonants, où la gorge occupe une place centrale, conférant un charisme particulier à la musique. Un peu comme Oliver Rae Aleron et les garçons d’Archspire. Une symbiose parfaite. Un lien qui, au mépris des dieux du death metal, est sur le point de prendre fin, puisque le troisième album éponyme du groupe sera le dernier avec Will Smith au micro, ce qui lui confère une aura de nostalgie et d’adieu, tout en ajoutant une couche douce-amère supplémentaire au mélange.

Vous pensez peut-être que nous en faisons fais trop, parce qu’au bout du compte, ce ne sont que des gutturales, non ? Un atout jetable, facilement remplaçable. Eh bien, pas vraiment. Le groupe ne sera jamais le même sans Smith, et Artificial Brain ne s’affirme pas pleinement dans le présent, étant l’écho d’un passé récent. En fait, nous écoutons ce que le collectif a été, et non ce qu’il est maintenant. Et ce n’est pas un détail mineur à mes yeux.

Néanmoins, il est important de noter que malgré ce contretemps, Artificial Brain ne déçoit pas. Il conserve les mêmes ingrédients que les sorties précédentes, tant sur le plan conceptuel que musical. Les textes du vocaliste continuent à graviter autour d’un futur dystopique, explorant des thèmes tels que la folie ou l’inexorabilité de la nature, et musicalement le collectif ne s’écarte pas de la voie dissonante précédemment tracée. La formule reste essentiellement inchangée. Les subtiles nuances mélodiques qui se cachent dans « A Lofty Grave » et « The Last Words of the Wobbling Sun », ou le saxophone dans le segment final de « Tome of the Exiled Engineer », ajoutent de la couleur à la composition sans nécessairement apporter plus de contraste, agissant comme des embellissements complémentaires à une structure principale plus large.

Néanmoins, le son d’Artificial Brain est légèrement plus sale et plus lourd que celui d’Infrared Horizon, ce qui lui confère un aspect et une sensation moins sophistiqués. Une approche qui, malgré ses inconvénients, confère à Artificial Brain une personnalité propre, un caractère plus brut, si vous voulez. Cela rapproche la musique des gutturaux de Smith et donne plus de corps à la basse de Samuel Smith. L’album semble massif, comme un mastodonte intergalactique. Le premier single,  » Celestial Cyst « , et  » Insects and Android Eyes  » sont les principaux représentants de ce troisième chapitre interstellaire, les deux incluant des voix invitées de Mike Browning (Nocturnus) et Luc Lemay (Gorguts) respectivement. A Lofty Grave « , le simple morceau d’ouverture éponyme, et  » Cryogenic Dreamworld  » font également partie des points forts de l’album, le premier comportant un solo de guitare Warr intéressant de Colin Marston (également responsable du mixage et du mastering) et le second donnant lieu à une section grind-ish écrasante qui précède un moment Anata-esque non moins intéressant. Comme sur les précédents albums, Artificial Brain offre une production cohérente où tout semble cohésif et prémédité, reflétant une formule musicale bien mûre. Et si l’on ne peut pas dire qu’il s’agisse de la meilleure sortie du groupe à ce jour, il est indéniable que la machine cosmique dissonante de Long Island est une fois de plus concentrée et bien calibrée, ce qui en fait un produit singulier et inimitable.

Bien que le troisième chapitre éponyme d’Artificial Brain soit à la hauteur de son héritage, il dégage une aura de nostalgie (prématurée) qui le submerge d’un poids émotionnel inattendu. C’est l’inévitable goût doux-amer de l’adieu ; le quasi chant du cygne d’un collectif qui a cessé d’être. Et en attendant que la machine redémarre, profitons de ce voyage interstellaire pour découvrir certains des meilleurs paysages sonores cosmiques que le groupe ait jamais produits.

***1/2

Pour être honnête, il nous a fallu beaucoup de temps pour « comprendre » Cave In. Nous avons suffisamment étudié l’histoire de la musique pour savoir et apprécier que Stephen Brodsky et sa compagnie ont eu un impact considérable sur le paysage de la musique heavy. Cependant, pendant longtemps, le groupe ne nous a jamais vraiment plu, et ce n’est qu’en entendant Mutoid Man, le projet de collaboration de Brodsky avec Converge, que nous sommes tombés amoureux de leurs efforts. Ce qui, nous le reconnaissons, pour quelqu’un dans notre position, est presque un crime. Après s’être débarrassé de ses soi-disant racines metalcore, avoir créé des albums qui repoussent les limites avec des titres comme Jupiter et le souvent négligé Pitch Perfect Black, sans oublier de flirter avec l’acceptabilité commerciale avec le diviseur d’opinion qua été Antenna, Cave In reste un groupe qui ne reçoit jamais l’appréciation générale qu’il mérite (et nous voyons l’ironie de cette phrase en donnant notre première confession).

