King Woman: « Celestial Blues »

3 août 2021

Imaginez que vous êtes à une fête en train de vous occuper de vos affaires, de vous mêler à la foule, de vous détendre ou de vous soûler quand, sortant de nulle part, un inconnu vous tend un exemplaire du Paradis Perdu de John Milton. L’être humain moyen déchirerait les pages et fumerait la moitié du livre sur place pour faire une déclaration, mais pas Kris Esfandiari. Pour la voix et le cerveau derrière NGHTCRWLR, Miserable, Dalmatian, Sugar High et qui sait combien d’autres projets, le timing était impeccable.

Parce que, vous savez, il s’avère qu’il y avait déjà une bataille épouvantable qui faisait rage à l’intérieur de Kris, un carnage éternel mené par les forces du ciel et de l’enfer depuis le moment où elle est née. Le fait de grandir dans un environnement fortement chrétien n’a fait qu’alimenter les flammes de la guerre tout au long de sa jeunesse, semant le doute, la haine et les thèmes de conflit spirituel qui deviendront la force motrice de son art, partagé entre les différentes personnifications créées par la musicienne et productrice iranienne basée à New York.

Le deuxième album de King Woman pour Relapse Records pourrait bien être non seulement son meilleur travail à ce jour, mais aussi l’ultime réunification de ses différentes incarnations dans un seul grand paquet explosif. Incarnant le personnage de Lucifer, Kris a créé une pièce musicale étonnante qui transcende la musique et déborde sur la présentation visuelle du récit de la fin de l’ange déchu primordial. Celestial Blues est un album aux proportions bibliques, dans tous les sens du terme, avec une série de collaborateurs très bien choisis qui ont immensément contribué à en faire l’un des meilleurs albums de l’année jusqu’à présent.

Nous avons tous entendu ce que Jack Shirley est capable de faire avec des groupes comme Amenra, Deafheaven et Oathbreaker, pour n’en citer que quelques-uns, mais il s’est surpassé en concevant le son du deuxième album de King Woman avec Esfandiari elle-même. Le premier opus du projet, Created In The Image Of Suffering, était déjà une colossale dalle de doom mâtinée de shoegaze, envoûtante et merveilleusement destructrice, mais ce deuxième album reprend la même formule avec une superbe performance vocale de Kris, qui a considérablement augmenté son registre, et un travail de production globalement amélioré, notamment à la batterie, fermement tenue par Joseph Raygoza. Une ovation pour Peter Arensdorf, qui s’est occupé de la basse et des guitares pour cet enregistrement, en remplacement de Colin Gallagher, l’ancien guitariste de King Woman.

Celestial Blues s’ouvre sur le murmure de Kris autour d’un monologue, un réveil qui donne le coup d’envoi du morceau titre avec le chant harmonisé mais solennel de la chanteuse, frappé par la première volée de percussions suivant un riff écrasant qui envoie Kris hurler et pleurer la « nuit céleste ». « Morning Star » suit, mais le ton est très différent de la lamentation déchirante de l’éveillé et autrefois divin de la chanson titre. Ici, Kris rayonne de confiance, une image renforcée par les visuels saisissants créés par la photographe Nedda Afsari et les designers Jamie Parkhurst et Collin Fletcher pour la couverture et le clip. Le Lucifer captivant et étrangement séduisant de « Morning Star » disparaît, laissant la place au troisième « single  « « Boghz », qui mêle les différentes personnalités de Kris Esfandiari, allant des douces mélodies de Miserable à la colère écœurante de NGHTCRWLR, faisant surface et s’emparant de la chanson avec une précision stupéfiante.

Le cœur de Celestial Blues se cache dans le déchirant « Golgotha », qui permet au chant le plus fragile de Kris de jouer avec des mesures arythmiques échappant au rythme régulier de la caisse claire de Raygoza. Une fois que le morceau explose enfin, les cris sauvages de Kris brûlent l’arrière de la chanson tandis que le chant avant les voile de la mélancolie qui guide la chanson, avec maintenant le violoncelle de Jackie Perez Gratz (Graceyon, Amber Asylum) dessinant les quelques traces de couleur de l’album. « Coil » est facilement l’un des morceaux les plus inflammables de l’album, court et féroce, touchant au grunge et à la tristesse ardente de l’époque River Runs Red de Life of Agony, tandis que « Entwined » est le joyau secret de Celestial Blues, un récit de la fusion entre Kris et l’être céleste qui chante et vit à travers elle pour apporter vengeance et joie dans une égale mesure, Le morceau se transforme en une euphorie croissante qui débouche sur la luxure tordue de « Psychic Wound », qui, comme vous l’avez peut-être déjà vu, illustre cette communion impie avec des détails frissonnants dans son clip,

La dernière partie de l’album comporte deux morceaux très différents. « Ruse », qui aurait pu s’intégrer parfaitement dans les débuts du groupe, car elle évoque le vieux son combiné à une mélodie vocale désespérée entre les parties heavy-hitting, et bien sûr, l’angélique « Paradise Lost » pour laquelle, suppose-t-on, nous devons remercier l’étranger de la fête, car elle envoie l’album en ascension (ou en descente) vers un royaume bien au-delà de notre portée.

Avec ces deux titres, Celestial Blues s’achève et disparaît dans l’éther, ne laissant subsister que son goût d’ailleurs. Kris Esfandiari et son équipe ont créé quelque chose de vraiment spécial avec cet album, une pièce musicale où le divin se voit donner voix et chair pour envisager ce qui est l’œuvre la plus honnête et la plus envoûtante de la carrière prolifique de Kris, et soyez sûrs que ce ne sera pas la dernière.

****


Svalbard: « When I Die, Will I Get Better? »

26 décembre 2020

Avec des voyages limités dans le monde sonore du Svalbard jusqu’à présent, on sait juste qu’ils font ces morceaux de musique pleins et sombres qui livrent des vérités et des questions sincères qui valent la peine d’être écoutées.  Dans une forêt métaphorique éclairée à la bougie, nous sommes témoins de déversements qu’il serait probablement bien plus facile de détourner. Mais la musique du Svalbard exige une présence sombre, presque rituelle, et d’être vue et entendue, aussi inconfortable que soit cette saignée d’honnêteté sur les parties les plus sombres de la vie.

Enfin, regardez le titre :  When I Die, Will I Get Better ?(Quand je mourrai, est-ce que j’irai mieux ?) ; il semble que ce soit une question qui ne fait surface que dans les circonstances les plus terribles, où l’idée que les choses s’améliorent est une étoile lointaine et inaccessible, et où se demander si les mêmes maux existeraient au-delà du voile a un sens absolu. Encore une fois, c’est une question qui n’est pas facile à envisager.

Dans ces conditions, il semble incroyablement approprié que l’album commence par « Open Wound » ; au début, avec un ralenti qui tombe dans un gouffre, l’obscurité éthérée fait que le protagoniste de la chanson se trouve dans une situation d’abus, élaboré par une instrumentation tumultueuse et un chant brut. Avec un rythme rapide et des ruisseaux de basse, des coupures de guitare aiguisées jusqu’au cœur.

Le partage vocal adouci de « Every Moment Leaden » s’apparente à la reconnaissance des ailes d’un ange qui ont été coupées. Les affirmations d’ouverture sont difficiles à consommer ; là où un ancien ensemble s’est fragmenté, et les détails des mauvais traitements deviennent de plus en plus flagrants.  Pour nous, le point culminant est douloureux au pont, où les basses et les percussions déchirantes sont juxtaposées à des observations flottantes, peut-être dissociées, de ce qui est fait à soi-même.

On pourrait en dire beaucoup plus sur cette chanson et son sujet, elle nous laisse l’image mentale d’un corps brutalisé qui a encore en lui un cœur aimant et ouvert qui bat. Comme jil a été dit lorsque la chanson est sortie en « single », il est extrêmement important que cette œuvre d’art adopte une position aussi ferme, et qu’elle fixe sans relâche l’expérience de l’abus et sa douleur au lieu de se cacher ou d’avoir honte de ce qui a été fait.

Le deuxième morceau de l’album, « Click Bait », transforme la position inébranlable de Svalbard contre les mauvais traitements envers les médias musicaux.  Il faut dire que le plaisir est absolu à écouter des paroles qui font brutalement référence au « click-bait » désespéré.  Quand nos oreilles sont imprégnées d’une musique loudre dont la morale est suffisamment élevée pour que on ne puisse se sentir abaissé par l’écoute de ce genre d’approche jon ne peut que soutenir pleinement la notion d’un art qui met en lumière les tactiques de manipulation destinées à obtenir une réaction. Où est la valeur de tout cela ? Ne sommes-nous pas ici pour la musique ? Pour respecter et apprécier ceux qui la créent ? Considérant la chanson ; une introduction sombre et sombre voit les pensées s’accrocher comme un brouillard, avant qu’un rythme accéléré ne déchire « Click Bait » en une humeur plus agressive.  Pour beaucoup cette agressivité s’accompagne d’une tristesse, grâce à la guitare qui plaide pour un changement. C’est un lourd naufrage quand on comprend qu’une réaction extérieure est nécessaire pour que les médias manipulateurs réussissent, mais que le retour à « Fuck off, fuck off » dessine une ligne invisible et puissante de déconnexion dans l’espace qui les sépare.

Après un moment de suspension silencieuse, « Click Bait » partage le tonitruant espoir d’un avenir plus positif. Une instrumentation chaleureuse crée un pic de satisfaction ; où la représentation sans aucun ordre du jour fait partie du « One Day » pour Svalbard. Oui.

Piétinant et lourd, « Throw Your Heart Away » est une arrivée brutale, imprégnée de chagrin d’amour. La chanson, qui exerce une pression plus forte, peint un abandon à un monde de ténèbres créé par ce chagrin d’amour, où un cœur vide frissonne à cause de l’expérience d’un amour non partagé.  Les percussions implacables correspondent à la description d’une hantise mentale, où « tu tapes sur le mur de mon esprit qui s’effrite », mais ils se sentent également distants et exclus en étant « perdus aux abords de ta vie ».

