Pete Morton: « A Golden Thread »

Le nouvel album du chanteur folk, auteur-compositeur, animateur, yogi, « thinktank » de gauche et juke-box humain s’enrichit de huit nouvelles chansons et de deux ballades traditionnelles. Cependant, c’est le défi de l’ouverture avec la chanson titre de Pete Seeger qui montre que Morton est audacieux et qu’il ne se laisse pas aller en douceur à son retour « sur las scène ». C’est peut-être une coïncidence, mais la référence au tissage d’un arc-en-ciel magique est sans doute à souligner à une époque où le service de santé joue un rôle si essentiel dans le maintien des nations au-dessus de l’eau.

Les deux chansons traditionnelles sont de bonne valeur. Ne variant pas trop loin des sentiers (bien) battus, Barbry Allen est aussi familier que la paire de chaussures confortables, un peu abîmées et bien usées, mais faisaient partie de nous. « Farmer’s Boy » clôt l’album avec enthousiasme ; c’est une version entraînante mais majestueuse qui arrive comme selle était entonnée dans une chapelle.

L’humour, la politique et les commentaires sociaux croisent tous le fer ; ils ne sont pas aussi mordants et acerbes que certains de tous les pairs du folk, mais peut-être plus sensibles et perspicaces. La preuve qu’il n’est pas toujours nécessaire de crier ou de se mettre en colère pour mettre le doigt là où il le faut. « The Grenfell Carol » en est un bon exemple : il s’agit d’une tragédie dont les paroles s’unissent pour soutenir la même cause.

Les migrations humaines, le commerce des armes et le changement climatique sont quelques-uns des sujets qui ont attiré l’attention de Morton et sont devenus la cible de ses commentaires. « We Are The Trees By The Side Of The Road » a un swing jazzy – qui rappelle le style de Ranagri – tandis que « Metropolitan Safari » se fraie habilement un chemin parmi une série de monuments de Londres au milieu d’un air enjoué. Ailleurs, le refrain de la chanson « Universal Basic Income » est chanté dans des clubs folkloriques (virtuels) de tout le pays, avec la participation enthousiaste du public.

Avec l’aide d’un groupe comprenant Alice Jones, George Sansome et Matt Quinn, Pete a également joué en duo avec Jude Rees sur une chanson plus ancienne, ce qui lui a permis de faire le point sur Emily Dickinson Revisited (« Good Day », « Mr Nobody »).

Avec près de trente ans de carrière derrière lui, on pourrait à juste titre qualifier Pete Morton de vétéran, mais cela ne remet pas en cause son enthousiasme. Qu’il s’agisse du journal Mojo qui défend son indépendance et sa créativité ou du Glasgow Herald qui tente le destin en classant ses observations ironiques aux côtés de celles du puissant Richard Thompson, il faut rendre hommage à Pete Morton pour son travail sur une oeuvre qui met en évidence sa passion et sa ténacité.

***

Salt House: « Huam »

CLe trio d’Inverness et des îles Shetland, composé de Jenny Sturgeon au chant, à l’harmonium, à l’orgue à pompe, aux guitares, au piano et au dulcimer, Ewan Macpherson au chant, aux guitares acoustiques et électriques et au dulcimer et Lauren MacColl à l’alto, au violon, au chant et au glockenspiel.

La liste des membres du trio ne prépare guère l’auditeur à la beauté du son qu’ils produisent, ni à la qualité poignante des chansons qu’ils écrivent.

Huam (le mot est en gaélique écossais et signifie « l’appel d’un hibou ») est un merveilleux album, contenant un mélange inspiré de compositions du groupe et de morceaux quasi-traditionnels, composés par le groupe et ajoutés aux paroles traditionnelles. 

La sélection éclectique d’instruments se marie à merveille sur chacune des chansons et les voix de Macpherson et de Sturgeon (qui sont toutes deux enchanteresses) sont au premier plan du mélange, comme il convient aux paroles qui incitent à la réflexion. 

On se doit de souligner la qualité des compositions des deux auteur (« The Disquiet » « The Same Land », « All Shall Be Still », « If I Am Lucky » et » Union of Crows »). Ce sont elles qui, font passer l’album de l’excellence à l’excellence plus.