Après un hiatus studio de dix ans depuis leur excellent White Silence, les membres du groupe ont poursuivi divers projets externes, ils reviennent maintenant avec leur premier nouveau matériel depuis la mort tragique d’un membre du groupe, Caleb Schofield, en 2018 et font leurs débuts chez Relapse Records avec leur septième album, si l’on inclut Final Transmission. En surface, Heavy Pendulum, composé de quatorze titres stupéfiants, montre la capacité implacable des groupes à triompher de l’adversité.

S’ouvrant sur le grind au tempo élevé de « New Realit »y, le groupe annonce son arrivée avec une montée d’adrénaline déferlante qui incorpore des mélodies habiles, des chants clairs et un côté plus dur, bourru, comme Brodsky le dit :  » la vie continue « . La batterie profonde et martelante de John-Robert Conners martèle un tatouage implacable sur lequel la guitare grondante et les grooves sismiques se tordent et se retournent.

Avec « Blood Spiller », le groupe s’emballe dans un morceau oscillant, doom heavy et woozy. En surface, le titre semble partager une parenté d’esprit avec le jeu de bord commercial chatoyant d’Antenna, mais en dessous, il y a un malaise et une paranoïa qui se dégagent. Une observation frappante est que les deux morceaux d’ouverture partagent un degré d’affinité sonore avec Mutoid Man, non seulement vocalement mais stylistiquement, et ne sembleraient pas déplacés sur leur remarquable album de 2019, War Moans.

Après l’effréné « Floating Skulls », avec son refrain surf rock luxuriant et ses refrains dansants dignes de la pop, le groupe se glisse dans le titre « Heavy Pendulum », lourd, lent et semblable à une ballade. La richesse du son, capturée de manière experte par Kurt Ballou (Converge), est claire comme de l’eau de roche alors que le groupe crée une puissante chanson à la fois rock sudiste et métallique épique. Une fois de plus, les paroles semblent regarder en arrière tout en continuant à aller de l’avant, avec des phrases comme « si nous pouvions tout recommencer, nous serions plus forts » et « le poids est tout ce que nous savons », qui traduisent à la fois l’introspection et la volonté de continuer.

S’arrêtant brièvement pour le pont de « Pendulambient », le groupe revient à sa double personnalité en créant un rock léger et entraînant avec « Careless Offering », avant de s’effondrer dans le rugissement lourd et écrasant de la deuxième partie pour finir. A mi-chemin entre une pop légère et brillante et un retour à la sauvagerie de la fin des années 90, Cave In prouve qu’il est à son meilleur lorsqu’il crée une musique qui peut vous faire tourner en rond.

Au cœur de l’album se trouve le sombre « Blinded By A Blaze », qui est peut-être notre morceau préféré depuis « Big Riff from Jupiter », avec sa progression obsédante, atmosphérique et vertigineuse. La basse de Nate Newton, l’homme de Converge (qui assure également les chœurs avec Adam McGrath), sous-tend avec force les guitares cauchemardesques et sinistres ainsi que les chants chantants. Après ce voyage épique, c’est une révélation de se retrouver seulement à la moitié de l’album.

« Amaranthine » démarrera sur un rythme metalcore hargneux qui est en quelque sorte transcendé par le chant clair une fois de plus. Cave In fait preuve d’un talent d’écriture qui leur a permis d’être considérés par un grand label, tout en affichant un mépris jubilatoire pour les règles qui leur permettent de se mesurer aux groupes les plus lourds et aux groupes de tech metal les plus éblouissants.

Comme pour les albums précédents, le groupe se démarque lorsqu’il met à profit ses compétences considérables en matière d’écriture de chansons, sans avoir à compromettre sa puissance brute ou son refus de refaire le même parcours. Heavy Pendulum se situe entre le grunge, le métal, le rock classique et la pop indé pétillante. Il est à la fois facile de comprendre pourquoi ils auraient pu faire la transition vers le grand public avec le très décrié Antenna, mais c’est aussi une bénédiction pour ceux qui aiment le côté viscéral et sombre du groupe qui ressurgit. Comme toujours, avec un talent enviable, le groupe gère les complexités avec équilibre et grâce, faisant passer cet album d’une ambiance à l’autre.

« Nightmare Eyes » et « Waiting For Love » continueront de flirter avec l’obscurité et rappelleront la capacité d’Alice In Chain à créer des chansons lourdes et magnifiques qui sont également terrifiantes en prenant en sandwich l’interlude instrumental de près de deux minutes « Days Of Nothing ». L’avant-dernier morceau, « Reckoning », une compositian portant sur la catharsis après une perte énorme et la création de chemins vers des futurs inconnus, et entièrement écrite par Adam McGrath, est un morceau acoustique heavy MOR qui vaut bien plus que la somme de ses parties, avant que le groupe ne termine avec l’imposant « Wavering Angel. »

Cave In s’apprête à vivre son moment Led Zeppelin et certains motifs font allusion à Stairway To Heaven, tandis que la question plaintive « Have you ever loved somebody too much ? » (Avs-tu déjà aimé quelqu’un trop fort ?) montre que le groupe, après la grandiloquence de ses débuts, est vulnérable alors qu’il se dirige vers une conclusion digne d’un coup de tête.