C’est dur d’être avec, cet enterrement d’amour, plein de vulnérabilité envers cet autre qui ne les entend pas et ne les voit pas.  Ce qui est encore plus dur, c’est le caractère perpétuel de l’expérience, que Svalbard utilise la métaphore du jeu vidéo pour exprimer. Mourir encore et encore, sans jamais vraiment gagner.  Comme pour son titre, le conseil est de ne pas aimer. Il n’y a pas de fin heureuse.

Sur le plan musical, « Throw Your Heart Away » est une autre chanson qui s’élève avec une guitare fulgurante et des moments de calme temporaires. Même si on apprécie ces mondes majestueux et pleins de sonorités qui sont créés par Svalbard, il y a une qualité de ressemblance qui fait qu’ils ne se sentent pas si différents les uns des autres. C’est une critique dans le sens de la mémorisation, mais on ne peut pas supposer ce que le groupe voulait dans la création de l’album.

Comme pour renforcer cette idée, « Listen to Someone » commence comme si c’était la continuation de la chanson précédente. Mais c’est un espace plus léger et plus flottant, qui détaille ce qui semble être un état de dépression. À mi-parcours, on se demande s’il y a tellement d’émotion sur chaque sujet saisi qu’il est difficile de le rattacher à quelque chose de spécifique et donc de le faire ressortir de manière flagrante. Parfois, on a aussi l’impression qu’il y a un manque de connexion/ancrage solide avec la voix et l’instrumentation, ce qui fait qu’elles semblent fonctionner en parallèle au lieu d’avoir la même intention.

Sur « Listen to Someone », il y a des boucles flottantes « every day is the same », une sauvagerie interne envers soi-même, des frustrations à propos de conseils bien intentionnés qui semblent hypocrites.  Tous ces facteurs se combinent lorsque l’on traverse une période de santé mentale difficile et lorsque l’option la plus simple – simplement écouter ! – n’est pas appliquée.

Ce qui résonne immédiatement, c’est la « retenue silencieuse ».  Elle parvient à capturer succinctement un état de cris et de déconnexion internes qui a un canyon de distance entre le moi en lutte et quelqu’un (en dehors de la lutte) qui comprend.  Il y a une saveur post-rock dans le morceau quand le chant de Liam Phelan arrive, comme une structure que nous n’avons pas eu sur l’album jusqu’à présent.  Les deux voix expriment l’expérience à leur manière, la panique brute de Serena Cherry et le désir de Phelan reflétant tous deux cette cage intérieure.

Mais toute perception d’une structure solide ou prévisible est oubliée lorsque « Silent Restraint » se déroule comme les chansons précédentes, en s’accrochant à un fil de pensée obscurci avec des mains calleuses pour tenter de s’en sortir. Exaspéré et frustré, un cri vers le ciel suit « I’m sick of having no control », et étant donné que la perte de contrôle et le manque de pouvoir ont été mentionnés de plusieurs façons jusqu’à présent, je commence à y voir un point central de l’album.

Les coups de poing et les saignements instrumentaux, c’est une défaite pour la fin pressante de « Silent Restraint », où le forçage et la feinte sont la promesse déchirante de l’avenir à venir.  C’est émotionnellement dur (et émouvant), tant au niveau des mots que du son.

« C’est juste de l’altruisme et de la dépression Aller main dans la main à nouveau » (It’s just selflessness and depression
Going hand in hand again).

Après l’intensité émotionnelle de la chanson précédente, on a l’impression que « What Was She Wearing ? » offre une piscine noircie dans laquelle s’effondrer.  De son introduction chuchotée et pensif, il y a une lourdeur qui me retient, et malgré le chant presque sans effet, il y a ici une profonde tristesse qui entraîne tout vers le bas, y compris le rythme.

Chaque syllabe énoncée pose péniblement la question de savoir si l’apparence parle plus fort que la personne elle-même et, une fois de plus, se concentre sans relâche, cette fois-ci sur l’idée que les femmes sont jugées comme étant soit « prude » soit « pute » et qu’il y a peu de choses entre les deux. Quand on sent qu’on ne peut pas rester assis avec cette lenteur agonisante pendant longtemps, heureusement, le rythme et l’énergie se développent et s’élèvent jusqu’à un point d’affirmation perçant :  « Pourquoi sommes-nous encore jugés uniquement sur nos vêtements ? » (Why are we still being judged solely on our clothing?)

Entendre la voix de Phelan s’exprimer sur ce sujet avec une fureur interrogative est propre à nous donner la chair de poule. Ce sont des questions importantes à poser, qu’elles soient masculines ou féminines, et Svalbard les présente ouvertement, la chanson s’élevant au rang de défi festif pour faire ce qui doit être fait et défendre ce qui compte.

« The Currency of Beauty » poursuit la conversation sur l’apparence, où la frustration d’être réduit à une image se transforme en un feu qui accélère le pouls et où les percussions se font entendre dans des moments plus calmes d’affirmation ciblée et expose ce que Svalbard veut voir se produire. « I am not more valuable if I am pretty » (Je n’ai pas plus de valeur si je suis joli) se termine par des cognements de batteries et une guitare dentelée, laissant une place aux instruments pour qu’ils soient avalés comme des faits.

Avec des mots comme de douces vagues, Cherry se demande ce qui importe en dehors de l’apparence, avant de piétiner métaphoriquement la terre et de la frapper avec un bâton fait de feu. Le « STOP » qui est répété par les deux voix est palpable.

En touchant le sol vers le dernier morceau « Pearlescent », on est comme épuisé. Mais en moins d’une minute, la chaleur et les sentiments de la dernière piste de l’album s’installent.  En contraste avec l’incroyable obscurité et les humeurs lourdes que nous avons endurées jusqu’à présent, la légèreté est très bienvenue, tout comme le sentiment de détermination à poursuivre ce ruban à travers la chanson. La levée instrumentale, qui nous tire de force sur nos pieds, est parfaite.

En regardant l’étendue de l’album, jon perçoit ces chansons comme des gribouillages douloureux qui se sont produits dans un monde de ténèbres. Le fait qu’ils soient d’une humeur persistante et peu variée pourrait être une critique, mais cela reflète l’expérience du monde réel des brouillards de dépression immuables.  Que les piscines sombres et réfléchissantes aient été peu profondes ou profondes, immobiles ou orageuses, Svalbard nous a entraînés avec eux dans cette expérience.

****1/2


Svart Crown: « Wolves Among The Ashes »

20 février 2020

On peut considérer Profane de Svart Crown comme le pendant d’Ulcerate, un combo propre à nous narrer les voayages de ce pauvre homme qui tenterait d’apporter quelques éléments d’autres influences (Behemoth par exemple) et nous aiderait à modeler notre avancée dans la scène du métal extrême. Pour la plupart, cette descriptionde quête ou pélerinage fonctionne bien, identifiant les parties de la musique de Svart Crown qui sont intéressantes ou profondes tout en équilibrant ces moments parfois sans éclat qui venaient avec le territoire du death metal et autres vagues métal En 2017, avec Abreation, le groupe, s’est inspiré de Witnessing The Fall et de Profane pour ouvrir sa palette sonore à un monde où Svart Crown pourrait se développer en un amalgame de death metal de qualité.

Wolves Among The Ashes est une sortie ambitieuse qui commence à séparer les sorties passées de Svart Crown de son état actuel. Même à première vue, il est clair que le dernier album de Svart Crown est un opus varié et évolutif. Parfois, leur style de death metal devient progressif, car ils tournent autour du black metal, du hardcore et de certains des death metal les plus typiques que vous entendrez de ce côté-ci de l’année 2010. Mais Wolves Among The Ashes ne se conforme pas non plus à une simple hybridation de death metal noirci.

Après un court morceau d’introduction, « Thermageddon » se fraye un chemin jusqu’à une balade et l’ambiance devient instantanément frénétique lorsque les riffs se fondent dans la basse et le lead, frappant l’auditeur avec un mur sonore rapide et presque cliché. En comparaison directe avec le précédent album du groupe, Abreation, Wolves Among The Ashes est plus singulier en prenant leurs sons piste par piste – plutôt que d’envelopper l’album dans un motif instrumental singulier. La frénésie implicite initiale de l’album n’est cependant pas la seule carte de visite de Svart Crown pour 2020. Après ce qui ne peut être considéré que comme un « Thermageddon », « Art Of Obedience » et « Blessed Be The Fools » se détendent dans un groove accueillant, s’appuyant sur un festival de riffs plus accessible mais complètement dissonant, et comblant à leur tour les lacunes entre certains visages plus extrêmes du métal.

La nouvelle capacité de Svart Crown à changer de vitesse dans Wolves Among The Ashes apporte de nouvelles dimensions sonores à la lumière, en particulier les vibrations d’un combo comme Gojira, sans équivoque, pendant l’attaque de « Blessed Be The Fools ». Ce sont ces changements de tonalité qui renforcent une structuration semi-fondée de l’écriture de la chanson, ne serait-ce qu’en laissant une certaine place à la liberté pour certains des légers problèmes d’identité du groupe. Ce sont ces moments qui créent un niveau de disparité entre la grandeur et la médiocrité moyenne, une ligne qui n’est pas si facilement définie dans le death metal moderne. Wolves Among The Ashes n’est pas si facilement assimilé à l’une ou l’autre de ces deux foules, car ses récompenses proviennent d’écoutes répétées. La trajectoire de carrière de Svart Crown a montré de nombreuses indications que l’album s’appuierait sur les attentes souvent mal placées et élevées par Abreation et pour cela, l’effort de Svart pour 2020 est un pas important dans la bonne direction. Dans l’ensemble, Svart a apporté une base de sorties passées et a progressivement resserré l’emprise sur un paysage sonore désormais intéressant et semi-fondé – rendu réel par quelques défauts intrinsèques qui demeurent non substantiels.