Il n’y a pas de remplissage sur Huam ; tous les morceaux sont mélodiquement assemblés et magnifiquement livrés.  Le matériel publicitaire du groupe met en avant des échos de Pentangle et de Dick Gaughan qui sont détectables dans le son et ces ressemblances sont clairement évidentes, en particulier dans l’étrange « William and Elsie » à la Pentangle, une sublime adaptation de la ballade danoise « Aage And Elsie ». 

Dans « All Shall Be Still », Ewan livre des paroles évocatrices sur le besoin et le désir d’échapper au bruit et à l’agitation quotidiens, le tout sur un fond de guitare cueillie au doigt et de merveilleux violons. Dans « If I Am Lucky », il réfléchit au dilemme d’attendre que la chance intervienne pour résoudre l’adversité imminente – qu’elle soit personnelle ou universelle.  C’est un sujet et une évocation très puissants.

Alors que les chansons de Macpherson ont tendance à tomber dans le genre de l’archétype de l’auteur-compositeur-interprète, celles de Sturgeon ont une saveur plus traditionnelle, en particulier « The Same Land » qui superpose un texte concernant la lente marche vers la libération du conflit sur un air auto-composé qui pourrait provenir des voûtes de James Skinner.

Parmi les morceaux traditionnels adaptés, l’un destitres-phares est probablement « Mountain Of Gold », un morceau qui fait appel à un beau violon de MacColl et à de douces harmonies de os daux vocalistes. Il raconte l’histoire d’un sanctuaire hivernal qui attendt le début du printemps.  C’est une chanson qui apporterait du réconfort lors des plus froides nuits d’hivar et qui évoque des images de rassemblement autour d’un feu de bois avec un verre de vin rouge corsé alors que la neige s’accumule dehors.

Une présentation de Huam ne serait pas ehautive sans reconnaître la maîtrise de la production d’Andy Bell.  Ce dernier est l’un des plus gxrands producteurs-ingénieurs du genre folk et il a excellé sur cet album.  Il a déjà travaillé avec, entre autres, Seasick Steve et Bellowhead et il a mis en œuvre le meilleur de son savoir-faire et de son expérience pour aider à la réalisation de cet album. 

Huam est le deuxièm eopus du groupe et, à l’écoute, il pourrait donner envie de découvrir leur album de 2018, Undersong.

***1/2

Anna Cordell: « Nobody Knows Us »

Il existe tout un sous-genre de musique dédié aux artistes qui finissent par abandonner leur métier par manque de financement, de popularité ou parfois même par désintérêt. Leur musique attend patiemment que les farfouilleurs et les algorithmes de YouTube les aident à refaire surface lentement, apparemment à partir de rien, avant de pouvoir revenir mystifier le public comme une sorte d’héritage perdu à partager. Comme Vashti Bunyan et Linda Perhacs, deux musiciennes indéniablement définies par la reprise de leur carrière, Anna Cordell a également mis sa musique en attente – la seule différence étant qu’elle n’a pas eu à attendre aussi longtemps qu’elles avant de réapparaître.

Beaucoup de choses ont changé depuis les années 1960 et il n’est pas incroyable qu’une femme puisse aujourd’hui concilier cinq enfants avec sa carrière musicale. Anna Cordell en est la preuve. Comme Bunyan et Perhacs avant elle, elle a changé d’orientation au fil des ans, détournant son attention de la guitare à cordes de nylon sur laquelle elle a débuté et de son amour pour la création de vêtements pour se concentrer sur l’éducation de sa famille dans l’intervalle. Aujourd’hui, Cordell est de retour avec un nouvel album qui, selon elle, est en partie soutenu par les vêtements qu’elle vend.

Lla mode (puisqu’elle est également designer de vêtements) qu’elle crée – comme sa musique – emprunte beaucoup au passé, consistant en des costumes flamboyants aux couleurs vives et aux modifications infinies, chacun étant généralement fait sur mesure pour un musicien ou un artiste local. C’est ce mélange du passé et du présent qui a rendu sa ligne de vêtements si populaire et qui pourrait bien s’infiltrer dans son succès discographique. C’est aussi, et surtout, très évident dans les chansons individuelles de Nobody Knows Us.