Initialement prévue pour 2019, Final Transmission, cette collection de chansons retravaillées à partir de fragments d’enregistrements réalisés avec Scofield devait être la dernière production du groupe. Heureusement, et de manière saine pour le processus de deuil et pour les fans de musique, Cave In a décidé d’endurer et de poursuivre la dernière déclaration de mission du bassiste disparu, à savoir se concentrer sur « les éléments plus spacieux et plus lourds du groupe » en se concentrant sur ce qui les distingue de leurs contemporains.

Il est peut-être trop tôt pour affirmer que Heavy Pendulum est leur meilleur opus à ce jour, mais il pourrait bien être notre album préféré du combo.

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Au cours des vingt dernières années, les auditeurs ont suivi les maestros métalleux d’Atlanta, que sont Mastodon, dans des aventures assez folles. Nous avons chassé la baleine blanche sur l’album Leviathan en 2004 et traversé les plans astraux et, plus récemment, erré dans le désert avec l’album Emperor of Sand en 2017. Étonnamment, malgré ces escapades dignes de Donjons et Dragons, le groupe n’a jamais sorti de double album – jusqu’à maintenant. Écrit après la mort du père du groupe et manager bien-aimé Nick John et forgé face à une pandémie mondiale, Mastodon a une fois de plus fait face à la mort, la maladie et l’incertitude paralysante et en est ressorti avec de l’or.

Leur album le plus sombre et, osons le dire, le plus gothique – soutenu par une autre couverture d’album phénoménale et terriblement sinistre réalisée par leur collaborateur de longue date Paul Romano – Hushed And Grim voit le groupe produire 88 minutes de furie mélancolique sans aucun morceau de remplissage en vue. Avec le producteur/mixeur David Bottrill aux commandes – plus connu pour son travail avec ses anciens compagnons de tournée TOOL – le groupe n’a jamais sonné de manière aussi nette et enseignée malgré la densité de ce qu’il propose. Leur neuvième album est le plus ambitieux – et ce n’est pas peu dire – depuis Crack The Skye, sorti en 2009. Le groupe n’a jamais marié de manière aussi experte les moments mélodiques avec sa rage. Le métal de Mastodon peut parfois sembler implacable pour les non-initiés, avec ses gammes détraquées et ses fioritures de batterie mitrailleuse qui excitent autant de gens qu’elles en excitent.

C’est une tendance qu’ils ont essayé d’atténuer avec les morceaux plus accessibles de leurs deux derniers albums. Avec Hushed And Grim, le quatuor revient sagement à ses anciennes impulsions plus prospectives, tout en conservant son sens de l’accroche. Pour la première fois depuis longtemps, ils ont trouvé l’équilibre parfait, les moments de thrash à couper le souffle se transformant soudainement en breakdowns bluesy ou en solos Maiden-Esque. Bien qu’un petit nombre de fans puissent encore déplorer que les quinze morceaux proposés n’atteignent pas les profondeurs brutales de « Blood Mountain », ceux qui ont une vision moins étroite se réjouiront que le groupe ait une fois de plus amélioré son son et atteint de nouveaux sommets.

En dépit de sa longueur gigantesque, il n’y a pas de remplissages ici, pas de petits interludes instrumentaux pour remplir le temps, juste une série de coups de poing entièrement réalisés qui cachent des fioritures qui récompensent les écoutes répétées. Par exemple, « Skeleton Of Splendor » s’enorgueillit d’un solo de synthétiseur sans pour autant faire dérailler l’ensemble du projet, preuve d’un véritable talent artistique. Dans « Teardrinker », Troy Sanders déchaîne un breakdown de basse étouffé par la Wah, tout droit sorti du manuel de Cliff Burton, qui fera sourire n’importe quel métalleux. Le groupe n’a jamais vraiment lâché la balle, donc le fait que cet album claque fort n’est pas une surprise ; ce qui est surprenant, c’est qu’un groupe qui regarde la cinquantaine dans les yeux laisse tomber certains de ses meilleurs morceaux.

Le titre « Dagger » ne dépareillerait pas dans la récente adaptation de Dune de Villeneuve. Il a une sonorité à la fois exotique et sinistre, tout en offrant des paroles magnifiquement simples qui pleurent la chute d’un frère. Avec ses huit minutes et demie, Gobblers Of Dregs » est le morceau le plus complexe de l’album, mais aussi l’un des plus gratifiants, toute la dernière moitié étant consacrée à envoyer l’auditeur dans la stratosphère sur un lit de groove. Quiconque connaît le groupe ne sera pas surpris de le voir changer de vitesse et de tempo, mais sera agréablement ébloui par la douceur avec laquelle il exécute ces 360° de nos jours. Le rythme effréné que l’on voyait sur des titres comme « The Last Baron » a laissé place à quelque chose de plus structuré qui convient à ce projet pensif.

Très tôt, Mastodon a été considéré comme l’une des perspectives les plus excitantes du métal du 21e siècle. Grâce à ce mastodonte sonore, ils conservent facilement cette couronne tout en ajoutant un autre joyau brillant. Hushed And Grim est un rappel de ce qui rend le groupe si apprécié tout en s’engageant avec audace dans un nouveau chapitre. Ils n’ont jamais sonné aussi forts, lourds, bons et affutés.