***1/2


Cloak: « The Burning Dawn »

19 janvier 2020

Le métal est souvent à son meilleur quand la mise en scène est à son maximum. Cet apparat et cette présence peuvent prendre différentes formes, que ce soit dans les opéras de heavy metal du King Diamond, dans la crudité de Converge ou dans les bacchanales de Watain. Il y a même quelque chose à dire sur lcette volonté d’aller à contre-courant ches certains des groups de black metal les plus lo-fi et antisociaux, mais le métal ne serait pas là où il est sans l’énergie brute des débuts de Metallica, le cuir et les motos de Judas Priest ou le magnétisme pur d’Iron Maiden. Si on veut que le metal est excitant, on a besoin de ce type d’agumentation pour, a minima, des concerts dont les gens sauront se souvenir.

C’est, en fin de compte, ce que Cloak se propose de faire. Coupé d’un tissu similaire à celui de groupes comme le désormais disparu In Solitude et le toujours plus impressionnant Tribulationce combo d’Atlanta a laissé une forte impression avec son premier album To Venomous Depths, un disque autant imprégné de black metal vintage que de célébration du heavy metal vintage. Ils se décrivent eux-mêmes comme un groupe de black metal, mais leur définition du terme est aussi bien Venom ou Hellhammer que Mayhem ou Emperor. Ils embrassent les ténèbres et suivent leur muse satanique là où elle les mène, et cette finalité est souvent un lieu de pure virulence et violence axées sur les riffs ; de « Notre but, s’il en est un, est de « ramener l’esprit du rock ‘n’ roll dans le metal » comme l’a déclaré le chanteur/guitariste de Cloak, Scott Taysom.

The Burning Dawn, le deuxième album du groupe, le fait brillance. Dès le premier coup de batterie du « single » « Tempter’s Call », Cloak a apparemment perfectionné l’art du rock ‘n’ roll noirci par la cendre. Il est propulsé autant par l’obscurité et la menace que par une sorte de pavane glamour, le groupe se délectant à l’idée de faire sonner l’enfer comme la fête non-stop, on soupçonnait tous qu’il en serait ainsi. Au moment où le combo porte le morceau vers sa seconde moitié, pleine de moments plus légers et de solos de guitare,on se retrouve sans équivoque plus dans le rock ‘n’ roll que dans le black metal, et Cloak sait opérer cette transition sans problème.

Comme The Burning Dawn soit à la fois plus raffiné que son prédécesseur et montre un effort à rendre ses points forts plus accessibles, il se présente comme un opus encore plus ambitieux dans son ensemble. Les chansons sont plus serrées, plus directes et, en général, plus courtes, ce qui rend chaque dose beaucoup plus puissante. L’instrumental « The Fire, The Faith, The Void » voit le groupe embrasser la morosité gothique avec des passages plus discrets de guitare de chœur chatoyante,élément que « On Poisoned Ground » reprend et et délivre avec plus d’intensité brûlante et de dramaturgie demeurant toutefois lissée. Le glissement de médiator et l’éruption qui ouvrent « Into the Storm » pourraient d’abord suggérer une descente dans les tendances les plus poignantes et extrêmes du groupe, mais ce qu’ils livrent à la place est l’une de leurs chansons les plus hymniques, avec un refrain rugissant qui est censé leur être vociféré de manière aussi aussi épique que sur « Where the Horrors Thrive ».

Il semble que ce soit plus qu’une simple coïncidence que le deuxième album de Cloak arrive la semaine précédant Halloween, sa palette sonore étant composée de rouges sinistre et de noirs inquiétants, et de la moindre lueur orange. C’est autant un acte de réjouissance et d’hédonisme qu’une véritable horreur, comme on pourrait aussi dire d’un maître comme John Carpenter (ou Mercyful Fate), et bien que le groupe se délecte de la morosité, il n’y a aucun doute qu’ils s’amusent à le faire et, quand c’est aussi agréable à écouter que ne l’est cet album, qui pourrait, au fond, nous en tenir rigueur ?!

****


Haunt: « Mind Freeze »

15 janvier 2020

La musique rock n’est plus en odeur de sainteté ces temps-ci. Vu d’un certain point de vue, c’est le domaine des anciens incurables, c’est un genre qui n’a pas eu la latitude ou la volonté d’évoluer ou de s’étendre. Vu d’un autre point de vue, il est devenu largement indiscernable de la pop, un terme tout aussi nébuleux sans définition claire en soi. L’examen des albums de rock les plus vendus de la décennie présente une mosaïque compliquée de vérités ; le rock est soit mort quand tes parents avaient l’âge de l’auditeur lambda d’aujourd’hui, soit il n’est tout simplement plus intéressant et n’apporte plus rien. Ni l’un ni l’autre de ces deux constats ne donne beaucoup d’espoir quant à la durabilité d’une musique basée sur la guitare et qui semble ne prendre plus aucun risqueS Après plusieurs décennies de partage de fichiers, d’infractions aux règles et d’habitudes d’écoute déterminées par autre chose que les dollars du marketing, ce beau chaos a finalement été ramené à l’ordre grâce à une malesté nommée l’Algorithme.

