Birwire: « Embers »

26 mars 2022

Dirtwire est un groupe vraiment fascinant parce qu’on ne sait pas vraiment dans quelle direction il va s’engager. Le trio mélange l’Americana classique avec des rythmes électroniques. Parfois, on pourrait danser dessus et d’autres fois, c’est sur le point de devenir un combat de bluegrass bien rustique. Dans ce cas, vous aurez quelque chose de vraiment succulent et de frais. Embers entre largement dans cette dernière catégorie, mais au lieu de se concentrer sur les guitares, l’Americana et les cow-boys, nous sommes plongés dans une bien autre vision du monde.

Chacun des 12 titres de l’album donne l’impression de provenir d’une culture différente, car il met en valeur différents instruments et idées. « Mustang » s’ouvre sur des rythmes lents mais robustes, une épaisse basse synthétique et de nombreux roucoulements vocaux lointains en écho. C’est ce qui se rapproche le plus de Bonobo, mais le reste de l’album s’inscrit émotionnellement dans la lignée des artistes de l’electronica mondiale. « Vega » transforme la guitare en une jam de style Toureg avec des kickdrums enjoués et un arrangement poussiéreux de cuivres et de cordes vitreuses. On a l’impression d’être en Afrique avant que « Papalote » ne nous emmène au Mexique avec une belle flûte, un shaker et des grooves ambiants électroniques. « Izar » nous emmène à nouveau en Afrique avec un rythme qui ressemble à une chanson d’ouvrier qui travaillerait sur une roue. Des cordes symphoniques et une guitare électrique ouverte et glissante peignent une oasis chaude. Un saxophone doux apporte la brise et le coucher de soleil.

Cette vision globale se poursuit tout au long de l’album. « El Sulta » apporte le kalimba, le chant des oiseaux, les grooves profonds de la basse et les guitares inspirées du oud. « Deeper Well » est américain de part en part. Le seul morceau véritablement vocal est accompagné de violons poussiéreux, de twangs country et d’un effet sec et sale sur tous les instruments. C’est une histoire de blues américain qui se démarque et s’inscrit dans les thèmes. Comment toutes les autres nations sont-elles capables d’offrir quelque chose de beau avec leur tristesse alors que l’Amérique a une histoire si triste de part en part ? Il n’y a pas que des dessins de cow-boys à l’aube.  « Green Eyes » est un rodéo géant sur un harmonica comme si une folle scène de poursuite dans un niveau désertique d’un jeu vidéo avait été scénarisée pour un effet comique et dramatique. « Liminal » montre que Dirtwire n’a pas besoin d’électricité pour faire fleurir ses émotions, avec un arrangement acoustique de cordes pincées et arquées d’une grande sensibilité.

Le dernier tiers de l’album emmènera Dirtwire encore plus loin dans d’autres genres. « Asterion » est comme un morceau d’electronica d’Adam Fielding qui croise par moments le post-rock cinématique. Il est tellement épique avec ses énormes boucles de batterie, ses synthés arpégés et ses rugissements de guitare – c’est un montage de science-fiction en attente. « Dawn of Nashira » retournera en Perse pour un curieux et séduisant arrangement de cuivres. On dirait quelque chose que Dead Can Dance aurait pu composer et on retrouve un élément de cette catharsis mondaine tout au long de l’album. « Raindrops » offrira un arrangement de cloche de verre handpan absolument magnifique qui agit comme un morceau de guérison léger et aqueux. « Earthcry » clôt l’album sous la pluie orale abstraite d’une collection de couches vocales. Il gémit et pleure sans mots et parvient à sonner à la fois maternel et douloureux. C’est une façon curieuse de terminer l’album après beaucoup de basses profondes et de morceaux très percussifs, c’est comme si une nouvelle aube avait commencé.

Alors que Dirtwire est connu pour ses prouesses à la guitare, il convient de souligner à quel point les percussions et les cordes y sont bonnes. L’album ne serait pas aussi fort si ces trois éléments ne se rejoignaient pas et ne se laissaient pas respirer. Il y a des moments sur lesquels on peut danser, réfléchir, se détendre et danser dans une grange, et pourtant, l’album se tient étrangement comme une œuvre complète. Embers ressemble à un soupir collectif global. Presque chaque morceau donne l’impression de traverser quelque chose jusqu’à ce que les derniers éléments balaient tout et renouvellent l’expérience. Dirtwire a produit son meilleur travail à ce jour pour ceux qui plongent dans l’electronica globale ou même la folktronica. Une œuvre d’art véritablement surprenante.

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Naaljos Ljom: « Naaljos Ljom »

29 septembre 2021

Parfois, les musiciens expérimentent et tordent le matériel musical au point de le faire sonner tout à fait différemment. Le duo norvégien Naaljos Ljom – le guitariste Anders S. Hana et le joueur de synthétiseur Morten Joh, tous deux connus des groupes bruitistes MoHa ! et Ultralyd, a mis au point un nouveau concept : la musique de danse électronique microtonale norvégienne traditionnelle, ar acid folk. Cet album est le troisième d’une série de projets initiés par Motvind Records, Perspektiv på norsk folkemusikk, visant à offrir une large sélection d’expressions du riche héritage de la musique folklorique norvégienne, qui, espérons-le, inspirera d’autres écoutes et réflexions.

Les transformations que Naaljos Ljom opère sur les tons et les rythmes de la musique folklorique norvégienne sont en grande partie identiques aux originaux et s’inspirent du travail du compositeur et théoricien de la musique norvégien Eivind Groven et de sa façon de construire des instruments à tempérament égal. Mais le résultat sonore est filé dans une atmosphère de science-fiction et de futurisme et accueille de nouveaux auditeurs dans la chaleur de la tradition de la musique folklorique norvégienne.

Hana et Joh ont vissé ensemble six morceaux traditionnels – cinq airs et une chanson. Hana Hana a fait un grand effort pour apprendre à la fois le langeleik, la cithare à bourdon, et la harpe à bouche, et joue de la guitare électrique modifiée avec des micro-frettes. Joh joue les mélodies et les grooves sur ses synthés analogiques vintage, et il cherche aussi à exprimer la magie, c’est-à-dire tout ce qui se trouve entre les beats, les tons et les phrases. Naaljos Ljom accueille le violoniste Hardnger Olav Christer « Laffen » Rossebø et le chanteur Kenneth Lien. L’album a été enregistré à Stavanger en 2021.

La conception fraîche de Naaljos Ljom de la musique folklorique norvégienne offre un voyage dans des vallées et des fjords imaginaires, dont beaucoup ne sont pas ceux typiquement norvégiens. Le morceau d’ouverture « Gorrlaus » et « Uppstaden » invitent l’auditeur dans un paysage de danse exotique, atmosphérique et hallucinogène avec des pulsations hypnotiques jouées par des harpes à bouche. Ces morceaux rappellent de bons souvenirs des lutins colorés des premiers albums de Gong. « Langeleikslått » et « Galne Visten » associent les mélodies nordiques froides aux danses sensuelles et vaporeuses du Moyen-Orient, tandis que le langeleik explore les sonorités en quatuor du qanun. Le violon de Rossebø ancre « Homslien » dans la tradition mais Naaljos Ljom transforme ces sons familiers avec des couches luxuriantes de synthés atmosphériques. La dernière chanson, dramatique, « En venn jeg havde meg en tid », oscille entre un hymne de deuil norvégien et un mystérieux rituel de derviches du Moyen-Orient. À ce titre,Naaljos Ljom révèle la surprenante magie sise dans la tradition toujours vivace de la musique folklorique norvégienne.

***1/2


Dot Allison: « Heart-Shaped Scars »

4 août 2021

Les lecteurs d’un certain âge classeront instantanément Dot Allison aux côtés de Beth Orton comme le premier pourvoyeur de trip-hop folktronica post-club du tournant du siècle, avec ses rythmes crépusculaires et ses échantillons de vinyle craquants, sous des vocaux vaporeux pour apaiser et adoucir l’arrivée du dimanche matin. Vingt ans après son passage dans l’air du temps, et douze ans après son dernier album, Allison revient avec un disque tout aussi crépusculaire et rêveur que ses précédentes sorties, mais cette fois-ci, l’électronique a été remplacée par une guitare acoustique clairsemée, des arrangements de cordes sombres rappelant le travail de Robert Kirby pour Nick Drake, et des contre-mélodies de piano arachnéennes, gothiques et délicates, comme si elles avaient été choisies sur un montant poussiéreux dans le grenier d’une maison abandonnée des North Yorkshire Moors.

La voix d’Allison, familière, respirante et fragile, est toujours là, et l’effet de cette voix sur une instrumentation aussi éthérée est d’évoquer un sentiment de langueur nostalgique mêlé à des moments de mélancolie et d’effroi de conteur sorcier, ce qui en fait un album d’une clarté satisfaisante, sûr de s’étendre dans son propre monde sonore : plusieurs des morceaux débordent sur une sixième minute sans jamais vraiment faire quoi que ce soit, mais l’atmosphère magnifiquement endormie de l’album est telle que rien ne semble surjoué. Il y a des moments de divergence stylistique – un refrain gentiment hymnique (mais heureusement pas grandiloquent) sur le funèbre « Ghost Orchid » se rapproche doucement du territoire de la ballade de Coldplay, les strums de « Constellation » l’orientent vers le pop, et le résolument trip-hop « Love Died In Our Arms », avec sa riche orchestration pleine de propulsion et de groove, ressemble au point culminant d’un tout autre album de Dot Allison – mais dans l’ensemble, le retour d’Allison est gracieusement sobre, intime et intrigant, idéal pour la dérive après les heures de travail, même si les jours de clubbing sont passés.

***1/2


Band Ane: « Anish Musix »

26 janvier 2021

Band Ane est un projet solo de la « Danish electronic wonderergirl » , autrement dit Ane Oestergaard pour ceux qui connaissent la dame derrière la musique. Elle a fait ses débuts en 2006 et Anish Music Too et And Free représentent respectivement les albums deux et trois. …Too a été enregistré dans la cabane en bois d’Oestergaard, seule à la campagne, tandis que …Free est influencé par les « voisins fous » qui lui ont rendu visite et les histoires qu’ils lui ont racontées.

Les styles musicaux peuvent être grossièrement divisés en trois parties : l’une dispense de jolies mélodies électroniques, une autre propose des expérimentations lointaines tandis que le reste concerne la parole. Comme les paroles sont en danois, langue maternelle d’Oestergaard, il est difficile d’apprécier ce qui est réellement dit et cela risque de diminuer les chances de succès en dehors de la Scandinavie. Néanmoins, lorsqu’elle compose des airs aussi heureux qu’ « Alma Krathus » et « Harddisken » ou aussi excentriques que « Soester Rosenmund » et « Skildpaden Dennis » (ce dernier expérimente à la fois la vitesse et la mélodie avec plaisir), il est difficile de ne pas être touché par ce talent singulier.

D’autres variations arrivent via la batterie et la basse (« Braendsel » et « Ild ») et le pastiche de Boards Of Canada (« Cirkel »). Mais à d’autres moments, Oestergaard semble trop absorbée par son propre monde pour se rendre compte que sa musique est trop gênante à écouter (« Broedrene Malmborg » semble très amusant si vous êtes danois, mais ici, il devient rapidement irritant).

Anish Music Too est le point de départ recommandé en raison de sa plus grande accessibilité et de sa cohérence, bien que le morceau qui l’accompagne ne soit pas dépourvu de points forts particuliers (en particulier le folktronica de « Hvis De Ville » et le final magnifiquement chaleureux de « Aladin Oestergaard »). A parts égales charmant, inventif et frustrant, c’est une offre mixte d’un talent dont l’individualisme n’est jamais remis en question.

***1/2


The Green Kingddom: « Springhill »

6 décembre 2020

Même si l’été touche lentement à sa fin, vous pouvez encore en profiter pleinement pendant les jours qui restent. S’allonger sur la prairie dans l’après-midi et compter les nuages, ou prendre un café sur la terrasse. Comme sur Springhill, l’album du même nom de Michael Cottone et son projet musical The Green Kingdom. Springhill est le nom du quartier où vit sa famille et, d’une certaine manière, cet album est une lettre d’amour sonore pour ce coin du monde. Acoustique dans des paysages sonores sphériques dans la zone ambiante.

Depuis de nombreuses années, Michael Cottone s’enrichit de ses arrangements et de ses sphères sonores. Son premier album Meadowview est sorti en 2006. Depuis lors, le compositeur apporte régulièrement ses impressions et ses réflexions sur les partitions. Beaucoup de temps, donc, pour développer et affiner son propre style. Il s’agit d’une combinaison de sons de guitare doux et de sphères sonores électroniques. Avec l’album Harbor from 2016, le compositeur l’a articulé à la perfection, avec des réactions très positives dans le domaine de la musique. Springhill, en revanche, est plus terre à terre, plus pacifique et plus fragile dans sa tonalité acoustique.

De nombreuses métaphores peuvent être utilisées pour mettre la musique en mots, mais l’une d’entre elles est la plus précise : Springhill est comme un papillon un jour d’été. Les arcs électroniques sont construits de manière légère et insouciante, très émotionnels et s’inscrivent dans le cadre du concept. Les timbres dynamiques du synthétiseur racontent la vie de tous les jours, pimentés d’effets de guitare méditatifs. Dans certaines pièces, l’électronique et la guitare forment une structure sonore homogène avec des effets immersifs. En partie très rêveuse, en partie polie avec une humeur nostalgique. L’humeur de base est toujours éveillée et arrangée avec sensibilité, on reçoit une aura positive à l’écoute. Tout l’album développe avec le progrès une expérience cinématographique, dans laquelle Cottone se limite parfois au minimalisme, comme dans le merveilleux morceau « Anam Car», dans lequel une partie marginale de mélancolie résonne.

Avec un total de 10 titres composés avec beaucoup de sensibilité, l’album a beaucoup à offrir. La première partie, « Morning Walk », révèle déjà de nombreuses facettes, que l’auditeur rencontrera dans les paysages sonores. Des mélodies sensibles qui vont jusqu’au fond du cœur. « Mayloops » et « Sky Trails » offrent une lueur de charme rétro et de nostalgie issue du synthétiseur, tandis que « Coastal Breeze » combine magistralement les dimensions du son et du sentiment. La guitare et l’électronique se partagent la scène acoustique avec chaleur et prudence, un sentiment de paix et de sensibilité enveloppant l’auditeur comme une aura. Les dix morceaux sont composés de façon très atmosphérique, l’album fonctionne comme une unité du premier au dernier morceau. Avec ses paysages sonores contemplatifs, Michael Cottone construit un dôme de relaxation et d’équilibre méditatif à l’intérieur de l’âme.

Il n’y a pas grand chose à ajouter, les amateurs d’ambiance de rêve avec une légère composante de bourdon ne peuvent que recommander Le Royaume Vert. Les paysages sonores bien équilibrés offrent beaucoup de place pour les interprétations personnelles. En conclusion, il reste à tirer, exprimer l’atmosphère musicalement n’est pas toujours facile, surtout lorsque vous décrivez vos impressions et expériences dans votre pays d’origine, comme sur Springhill. Mais ce que l’on peut lire sur l’album, c’est l’aspect que le compositeur aime y vivre. La maison est toujours là où se trouve votre cœur. Des petits thèmes qui retracent notre vie quotidienne et en apprécient la beauté. Cela nous entoure, mais peut souvent être facilement négligé – Springhill garde ces moments enregistrés acoustiquement pendant très longtemps.

***1/2


Arms and Sleepers: « Safe Area Earth »

3 février 2020

En parallèle de son projet néoclassique Saigon Would Be Seoul, Mirza Ramic compose depuis près de 13 ans, aux cotés de Max Lewis, sous l’entité Arms and Sleepers. Safe Area Earth est la première partie d’un projet musical basé en partie sur l’enfance et l’adolescence de Ramic et sur ses années de voyage en tant réfugié bosnien.

Musicalement parlant, ça donne des morceaux trip-hop / folktronica aux sonorités éthérées, limite ambient (« Art and Scope) » par endroit, mais avec également des beats assez marqués (« Open The Elements »), rappelant ce qui se faisait de mieux dans le genre au début des années 2000 chez Four Tet, Tunng, Caribou notamment.


Une belle production, lumineuse et assez colorée, aux accents Lounge par endroit (« Don’t Forget ») qui prouve que la laptop music peut encore proposer choses jolies et voluptueuses.

***1/2


F.S. Blumm: « Nice To Have You »

9 août 2019

Figure tutélaire de la scène Folktronica allemande, F.S. Blumm propose un album aux tonalités légères et souriantes avec un disque de chansons pop folk aux influences latinos ou sud américaines.


Accompagnée de la chanteuse Suetszu et de quelques amis musiciens, Frank Schültge Blumm délivre une suite de titres langoureux et bien agréables.

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Tunng: « This is Tunng… Magpie Bites And Other Cuts »

21 juin 2019

Pionniers de la folktronica au début des années 2000, Tunng restent à la tête d’une discographie passionnante comptant six albums et au moins de deux micro-tubes indie, les inoxydables Hustle et Bullets. Un temps en sommeil, Tunng connaîssent un regain d’activité depuis que Mike Lindsay et Sam Genders, ses fondateurs, se sont rabibochés. Après le très réussi Songs You Make At Night sorti l’an dernier, le groupe revient avec une compilation de Faces B, chansons bonus et autres raretés remastérisées avec soin.
This is Tunng… Magpie Bites And Other Cuts, donc. Vingt titres au compteur et un joyeux patchwork qui n’est pas sans rappeler les chansons de Tunng elles-mêmes. Un collage d’apparence foutraque mais en réalité extrêmement minutieux de guitares acoustiques passées au laptop, de boucles électroniques et de samples variés. Le tout enrobé de crépitements électroniques et autres bruits étranges. Le résultat : des ambiances à la fois intimistes, organiques et mystérieuses résolument ancrées dans le 21-me siècle. Mais c’est aussi la fragilité et la délicatesse du songwriting qui rend la musique de Tunng si attachante.


C’est à cette même balade, aux confins du folk et de l’electro, que nous convie encore le groupe avec cet album pêle-mêle. Pourtant, loin de sonner comme une compilation fourre-tout rapidement rassemblée, ce This Is Tunng… Magpie Bites And Other Cuts pourrait tout à fait passer pour un album (relativement) cohérent. Car on est frappé, à l’écoute de ces titres réalisés au cours d’une période s’étalant de 2004 à 2018, par la consistance sonique remarquable dont font preuve Tunng depuis leurs débuts. Les morceaux témoignent d’une vraie vision artistique qui semble étanche aux modes éphémères, tout en sonnant follement actuelle. Autre tour de force : on ne trouve rien à jeter parmi ces vingt raretés. On y repère plutôt plusieurs perles sauvées de l’oubli : « Heatwave », « The Pioneers », « Bodies », « Mapie Bites », T »he Raven Flies », « Weekend [In The Cabin] », « Pool Beneath The Pond »
Au final, ce This Is Tunng… Magpie Bites And Other Cuts est une excellente surprise. L’album dévoile un tableau réjouissant, composé de chansons aux idées foisonnantes, et qui montre toute la profondeur du talent du groupe. La preuve aussi, si besoin en était encore, qu’en matière de Folktronica, Tunng en est un des patrons.

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Meitei: « Komachi »

24 mars 2019

La musique du japonais Meitei se nourrit des traditions de son pays mais aussi de sa modernité, alliant références aux mangas et à l’ambient abstraite, gorgés de poésie et de délicatesse bucolique.

Komachi est un hommage à sa grand-mère, décédée à l’age de 99 ans, porteuse d’histoires à jamais emportées avec elle, dernier lien entre ce qui fut et ce qui reste, jardins auréolés de mélancolie vaporeuse et de matière impalpable.

Meitei s’inscrit dans la grande tradition des créateurs de mondes oniriques, habités de créatures fantastiques, êtres surnaturels surgissant des profondeurs d’une nature mutante aux clairs-obscurs envoutants, où chaque note, chaque rythme est une ombre qui se déplace dans l’esprit de forêts ancestrales.

La beauté sait se faire discrète pour subjuguer nos sens sur la longueur, dévoilant ses multiples facettes à travers le jeu de miroir ensorcelants.

****1/2


Sandro Perri: « Polmo Polpo »

23 décembre 2018

Polmo Polpo c’était un drôle de nom pour un groupe post-rock dans lequel oeuvrait le Canadien Sando Perri , un drôle de nom sous lequel on a découvert Sandro Perri à l’aube des années 2009. In Another Life n’est ni plus ni moins que son quatrième album solo : aventure qu’il poursuit ici sur un registre toujours aussi intimiste.

Stuart Staples, il n’hésite pas à étirer les morceaux, à se laisser embarquer dans des compositions aux allures folktronica ambient dont l’atmosphère rappellera à la fois les musiques de Brian Ferry ou David Sylvian.

Sandro Perri nous offre là quatre ballades amoureuses d’un raffinement absolu où la simplicité et sophistication se conjuguent avec talent. Un petit bijou miraculeux.

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