Širom: « The Liquified Throne Of Simplicity »

9 mai 2022

Notre premier contact avec Sirom remonte à 2017 : alors qu’ils étaient présentés comme la prochaine grande chose dans la musique free/avant-folk n’avient pas du tout impressionné par son offre musicale essentiellement axée il semblait, sur un registre où ces multi-instrumentalistes expérimentés n’aviaient pas développé d’idées au-delà de l’idée de jouer autant d’instruments divers que possible. Néanmoins, le trio a reçu des éloges et des critiques globalement positives par sa manière de verser dans l’improvisation et la musique traditionnelle.

Plus de 4 ans ont passé maintenant, et Sirom en est à son quatrième album studio – et les éloges n’ont fait qu’augmenter depuis. N’attendant pas grand-chose, nous avions décidé de leur donner une seconde chance : peut-être avions-je jugé trop vite ? peut-être se sont-ils étoffés depuis, et leur maîtrise des instruments qu’ils jouent en tant qu’artistes naïfs – plutôt que formés dans chaque tradition spécifique – est-elle maintenant suffisante pour que nous soyons capable de groover avec eux, plutôt que de hausser la tête devant leurs tentatives de présenter des impressions sans but de la musique folk comme une sorte de jam cérébral qui sonne délibérément ainsi ?

Dès le premier morceau, on est agréablement surpris. Les instruments ne sont peut-être pas utilisés de manière traditionnelle ou particulièrement impressionnante sur le plan technique, mais ils réussissent parfaitement à créer une atmosphère – celle d’une jam acoustique introspective et onirique. Un fort groove de basse (dans la première jam – les autres jams sont maintenues de manière similaire par différents instruments de fond) aide à maintenir l’ensemble, et les « instruments bizarres » ne sont plus une distraction, mais ajoutent chacun leur timbre spécifique qui donne à l’offre finale multicouche un caractère unique. Le trio semble également s’abstenir de mettre des instruments qu’ils ne maîtrisent manifestement pas en avant ou seuls (ou peut-être que les 4 années supplémentaires de jamming y ont contribué ?), les utilisant plutôt comme bourdons lorsque leur timbre est spécifiquement nécessaire.

Dans l’ensemblenous avons fini par apprécier ledit jam. Bien qu’il n’y ait pas grand-chose de révolutionnaire ici, il s’agit dans l’ensemble d’une improvisation acoustique très bien équilibrée, avec une bonne idée de l’utilisation du timbre et de la texture, qui évoque une ambiance méditative pastorale chaleureuse. Un jam terre-à-terre d’un folk décontracté d’une époque plus simple, qui sait prendre son temps et profiter de la vie.

***1/2


Shane Parish: « Liverpool »

27 avril 2022

L’un des membres du duo de math-rock Ahleuchatistas, Shane Parish, s’est récemment fait une place dans le paysage musical en tant que guitariste free folk où il s’fforce de faire passer des formes musicales plus anciennes, comme le country blues, pour de l’avant-garde. Mais il n’a peut-être jamais remonté aussi loin dans l’histoire de la musique qu’il ne le fait pour Liverpool. Ici, il a rassemblé des reprises de vieux chants de marins datant du début du XIXe siècle.

Il y a eu un certain regain d’intérêt pour les vieux chants de marins ces derniers temps et beaucoup de ceux qui sont contemporains que j’ai entendus sonnent très, eh bien, contemporains. Parish apporte sa propre touche au genre, mais cela n’a rien à voir avec une actualisation. Oui, il y a de la guitare électrique et des accessoires électroniques dans son mélange, mais tout est conçu et réalisé de manière organique. Et c’est en faisant de ces chansons de travail chantées des instrumentaux tout en conservant la résonance des chansons que Parish applique son ingéniosité.

La formule pour y parvenir est en fait très simple : Parish a modelé ses interprétations en se basant uniquement sur la composante vocale de ces chansons, ce qui est de toute façon la façon dont ces shanties étaient initialement interprétées en mer. En transférant uniquement le caractère chanté des shanties dans ses instruments, Parish est capable de garder l’esprit intact tout en transformant complètement le matériel source.

« Liuerpul » enfonce le clou en commençant par une bonne vieille douche de larsen à la guitare électrique, mais elle se sépare rapidement, laissant dans son sillage une section rythmique rock avec une ligne de guitare chatoyante qui retrace la cadence lyrique d’un chant de marins ; c’est une vieille idée habilement recyclée en une nouvelle.

Parish a été ému par la version émouvante d’Anna et Elizabeth de la ballade « Black Eyed Susan », une chanson perdue en mer, alors il l’a reprise lui-même. Il conserve le caractère obsédant de la chanson, et l’illumine même, grâce à une superposition complexe qui inclut des percussions éparses mais efficaces.

Pour « Banks of Newfoundland », Parish utilise une guitare pour donner une impulsion sinistre et l’autre pour « chanter » avec un ton triste, et il y a des cas sur chaque piste où il trouve différentes façons de remanier le son des paroles.

Parish utilise le looping pour le riff irrésistible qu’il a construit pour « Haul Away Joe », augmentant la férocité en ajoutant des effets. Il déploie une stratégie similaire pour « Santy Anno », laissant sa ligne lead solitaire pure sur un fond de distorsion et de pulsation. Le long « Rio Grande » est comme une bande-son pour l’effet calmant d’un voilier naviguant sereinement en haute mer.