Voilà des réalités qui donnent à réfléchir et qui peuvent nous permettre d’être reconnaissants pour le heavy metal. Le métal, à certains égards, a repris le relais là où le rock a échoué ; on peut même soutenir que le métal est le nouveau rock, si ce n’est dans le courant dominant, du moins dans ses efforts pour faire avancer la musique à la guitare. La montée de groupes tels que Ghost et Mastodon suggère qu’il y a toujours un appétit sain pour les dieux de la foudre en devenir parmi un public plus large, mais même en dessous de ce seuil, il y a eu quelques disques exceptionnels de groupes tels que Baroness, Kvelertak et Spirit Adrift, des groupes dont les préoccupations sont moins de faire de la musique  « extrême », que de prouver que l’écriture de chansons solides comme le rock et l’accessibilité ne sont pas seulement les bienvenus dans la musique heavy, mais des éléments importants et même cruciaux. Un combo comme Haunt de Fresno, en Californie, pourrait très bien devenir l’un de ces représentants. Bien qu’ils soient encore trop frais pour les auditeurs, ils ont commencé une série prolifique qui n’est pas encore terminée, publiant trois excellents albums en seulement deux ans, chacun étant un équilibre rafraîchissant de mélodies, de riffs, de lourdeur et d’accroches qui fait un clin d’œil à leurs héros des années 80 comme à la prochaine frontière du métal.

Mind Freeze arrive moins d’un an après le dernier album du groupe, If Icarus Could Fly, un autre ensemble de hédonisme heavy metal à deux faces. Si c’était simplement l’exemple d’un autre excellent album d’un groupe qui se déplace à un clip implacable, ce serait louable sans plus. Cependant, dès les premières secondes de « Light the Beacon », Haunt révèle qu’ils ne sont pas seulement prolifiques, mais qu’ils évoluent aussi à un rythme accéléré. Les synthés d’ouverture de la chanson suggèrent que Haunt a emballé la progression de huit ans de Judas Priest de Stained Class à Turbo en seulement deux, bien que cela soit, toutefois, un peu trompeur et réducteur. Ici, les synthés sont des accents plutôt qu’un point focal, la composition elle-même comprenant des rythmes galopants, des solos de guitare héroïques et un refrain planant. Mais lHaunt trouve aussi de nouvelles façons d’ajouter autre chose à un élément déjà terrassant, même si c’estuniquement par des mesures subtiles et progressives.

Sur la base chanson après chanson, Mind Freeze contient certaines des facettes les plusredoutables du groupe. H »earts on Fire » est un jeu de flipper speed-metal, trois minutes d’élan vers l’avant et de dynamique start-stop. La chanson titre met les synthés en avant, ajoutant des traces de grandeur prog-rock à des compositions classiques de heavy metal, tandis que « Divide and Conquer » est tout en une majesté qui serait emblématique d’une interprétation façon « air guitar ». Ce n’est qu’à partir de « Saviours of Man » »que les synthés sont mis en avant et que l’accent est mis sur la brillance étincelante, offrant une interaction chatoyante avec les riffs de guitare aérienne du groupe.

Haunt a encore beaucoup de chemin à parcourir avant d’atteindre le statut de vedettes de stade comme Ghost, mais ce n’est pas faute de coups de maqquzou, d’ailleurs, de véritables percuteurs. Même si Haunt ait puisé dans une esthétique vintage avec son style de heavy metal, il a aussi capturé ce qui faisait autrefois le plaisir de la musique rock : l’énergie, l’intensité, l’entrain et la pure montée d’adrénaline. Mind Freeze est du bon métal, et c’est du bon rock, et cela suffit à nous redonner de l’espoir.

****


Have A Nice Life: « Sea of Worry »

12 janvier 2020

De l’ambitieuse et obsédante mélancolie de Deathconsciousness à la ferveur dépressive de The Unnatural World, Have a Nice Life ont passé une grande partie de leur temps à concevoir des albums conçus pour refléter une véritable vision du monde plongée dans l’obscurité, ou peut-être submergée dans le nihilisme. Ces albums sont aussi philosophiques que cohérents avec les expériences de vie et les influences du chanteur Dan Barrett et du guitariste Tim Macuga. L’aspect le plus intéressant du troisième album du groupe, Sea of Worry, est qu’il montre une croissance et une maturité tout aussi étonnantes et profondes.

Sea of Worry est une nouvelle aventure pour le combo. Maintenant élargi à un ensemble complet, le dynamisme et le son inhérents au groupe ont atteint des sommets sans précédents. Sea of Worry est ainsi divisé en deux moitiés, qui fonctionnent chacune de manière distincte. A travers cette dichotomie, nous voyons que si les deux parties caressent avec lyrisme les limites d’un oubli existentiel, elles opèrent sous deux formes esthétiques différentes. C’est effectivement le présent qui rencontre le passé, réalisé dans un effort beaucoup plus rigoureux. En tant qu’album, les deux faces, les deux moitiés évitent les spirales parfois sans directions de leurs précédents LPs mais opèrent au contraire avec une fixation et un calme qui véhiculent la maturation et la planification.

La première moitié commence par le morceau-titre, qui s’appuie fortement sur le post-punk avec des sons de guitare flous et une basse pulsante qui momifie le morceau dans des tranchées souterraines d’un noir abyssal. Son refrain est, une fois de plus, un testament dans sa brutale honnêteté ; le message est sombre, la potentialité de fonctionner dans une apocalypse environnementale dystopique et corporatiste est quelque chose que nous vivons déjà, nous choisissons simplement de ne pas l’accepter. Cette chanson est optimiste, mais ne soyez pas dupes, il y a une masse de brutalité lyrique sous la surface.

Poursuivant les explorations de sarabande gothique, les aspirations pop de « Dracula Bell » » bénéficient des guitares articulées de Macuga. C’est la deuxième partie du morceau qui devrait dissiper toute idée de rupture avec les sonorités antérieures du groupe. Après une pause, une ligne de basse si macabre que l’on a l’impression que son manche est raclé sur le béton, tandis que la batterie explose en fragments sur un fond de pianos déchiquetés. La voix appelle le morceau dans une masse décadente de bruit apocalyptique. « Science Beat » agit comme un merveilleux nettoyeur pour une palais de velours, tout en maintenant l’élan de l’album. Magnifiquement harmonique, contemplatif et riche, il y a une superposition veloutée à sa production qui flotte dans l’espace éthéré, se terminant avec le morceau vocal qui se déploie dans la répétition sans fin d’une des lignes les plus obsédantes et les plus belles de la carrière de HANL et sa référence à une main invisible qui guide un coeur en errance.

La première « mi-temps » se termine de façon surprenante avec « Trespassers W », une véritable mine d’or pop. C’est aussi l’un des plus anciens titres de HANL, issu de démos d’antan. Ses guitares hurlantes à retardement et ses structures percussives simplistes se dévoilent et se déroulent à merveille, mais sa deuxième partie s’intensifie, jouant davantage sur le volume et la tonalité. C’est déroutant, mais c’est finalement une façon appropriée de terminer la première moitié.

La deuxième moitié s’ouvre sur « Everything We Forget » et son changement de tonalité ne pourrait pas être plus abrupt. Ascendant, cosmique et hors de portée, c’est un paysage sonore si bdérangeant que son harmonie de base congruente ressemble à celle d’un chant grégorien, un chœur de bourdons qui percolent le long des accents de notes profondes du clavier. Sa beauté est égale à son anxiété et à sa concentration sur l’avenir. Le présage de « Lords of Tresserhorn » est un joyau brillant, un morceau rempli d’angoisse et de peur, revenant au point de départ du « Cropsey » de The Unnatural World, portant une répétition similaire qui se construit en une belle harmonie de structures sonores s’effondrant les unes sur les autres. Il y a d’immenses stries de grosses caisses et d’instruments numériques mutés et titanesques, accordés dans une conscience spectrale. C’est beau et pur même s’il y manque la menace inhérente de « Cropsey ». C’est aussi pourquoi il est finalement plus terrifiant.

Sea of Worry se termine par l’un des titres les plus puissants de toute la discographie du groupe : « Destinos » » une épigraphe tentaculaire de 14 minutes, et une thèse du groupe actuel. Curieusement, c’est un autre morceau retravaillé. La chanson commence avec un échantillon d’un gospel extrême, fou et limite incohérent, donc quand la guitare de Macuga arrive, c’est comme un murmure d’ange, un sauveur de la folie qui enferme l’auditeur. C’est aussi profondément apocalyptique, dû bien plus à la marque d’angoisse contemplative de Deathconsciousness, mais, comme tous les morceaux émouvants de Sea of Worry, infiniment plus raffinés et nuancés. C’est une série d’hymnes si corrosifs qu’ils semblent frêles, mais dont la sonorité est incroyablement robuste. C’est dans cet espace de processions chaudes, imprégnées de réverbération, que Have a Nice a Life incarne un nouveau son puissant.

Sea of Worry est thématiquement centré sur la vulnérabilité, reconnaissant que la stabilité est intrinsèquement liée à la vulnérabilité comme ancre. Cette maturation et cette acceptation sont souvent dépourvues de grâce, et tout ce à quoi nous espérons arriver ou comprendre est fugace. Ce qui est attendu peut être et sera enlevé, vaincu, transformé en éther. Rien n’est garanti, et c’est avec ce mantra et ce fardeau dans nos cœurs qu’il y a un minimum de solidarité en nous. Car la douleur que nous habitons et que nous réconcilions, que nous respirons et que nous essayons de serrer entre nos poings est partagée. Nous ne sommes pas seuls dans cette mer ensemble. Mais là où elle nous mène, c’est une toute autre histoire.

****


Wheel: « Moving Backwards »

30 août 2019

D’aucuns attendent le prochain album de Tool, d’autres pourront patienter avec Wheel, combo islandais et qui, en tant que substitution, œuvre dans le métal progressif avec une forte influence du combo mené par Maynard James Keenan.

Interprété par un Anglais et trois Finlandais, Mocving Backwards opère à grands reforts de plages étirées et lacinantes, de guitares oppressantes, d’une basse lourde, de batterie renforcée de percussions et de vocaus charghés en émotions, plaintes ou hurlements.

Après 2 EPs en 2017 et 2018, les 7 titres de Moving Backwards vont nous emmener dans cette atmopshère à la fois sombre et enivrante, poétique et torturée. Et les 3 titres qui flirtent chacun les 10 minutes (le superbe « Wheel »), prendront le temps de nous travailler. On pourrait presue crier au plagiat ou à la copie mais Wheel le fait terriblement bien, qu’on en oublie le style qu’a créé Tool. Wheel le représentera très bien d’autant que cette recréation est parfaitement inspirée et, par conséquent, hautement inspirante.

***


The Ghost Next Door: « A Feast for the Sixth Sense »

3 août 2019

Quatuor basé à Berkeley en California,The Ghost Next Door compte parmi ses membres des musicos au pays du métal, du grunge, du heavy rock et d’un tas d’autres genres du même acabit et c’est évidemment dans ce domaine-là que nos gaillards s’amusent, ne se fixant aucune limite et piochant dans tout ce qu’ils aiment pour ce festin auditif. Si ton prend une série de mesures au hasard sur cet opus, on peut donc se retrouver avec une intro tortueuse à la Tool (celle de « Doubt »), un refrain grungy (celui de « Deadworl »), un pont prog (« LCD ») et une outro power rock (« American Nightmare »), l’ambiance est celle des années 90, celles du rock alternatif par excellence où le métal et le rock se confondaient avec bonheur.

Si la musique ne suffisait pas, le combo insite sur l’influence que peut avoir le septième art (« Event Horizon », « American nightmare », « Deadworld » ne sont pas des titres choisis au hasard on s’en doute. L‘histoire est également présente, (« I Am Become Death » bénéficie de la participation involontaire d’Oppenheimer) mais elle ne va pas pas jusqu’à reprendre Michael Jackson « « Behind the mask »).

A Feast for the Sixth Sense fleurera donc bon la nostalgie d’une époque tout en sonnant actuel ; une bonne fournée pour un groupe qui n’en demande pas tant en matière de festin.

***1/2


The Budos Band: « The Budos Band V »

24 avril 2019

The Budos Band est un combo plutôt atypique puisqu’il mixe avec bonheur jazz rock fiévreux et hard rock à la Black Sabbath. Sur ce cinquième opus, on est loin de sentir le vent tourner ; on pourrait même dire qu’il continue de plus belle d’aller dans le même sens.

C’est une approche très personnelle, assez intrépide pour qui n’est pas ouvert d’esprit (les deux univers qui cohabitent ici sont en effet assez éloignés), mais qui tient un truc unique et inédit, et s’y tient.

Les cuivres sont fous, libres, hurlants, les riffs sont classiques et efficaces, groovant avec sobriété. Le batteur est assez discret dans le mix mais a vraiment un toucher magique. Les titres ne traînent jamais en longueur, pourtant les ambiances sont volontiers changeantes au sein des trois ou quatre minutes qui les composent. Le côté psychédélique et heavy / doom est encore renforcé ici, et on ne s’en plaindra pas. La bizarre impression de se retrouver plongé dans une dimension parallèle où Tony Iommi serait né à Harlem plutôt qu’à Birmingham, on s’y fait vite, et on ne peut bientôt plus se passer d’un V qui passe si vite qu’il donne envie de remettre le couvert.

***1/2


The Devil And The Almighty Blues: « Tre »

7 avril 2019

Quand il s’agit de musique, la Norvège est un des pays les plus prolifiques pour ce qui est de donner des groupes de qualités. Originaire d’Oslo, The Devil And The Almighty Blues est le symbole parfait de cette scène norvégienne ne se donnant aucune limite et mélangeant des styles de tout horizons.

Le quintette propose en effet une musique teintée de blues, rock mais également de stoner/doom du plus bel effet. Après deux albums fort remarquable, les Scandinaves remettent le couvert avec leur troisième opus intitulé Tre.

L’entrée en matière est idéale pour indiquer à l’auditeur où il met les pieds. « Salt The Earth » propose pendant plus de douze minutes tout ce qui fait la richesse de la musique du combo. Un rythme lent mais un son fuzzy et une tension permanente qui font que l’on ne décroche pas du titre. La basse ronflante répond avec justesse aux deux guitares et à la rythmique de batterie efficace distillée par Kenneth Simonsen. La voix bluesy de Arnt O. Andersen n’est pas en reste et se marie avec brio aux compostions du groupe.

Le quintette revendique clairement dans son patronyme une inspiration issue du delta blues et cela se ressent évidemment dans ses créations. « No Man’s Land » affichera des solos déjantés, le tout bercé par une rythmique solide ou encore « One For Sorrow »” résumeront toute l’expertise de la formation à composer des mélodies aux multiples facettes.

La voix s’efface parfois intelligemment pour laisser toute la place aux instruments de s’exprimer et cela va contribuer à créer des ambiances hypnotiques et envoûtantes. Le final de « Time Ruins Everything » résumera cette pensée et deviendra le terrain de jeu idéal des musiciens avec notamment des parties de guitares de toute beauté.

Seulement six titres composent l’album mais le format des chansons étant long (la majorité des morceaux dépassent les sept minutes), l’écoute assurera une très grande richesse sonique. Écouté en prenant en compte le contexte particulier de Tre sera un adjuvant qui permettra de déceler toutes les ficelles qui composent les différents formats offerts par la musique de ces Norvégiens.

***1/2