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Imaginez que vous êtes à une fête en train de vous occuper de vos affaires, de vous mêler à la foule, de vous détendre ou de vous soûler quand, sortant de nulle part, un inconnu vous tend un exemplaire du Paradis Perdu de John Milton. L’être humain moyen déchirerait les pages et fumerait la moitié du livre sur place pour faire une déclaration, mais pas Kris Esfandiari. Pour la voix et le cerveau derrière NGHTCRWLR, Miserable, Dalmatian, Sugar High et qui sait combien d’autres projets, le timing était impeccable.

Parce que, vous savez, il s’avère qu’il y avait déjà une bataille épouvantable qui faisait rage à l’intérieur de Kris, un carnage éternel mené par les forces du ciel et de l’enfer depuis le moment où elle est née. Le fait de grandir dans un environnement fortement chrétien n’a fait qu’alimenter les flammes de la guerre tout au long de sa jeunesse, semant le doute, la haine et les thèmes de conflit spirituel qui deviendront la force motrice de son art, partagé entre les différentes personnifications créées par la musicienne et productrice iranienne basée à New York.

Le deuxième album de King Woman pour Relapse Records pourrait bien être non seulement son meilleur travail à ce jour, mais aussi l’ultime réunification de ses différentes incarnations dans un seul grand paquet explosif. Incarnant le personnage de Lucifer, Kris a créé une pièce musicale étonnante qui transcende la musique et déborde sur la présentation visuelle du récit de la fin de l’ange déchu primordial. Celestial Blues est un album aux proportions bibliques, dans tous les sens du terme, avec une série de collaborateurs très bien choisis qui ont immensément contribué à en faire l’un des meilleurs albums de l’année jusqu’à présent.

Nous avons tous entendu ce que Jack Shirley est capable de faire avec des groupes comme Amenra, Deafheaven et Oathbreaker, pour n’en citer que quelques-uns, mais il s’est surpassé en concevant le son du deuxième album de King Woman avec Esfandiari elle-même. Le premier opus du projet, Created In The Image Of Suffering, était déjà une colossale dalle de doom mâtinée de shoegaze, envoûtante et merveilleusement destructrice, mais ce deuxième album reprend la même formule avec une superbe performance vocale de Kris, qui a considérablement augmenté son registre, et un travail de production globalement amélioré, notamment à la batterie, fermement tenue par Joseph Raygoza. Une ovation pour Peter Arensdorf, qui s’est occupé de la basse et des guitares pour cet enregistrement, en remplacement de Colin Gallagher, l’ancien guitariste de King Woman.

Celestial Blues s’ouvre sur le murmure de Kris autour d’un monologue, un réveil qui donne le coup d’envoi du morceau titre avec le chant harmonisé mais solennel de la chanteuse, frappé par la première volée de percussions suivant un riff écrasant qui envoie Kris hurler et pleurer la « nuit céleste ». « Morning Star » suit, mais le ton est très différent de la lamentation déchirante de l’éveillé et autrefois divin de la chanson titre. Ici, Kris rayonne de confiance, une image renforcée par les visuels saisissants créés par la photographe Nedda Afsari et les designers Jamie Parkhurst et Collin Fletcher pour la couverture et le clip. Le Lucifer captivant et étrangement séduisant de « Morning Star » disparaît, laissant la place au troisième « single  « « Boghz », qui mêle les différentes personnalités de Kris Esfandiari, allant des douces mélodies de Miserable à la colère écœurante de NGHTCRWLR, faisant surface et s’emparant de la chanson avec une précision stupéfiante.

Le cœur de Celestial Blues se cache dans le déchirant « Golgotha », qui permet au chant le plus fragile de Kris de jouer avec des mesures arythmiques échappant au rythme régulier de la caisse claire de Raygoza. Une fois que le morceau explose enfin, les cris sauvages de Kris brûlent l’arrière de la chanson tandis que le chant avant les voile de la mélancolie qui guide la chanson, avec maintenant le violoncelle de Jackie Perez Gratz (Graceyon, Amber Asylum) dessinant les quelques traces de couleur de l’album. « Coil » est facilement l’un des morceaux les plus inflammables de l’album, court et féroce, touchant au grunge et à la tristesse ardente de l’époque River Runs Red de Life of Agony, tandis que « Entwined » est le joyau secret de Celestial Blues, un récit de la fusion entre Kris et l’être céleste qui chante et vit à travers elle pour apporter vengeance et joie dans une égale mesure, Le morceau se transforme en une euphorie croissante qui débouche sur la luxure tordue de « Psychic Wound », qui, comme vous l’avez peut-être déjà vu, illustre cette communion impie avec des détails frissonnants dans son clip,

La dernière partie de l’album comporte deux morceaux très différents. « Ruse », qui aurait pu s’intégrer parfaitement dans les débuts du groupe, car elle évoque le vieux son combiné à une mélodie vocale désespérée entre les parties heavy-hitting, et bien sûr, l’angélique « Paradise Lost » pour laquelle, suppose-t-on, nous devons remercier l’étranger de la fête, car elle envoie l’album en ascension (ou en descente) vers un royaume bien au-delà de notre portée.