Le disque s’ouvre avec « After Tomorrow », une ballade au piano douce et sombre. Elle est un peu mal nommée, offrant les jolies mélodies et la sincérité écrasante qui évoquent un certain type d’album d’auteur-compositeur-interprète plaintif. Mais au moment où ce rythme langoureux commence à user son accueil, Cordell propose l’excellent morceau-titre. « Nobody Knows Us » est une ouverture presque totale, offrant un rythme plus cinétique et montrant le groupe complet de Cordell sur un refrain accrocheur et optimiste.

Le reste des morceaux se situe quelque part entre ces deux extrêmes, bien que certaines chansons plus folkloriques conservent des signatures temporelles ou un travail de batterie intéressants comme c’est le cas sur « Tried So Hard » et « Lie Awake ». Les morceaux plus conventionnels comme « Between Too Eternities » et « Wintertime » sont capables de créer des mélodies insaisissables et magnifiques qui contribuent à définir l’esthétique de la chambre. Ce son est vraiment ce qui lie l’album, contribuant à lui donner un style uniforme propre à Cordell qui élève les moments les plus conventionnels au rang de véritables moments forts.

Les pires points de l’album sont rares, mais enfouis dans la liste des morceaux, il y a « You », un morceau malheureusement sans éclat. Bien qu’elle ne perturbe pas l’ambiance de l’album et ne détourne pas l’attention de l’importance des autres chansons, elle ne se démarque pas vraiment comme la chanson la plus mémorable non plus. Il n’y a que quelques moments tout au long du disque qui se concentrent plus sur le fait d’être joli que sur la force de la composition, mais ils sont là.

D’autre part, la meilleure chanson ici, et de loin, arrive vers la toute fin et, franchement, ferait une excellente fin pour l’album. « Turn » atteint la qualité intemporelle que certaines des autres chansons ne font qu’évoquer, et apporte des couplets harmonisés et feutrés qui aspirent l’auditeur alors que la chanson se déplace et tourne sur elle-même, avant de révéler un refrain d’une beauté inéluctable qui vient comme le point déterminant de l’album. Des moments comme celui-ci contribuent à évoquer l’apathie d’Anna Cordell qu’elle tente de présenter comme telle.

Nobody Knows Us n’est pas un album incroyablement varié ou singulier ; il est assez simple dans son style et sa présentation et a tendance à tirer ses ficelles plus souvent qu’autrement. Mais il atteint les objectifs qu’il s’est fixés, offrant un album d’une beauté discrète qui représente plus qu’un simple projet de vanité pour Cordell. Elle est présentée comme une artiste qui a une raison de rester dans le coin, quelqu’un qui a mis sa carrière en veilleuse et qui a maintenant assez de talent pour se remettre en selle sans problème. Bien que Cordell se soit consacrée à une myriade de projets au cours des dernières années, il est clair que Nobody Knows Us ne devra pas s’effacer avant d’être redécouvert comme un joyau caché.

****

Thirty Pounds of Bone & Philip Reeder: « Still Every Year They Went »

Enregistré sur un chalutier de pêche, avec tous les bruits de la mer qui les accompagnent, Thirty Pounds of Bone & Philip Reeder évoquent le passage de tout un mode de vie sur Still Every Year They Went, un album de chansons folkloriques sur la mer, arrangées de façon très sobre : bicoques, lamentations, et tutti quanti. Mais çette imagerie n’en est que la façade.

En 2015, deux musiciens et conférenciers, Johny Lamb (qui enregistre sous le nom de Thirty Pounds of Bone) et Philip Reeder ont fait un voyage à partir de Falmouth sur un chalutier appelé le Girl Mary. Ils ont apporté avec eux des instruments et du matériel d’enregistrement, déterminés à mener une expérience apparemment absurde en jouant de la musique folklorique à bord d’un bateau de travail. Ce que le capitaine et son second en pensaient n’est pas révélé, mais à en juger par les chansons terminées, ils étaient probablement trop occupés pour s’inquiéter. Les chansons sont interprétées avec un accompagnement de toutes sortes de bruits ambiants, ceux d’un bateau de pêche engagé dans une dure journée de travail. Il s’agit d’un test en direct pour savoir si des compositions traditionnelles ont encore un rapport avec la vie réelle, et si elles sont, selon les mots des musiciens, une « entreprise intrinsèquement risible ».

L’approche quelque peu bizarre du duo se révèle rapidement vivante, obsédante et captivante. Les chansons sont interprétées par Lamb, qui utilise des arrangements simples, la plupart du temps avec une guitare basse, choisie avec les doigts, accompagnant sa voix aiguë et triste. Tout le reste est assuré par les microphones soigneusement placés par Reeder. Les sons de l’océan et des mouettes se font entendre partout, mais il y a aussi moins de bruits attendus : le grincement de la coque, un hélicoptère (appartenant apparemment aux garde-côtes), quelque chose qui pourrait être un treuil mécanique. Ces grincements, grognements et gémissements donnent l’impression que le bateau et l’album sont bien vivants. Des chansons comme « Shoals of Herring » sont approfondies par le grincement et le crissement de la superstructure du chalutier et « My Bonny Lad », une chanson sinistre sur un amant noyé, répondra à merveille à la couche de mystère ajoutée par les échos des profondeurs astucieusement enregistrés.

 

Mais cet album est aussi un disque de deuil, et Lamb et Reeder présentent ces huit titres comme des poèmes lyriques à un mode de vie mort ou mourant. Alors que les chalutiers naviguent toujours depuis les ports de Cornouailles, le mode de vie qui a inspiré ces chansons a fondamentalement changé. Les huit chansons de l’album sont des choix sombres, même pour les standards folk, avec des morceaux comme « The Whaleman’s Lament » qui ne laissent que peu de place à la joie. Les arrangements de Lamb sont à la fois sinistres et magnifiques. La jubilation des chansons à boire de la tradition des baraques est dépouillée, laissant ces airs tels qu’ils sont : les documents sociaux d’une vie dure, ingrate et mortelle. Le bourdon qui emplit « The Halfway Song »» avec sa voix puissante et effrayante, semble ainsi évoquer une époque et les gens qui l’ont façonnée.

Still Every Year They Went est un disque saisissant,et le son que le duo a créé est à la fois inhabituel et fascinant. C’est un enregistrement qui reconsidère et développe la longue tradition des chants folkloriques sur la mer en rendant étranges des chansons familières, processus essentiel à toute musique.

****

 

Lucas Lauren: « I Know Where Silence Lives »

Lucas Lauren est un artiste folk australien qui s’est insatlla à Barlin. Cs sont pourtant biendes récits champêtres qui sont ici délivrés sur I Know Where Silence Lives son premier album. Le disque est simple et dépouilé avec une voix et une guitare qui constituent son épine dorsale.

Peu d’autres choses viennent nous détourner de la pureté de cette expression hormis quelques cuivres, bois , percussions, instruments à vent, tous enregistrés dans des conditions organiques venant nous rappeler que Lucas est également trompettiste et pianiste.

Enregistré en Enregistré en Nouvelle Zélande, ce disque assez court appelle au recueillement et apaise immédiatement tous les maux de ses auditeurs, les entourant de bienveillance et de douceur nonobstant les thèmes parfois plus sombres développés dans des chansons, qu’il a voulues mélancoliques mais pleines d’espoir.

***

Anna Tivel: « The Question »

The Question, et très certainement une pièce maîtresse dans l’œuvre d’Anna Tivel. Quelque chose dans cet album grave et ouvragé, où les ténèbres rivalisent souvent avec la lumière, touche à l’essence même de la musique — exprimer l’individu, explorer ses territoires, ses désirs, sa résilience. À la manière d’une romancière, Anna Tivel place les lieux en quelques mots, enfile des costumes et observe. Les dédales où elle nous emmène sont si prenants qu’on en oublie tout — de la douce chanson-titre à la poignante « Two Strangers », la plus longue de l’album, les 41 minutes disparaissent en fumée.

Mais il n’y a pas que les histoires pour lui faire honneur : musicalement, Anna Tivel réussit un rare équilibre de délicatesse et d’intensité, donnant à chaque instrument (guitares, cordes, clarinette, piano, percussions) une personnalité, un rythme et un espace parfaitement justes. En un mot, disons-la virtuose.

****

Samantha Whates: « Waiting Rooms »

La particularité de cet album est d’avoir été entièrement composé et enregistré dans des salles d’attente de train, de bus, d’hôpitaux ou de maison de retraite, et même dans un couloir de prison ; dans des lieux en fonctionnement ou pour certains abandonnées.

