Converge & Chelsea Wolfe: « Bloodmoon: I »

19 novembre 2021

Le hardcore est un marathon et un sprint pour Converge. Le groupe hardcore de Boston a travaillé jusqu’à la frénésie depuis le début des années 90, ne s’imposant un rythme que par la relative rareté de ses sorties. Tous les deux ou trois ans, ces vétérans de l’intensité virtuose reviennent pour faire tourner en rond d’innombrables compagnons de route du punk et du métal. Ne se lassent-ils jamais ? Juste agités, peut-être : On pouvait entendre le moindre soupçon d’ennui sur The Dusk In Us, le dernier album de Converge – et le premier depuis leurs débuts à sonner à la fois comme un air de victoire et comme une théorisation articulée de son vacarme.

Aucune accusation de ce genre ne peut être lancée à l’encontre de leur dernier opus : Bloodmoon : I. Au contraire, cet album éclectique et souvent obsédant est une attaque flagrante contre la stagnation créative, trahissant un désir clair de s’étendre au-delà des limites d’une extrême tradition et d’un temps bien établi. En d’autres termes, un groupe qui a longtemps trouvé de nouvelles façons excitantes d’aller vite et fort, adoucit et ralentit son assaut, trouvant (grâce à quelques collaborateurs invités de choix) de nouvelles dimensions au son de Converge : des chansons qui glissent plutôt que de galoper et qui murmurent plutôt que de rugir.

Ce n’est pas totalement inédit, cette atténuation du maelström. La discographie de Converge est parsemée de départs ; il y a une ballade meurtrière ou un détour atmosphérique qui nettoie le palais sur presque tous les albums depuis que le groupe a commencé à se pencher plus lourdement sur le côté métal de son équation avec son classique du genre, l’irrésistible Jane Doe en 2001.

En fait, un grand nombre de ces morceaux relativement calmes ont été utilisés sur Bloodmoon, l’album homonyme, une série d’apparitions dans des festivals où Converge a transformé et réarrangé des morceaux plus sombres avec l’aide de la chanteuse et compositrice doom-goth Chelsea Wolfe, de son collaborateur régulier Ben Chisholm et de l’ancien bassiste de Converge et actuel leader de Cave In, Steve Brodsky. Tous les trois sont de retour pour conjurer une partie de ce mojo diversifié avec une collection d’originaux en studio.

Sur disque, comme sur scène, Bloodmoon éclaire d’un pâle faisceau le côté moins fougueux de Converge. Il n’y a pas un seul morceau ici qui puisse faire tourner la fosse du début à la fin. La deuxième chanson, « Viscera Of Men », commence comme l’un des titres habituels du groupe – deux passages à la vitesse supérieure… pendant 15 secondes, après quoi les freins sont serrés et le morceau se transforme en une sinistre séance de black-metal. Le titre d’ouverture met en avant le piano, tandis que les deux derniers morceaux font revivre la solitude du vieil Ouest avec « Cruel Bloom », une chansonnette à la Tom Waitsqui faisait partie de l’album le plus collaboratif du groupe, Axe To Fall.

Ce sont Wolfe et Brodsky qui distinguent vraiment cette nouvelle génération, ajoutant plusieurs duos de bonne foi au songbook de Converge et réduisant largement l’aboiement déchirant le larynx du hurleur principal Jacob Bannon à une floraison occasionnelle. Bloodmoon s’épanouit dès que Wolfe roucoule et croone dans le micro – elle apporte une texture émotionnelle qui est tout simplement hors de portée de Bannon. Brodsky, quant à lui, a tendance à faire pencher ses anciens membres à plein temps vers le son de ses membres actuels : S’il n’y avait pas un accompagnement guttural périodique et l’intro calme avant la tempête du guitariste Kurt Ballou, il serait facile de prendre « Failure Foreve » » pour un extrait de Cave In.

Plus souvent, Bloodmoon suggère ce à quoi Converge pourrait ressembler avec trois chanteurs principaux : une hydre de styles vocaux parfois contrastés, parfois complémentaires. Leurs talents se combinent pour donner des frissons sur « Coil », un hymne fantomatique qui s’étend et se contracte comme le serpent de ses paroles, les cordes pincées donnant le ton frissonnant avant le crescendo du groupe puissant du refrain. C’est le point culminant de l’album, même s’il n’est pas le plus éloigné de la tradition de Converge.

Cet honneur reviendrait probablement à « Crimson Stone », interprétée par Wolfe, qui est peut-être la seule chanson que le groupe ait jamais enregistrée et que l’on pourrait qualifier, sans ironie ni tromperie, de purement belle. On attend toujours que la hache tombe. Et même lorsqu’elle finit par tomber, il y a une majesté soutenue qui rivalise avec les plus belles épopées de ses compagnons de tournée de longue date, Neurosis.

La douceur (encore une fois, relative) peut rebuter certains irréductibles. Même ceux qui sont prêts à se laisser porter vers des eaux plus calmes et inexplorées pourraient finir par avoir envie d’un retour à la férocité caractéristique qui n’arrive jamais. Le blitzkrieg est facile à rater – c’est ce qui a fait que ce groupe s’est installé dans des cœurs battants et endommagés partout. Mais Bloodmoon prouve facilement, si les déviations passées ne l’avaient pas déjà fait, que Converge reste Converge lorsqu’il ne joue pas à pleine vitesse ou à plein volume. Et grâce à l’élargissement de son vocabulaire mélodique, l’album apporte une nouvelle preuve de la domination continue du groupe sur le paysage de la musique extrême. Que ce soit comme tortues ou lièvres, ces gars-là gagnent toujours la course.

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Turnstile: « Glow On »

29 août 2021

Tout juste après avoir sorti leur EP Turnstile Love Connection il y a quelques semaines, Turnstile est de retour avec encore plus de preuves qu’il est l’un des groupes les plus vitaux du hardcore moderne. Après avoir suscité un engouement considérable avec leurs premiers travaux – et l’avoir consolidé avec le premier album sur le label Roadrunner, Time & Space, en 2018 – le groupe de Baltimore utilise son troisième album pour continuer à repousser les limites préconçues du genre. Certes, Glow On n’a rien à envier aux meilleurs d’entre eux, mais il est doté d’un esprit encore plus frais et plus exploratoire.

Si le « single » principal, « Holiday », a pour vocation d’être une catharsis pure et dure, ion trouve aussi, sur un autre registr, les guitares décolorées par le soleil de « Underwater Boi », l’introduction discrète au piano de « Fly Again » » (qui, il est vrai, ne tarde pas à céder la place à de gros riffs), et les percussions expérimentales de « Wild Wrld » qui ressemblent à une nouvelle version de The Shape of Punk To Come de Refused. Même l’ajout de Blood Orange sur deux morceaux est transparent, sa voix se fondant de façon rêveuse dans le morceau brumeux « Alien Love Call » . Et s’il serait facile de penser que le groupe a perdu de son mordant, ce n’est pas du tout le cas. Un effort revigorant et palpitant – qui est finalement très amusant – Glow On montre à quel point le hardcore peut devenir innovant.

**1/2


The Armed: « Ultrapop »

17 avril 2021

 

Il y a un moment en 2018, en écoutant le dernier album du collectif hardcore The Armed, Only Love, que l’on avait l’impression que le groupe avait atteint son statut de pic d’accessibilité pop. Leur deuxième effort était chaotique comme peut l’être le punk hardcore, mais niché dans chaque recoin, il y avait des morceaux de pop qui le rendaient quelque peu abordable pour les non-initiés. Trois ans plus tard, le groupe de huit musiciens donne une nouvelle impulsion à ce centre pop avec le titre approprié Ultrapop.

Il ne s’agit pas d’insinuer qu’Ultrapop est un disque entièrement pop, loin de là. The Armed ne sont pas un groupe de pop ; le titre « Ultrapop « et les images aux couleurs vives sont une sorte d’appât. Il y a des moments de sérénité et de douceur, mais pour l’essentiel, c’est un disque plein de cette même agressivité propulsive que les fans dévoués en sont venus à adorer chez The Armed.

L’ouverture, «  Ultrapop « , est une sorte de fausse piste. Il scintille et nous fait même penser aux Daft Punk avec un échantillonnage subtil, mais ce n’est qu’une mise en place élaborée pour « All Futures », un power-anthem délirant qui culmine dans un post-chorus erratique de « Yeah ! Le morceau apparaît d’abord comme un thriller enragé, mais il est légèrement perturbé par ses paroles médiocres, comme « Tailored suits, sanguine sacks of shit, it’s all just ballyhoo » (Costumes ajustés, sacs de merde sanguins, ce n’est que du vent. ). Pourtant, on ne peut nier l’énergie de The Armed, et Ultrapop ne relâche pas vraiment cette férocité. Ils font clairement feu de tout bois d’un point de vue technique, incarné par la batterie frénétique d’Urian Hackney et Ben Koller et l’attaque de trois guitares de Dan Greene, Adam Vellely et Dan Stolarksi. Même lorsqu’une chanson commence de manière relativement optimiste, elle se transforme en un amas de bruit à la fin – leurs accroches sont enfouies sous les vagues incessantes, peut-être hors de portée des agnostiques purs et durs.

Sur « An Iteration », ils trouvent un équilibre entre accessible et erratique. Ils soulignent des lignes telles que « I fell for some / pseudo-sophisticated / Poet laureate-posing / Young white savior » (s’est laissé séduire par certains / pseudo-sophistiqués / posant comme des poètes lauréats / jeunes sauveurs blancs) aau moyen d’un feedback grimaçant, avant de se retirer pour des couplets retenus, puis d’accélérer à nouveau avec le refrain de gang « An iteration ! ». C’est le genre de morceau qui se démarque et que l’on met sur les compilations, surtout avec le grincement de guitare digne des années 80. « Average Death » est un autre moment où leur ambition pop brille, la mélodie mélancolique traversant les murs de son.

Les bruits impressionnants restent le modus operandi de The Armed sur Ultrapop, mais ces moments de mariage sonore heureux entre l’ « ultra » et le « pop » sont moins fréquents que ce que l’on pourrait attendre d’un album qui, selon Greene, « cherche sérieusement à créer une expérience d’écoute vraiment nouvelle ». La progression depuis Only Love n’est pas aussi importante qu’on l’espérait ; cette musique est rapide et dure, mais il y a moins de risques qu’il n’y paraît au premier abord. Ceux qui espéraient que le groupe se pousse dans une nouvelle direction seront légèrement déçus, tandis que ceux qui ont vibré avec ce collectif depuis le premier jour apprécieront probablement Ultrapop pour ce qu’il est – un autre album de The Armed.

***1/2


Chamber: « Cost Of Sacrifice »

1 décembre 2020

Sur le premier album de ce groupe basé à Nashville, Chamber ouvre un portail vers un autre monde, aspirant l’auditeur au plus profond de son âme. Des guitares hurlantes et des remplissages classiques de circle pit drum aux voix obsédantes et aux sous-entendus macabres, cet album n’est pas pour les faibles de cœur. Cependant, si System of a Down et Blessthefall avaient un bébé, Cost of Sacrificeen serait le magnifique faisceau de joie ; une fusion du son abrupt mais puissant de System of a Down mélangé aux racines hardcore d eBlessthefall. Heureusement, Chamber passe à la vitesse supérieure et ajoute sa propre version du metalcore, ce qui donne un album qui repousse les limites du genre.

Les dix chansons rendent hommage aux débuts du metalcore et provoquent chez eux une vague de nostalgie, rappelant à tous que la scène ne va nulle part. Les quatre « singles », « Scars in Complex Patterns », « In Cleansing Fire », « Visions of Hostility » et « Numb (Transfuse) » ne sont qu’un aperçu des possibilités de l’album. Les fondements classiques du hardcore et la créativité progressive ne sont que la partie visible de l’iceberg. Des chansons telles que « Fracture », « Paranoia Bleeds » et « Cost of Sacrifice » présentent des riffs de guitare spectaculaires et criards, des remplissages de batterie impeccables et des pannes atomiques, ouvrant un peu plus les yeux de l’auditeur.

Dans « Fracture », le morceau d’introduction, l’auditeur se retrouve embarqué dans un voyage metalcore avec une intro lente qui explose dans la double force de la guitare Chamber. Le troisième morceau, « Paranoia Bleeds », est un paysage sonore dystopique avec des voix de l’époque d’Awakening-Beinshefall et des guitares perçantes en cascade. « Numb (Transfuse) », brille par un breakdown exceptionnel qui semble couvrir la moitié du morceau, combiné avec des remplissages de batterie classiques qui ouvriraient une fosse circulaire à n’importe quel spectacle.

Les chansons qui poussent les murs du metalcore sont les titres phares « Impulse » et « Disassemble Reassemble ». « Impulse » teste les limites avec des riffs forts et dissonants et une guitare en écho, le tout associé à un panache métallique de grande puissance. « Disassemble Reassemble » introduit des influences industrielles tout en dégageant la musique du thème de l’histoire de l’horreur américaine, ce qui donne un paysage sonore obsédant créé par des riffs de guitare troublants. Ce morceau produit un son légèrement différent du reste de l’album avec une surcharge presque sensorielle qui conduit à la deuxième rupture. Les deux morceaux comportent des enregistrements parlés à la fin qui donnent vraiment l’ambiance générale de l’album. 

Le premier disque de Chamber pousse tous les bons boutons et sort à une époque où la communauté musicale avait désespérément besoin de quelque chose de réconfortant. En tant que genre, le metalcore est le plus résistant de la scène et il est agréable de voir les nouveaux venus faire leur marque. La musique live sera de retour, le plus tôt sera le mieux, et Chamber s’apprête à être à l’avant-garde de ce renouveau. Cost of Sacrifice prouve qu’ils connaissent le genre et qu’ils sont capables de repousser les limites de manière vraiment étonnante et qu’ils sont prêts à être à l’avant-garde su revival post-hardcore.

***1/2


Justice For The Damned: « Pain Is Power »

26 juin 2020

Le deuxième album de Justice For The Damned, Pain Is Power, du groupe australien de hardcore en pleine expansion, arrive sans environnement live pour y jouer, mais malgré cela, il reste un nom sur les lèvres de beaucoup de gens. Le combo est un des porte-drapeaux pour le style de hardcore métallique comme Cursed Earth, Kublai Khan, et d’autres, et à qui ils dont concurrence féroce

« Guidance Is Pain » indique clairement les cantiques qu’ils professent, avec des riffs épais, des accors « no-nonsense  , une influence occasionnelle de slam, et des ruptures écrasantes qui vous font savoir ce qui vous attend, à savoir des riffs qui font mal et des raclées en terme de percussions. La bande-annonce apporte des basses plus féroces et maintient un groove puissant et entraînant tout au long du morceau.

« Final Cataclysm » est un peu plus rapide, avec des riffs plus deathcore qui font leur chemin dans la procédure, et le grognement de Bobak Raifee s’avère être une arme puissante et efficace. « No Peace At The Feet Of Your Master » continue d’apporter le très fort bas de gamme, provoquant une rupture incendiaire. « The House You Built Is Burning » a, lui, un son de brutalité revendiquée parfaitement maîtrisé auquel il est impossible de résister, et on peut dire la même chose du riff de clôture de « Machines Of War ».

Bien sûr, il n’est pas forcément repousser les limites ou innover, mais si vous entrez dans la musique en recherchant toujours ces qualités, vous serez toujours déçu, surtout lorsque Justice For Their Damned s’approprie ses forces de manière aussi immédiate.

La fureur et l’agressivité ne se relâchent jamais tout au long de l’album. Le seul moment de répit est la section propre de « Sinking Into The Floor », qui montre une certaine tension avant que nous ne repartions à l’assaut de leur front.

« Blister Of The Plague » poursuit le matraquage sonore, avec une grande utilisation de musique plus lente avant que « Die By The Fire » ne joue avec des styles plus poisseux nous bombardant comme un marteau de forgeron pour un grand effet.

En une demi-heure, Pain Is Power atteint exactement son objectif et est la durée parfaite pour un album de ce type. Si vous voulez juste une solution rapide et immédiate pour écraser le hardcore, alors laissez Justice For The Damned vous la donner.

**1/2


Eye Flys: « Tub of Lard »

21 avril 2020

Nous vivons une époque étrange et troublante. Des temps où les gens sont incertains de leur avenir, incertains de leur sécurité et de leur santé. Et pourtant, Eye Flys vient de Philadelphie, qui a pensé que c’était le moment idéal pour sortir cet album irresponsablement lourd, alors que le monde a plus que jamais besoin de paix et de réconfort et, ici, d’exutoire.

Tub of Lard, le premier opus du quatuor et est un exercice de brutalité du début à la fin.  À la première écoute,jon manquerait presque de vouloir briser une fenêtre à cause de l’excitation et de l’envie de s‘évader. C’est le type de ce genre de disque ; une attitude hardcore familière se conjugue parfaitement avec le bruit cacophonique de la boue moderne, créant un son qui demande votre temps et votre énergie. Avec des grooves remplis de riffs destructeurs.

Et ça commance dè le presque éponyme, « Tubba Lard » Eye Flys s’emploie à écraser des crânes dès le départ. Avec très peu de préparation ou d’avertissement, cet album se lance dans une véritable fête de la danse la plus brutale qui soit.

Le disque ne faiblit pas pendant ses vingt-cinq minutes qui sont d’une brièveté torturante mais tonituante. Chaque morceau de cet album est, à ce titre, un touché-coulé pour qui aime les abus. À « couter donc, mais de façon « responsable ».

***1/2


niiice.: « Never Better »

17 décembre 2019

En l’espace de quelques EPs, niiice. est arrivé à se faire un nom dans son Minneapolis natal. Le trio post-hardcore compte garder ce titre de leader avec son nouvel EP intitulé Never Better.

Composé de cinq titres, niiice. compte tout balancer ce qu’il a sur le cœur. Never Better s’apparente ainsi à un disque de rupture et son mélange entre emo-punk et post-hardcore arrive à catalyser toute leur désespoir sur les redoutables « Snowboard » et « Love Handlez ».

Les hurlements rauques qui cohabitent au chant plus mélodieux survolent les riffs massifs de « Haterade » et comptent tout balancer jusqu’à la conclusion nommée « Minneapolis vs St. Paul: This Time It’s Personal » qui clôt ce Never Better de la plus belle des manières. Encore un peu et niiice. pourrait avoir de meilleurs jours devant lui.

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Black Beach: « Tapeworm »

7 décembre 2019

Black Beach est une formation de Boston, Massachusetts, qui donne dans le punk et ses différents sous-genres. Le trio, composé de Steven Instasi, Ben Semeta et Ryan Nicholson, fait à peu près toujours autant de vacarme que peuvent le faire cinq musiciens enragés. Lancée au début du mois d’octobre dernier, leur plus récente offrande intitulée Tapeworm saura combler les amateurs de punk abrasif.

Dans une atmosphère tendue du début à la fin, Black Beach nous enfonce sans retenue dans les oreilles une douzaine de solides morceaux. Passant du punk au noise-rock, puis du post-punk au sludge, Black Beach nous livre ici un joyeux bordel sonore de quarante-cinq vigoureuses minutes.

Au fil que les chansons s’enchaînent sur l’album, le trio conserve sa passion pour les riffs qui martèlent et qui font aussi mal que de se cogner les orteils sur la table de chevet à quatre heures du matin.

Sachez, en effet, que cet album n’a rien pour vous réchauffer le corps avec de douces mélodies contagieuses. À l’aide d’une guitare qui, la plupart du temps, est grinçante et bruyante, une basse bien présente et fort efficace, une batterie qui pioche en masse et une voix parfois salopée par de la distorsion, la bande nous prouve qu’ils ne sont pas de fins mélodistes, mais plutôt une force de frappe brute. D’ailleurs, des titres de la nature « Sometimes This Body Lets Me Down », « Broken Computer », « Positive Feedback Loop », « Nervous Laughter » et « Southern State « vous le prouveront assez rapidement ;’assourdissant trio bostonnais ne fait pas dans la dentelle ni même dans le coton ouaté. À l’aide d’une réalisation simpliste et de chansons qui vont droit au but, ce Tapeworm est une véritable succession de déflagrations punk qui devrait plaire aux fans de Metz, Jesus Lizard, Pissed Jeans et Big Ups.

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Petrol Girls: « Cut & Stitch »

4 décembre 2019

Le premier « single » de Petrol Girls il y a cinq ans était un cocktail molotov avec un allumette à incendier, littéralement, puisque la pochette était exactement ainsi, avec le nom du groupe gravé dans la bouteille. Mais plus encore, l’imagerie correspondait parfaitement à un groupe qui se décrivait lui-même comme un groupe « féministe post-hardcore enragé », longtemps enthousiaste et à court de patience. Brûlez tout, tout ; la révolution n’a jamais été simple.

La fureur du quatuor : le bassiste Liepa Kuraitė, le guitariste Joe York, le batteur Zock Astpai et la frontwoman Ren Aldridge ont continué avec le premier album intégral, un appel aux armes nommé à juste titre Talk of Violence. Cependant, l’EP The Future is Dark de l’année dernière montrait une maturité musicale et une introspection personnelle, une excellente transition vers la révélation d’un album Cut & Stitch par le groupe.

Refused a toujours été une influence sur les Petrol Girls, il est donc approprié d’affirmer que c’est leur Shape of Punk to Come qui allume le feu, une éclamation cqui est omme un communiqué de presse en hyperbole à prendre à nos risques et périls.  Les deux versions ont ajouté des textures qui s’étendent sur les rudimentaires du hardcore, montrant une capacité à penser en dehors des sentiers battus.

Sur Cut & Stitch, Aldridge a suffisamment confiance en ses idées pour ne pas avoir à les crier tout le temps. Sur l « Intro » de 75 secondes, pendant que le feedback du groupe s’intensifie en crescendo, elle entonne doucement ce que le son signifie pour elle. C’e sera la première d’une longue série de fois qu’elle laissera sa parole presque parlée livrer son message.

L’album traverse une poignée de titres « Interlude » qui présentent différentes parties de l’opus chacune plus jolie que la précédente. Le premier, « Interlude (Q&R) », est un moment de calme et d’acoustique qui pourrait être un sample d’un groupe hippie, même s’il ne l’est pas, et qui mène à « Big Mouth », qui contient un vrai sample.

Certaines personnes pensent que les petites filles devraient être vues et non entendues, dit la regrettée chanteuse Poly Styrene de X-Ray Spex, comme elle l’a dit sur leur premier « single » ; en effet sSon message de rébellion est toujours aussi valable et nécessaire aujourd’hui ; il s’inscrit parfaitement dans le ténor et le timbre du titre. Il est aussi complètement contagieux, avec un chœur énorme, parfait pour l’autonomisation d’une nouvelle génération de filles.

Le groupe a encore beaucoup d’autres moments assez accessibles pour qu’il ne soit pas difficile d’imaginer des stations de radio commerciales et alternatives pour les écouter. « No Love For A Nation » est l’un d’entre eux, avec York livrant un énorme riff alors qu’il transforme le morceau en duo avec Aldridge, les deux chantant relativement mélodieux. Il est lisse, syncopé, décalé et simple mais efficace, et se termine par des kazoos ironiques qui fustigent « My Country,’Tis of Thee » et probablement le pays pour lequel il a été écrit.

The Petrol Girls n’abandonnent pas complètement le côté vitriolique du groupe. Le titre douverture,  « The Sound » se déchaîne ainsi furieusement et avec justesse. Mais dans d’autres cas, ça n’est simplement que lacette d’une chanson : le chœur brillant de « Tangle of Lives » contrastera avec les ponts lents et presque jazzy, de « Monstrous » et « Talk in Tongues », ce dernier voyant York prendre le chant principal, swinguer comme sur le dernier album de Brutus.

Malgré tout, le plus grand départ se devra d’être « Skye ». Contre une tonalité mineure, Aldridge s’ouvre avec amour sur son chien du même nom. Vers la fin, la guitare se délabre jusqu’à devenir presque silencieuse, la laissant pratiquement chuchoter et soliloquer sur son son chiot perdu malgré ses diatribes contre le patriarcat.

Beaucoup de choses doivent se passer pour qu’un groupe émerge d’un genre de niche et capte l’attention du grand public, et la chance n’est pas la moindre de ces éléments. Tout ce à quoi on peut s’attendre de la part du groupe, c’est d’avoir une vision et de l’exécuter sans crainte et d’espérer que les gens le remarquent. Sur Cut & Stitch, les Petrol Girls ont fait plus que leur part.

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