Avec ces deux titres, Celestial Blues s’achève et disparaît dans l’éther, ne laissant subsister que son goût d’ailleurs. Kris Esfandiari et son équipe ont créé quelque chose de vraiment spécial avec cet album, une pièce musicale où le divin se voit donner voix et chair pour envisager ce qui est l’œuvre la plus honnête et la plus envoûtante de la carrière prolifique de Kris, et soyez sûrs que ce ne sera pas la dernière.

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Avec des voyages limités dans le monde sonore du Svalbard jusqu’à présent, on sait juste qu’ils font ces morceaux de musique pleins et sombres qui livrent des vérités et des questions sincères qui valent la peine d’être écoutées.  Dans une forêt métaphorique éclairée à la bougie, nous sommes témoins de déversements qu’il serait probablement bien plus facile de détourner. Mais la musique du Svalbard exige une présence sombre, presque rituelle, et d’être vue et entendue, aussi inconfortable que soit cette saignée d’honnêteté sur les parties les plus sombres de la vie.

Enfin, regardez le titre :  When I Die, Will I Get Better ?(Quand je mourrai, est-ce que j’irai mieux ?) ; il semble que ce soit une question qui ne fait surface que dans les circonstances les plus terribles, où l’idée que les choses s’améliorent est une étoile lointaine et inaccessible, et où se demander si les mêmes maux existeraient au-delà du voile a un sens absolu. Encore une fois, c’est une question qui n’est pas facile à envisager.

Dans ces conditions, il semble incroyablement approprié que l’album commence par « Open Wound » ; au début, avec un ralenti qui tombe dans un gouffre, l’obscurité éthérée fait que le protagoniste de la chanson se trouve dans une situation d’abus, élaboré par une instrumentation tumultueuse et un chant brut. Avec un rythme rapide et des ruisseaux de basse, des coupures de guitare aiguisées jusqu’au cœur.

Le partage vocal adouci de « Every Moment Leaden » s’apparente à la reconnaissance des ailes d’un ange qui ont été coupées. Les affirmations d’ouverture sont difficiles à consommer ; là où un ancien ensemble s’est fragmenté, et les détails des mauvais traitements deviennent de plus en plus flagrants.  Pour nous, le point culminant est douloureux au pont, où les basses et les percussions déchirantes sont juxtaposées à des observations flottantes, peut-être dissociées, de ce qui est fait à soi-même.

On pourrait en dire beaucoup plus sur cette chanson et son sujet, elle nous laisse l’image mentale d’un corps brutalisé qui a encore en lui un cœur aimant et ouvert qui bat. Comme jil a été dit lorsque la chanson est sortie en « single », il est extrêmement important que cette œuvre d’art adopte une position aussi ferme, et qu’elle fixe sans relâche l’expérience de l’abus et sa douleur au lieu de se cacher ou d’avoir honte de ce qui a été fait.

Le deuxième morceau de l’album, « Click Bait », transforme la position inébranlable de Svalbard contre les mauvais traitements envers les médias musicaux.  Il faut dire que le plaisir est absolu à écouter des paroles qui font brutalement référence au « click-bait » désespéré.  Quand nos oreilles sont imprégnées d’une musique loudre dont la morale est suffisamment élevée pour que on ne puisse se sentir abaissé par l’écoute de ce genre d’approche jon ne peut que soutenir pleinement la notion d’un art qui met en lumière les tactiques de manipulation destinées à obtenir une réaction. Où est la valeur de tout cela ? Ne sommes-nous pas ici pour la musique ? Pour respecter et apprécier ceux qui la créent ? Considérant la chanson ; une introduction sombre et sombre voit les pensées s’accrocher comme un brouillard, avant qu’un rythme accéléré ne déchire « Click Bait » en une humeur plus agressive.  Pour beaucoup cette agressivité s’accompagne d’une tristesse, grâce à la guitare qui plaide pour un changement. C’est un lourd naufrage quand on comprend qu’une réaction extérieure est nécessaire pour que les médias manipulateurs réussissent, mais que le retour à « Fuck off, fuck off » dessine une ligne invisible et puissante de déconnexion dans l’espace qui les sépare.

Après un moment de suspension silencieuse, « Click Bait » partage le tonitruant espoir d’un avenir plus positif. Une instrumentation chaleureuse crée un pic de satisfaction ; où la représentation sans aucun ordre du jour fait partie du « One Day » pour Svalbard. Oui.

Piétinant et lourd, « Throw Your Heart Away » est une arrivée brutale, imprégnée de chagrin d’amour. La chanson, qui exerce une pression plus forte, peint un abandon à un monde de ténèbres créé par ce chagrin d’amour, où un cœur vide frissonne à cause de l’expérience d’un amour non partagé.  Les percussions implacables correspondent à la description d’une hantise mentale, où « tu tapes sur le mur de mon esprit qui s’effrite », mais ils se sentent également distants et exclus en étant « perdus aux abords de ta vie ».

C’est dur d’être avec, cet enterrement d’amour, plein de vulnérabilité envers cet autre qui ne les entend pas et ne les voit pas.  Ce qui est encore plus dur, c’est le caractère perpétuel de l’expérience, que Svalbard utilise la métaphore du jeu vidéo pour exprimer. Mourir encore et encore, sans jamais vraiment gagner.  Comme pour son titre, le conseil est de ne pas aimer. Il n’y a pas de fin heureuse.

Sur le plan musical, « Throw Your Heart Away » est une autre chanson qui s’élève avec une guitare fulgurante et des moments de calme temporaires. Même si on apprécie ces mondes majestueux et pleins de sonorités qui sont créés par Svalbard, il y a une qualité de ressemblance qui fait qu’ils ne se sentent pas si différents les uns des autres. C’est une critique dans le sens de la mémorisation, mais on ne peut pas supposer ce que le groupe voulait dans la création de l’album.

Comme pour renforcer cette idée, « Listen to Someone » commence comme si c’était la continuation de la chanson précédente. Mais c’est un espace plus léger et plus flottant, qui détaille ce qui semble être un état de dépression. À mi-parcours, on se demande s’il y a tellement d’émotion sur chaque sujet saisi qu’il est difficile de le rattacher à quelque chose de spécifique et donc de le faire ressortir de manière flagrante. Parfois, on a aussi l’impression qu’il y a un manque de connexion/ancrage solide avec la voix et l’instrumentation, ce qui fait qu’elles semblent fonctionner en parallèle au lieu d’avoir la même intention.

Sur « Listen to Someone », il y a des boucles flottantes « every day is the same », une sauvagerie interne envers soi-même, des frustrations à propos de conseils bien intentionnés qui semblent hypocrites.  Tous ces facteurs se combinent lorsque l’on traverse une période de santé mentale difficile et lorsque l’option la plus simple – simplement écouter ! – n’est pas appliquée.

Ce qui résonne immédiatement, c’est la « retenue silencieuse ».  Elle parvient à capturer succinctement un état de cris et de déconnexion internes qui a un canyon de distance entre le moi en lutte et quelqu’un (en dehors de la lutte) qui comprend.  Il y a une saveur post-rock dans le morceau quand le chant de Liam Phelan arrive, comme une structure que nous n’avons pas eu sur l’album jusqu’à présent.  Les deux voix expriment l’expérience à leur manière, la panique brute de Serena Cherry et le désir de Phelan reflétant tous deux cette cage intérieure.

Mais toute perception d’une structure solide ou prévisible est oubliée lorsque « Silent Restraint » se déroule comme les chansons précédentes, en s’accrochant à un fil de pensée obscurci avec des mains calleuses pour tenter de s’en sortir. Exaspéré et frustré, un cri vers le ciel suit « I’m sick of having no control », et étant donné que la perte de contrôle et le manque de pouvoir ont été mentionnés de plusieurs façons jusqu’à présent, je commence à y voir un point central de l’album.

Les coups de poing et les saignements instrumentaux, c’est une défaite pour la fin pressante de « Silent Restraint », où le forçage et la feinte sont la promesse déchirante de l’avenir à venir.  C’est émotionnellement dur (et émouvant), tant au niveau des mots que du son.

« C’est juste de l’altruisme et de la dépression Aller main dans la main à nouveau » (It’s just selflessness and depression
Going hand in hand again).

Après l’intensité émotionnelle de la chanson précédente, on a l’impression que « What Was She Wearing ? » offre une piscine noircie dans laquelle s’effondrer.  De son introduction chuchotée et pensif, il y a une lourdeur qui me retient, et malgré le chant presque sans effet, il y a ici une profonde tristesse qui entraîne tout vers le bas, y compris le rythme.

Chaque syllabe énoncée pose péniblement la question de savoir si l’apparence parle plus fort que la personne elle-même et, une fois de plus, se concentre sans relâche, cette fois-ci sur l’idée que les femmes sont jugées comme étant soit « prude » soit « pute » et qu’il y a peu de choses entre les deux. Quand on sent qu’on ne peut pas rester assis avec cette lenteur agonisante pendant longtemps, heureusement, le rythme et l’énergie se développent et s’élèvent jusqu’à un point d’affirmation perçant :  « Pourquoi sommes-nous encore jugés uniquement sur nos vêtements ? » (Why are we still being judged solely on our clothing?)

Entendre la voix de Phelan s’exprimer sur ce sujet avec une fureur interrogative est propre à nous donner la chair de poule. Ce sont des questions importantes à poser, qu’elles soient masculines ou féminines, et Svalbard les présente ouvertement, la chanson s’élevant au rang de défi festif pour faire ce qui doit être fait et défendre ce qui compte.