Pour tous ceux qui ont eu leur dose de la folie des chants de marins, n’abandonnez pas avant d’avoir eu la chance d’entendre la version évocatrice de Shane Parish sur ces chansons nautiques. Il n’est même pas nécessaire d’aimer les chants de marins pour apprécier Liverpool.

***1/2


Animal Collective: « Time Skiffs »

4 février 2022

Il arrive un moment dans la carrière de nombreux groupes vieillissants où ils commencent à parler de maturité, de sagesse durement acquise et ainsi de suite. Le texte de présentation du dernier album d’Animal Collective, Time Skiffs, fait un geste vers cette convention en décrivant l’album comme les transmissions collectées de quatre personnes qui ont grandi dans leurs relations, dans leur vie de parents et dans leurs soucis d’adultes. Cependant, la copie ajoute que ces transmissions sont rendues avec le sens singulier de l’émerveillement exploratoire d’Animal Collective, comme elles l’ont toujours été ».

C’est tout à fait normal : qui écoute Animal Collective pour trouver la maturité ou la sagesse durement acquise ? Il n’en reste pas moins que Time Skiffs dégage une certaine impression d’automne grâce à l’ambiance douce qui imprègne l’album. Avey Tare, Panda Bear et consorts ne semblent pas ressentir le besoin de bousculer les oreilles de leur public comme ils le faisaient à l’époque de Meriweather Post Pavilion et Centipede Hz. Les tempos des compositions sont plus détendus et la production plus aérée. Les voix donnent parfois l’impression qu’elles pourraient s’envoler dans l’éther à tout moment.

Pour les détracteurs du groupe, tout cela peut sembler être un pas de plus vers le papier peint sonore néo-New-Age qu’ils considèrent comme le destin du groupe. Certes, Time Skiffs n’a rien d’aussi frappant que l’hymne ambient « My Girls » ou le sublime « FloriDada ». Pourtant, les mélodies agréables, les textures bizarres et les grooves doux de l’album font que ses 47 minutes passent assez facilement.

L’album débute sur « Dragon Slayer ». Ce titre évoque des images de boules de feu et de mecs musclés brandissant des épées. Cependant, lorsque la musique est jouée, les auditeurs pensent plutôt à une promenade le long de la côte Pacifique, lors de ces beaux matins où la brume s’installe et recouvre tout. Les claviers bouillonnent et scintillent comme de doux ressorts. Des couches de voix vaporeuses murmurent qu’il faut s’ouvrir pour voir ou être quelque chose ou une autre chose, tandis qu’une batterie régulière fait avancer la chanson.

La deuxième chanson, « Car Keys », s’ouvre sur un son métallique qui tape et gratte. Cela pourrait être le début d’un obscur rituel religieux ou le son d’un banlieusard qui bricole dans son garage. Il est suivi d’une batterie plus régulière et de synthétiseurs tourbillonnants et ondulants. « Comment allons-nous faire maintenant ? » demande une voix sur le refrain, « Comment allons-nous savoir » . À en juger par la quiétude des voix de fond brumeuses, les réponses à ces questions ne sont pas spécialement urgentes.

« Prester John » ancrera ses harmonies éthérées et ses synthétiseurs scintillants dans un rythme discrètement funky. Lorsque les voix du collectif murmurent que le cœur du personnage-titre se brise et qu’il « traite chaque jour comme l’image d’un moment passé », la chanson a la beauté mélancolique des premiers Tennyson (« Marian », « The Lotos-Eaters », etc.).

Des bourdonnements, des bruissements, des claquements et des fragments d’airs égarés constituent un pont vers la composition suivante, « Strung with Everything ». Ici, une batterie dynamique et des synthétiseurs roucoulants se mêlent à des voix brumeuses, qui invitent les auditeurs à abandonner leurs appareils électroniques et la course aux rats pour embrasser la nature. C’est en tout cas ce que semblent dire des paroles comme « Dislike the silicone heads » et « The sun’s no better off lately/ The sun’s no better off now (Le soleil n’est pas mieux loti dernièrement/ Le soleil n’est pas mieux loti maintenant). Les cyniques trouveront peut-être cela trop ringard et hippie à leur goût, mais la chanson a quand même un charme fou.

Vient ensuite « Walker » » un hommage doux et léché au défunt auteur-compositeur-interprète culte Scott Walker. Quels que soient les sentiments que l’on peut avoir à l’égard de l’œuvre de Walker, la mélodie agréable de cette chanson, le drone apaisant et les xylophones cliquetants montrent que l’écoute de ce dernier a certainement fait du bien à Animal Collective. Sur « Cheroke » », le groupe roucoule de manière cryptique à propos de Tom Hanks et de poches pleines de roofies et de dents sur un shuffle jazzy tandis que les synthés tourbillonnent et s’agitent autour d’eux.

Les voix sombres et les claviers ronflants de « Passer-by » sont tirés de leur torpeur par une batterie douce. « We Go Back », lui, accélère le rythme avec des syncopes enjouées jusqu’à l’outro, où le chanteur, couvert de réverbération, se plaint doucement de se sentir seul au coucher du soleil, tandis que les synthés tournent autour de lui.

Le dernier morceau de l’album, « Royal and Desire », offre à l’auditeur un adieu apaisant. Le rythme se balance doucement tandis que les guitares et les claviers évoquent des ciels nocturnes étoilés. On ne sait pas très bien ce que le groupe chante, mais la mélodie est si rêveuse que, comme « Grecian Urn » de Keats, elle porte en elle toute la signification dont vous pourriez avoir besoin.

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