Un album où il sera question évidemment du temps qui passe et du temps perdu à attendre dans ces espaces de transition. Cöté musique, on découvrira un album folk assez traditionnel qui pourra évoquer Joni Mitchell, Alela Diane ou Mariee Sioux… avec le duo voix-guitare autour duquel viennent se poser des notes de violoncelle, clarinette, contrebasse, harmonica, luth, percussions, piano, shruti, alto et quelques bruit ambiant comme celui du train sur « Guilty ».

En tout, ce sont 17 musiciens qui sont intervenus sur cet album plutôt léger et entraînant avec pour chaque titre, des arrangements différents, des sonorités différentes, adaptés aux conditions d’enregistrement, en fonction de l’architecture des lieux et des espaces choisis. Le concept était original et osé, et résultat est totalement convaincant !

***1/2

Tenci: « My Heart Is an Open Field »

My Heart Is an Open Field, voilà un excellent titre pour ce premier album aux allures de doux champ de bataille. Tenci, nom de scène de la compositrice américaine Jess Shoman et de son petit cercle de musiciens de chambre, est indéniablement une voix à part. Une voix, parlons-en : Jess, qui passe déjà très aisément d’un timbre caverneux à un quasi-falsetto, est surtout capable d’un vibrato extraordinaire, à vous faire friser la peau sur les bras ; on croirait que son corps entier ondule sous l’effet de sa propre voix (magnifique « Joy 2 »). 
Si c’est certainement là le cœur de ces neuf compositions un peu décousues, qui font l’effet d’une petite fanfare avec leur assemblage biscornu de guitares, de piano, de xylophone, de percussions et de synthétiseurs, My Heart Is an Open Field ne serait rien sans ses motifs brouillons ( « Serpent »), ses textures élaborées (« Blue Spring ») et ses exercices décalés («Forgot my Horse’s Name»). Sommes-nous dans un salon particulier ou dans un champ à regarder les étoiles ? Tenci incarne cette belle ambiguïté.
***1/2

Bonnie « Prince » Billy: « When We Are Inhuman »

Bonnie « Prince » Billy est, ici, associé à Bryce Dessner (The National) et à l’ensemble contemporain Eighth Blackbird pour un disque de reprises folk pour le moins étonnant. En attendant le véritable nouvel album du chanteur, occasion nous est donnée de patienter avec cet album paru sur le label de Justin Vernon qui regroupe des chansons issues du répertoire de folk traditionnel américain mais aussi des titres de Bonnie « Prince » Billy réarrangés par le collectif Eighth Blackbird.

Le résultat est assez surprenant évidemment, mais pas plus déstabilisant que ça. C’est globalement réussi avec ce style plutôt rustique d’un Will Oldham que l’on ne s’attendait pas à voir aussi bien fusionner avec les musiques contemporaines de Eighth Blackbird.
Il faut dire que l’ensemble musical américain a su très bien adapter ses orchestrations aux chansons country folk, avec des choses à la fois légères, bucoliques, minimalistes mais toujours d’une grande richesse musicale. Un beau projet pour un résultat abouti.

***1/2

The Maes: « The Maes »

Maggie et Elsie Rigby connaissent bien le folk : elles sont carrément nées dans ses jupes. Ce premier album des deux soeurs australiennes en tant que The Maes, un duo forcé par le départ du troisième membre de leur groupe The Mae Trio l’an dernier, est celui d’une liberté inattendue ; un calme nouveau apparaît en effet dans les mélodies, une solidité. Enregistré spontanément pendant une tournée en duo entre le Canada, l’Écosse, l’Irlande et leur ville natale de Melbourne, ce joli exercice de folk minimaliste — parfois plus étoffé, comme sur la belle « Head Over Heels » — entremêle avec adresse violon, mandoline, guitare, violoncelle et banjo.

Qu’elles soient en harmonie ou non, les voix des Rigby — l’une plus mature, l’autre plus perchée — maîtrisent l’art de la nuance, de l’amplitude et du trémolo, surtout sur la lente « February Bride ». Si The Maes ne révolutionne pas le grand bassin du folk, l’entrain et l’expressivité du duo sont, en revanche, de très beaux atouts dans sa manche.

***