Elvis Perkins: « Creation Myths »

2 octobre 2020

Qu’y avait-il réellement avant le premier album ? En fait, Elvis Perkins a écrit quelques chansons avant son opus initialAsh Wednesday, mais elles ont survécu au mieux sous forme de démos ou de performances en micro ouvert. Après un travail sur la bande-son en 2017 (The Blackcoat’s Daughter, un film de son frère aîné Oz), une fenêtre s’est ouverte avant de revenir à l’écriture de chansons. Perkins a fouillé dans les archives, a déterré neuf trésors et les a réenregistrés. Creation Myths revient sur les débuts, tourné avec un regard moderne.

Dans nombre de ces épisodes, l’auteur-compositeur-interprète de folklore est au début de la vingtaine, assez inexpérimenté en matière de romantisme, comme il le dit lui-même, et pourtant il chante l’amour sous diverses formes. L’un de ces points forts est le « closer » « Anonymous », un traitement tout à fait métaphorique de ce thème avec un arrangement venu de l’étranger, dans des lieux qui rappellent Nick Cave. Dans « Mrs. & Mr. E », en revanche, il cherche un lien, qu’il soit romantique ou spirituel. Le mélange classique entre folk et Americana est très bien perçu, tout comme l’interprétation pleine d’âme et l’épanouissement tardif de l’arrangement.

Presque chaque morceau prend une certaine vie qui lui est propre car il est joué au fil du temps. Il y a l’ouverture « Sing Sing », un morceau de musique transfiguré avec un jeu mystique. Perkins se tourne vers l’avenir, vers les générations futures qui, au moment de cet enregistrement, sont probablement lointaines. Ont-ils été capables de réaliser des objectifs et des espoirs ambitieux ? D’autre part, « Iri » » est relativement directe et sobre, une pièce folklorique délavée et pourtant assez directe. L’agréable ambiguïté de « See Monkey » – aussi dansant que réfléchi et fataliste – joue tout aussi loin devant.

Le regard d’Elvis Perkins sur l’avenir est amusant, car il révèle ses racines musicales et les transpose dans des domaines contemporains pour sa carrière. Creation Myths se précipitent sur les débuts – en partie transfigurés, en partie implacablement honnêtes, toujours divertissants. Les archives ouvertes à tous offrent un aperçu fascinant et stimulant du grand passé et, en même temps, de très bonnes chansons pour aujourd’hui et après-demain.

***1/2


Shirley Collins : « Heart’s Ease »

31 juillet 2020

Charmante Shirley Collins, avec sa voix calme et douce ; nulle ne voudrait être une aspirante chanteuse de folk – pas dans son ombre. C’est une doyenne qui inspire une certaine forme de dévotion fanatique de la part de ses fans. Elle domine le genre depuis près de 60 ans, et peut magnifiquement dédaigner les intrus. Elle a déjà dit que la vraie musique folk doit être de la classe ouvrière, et qu’elle « doit avoir subi le processus de transmission de bouche à oreille… Pas seulement à propos de la beauté de la terre et de l’air, mais aussi à propos de trucs semi-hippies… Si fragile ! » (it’s got to have undergone the process of being handed down by word of mouth…. [not] all about how lovely the earth and the air is, semi-hippy stuff…. So flimsy!) Elle est très sévère sur ces deux sujets dans les interviews et on peut frémir en pensant à ce qu’elle pourrait dire de la petite aristocrate Laura Marling, avec sa voix traînante pseudo-américaine. Collins parle de M*mford & Sons comme de « Wotsit and Sons ».

On a tant écrit sur la vie de Collins, et il est inutile de propose une hagiographie maladroite. Mais tout de même. La femme a eu une vie fascinante : une socialiste ardente qui est allée en Amérique pour enregistrer les chansons du Sud profond, et qui est revenue à Blighty pour être le fer de lance du renouveau folk des années 60. Une mère itinérante dont la séparation torturée avec son premier mari – sa maîtresse se baladait en portant ostensiblement ses pulls – lui a fait perdre sa voix. Elle est tombée dans l’obscurité. Elle n’a pas chanté pendant 38 ans. Cette géante du folklore travaillait dans la librairie de la British Library. Il y a un passage désespérément triste dans The Ballad of Shirley Collins, où Collins, octogénaire et charmante, joue du violon avec des sachets de thé dans sa cuisine et soupire : « Il y a de grands chanteurs dans le coin maintenant, et j’aimerais être l’un d’eux, mais je ne le suis pas. » (here are some great singers round now, and I wish I was one of them but I’m not.) Elle a depuis décrit son come back album en 2016, Lodestar, comme « plutôt timide » et on ne ouvait qu’espérerque son nouvel album, Heart’s Ease, implique la cofiance que son titre suggère.

Heart’s Ease est un opus riche en laitières, en nostalgie, en ronces jaillissant des tombes et en amants qui pleurent abondamment, des pleurs assurés par un album qui est assuré, contemplatif, et parfois un peu triste.

Les critiques louent la pureté de l’engagement de Collins envers la musique folk – qu’elle honore la qualité intrinsèquement politique de la musique folk en préservant le bouche à oreille des histoires de la vie des gens ordinaires. La grossesse, la mort, le travail de qui humilie – tout cela apparaît dans l’album. Elle est décrite comme une héraut d’un autre temps, comme si elle était un héraut d’un marais humide sous le règne de Robert le Magnifique, ce qui n’est vraiment pas juste, dans la msure où c’est un peu réducteur. L’album comporte une poignée de morceaux non traditionnels, chacun surprenant à sa manière. « Sweet Greens and Blues », par exemple, a été écrit par son ex-mari et est – de façon charmante – consacré à ses enfants. Au début, il est déconcertant d’entendre ses références à un appartement en sous-sol après son interprétation de, disons, « Barbara Allen », une chanson folklorique écossaise mentionnée pour la première fois dans le journal du vieux débauché Samuel Pepys en 1666

Collins revient ici sur de nombreuses chansons déjà sorties, et nous les trouvons transformées par les changements de sa voix. Le vieillissement et la dysphonie ont approfondi et grossi sa voix, lui conférant une chaleur croquante. Dans ses premières œuvres, elle était une soprano pure et planante, aussi propre et sans sexe qu’un castrat. « Oh Sally, ma chère, j’aimerais pouvoir te coucher » (Oh Sally, my dear, I wish I could bed you) – livrée sans un signe de tête ni un clin d’œil. Sa voix a maintenant une qualité chaleureuse et timbrée, et quand elle se brise dans « Tell me True » (« comment puis-je vivre maintenant que mon William est parti »), la chanson est remplie de tristesse. Son interprétation de « Barbara Allen » sur Heart’s Ease est radicalement différente de celle de ses précédents albums : moins résignée, moins tragique, même si c’est toujours un paean à l’amour condamné. Sa voix ressemble plus à un instrument qu’à un vaisseau.

Mais il y a aussi beaucoup degrivoiseris sur l’album. « Rolling in the Dew » est le récit d’un gentil monsieur à la poursuite d’un fermier aux joues roses. « Rolling in the Dew » renjustices aux gens de peu ! Encore une fois, il est un peu fou de penser simplement à son âge. » Rolling in the Dew » remonte à des ballades des années 1600, et l’interprétation de Collins, avec son violon et ses percussions, est amusante et vivante malgré ces gens qui tournent en rond pour jouer du violon depuis des centaines d’années, et à qui Collins a joué un rôle important dans l’intérêt continu que l’on peut avoir pour ce genre de musique.

Ainsi, elle est un maître du traditionalisme, mais « Locked in Ice » – l’une de ses nouvelles chansons – est sans doute la meilleurecomposition de l’album. D’une mélancolie maladive, et parfaite pour son chant nouvellement altéré, elle raconte l’histoire d’une femme à la dérive sur une mer glaciale : « c’était en l’an 69, j’ai été aperçue pour la dernière fois…. Enfermée dans la glace de cent ans….Condamnée à voyager sans fin, dérivant au gré du courant ». (it was in the year of 69, I was sighted for the final tim) Il s’agit sans doute de la douleur de son interruption qur la musique, mais son style et sa façon de s’exprimer font que vous pourriez fermer les yeux et penser qu’il s’agit de la grande gelé quand lla Tamise a gelé en 1608-09. Elle mélange l’ancien et le nouveau de manière harmonieuse et reprend ce refrain sur le dernier morceau de l’album, « Crowlink », qui s’éloigne soudainement des conventions folkloriques. Son chant dérive sur un mélange de vielle à roue et de fracas de vagues et d’oiseaux marins. « J’étais enfermée dans la glace, un demi siècle » (I was locked in ice, half a hundred years). C’est un sentiment de hantise, d’inattendu. Elle a le pouvoir de surprendre et de ravir dans cet album qui montre une maîtrise de la tradition mais dont ses meilleurs moments sont les nouvelles chansons.

****

 

 


Joe Chester: « Jupiter’s Wife »

31 juillet 2020

Joe Chester est dans le tristes remous. Pris dans le naufrage d’un mariage raté, son sixième album capture les impasses, les regards vides et les lourds silences qui traînent les jours et bloquent toute lueur d’espoir. Dans des chansons écrites à une époque où le divorce n’était pas une option viable, l’auteur-compositeur-interprète et producteur irlandais – et ancien guitariste des Waterboys, de Sinéad O’Connor et de Gemma Hayes – apaise la tension entre deux personnes autrefois follement amoureuses et, dans cet espace émotionnellement confiné, il brosse un tableau plus vaste du besoin par rapport au désir.

Cette poussée et cette attraction sont immédiatement évidentes dans le livre qui s’explique d’elle-même, « Stay Together for the Children », où Chester se compare à un évangéliste dans le colisée qui doit choisir entre l’amour et la liberté (« n evangelist in the colosseum who has to choose between love and freedom »). Alors qu’il perd pied dans ce mariage, il constate que sa propre spiritualité s’amenuise. Il perd tout sens de lui-même et, sur le plan plutôt larmoyant de « My Shipwrecked Mind », se demande s’il peut encore faire confiance à ses sentiments. Alors que l’amour s’estompe, sa foi dans le monde s’estompe également, ce qui rend l’écoute plutôt sinistre.

Des morceaux instrumentaux tels que « Is Cuimhin Liom » (« I remember ») et le triste « Synge’s Chair », aux violons, donnent beaucoup d’importance au désespoir de cette période sinueuse. Combinant des cordes traditionnelles avec des guitares contemporaines, ces arrangements remplissent l’air quand il n’y a plus rien à dire, et ajoutent à l’exaspération de cette période tortueuse. Si cet album était une feuille de couleur, ce serait un blues dévastateur, des blancs écrasants et des gris étouffants.

Enregistré entre le Sun Studio de Memphis et le home studio de Chester dans le sud de la France, Jupiter’s Wife comporte des contributions de Julie Bienvenu de A Lazarus Soul et des membres des Waterboys. Projet collaboratif mais profondément personnel, ce disque est chargé d’émotion, mais les moments les plus marquants – à savoir le Coeur de Saint Laurence O’Toole – arrivent lorsque les musiciens se perdent dans leur environnement.

Bien qu’il remarque qu’il voit encore le bonheur dans les yeux de son amant à la neuvaine, il raye tout rallumage d’amour avec des paroles évocatrices comme « Je suis la canicule qui brûle le bouquet, je suis le sang du défilé » (I am the heatwave burning the bouquet, I am the blood on the parade ). Cette union n’est pas seulement terminée, elle est anéantie. 

La femme de Jupiter était Junon, la déesse romaine du mariage et de l’accouchement – et, comme Chester chante « l’amour pardonne tout au début et ne pardonne rien à la fin » ( love forgives everything at the beginning and forgives nothing at the end) sur le long « Nothing at the End », il montre clairement sur cet album douloureux que même les dieux ne peuvent pas sauver ce qui est irrémédiablement perdu.

***1/2


Lara Taubman: « Revelation »

12 juillet 2020

Lara Taubman fait ressortir un beau mélange d’américana, de folk et d’honnêteté émotionnelle dans ce fascinant et courageux Revelation. Décrite comme une musicienne « folk Americana hors-la-loi », Lara Taubman peut avoir une base dans ces genres, mais la vraie puissance de sa musique vient de l’honnêteté émotionnelle qui l’habite. Après avoir été appelée à se produire et à enregistrer de la musique il y a seulement cinq ans, ce nouvel album montre une maturité dans l’écriture des chansons qui est bien plus grande qu’elle ne devrait l’être, capable de raconter ses histoires avec une confiance et une passion parfois hypnotisantes.

En commençant par « Sound of Heartbreak », nous sommes tout de suite plongés dans ce son chaud et américana, contre des guitares coulissantes, un violon acoustique et mélodique bien réglé. La voix de Lara enveloppe cette familiarité réconfortante d’un sens nouveau de l’objectif, tout à fait capable de créer des sections de mots plus doux, presque parlés, ou de tenir des notes pour représenter la densité émotionnelle. Avec plus d’un soupçon de Joni Mitchell à la fois vocalement et lyriquement, elle prend le morceau par la peau du cou et le fait sien, racontant une histoire d’insécurité chargée d’émotions : « Elle savait qu’il l’aimait, qu’il était fier de lui, mais il a couru dans toute la ville, m’a fait me sentir rabaissée » (She knew that he loved her, she knew he was proud but he ran all over town, made me feel put down ). Suivi du titre « Desert Boy », le début brillant et animé est contrasté par une ballade sensuelle et lente qui fait ressortir une beauté aux nuances country au chant mené par un piano doux et une batterie décontractée.

Au fil de l’album, on voit l’artiste s’ouvrir encore plus à sa douleur et à son traumatisme émotionnel, laissant son son authentique transparaître parmi des paroles honnêtes et des mélodies fortes. « Heartbreak Garden » n’aurait pas l’impression de ne pas être à sa place dans un groupe de rock classique des années 70 comme Humble Pie ou sur une setlist de Janis Joplin, tandis que « Cold Side of Spring » fait revivre la beauté ludique du violon de tout à l’heure dans le disque et l’enveloppe autour d’une atmosphère doucement constructive. Le morceau s’anime et marque un timbre d’americana véritablement soyeux et lisse qui fait sourire.

Alors que nous arrivons aux derniers morceaux, il semble que la chanteuse veuille expérimenter un peu plus pour relier les deux parties du disque. « Snakes in the Snow », avec Kate Fenner, a une nature envoûtante avec des chants folkloriques obsédants sur une ligne de basse ambulante. Tout cela est combiné à des influences de musique du monde qui sont progressivement intégrées et exploitées. Le disque se termine ensuite par « Revelation », qui s’appuie sur le son folk, mais cette fois-ci en se contentant d’une guitare acoustique et de paroles qui dépeignent une acceptation émotionnelle, en voyant Lara dans un meilleur état qu’au début du disque. 

Pour quelqu’un qui ne fait partie de l’industrie musicale que depuis peu, Lara Taubman possède une intelligence et une attention à la structure et à la mélodie que certains ont travaillé toute leur carrière pour obtenir. La révélation parvient à créer un son global qui peut être facilement modifié de manière subtile, l’artiste n’ayant pas peur de faire preuve d’ingéniosité pour épaissir le disque et entraîner l’auditeur dans d’autres directions. Un disque solide et confiant qui a non seulement aidé à guérir le chanteur mais aussi à faire découvrir au monde un talent particulier.

***1/2


Mare Berger: « The Moon is Always Full »

22 juin 2020

The Moon is Always Full de Mare Berger est une combinaison de folk mélodique et de chamber-pop, issue de l’esprit d’un musicien qui pratique cet art depuis trois ans. Berger a commencé à jouer du piano dès son plus jeune âge, ce qui lui a permis d’obtenir des résultats musicaux plus importants. Après avoir étudié le piano de jazz, ils ont fait leurs premières armes dans de nombreuses salles de concert et ont joué de divers instruments dans des pièces de théâtre et des spectacles musicaux. Berger est également un défenseur actif des LGBTQ+, ayant fondé The Moon Choir, qui est une chorale composée de personnes queer et trans plus des alliés, et aussi organise une série de performances, « The Moon Show », qui promeut les artistes queer, trans et autres mouvances sous-représentées.

Parmi ces succès, Mare Berger a étudié de multiples genres de musique, ce qui revient à trouver un créneau dans l’écriture de ce qu’il nomme « chansons de justice rêveuses et pleines d’espoir ». Les notes de début de The Moon is Always Full introduisent l’auditeur dans une cacophonie d’instruments – cordes pincées et carillons discordants mais joviaux, et les tonalités ressemblent au sifflement du vent dans le titre d’introduction de l’album, « Even When We Forget ». Un piano coupe le bruit avec une enveloppe chaude avant que Berger ne commence à chanter « We are the ocean / We are a drop / We are a mountain / we are a rock » (Nous sommes l’océan / Nous sommes une goutte d’eau / Nous sommes une montagne / Nous sommes un rocher). Ils professent ces déclarations avec certitude, exprimant une parenté avec la terre et comment, parfois, nous oublions peut-être notre grandeur et notre influence.

Le reste des morceaux chante avec autant d’espoir et se noie dans la sincérité. Ils rappellent qu’on nous raconte un conte populaire avant de nous coucher, alors que Berger submerge les auditeurs de récits sur l’estime de soi et l’existence à travers des fables sur la lune, le soleil, les arbres et les étoiles. Même en passant du chant à la parole dans certains morceaux, les voix de Berger – à la manière de Julie Andrews façon Sound of Music – sont mélodieuses et accueillantes. J’ai l’impression que la seule bonne façon d’écouter cet album serait de s’asseoir au sommet d’une colline baignée de soleil pendant que Berger me rappelle acoustiquement ma signification existentielle.

À mi-chemin de l’album, le morceau « Stardust » nous offre des berceuses et des croassements de moments où nous devrions « respirer la lumière dans notre poitrine  (inhale the light in our chest)». L’accompagnement au piano est particulièrement envoûtant dans ce morceau, suivant rapidement et régulièrement les voix soyeuses de Berger. C’est un morceau-phare de l’album, plus naïvement curieux, comme si jon écoutait des pensées venant directement d’un enfant. Dans Throughout The Moon is Always Full, Berger semble également se concentrer sur les principes de l’amour, de la vie, de la perte, de l’interconnexion et de l’amélioration. