Les groupes à l’esthétique gothique ont tendance à apparaître comme des poissons hors de l’eau sur les scènes des festivals d’été de jour – quelque chose à propos des créatures pâles et vêtues de noir du clair de lune sous un soleil étouffant entraîne une sorte de dissonance cognitive. Pourtant, lorsque Kælan Mikla s’est produit au festival Pasadena Daydream de The Cure en 2019 sous une chaleur de 90 degrés en début d’après-midi, leur performance dramatiquement sorcière a semblé jeter une sorte de sort sur le public. On aurait même pu jurer que le soleil californien était enveloppé de nuages et de brume pendant 40 minutes alors que le trio islandais de darkwave conjurait une sorte de magie hypnotique.
À l’instar des groupes gothiques du début des années 80 dont il est issu (Cocteau Twins, Xmal Deutschland, etc.), le groupe équilibre des ambiances inquiétantes avec un sens du spectacle et un don pour les accroches éblouissantes. La darkwave peut certainement être faite sans égard pour les pistes de danse souterraines, mais ce n’est pas ainsi que Kælan Mikla fonctionne, et sur le nouvel album Undir Köldum Norðurljósum, ils s’appuient sur leur présence établie de brume de synthé glacée et de pulsations de basse post-punk en ouvrant leur production pour permettre un plus grand degré d’atmosphère hypnotique et obsédante.
Il n’est pas tout à fait juste de dire que Undir Köldum Norðurljósum est avant tout de la musique de danse, mais cela fait partie intégrante de l’esthétique du groupe. Sur des titres tels que « Svort Augu », qui ouvre le bal, et « Oysinileg », hymne pop et dynamique, le groupe calibre ses BPM pour une utilisation intensive en club. Mais c’est sur les morceaux où le groupe se permet de s’étendre davantage – comme la symphonie de sept minutes de ténèbres « Sirenur » ou « Hvtir Sandar », leur collaboration avec le shoegazer français Alcest – que Kælan Mikla montre le mieux toute l’étendue de ses capacités.
Undir Köldum Norðurljósum s’appuie sur l’album précédent de Kælan Mikla, Nótt Eftir Nótt, de manière subtile, mais le tableau général est celui d’un son plus complexe et richement texturé qui, par exemple, ne serait pas si déplacé sur la scène d’un festival. Seulement, cette fois-ci, on a l’impression que cette obscurité remplit beaucoup plus l’espace qui l’entoure.
Pleasures For The Wicked, tel est le titre de la nouvelle offrande de Crying Vessel. Si l’on regarde la couverture, on plonge dans une sombre ambiance romantique à la bougie, deux messieurs en smoking – mais la voilà, la beauté en arrière-plan, apparemment dans une robe blanche. Et elle tient ses mains délicates comme si elle voulait contrôler ses marionnettes avec des cordes. Une image, une histoire… Ainsi, les titres due ce nouveau LP ressemblent à la séquence d’un chapitre similaire. Et il est vraiment sombre et mélancolique.
« Auxilium » est la courte introduction. Les cloches embuées et qui s’effacent mènent dans un vent lugubre avec un babillage de voix, avant que la mélodie de synthé de la courte pièce ne nous rattrape lentement et ne se fonde dans le son vif et ondoyant de « For God’s Sake », qui se confond parfois avec la voix qui cherche tant de secours. Dieu peut-il vous entendre, avec tout ce qui vous frappe ? Les séquences de quasi-bourdonnement s’allongent sur les rythmes rapides, se perdant finalement dans la réverbération. Le successeur de « The Abyss », en revanche, est plus terne, plus modéré, mais sa mélodie est tout aussi entraînante, laissant la place à des chants pleurnichards, des parties venteuses et des solos de synthétiseurs planants, qui se perdent alors à nouveau dans l’euphorie. Quelle est la raison de votre abîme personnel ? Qu’est-ce qui vous prive de vos sens ?
La section suivante de l’histoire tragique est menée par le court interlude « Purgatorium », qui s’élève en flèche. Peut-on entendre le timbre étrange et faible d’un organe de combat ? Le brouillard de ce qui est sur le point de vous rattraper est imparable. Il vient vers vous et, dans « Breaking The Spell », il se regroupe dans des passages à l’écho parfois sphérique, qui sont basés sur un ton menaçant dans le Calling Of The Sirens » qui suit, le chapitre suivant – le « Seal » court de clôture. Les sirènes, leur chant est si dangereux. N’est-ce pas ? « Buried Alive » suit ensuite avec son habituelle exaltation et, avec ses arcs mélodiques récurrents, semble presque hypnotique. La lumière vient vous prendre. « Je ne peux pas respirer », dit-on ici. La voix se fait clairement entendre et vous souhaitez qu’elle le fasse tout le temps. Dans « I Swear I Saw You Smile », le chant de l’âme s’entasse jusqu’à la mélancolie pleurnicharde, porté par les tambours sur les vagues ondulantes. « Lonely Memories » donne une impression de confiance totale au début, mais l’apparence de vivacité est trompeuse. La vérité, l’incriminant – « C’est comme un tel péché… » La mélodie est impressionnante, comme ce qui se passe ici. « Ne vous laissez pas troubler. » Le titre suivant, « Web Of Guilt », la toile de la culpabilité, se montre à nouveau sous un angle complètement différent – plus dur, plus sombre. Vous ne pouvez pas respirer sous votre fardeau. Votre fardeau est votre culpabilité, la lutte de votre esprit. Vous priez pour la rédemption. « Tu es mon obsession. » Ces mots brûlent. Vous êtes mon obsession. Les mots sont clairs, ils sonnent. « Alors prends ma main. Laisse-moi te montrer le chemin ». Prenez ma main et laissez-moi vous montrer le chemin Et quand vous aurez pris cette main, dansez avec elle, folie, beauté, au clair de lune. « Timid Moonlight » commence lentement, jusqu’à ce qu’il veuille vous emporter. C’est le jour de votre home run, votre chance ! « Et dansons toute la nuit jusqu’au lever du jour. » (And let’s dance
The night away Until the break of day) Perdez-vous dans le péché. Mais ensuite viennent les flemmes. « The Burning » réduit en cendres, mélancoliquement et douloureusement, tout ce que vous avez défendu.
Au début, la mélodie ressemble à une chanson connue. La réverbération et les tambours laissent le son et la voix ne faire qu’un. « Black Wedding » se présente de manière plus obsédante. C’est le sombre danger de l’amour. Et l’obscurité se retrouve dans « The Third Coveneant »– dans une tragédie au tempo modéré et aux refrains exclamatoires. Est-ce juste le bourdonnement synthétique que vous entendez ou les sirènes qui se moquent de vous en arrière-plan ? La fin du chapitre suivant suit, courte comme l’intro – « The Departed », un synthétiseur ondulant aux nuances distinctives. On peut entendre le chuchotement du défunt, mais ce que l’on entend aussi, ce sont les sons doux et persistants, sphériques, des sirènes, qui laissent le chant s’éteindre dans le brouillard. Faut-il que cela se termine ainsi ? Le titre bonus clôt l’album et, plutôt que d’être la dernière chanson, il s’agit de l’histoire elle-même. D’une noirceur menaçante, l’ego raconte ici son histoire, vous laisse vous enfoncer dans votre propre battement de coeur. Dangereusement, le brouillard sombre vous y conduit, tandis que des sons de piano individuels tentent de vous retenir. Mais l’obscurité qui vous entoure est plus forte. Hier encore, vous étiez dans une pièce si pleine d’amour. Aujourd’hui, il est vide. Vous avez été enterré vivant. Et finalement, vous vous dissolvez dans le chant fatidique de vos propres sirènes. Le dernier souffle a été pris. Le chapitre est clos.
Legroupe offre ici une mise en scène musicale ingénieuse d’une tragédie et peint des tableaux sombres, dans lesquels on peut facilement tomber à une heure mélancolique. Crying Vessel livre une mise en scène musicale ingénieuse d’une tragédie et peint des tableaux sombres, dans lesquels on peut certainement plonger dans des heures mélancoliques, pour s’évader avec eux pendant un moment.
La réémergence de Rosetta Stone a été un développement bienvenu mais qui se construit lentement. L’annonce surprise, l’année dernière, d’un nouvel album sous le nom, assermenté pendant tant d’années (plus goth que le goth) par le compositeur et interprète principal Porl King, a été quelque peu atténuée par la prise de conscience du fait que Seems Like Forever était composé de matériel réenregistré, publié à l’origine par son projet niommé « miserylab ». Si Seems Like Forever était une épreuve de force ; une tentative de King pour trouver un équilibre entre les différentes périodes de son travail, Cryptology est une démarche plus grandiose. C’est le premier disque de Rosetta Stone depuis 25 ans. Il s’agit d’une reconnaissance du passé et de l’avenir de la « roche sombre », de la place de King en son sein et de son importance par rapport au cauchemar actuel dans lequel nous sommes tous piégés.
Ce qui est peut-être le plus excitant sur ce disque pour les auditeurs de longue date, c’est la façon dont King a réussi à fusionner les sons fondamentaux de Rosetta Stone non seulement avec son propre travail intérimaire et annexe, mais aussi avec les récents développements du post-punk gothique et sombre en général. Presque entièrement dépourvu de Sisters-ism (dont RS n’a jamais été aussi coupable que beaucoup de ses pairs des années 90), Cryptology donne l’impression que King se familiarise à nouveau avec les sons et les ambiances plus larges du rock gothique de tout le spectre. Le minimalisme agile et condamné de Forever Grey est suggéré par le déroulement glacé de « Valiant Try », et une bouffée de Cold Cave qui se penche sur leur côté le plus darkwave sur « In Blac » ». On retrouve un peu partout des similitudes avec des artistes comme Double Echo, Terminal Gods, Twin Tribes, Lebanon Hanover et d’innombrables autres artistes actuels qui se sont probablement inspirés directement des premiers disques de Rosetta Stone. Bien qu’il s’agisse sans aucun doute de King travaillant dans un milieu gothique, ce n’est pas le son dudit King lui essayant de recréer ses anciens sons ni feignant l’ignorance de la façon dont les choses ont évolué depuis la fin des années 90.
Heureusement, il n’est pas nécessaire d’approcher Cryptology comme un lanceur d’alarme gothique pour l’apprécier. En mariant l’instrumentation dépouillée de « miserylab » à un travail de guitare agile, on finit par obtenir des morceaux sacrément accrocheurs. Les mélodies simples et tourbillonnantes de « Smoke & Mirrors » ont tout le charme de n’importe quel hymne gothique ou punk de la paix que vous voudriez nommer, qu’il soit nouveau ou ancien. Et malgré l’instrumentation souvent minimaliste, il y a un sérieux poids de rock derrière la pulsation et le dynamisme des morceaux de Cryptology, ce qui suggère peut-être Killing Joke and the Lorries.
King a également procédé à de légers ajustements de son chant : le désespoir qui transpire dans « Valiant Try » et » »With This [I’m Done] » a le même ton las des classiques comme « The Good’s Gone » et « Come Hell Or High Water », mais tempéré par l’âge et l’expérience. Le plus souvent, il utilise ces chants pour aborder les crises actuelles : l’introduction « Shock » nous rappelle qu’une nation qui a vu les émeutes de Londres, l’incendie de la tour Grenfell et Brexit (dont certains ont été directement abordés par King via miserylab) au cours de la dernière décennie ne peut plus feindre la surprise face aux effets de l’austérité et du racisme. Même lorsqu’il ne s’adresse pas directement à l’actualité, il y a des chevauchements intéressants entre le personnel et le politique : l’inventaire réfléchi de « I Put It To You » montre que King veut tourner la page sur ses anciennes vies et réalisations musicales, mais les vagues lacunes connote maintenant la futilité de se languir de la période pré-COVID.
Porl King a apporté une quantité incroyable d’histoire personnelle et musicale à Cryptology. L‘année dernière, jon pouvait espérer que Seems Like Forever pourrait être un nouveau matériel sous la bannière de RS qui se sert des styles plus récents de King, et ce disque fait les deux tout en reliant les points entre le passé et le futur des gothiques. Nous sommes en 2020. Tout est en feu et tout est politique, y compris le rock gothique, et on peut être heureux que Rosetta Stone en soit partie prenante. Hautement recommandé.
Neuf albums avec The Awakening sept albums solo, plusieurs coopérations avec MGT et Beauty Un Chaos… Ashton Nyte est certainement un de ces artistes passionnés qui ne semblent jamais dormir. Le 20 juillet 2020, ce multi-talent à l’incroyable voix de baryton a sorti son 17e album studio Waiting For A Voice, accompagné cette fois-ci de son tout premier livre. Et il montre clairement que sa créativité est encore loin d’être épuisée.
Écrit pour la plupart en six mois, juste après avoir joué pas moins de 36 concerts en première partie de Wayne Hussey dans toute l’Europe, le cadre acoustique de cette tournée a certainement eu une énorme influence sur son dernier album. Pourtant, qui s’attend maintenant à un simple album acoustique avec rien d’autre que des voix et des guitares acoustiques se trompe. Le bien nommé « caméléon musical » parvient une fois de plus à se réinventer et offre une étonnante polyvalence – tant au sein de l’album que par rapport à ses précédents travaux.
En effet, même avec l’album de studio numéro 17, Ashton Nyte ne se répète pas le moins du monde. Bien sûr, les fans reconnaîtront la voix caractéristique et les délicates guitares acoustiques. Pourtant, l’ensemble de la composition ne ressemble à rien de ce qu’il a publié jusqu’à présent.
Et puis, s’il y a bien un fil conducteur entre les différentes chansons, elles sont vraiment diverses. Waiting For A Voice commence par des chansons plus calmes comme la fragile chanson titre et la rêveuse « Ocean Son » qui m’ont immédiatement frappé par leur atmosphère magique. Alors que « This Isolation » crée déjà beaucoup plus de tension, « Has Anybody Seen My Love » utilise une large instrumentation et semble assez théâtral. « Dark Star » séduit immédiatement par son rythme captivant et ses harmonies uniques avec des cordes supplémentaires, créant un fort sentiment de nostalgie et un soupçon de doute. « I Asked For Nothing » se concentre à nouveau sur la guitare et le chant, avec un côté narrateur. Le pensif « Time (Just Before The Light Got In) » revient à un arrangement plus calme. D’une certaine manière, ses belles guitares acoustiques fluides me rappellent toujours un ruisseau de forêt…
Ensuite, il y a « Disappear » qui se distingue sûrement par son rythme entraînant qui donne immédiatement envie de danser. Curieusement, c’est l’une des chansons qui me rendent particulièrement mélancolique. C’est fascinant de voir comment un rythme aussi joyeux et léger en apparence peut être aussi nostalgique… Après cette instrumentation entraînante, « Soon It Will Be Morning » suit avec un contraste saisissant, car il est presque uniquement porté par la voix et est en fait assez solennel. Il est suivi de « Heroes », la reprise de David Bowie et l’ode à sa brillance, qui était à l’origine prévue comme un cadeau pour les fans qui ont précommandé Waiting For A Voice. Grâce aux réactions positives, il a fini par faire partie de l’album.
Waiting For A Voice se termine par l’inquiétante « Awake », la chanson la plus sombre de l’album. C’était immédiatementun morceau de choix, probablement en raison de son approche au piano, sur lequel cette chanson est centrée. Il est vraiment étonnant de voir l’atmosphère qu’ Ashton Nyte crée ici avec seulement quelques notes et accords tout en ajoutant un autre instrument à l’album. Enfin, « Icicles », la chanson la plus touchante avec une dynamique incroyablement forte même si l’instrumentation est encore une fois très dépouillée. Après un voyage aussi intense à travers toutes ces différentes ambiances, on a l’impression que l’album nous laisse simplement tomber à la fin avec un tranquill « Je sais, je serai à la maison. Bientôt ». Et pour être honnête, jc’était un moment nécessaire pour respirer et saisir tout l’ensemble.
Avec Waiting For A Voice, Ashton Nyte sort non seulement son album le plus personnel à ce jour, mais aussi une œuvre d’art exceptionnellement touchante et émotionnellement intense. L’accent mis sur le chant et l’instrumentation, pour la plupart dépouillée, a vraiment un effet immense. Ilparvient à réduire ses chansons à ce qui est exactement nécessaire pour transmettre cette émotion et rien d’autre. Parfaitement au point, infaillible et droit au cœur. En même temps, il y a une variété impressionnante de détails intéressants et de dynamiques diverses qui attendent d’être découverts par l’auditeur. C’est sans aucun doute un album « à apprécier dans une pièce peu éclairée, avec des écouteurs décents » comme le dit Nyte. C’est une œuvre d’art magique qui mérite que l’on prenne le temps de l’écouter attentivement et de se plonger pleinement dans ses atmosphères fascinantes.
***1/2
Si vous aimez votre rock gothique brut, avec des guitares et un caractère profondément menaçant, réjouissez-vous ; le premier LP de Executioner’s Mask, Despair Anthems, vous a couvert. Le trio composé de Jay Gambit (Crowhurst), Ryan Wilson (Howling Void) et Craig Mickle (Cop Warmth) fait preuve d’une grande précision et d’une grande discrétion, non seulement en rejetant le vernis, mais aussi en créant des distorsions, du fuzz et du feedback.
Ces inclinaisons de rochers bruyants font de l’Executioner’s Mask une quantité unique dans un paysage où le post-punk lugubre et brillant est partout. Contrairement à ces actes, le son de Despair Anthems est délibérément opaque et sombre. Les basses grondantes des chansons et les coups de pied programmés donnent beaucoup de place pour les coups de guitare pentatoniques du rock gothique classique, avec des morceaux comme « No Funeral » et « Hatred of Self » qui sont des hommages à la deuxième vague, bien qu’avec beaucoup plus de saleté dans le mix. Comme on pouvait s’y attendre, leur son fonctionne particulièrement bien sur des morceaux plus salaces comme « True Blue », où des vagues de guitare déferlent sous des touches tristes, et « Desperation Rising », avec son tempo de cortège funèbre.
Cela dit, le disque fait un travail admirable pour éviter que les choses ne se perdent dans le mixage. Le chant de Gambit, en particulier, est enregistré et mixé de manière très propre, ce qui fait de lui un pilier des morceaux les plus brumeux ; même à l’intérieur des réverbérations caverneuses et des accords de « 1988 », sa voix profonde se détache clairement, transmettant poids et lassitude sans faiblir. Le contraste est particulièrement intéressant sur « In the Night », qui renonce à une grande partie de l’atmosphère du disque pour un refrain élastique conduit par les claviers, avec la refonte de Gambit comme l’ombre d’un numéro de new wave sur la piste de danse.
Si tout cela semble un peu, eh bien, ennuyeux vu l’état actuel des choses, vous n’avez pas tout à fait tort. Dans l’ensemble, l’implacable malédiction de l’album peut s’estomper en une seule écoute, bien que le fait de séquencer certains numéros optimistes comme « Ratboy » en fin de séquence aide à combattre cela dans une certaine mesure. Si vous êtes d’humeur sombre et fataliste, il vous faudra chercher un peu pour trouver quelque chose qui vous convienne aussi bien ; Despair Anthems est un disque de ce style qui est aussi surchargé que ce que vous pouvez trouver.
Ce quatuor suédois post-punk, cold/dark wave, est de retour avec Machine, justifiant ainsi son titre d’un des groupes les plus actifs et les plus connus de Suède. IL s’agit ici de son cinquième album, après l’éponyme Then Comes Silence (2012), II (2013), Nyctophilian (2015) et Blood (2017). Tablant sur une atmosphère construite autour du côté sombre de la musique depuis 2012, Then Comes Silence joue avec les sons et les mots vecteurs de chagrin, de mort et de péchés. Des éléments et des arrangements post-punk qui rebondissent entre le rock gothique, la dark wave et la pop psychédélique.
Machine en est à nouveau le reflet. Plus de rock, plus de mort, plus d’obsessions malsaines pour tout ce qui est sombre et sinistre. Mixé par la légende Stefan Glaumann (Rammstein, Deathstars, Killing Joke), Then Comes Silence a, probablement, créé ici son album le plus complet et le plus compact.
Machine commence par un riff post-punk froid, celui de « We Lose The Nigh » ». Des riffs mélodiques influencés par la vague sombre des premières années du Clan Of Xymox. « Devil » est dans l’ombre du Bauhaus; riffs de death rock dans l’intro pour créer une ambiance batcave. Le fait d’emprunter des chemins plus alternatifs au cours de cette chanson en fait une exploration des plus intéressante.
« Dark End » » empruntera des chemins plus mélodiques et émotionnels, en conservant le son compact des deux guitares et les lignes de basse puissante alors que « I Gave You Everything » renouera avec les styles sombres de Daniel Ash et David J adaptés aux formes post-punk modernes.
« Ritual » est peut-être l’un des meilleurs moments de Machine dans la mesure où il génère une tension indie sombre d’un côté et les riffs de guitare rock gothique de l’autre, le tout servant à accompagner la performance émotionnelle du chant délivré par l’incroyable voix de Karolina Engdahl parfaitement assortie à celle d’Alex Svenson.
« Apocalypse Flare » représentera le côté post-punk original du quatuor tandis que « W.O.O.O.U » commence avec un riff gothique évident qui donne du sens au début du gothique rock des années 80 avec le tempo et le leu des guitares.
« Glass » est un autre des points forts du dique. Une basse et une batterie puissantes tandis que les guitares donnent cette vitesse à l’atmosphère, tandis qu’Alex Svenson sonne le plus occulte possible grâce à une ligne vocale presque murmurante. « Kill It » est une ballade rock sombre à bas tempo avec une forte mélodie et Machine s’éteindra avec « Cuts Inside » qui reprendra tous les éléments que l’on retrouve dans l’album.
Machine est une forte collection de chansons post-punk mais il posssède aussi beaucoup d’autres éléments musicaux dans ses onze titres. Des élément « batcave et deathrock à certains moments, le dark indie, la pop à d’autres et bien sûr toute la vague et l’atmosphère froide et sombre, enrichie de moments gothiques exceptionnels.
Fotocrime, c’est le psudonyme de Ryan Patterson, le leader de Coliseaum un combo punk Kentucky Sous cet alias, une nouvelle direction audacieuse est au programme : un effort post-punk à base de synthétiseurs avec des éléments teintés de goth-rock et de darkwave. Après la sortie de deux EPs et un premier album en 2018, Principle of Pain, South of Heaven va en être est la suite parfaite. Patterson ne s’éloigne pas du son de base de son premier pous, mais il poursuit la même attitude lâche et incertaine qui semble avoir mené à la création de ses précédentes aventures sonores.
« C’est un disque pour les voyages de nuit, une bande son pour les phares qui éclairent l’horizon », dit Patterson, et c’est la vérité absolue, tout simplement. Si vous plongez dans le « single » principal « Love is the Devil » ou sur le « closer » « Tough Skin », vous trouverez un peu de lumière dans toute l’obscurité que l’album a créée, guidé par le véritable refrain darkwave hook-led dans un voyage qui nous ramène dans des mondes passés (où le génie de groupes comme Depeche Mode, Sisters of Mercy et Bauhaus faisait la loi).
South of Heaven est brillamment conçu, addictif et nostalgique, avec de nouvelles dimensions et dynamiques sonores, mais c’est aussi un effort fondé sur la collaboration, avec des tâches de production de J. Robbins (Jawbox) et des sessions d’enregistrement avec Steve Albini chez Electrical Audio à Chicago, Simon Small à Londres et les Robbins susmentionnés à Baltimore. L’album comprend également une batterie d’invités, dont les magnifiques voix de Janet Morgan (Channels), Hayden Menzies (METZ), Nick Thieneman (Young Widows), Erik Denno (Kerosene 454) et Rob Moran (Unbroken).
Ce « sophomore album » est un disque captivant, dirigé par un leader charismatique, une pièce lunatique d’une mélancolie sombre avec quelques mouvements légers tout en restant menaçants ; un véritable hymne à faire venir et se poser la nuit.
Kadavar sort un cinquième album, For The Dead Travel Fast, inspiré par l’occulte et les écrits du poète gothique Gottfried August Bürger et dans lequel Le groupe invite son audience à le suivre dans un univers mystique et psychédélique.
Le trio berlinois livre, dans son approche, sa vision gothique du rock psyché aux accents 70’s. Chaque titre plonge l’auditeur dans un univers sombre et surnaturel, peuplé de créatures démoniaques. Les ambiances sont très maîtrisées et chaque morceau possède une identité propre. Les riffs puissants sont entrecoupés de passages plus lents, dont s’émanent tristesse et mélancolie. La section rythmique, toujours impeccable, soutient le groove de la guitare de manière réjouissante.
La formule du trio rappelle parfois l’efficacité de Ghost dans la manière de composer. Ainsi « The Devil’s Master » prendra des allures de « From The Pinnacle To The Pit » dans son break. « Children Of The Night » possède également ce côté presque pop et vintage. Rien d’étonnant à cela puisque les influences des deux groupes sont les mêmes.
For The Dead Travel Fast frappe également par le travail effectué sur la voix de Lupus. Un chant façon Ozzy Osbourne sur « Evil Forces », une intro cryptique sur « The Devil’s Master” »et un refrain explosif sur « Poison” » De nombreux passages avec des chœurs ou des deuxièmes voix font leur apparition. Des variations appréciables, qui découlent de l’acceptation par Lupus de son rôle de chanteur.
Les atmosphères, soutenues par une utilisation nouvelle des synthétiseurs, envoûtent l’auditeur. L’album rend hommage aux musiques de films d’horreur des années 80 et le groupe s’est permis d’expérimenter un peu. Les machines apportent des touches électroniques, qui confèrent des ambiances mystiques comme sur « Dancing With The Dead ».
Le trio se permet deux ballades. « Saturnales » prendra le parti d’une instrumentale simple pour un propos mystérieusement poétique. « Long Forgotten Song » se présente comme un voyage de presque huit minutes, au cours duquel les tempos et les ambiances varient jusqu’à une fin spectaculaire annoncée par un solo de batterie plutôt inattendu.
For The Dead Travel Fast est un disque varié, aux ambiances finement travaillées et dont certains passages plombent, à bon escient, l’ensemble puisque le but affiché et de nous subjuguer.
Le guitariste Michael Ciravolo (Los Angeles) présente une entité collaborative avec le premier album de son projet Beauty In Chaos. Un éventail d’intentions à la mélodicité permanente, et qui pourra faire penser à l’optique d’un Mark Gemini Thwaite (opus solo Volumes, 2016, sorti sous le sigle MGT) autre guitariste issu du sérail gothique. La production dit beaucoup de choses : Ciravolo a souhaité présenter quelque chose de bien fini, très arrangé. C’est une vraie, belle carte de visite, collection de choses résultant d’un processus à rallonge. Quatorze titres pour quatre-vingt minutes d’une musique issue d’un état mêlant « créativité et frustration ». Une série d’invitations s’y concrétise, principalement au chant. Thwaite avait lui-même procédé de la sorte en 2016.
Les premiers aperçus de Finding Beauty In Chaos ont planté le décor, en particulier ce petit bout de « Man of Faith » impliquant personne d’autre que Wayne Hussey à la voix (The Mission UK) et un certain Simon Gallup à la basse (The Cure) – Simon que l’on retrouvera certainement avec bonheur sur le prochain opus studio d’Evi Vine. Difficile de ne pas comprendre le message dessiné par ce premier affichage. Vous êtes en terrain connu. Ashton Nyte, chanteur de la formation néogothique américaine The Awakening et partenaire de Mark Thwaite sur Volumes (The Awakening, dont sort prochainement un nouvel album) est aussi de la partie. Sa présence se révèle sur « Storm ».
Le résultat global est léché : production patinée (Michael Rozon [Ministry] supervise) et rendu pop, là où nous aurions apprécié un peu plus de stridence. On pense à ce glaçage fait sien par H.I.M., quoiqu’il ait pu aseptiser, au long cours, le rendu de ce rock glam. Finding Beauty In Chaos est assez rond, dans l’ensemble, ce qui n’empêchera pas forcément de trouver attractives les choses de Ciravolo. Chaque chanson contient une intention propre sans que l’ensemble laisse in fine impression de désunion. L’élégance de conception des guitares unifie la collection, même si le projet risque dilution d’identité dans son généreux florilège vocal. Dominé par les voix masculines, Finding Beauty In Chaos trouve aussi sa part de féminité en certaines apparitions – Evi Vine (The Eden House, The Mission) sur le très, très beau « I will follow you » (sept minutes, confondantes), mais aussi les voix de Tish Ciravolo sur « Look up » : un rock aérien, enlevé et acidifié, dont raffoleront les adeptes du grand son de 4AD de la période 80’s (l’introduction fait une référence évidente à My Bloody Valentine et aux vapeurs d’un Slowdive). Des flottements valentiniens se retrouveront sur le morceau mettant en avant la voix de Johnny Indovina, « Beauty lies within »). Pour sa part, la ballade avec Betsy Martin (« Heliotrope ») retiendra une morsure eux effluves délicieux et capiteux.
Passons aux hommes : Wayne Hussey, en forme, apparaît sur deux titres (les libérateurs « The long Goodbye » et « Man of Faith »). Il y a aussi Al Jourgensen de Ministry (actif ! Ministry revient en studio en janvier 2019). Al fait des siennes sur « 20th Century Boy » (un des morceaux les plus directement rock de l’album, sorte d’épice à part dans l’album, un brin dépareillé). D’autres noms, encore : Ug Pinnick & Ice T –sic !– sur « Un-natural Disaster » (mid-tempo sur lequel les saturations s’expriment aussi assez ouvertement).
Ciravolo ne fait pas mystère du bain d’influences. Ce dernier ne se reflète pas que dans les personnalités mises en avant par le tracklisting, il est dans certaines résonances : la période de confection des morceaux de ce premier opus a été marquée, justement, par l’écoute des productions du label anglais culte évoqué ici (références avancées, entre autres : Cocteau Twins, Lush). Les climats de l’album ne pouvaient que s’en ressentir, sans pour autant que la présence 4AD envahisse. Le bilan à tirer de ce premier album est satisfaisant sur le plan de l’esthétique musicale, même s’il manque à l’ensemble un brin de folie. La quantité rend aussi l’expérience un peu longue. Éventail généreux, Finding Beauty In Chaos marque par sa « mentalité artisane : une exigence vis-à-vis du rendu et du relief qui, avant toute autre considération, impose respect.
Lorsque l’on démarre l’écoute du nouvel album des Écossaises de Midas Fall, on ressent une rapide impression de déjà-vu, une fausse piste inscrivant la démarche artistique du duo dans la mouvance électro-dark actuelle ; comme si les musiciennes avaient vendu leur âme au diable de la facilité. Puis: « Levitation », les distorsions s’invitent au sabbat, profondes, intenses, prenantes : la dichotomie de Evaporate est une constante et inexorable progression vers le vide abyssal de la solitude et de l’inspiration qu’elle engendre. Une simple fissure où brûle un feu ardent qui, au contact de la glace, crée ce brouillard dense et mystérieux enveloppant un disque attirant, dangereux presque, mais foncièrement intime et conscient de sa valeur sensorielle.
On se demande souvent, pendant ce périple contemplatif et onirique, comment les compositrices sont parvenues, à elles seules, à maîtriser un tel talent instrumental et artistique. Quand le piano caresse la violence inhérente à la piste éponyme, c’est une toute autre histoire qui nous est contée.
De même, les cordes de « Soveraine » inscrivent la composition dans une forme méta-celtique, conservant avant tout l’humanité d’un genre retrouvant toute sa verve imaginaire. Midas Fall dérive, frôle les montagnes enneigées de l’isolement et les appels à l’aide d’une possible rédemption. « Glue » se développe et progresse dans la complainte indicible d’une souffrance éternelle, avant que « Sword to the Shield » ne tende les fils satinés d’un poème infini. Sur ce quatrième long-format, Midas Fall paraît libre, tout en craignant cette même liberté mais en l’embrassant à bras-le-corps, quoi qu’il puisse arriver (« Awake » et « In Sunny Landscapes », éveils vers un monde inconnu mais valant la peine d’être admiré).
La nouvelle de la participation de Midas Fall prend la suite d’un mouvement gothique essoufflé et rejette ainsi ses visages les plus usés ; Evaporate transporte l’indicible vers la lumière, l’étrangeté vers des sources de plaisirs infinis. D’une beauté froide et hypnotique, cette course vers une vie certes troublée mais constamment fascinante nous hante, nous fait frissonner. Et murmure à nos oreilles pour mieux communiquer.
Publié par rockdecibels 
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