« The Currency of Beauty » poursuit la conversation sur l’apparence, où la frustration d’être réduit à une image se transforme en un feu qui accélère le pouls et où les percussions se font entendre dans des moments plus calmes d’affirmation ciblée et expose ce que Svalbard veut voir se produire. « I am not more valuable if I am pretty » (Je n’ai pas plus de valeur si je suis joli) se termine par des cognements de batteries et une guitare dentelée, laissant une place aux instruments pour qu’ils soient avalés comme des faits.

Avec des mots comme de douces vagues, Cherry se demande ce qui importe en dehors de l’apparence, avant de piétiner métaphoriquement la terre et de la frapper avec un bâton fait de feu. Le « STOP » qui est répété par les deux voix est palpable.

En touchant le sol vers le dernier morceau « Pearlescent », on est comme épuisé. Mais en moins d’une minute, la chaleur et les sentiments de la dernière piste de l’album s’installent.  En contraste avec l’incroyable obscurité et les humeurs lourdes que nous avons endurées jusqu’à présent, la légèreté est très bienvenue, tout comme le sentiment de détermination à poursuivre ce ruban à travers la chanson. La levée instrumentale, qui nous tire de force sur nos pieds, est parfaite.

En regardant l’étendue de l’album, jon perçoit ces chansons comme des gribouillages douloureux qui se sont produits dans un monde de ténèbres. Le fait qu’ils soient d’une humeur persistante et peu variée pourrait être une critique, mais cela reflète l’expérience du monde réel des brouillards de dépression immuables.  Que les piscines sombres et réfléchissantes aient été peu profondes ou profondes, immobiles ou orageuses, Svalbard nous a entraînés avec eux dans cette expérience.

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Le métal est souvent à son meilleur quand la mise en scène est à son maximum. Cet apparat et cette présence peuvent prendre différentes formes, que ce soit dans les opéras de heavy metal du King Diamond, dans la crudité de Converge ou dans les bacchanales de Watain. Il y a même quelque chose à dire sur lcette volonté d’aller à contre-courant ches certains des groups de black metal les plus lo-fi et antisociaux, mais le métal ne serait pas là où il est sans l’énergie brute des débuts de Metallica, le cuir et les motos de Judas Priest ou le magnétisme pur d’Iron Maiden. Si on veut que le metal est excitant, on a besoin de ce type d’agumentation pour, a minima, des concerts dont les gens sauront se souvenir.

C’est, en fin de compte, ce que Cloak se propose de faire. Coupé d’un tissu similaire à celui de groupes comme le désormais disparu In Solitude et le toujours plus impressionnant Tribulationce combo d’Atlanta a laissé une forte impression avec son premier album To Venomous Depths, un disque autant imprégné de black metal vintage que de célébration du heavy metal vintage. Ils se décrivent eux-mêmes comme un groupe de black metal, mais leur définition du terme est aussi bien Venom ou Hellhammer que Mayhem ou Emperor. Ils embrassent les ténèbres et suivent leur muse satanique là où elle les mène, et cette finalité est souvent un lieu de pure virulence et violence axées sur les riffs ; de « Notre but, s’il en est un, est de « ramener l’esprit du rock ‘n’ roll dans le metal » comme l’a déclaré le chanteur/guitariste de Cloak, Scott Taysom.

The Burning Dawn, le deuxième album du groupe, le fait brillance. Dès le premier coup de batterie du « single » « Tempter’s Call », Cloak a apparemment perfectionné l’art du rock ‘n’ roll noirci par la cendre. Il est propulsé autant par l’obscurité et la menace que par une sorte de pavane glamour, le groupe se délectant à l’idée de faire sonner l’enfer comme la fête non-stop, on soupçonnait tous qu’il en serait ainsi. Au moment où le combo porte le morceau vers sa seconde moitié, pleine de moments plus légers et de solos de guitare,on se retrouve sans équivoque plus dans le rock ‘n’ roll que dans le black metal, et Cloak sait opérer cette transition sans problème.

Comme The Burning Dawn soit à la fois plus raffiné que son prédécesseur et montre un effort à rendre ses points forts plus accessibles, il se présente comme un opus encore plus ambitieux dans son ensemble. Les chansons sont plus serrées, plus directes et, en général, plus courtes, ce qui rend chaque dose beaucoup plus puissante. L’instrumental « The Fire, The Faith, The Void » voit le groupe embrasser la morosité gothique avec des passages plus discrets de guitare de chœur chatoyante,élément que « On Poisoned Ground » reprend et et délivre avec plus d’intensité brûlante et de dramaturgie demeurant toutefois lissée. Le glissement de médiator et l’éruption qui ouvrent « Into the Storm » pourraient d’abord suggérer une descente dans les tendances les plus poignantes et extrêmes du groupe, mais ce qu’ils livrent à la place est l’une de leurs chansons les plus hymniques, avec un refrain rugissant qui est censé leur être vociféré de manière aussi aussi épique que sur « Where the Horrors Thrive ».

Il semble que ce soit plus qu’une simple coïncidence que le deuxième album de Cloak arrive la semaine précédant Halloween, sa palette sonore étant composée de rouges sinistre et de noirs inquiétants, et de la moindre lueur orange. C’est autant un acte de réjouissance et d’hédonisme qu’une véritable horreur, comme on pourrait aussi dire d’un maître comme John Carpenter (ou Mercyful Fate), et bien que le groupe se délecte de la morosité, il n’y a aucun doute qu’ils s’amusent à le faire et, quand c’est aussi agréable à écouter que ne l’est cet album, qui pourrait, au fond, nous en tenir rigueur ?!

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La musique rock n’est plus en odeur de sainteté ces temps-ci. Vu d’un certain point de vue, c’est le domaine des anciens incurables, c’est un genre qui n’a pas eu la latitude ou la volonté d’évoluer ou de s’étendre. Vu d’un autre point de vue, il est devenu largement indiscernable de la pop, un terme tout aussi nébuleux sans définition claire en soi. L’examen des albums de rock les plus vendus de la décennie présente une mosaïque compliquée de vérités ; le rock est soit mort quand tes parents avaient l’âge de l’auditeur lambda d’aujourd’hui, soit il n’est tout simplement plus intéressant et n’apporte plus rien. Ni l’un ni l’autre de ces deux constats ne donne beaucoup d’espoir quant à la durabilité d’une musique basée sur la guitare et qui semble ne prendre plus aucun risqueS Après plusieurs décennies de partage de fichiers, d’infractions aux règles et d’habitudes d’écoute déterminées par autre chose que les dollars du marketing, ce beau chaos a finalement été ramené à l’ordre grâce à une malesté nommée l’Algorithme.

Voilà des réalités qui donnent à réfléchir et qui peuvent nous permettre d’être reconnaissants pour le heavy metal. Le métal, à certains égards, a repris le relais là où le rock a échoué ; on peut même soutenir que le métal est le nouveau rock, si ce n’est dans le courant dominant, du moins dans ses efforts pour faire avancer la musique à la guitare. La montée de groupes tels que Ghost et Mastodon suggère qu’il y a toujours un appétit sain pour les dieux de la foudre en devenir parmi un public plus large, mais même en dessous de ce seuil, il y a eu quelques disques exceptionnels de groupes tels que Baroness, Kvelertak et Spirit Adrift, des groupes dont les préoccupations sont moins de faire de la musique  « extrême », que de prouver que l’écriture de chansons solides comme le rock et l’accessibilité ne sont pas seulement les bienvenus dans la musique heavy, mais des éléments importants et même cruciaux. Un combo comme Haunt de Fresno, en Californie, pourrait très bien devenir l’un de ces représentants. Bien qu’ils soient encore trop frais pour les auditeurs, ils ont commencé une série prolifique qui n’est pas encore terminée, publiant trois excellents albums en seulement deux ans, chacun étant un équilibre rafraîchissant de mélodies, de riffs, de lourdeur et d’accroches qui fait un clin d’œil à leurs héros des années 80 comme à la prochaine frontière du métal.

Mind Freeze arrive moins d’un an après le dernier album du groupe, If Icarus Could Fly, un autre ensemble de hédonisme heavy metal à deux faces. Si c’était simplement l’exemple d’un autre excellent album d’un groupe qui se déplace à un clip implacable, ce serait louable sans plus. Cependant, dès les premières secondes de « Light the Beacon », Haunt révèle qu’ils ne sont pas seulement prolifiques, mais qu’ils évoluent aussi à un rythme accéléré. Les synthés d’ouverture de la chanson suggèrent que Haunt a emballé la progression de huit ans de Judas Priest de Stained Class à Turbo en seulement deux, bien que cela soit, toutefois, un peu trompeur et réducteur. Ici, les synthés sont des accents plutôt qu’un point focal, la composition elle-même comprenant des rythmes galopants, des solos de guitare héroïques et un refrain planant. Mais lHaunt trouve aussi de nouvelles façons d’ajouter autre chose à un élément déjà terrassant, même si c’estuniquement par des mesures subtiles et progressives.

Sur la base chanson après chanson, Mind Freeze contient certaines des facettes les plusredoutables du groupe. H »earts on Fire » est un jeu de flipper speed-metal, trois minutes d’élan vers l’avant et de dynamique start-stop. La chanson titre met les synthés en avant, ajoutant des traces de grandeur prog-rock à des compositions classiques de heavy metal, tandis que « Divide and Conquer » est tout en une majesté qui serait emblématique d’une interprétation façon « air guitar ». Ce n’est qu’à partir de « Saviours of Man » »que les synthés sont mis en avant et que l’accent est mis sur la brillance étincelante, offrant une interaction chatoyante avec les riffs de guitare aérienne du groupe.

Haunt a encore beaucoup de chemin à parcourir avant d’atteindre le statut de vedettes de stade comme Ghost, mais ce n’est pas faute de coups de maqquzou, d’ailleurs, de véritables percuteurs. Même si Haunt ait puisé dans une esthétique vintage avec son style de heavy metal, il a aussi capturé ce qui faisait autrefois le plaisir de la musique rock : l’énergie, l’intensité, l’entrain et la pure montée d’adrénaline. Mind Freeze est du bon métal, et c’est du bon rock, et cela suffit à nous redonner de l’espoir.

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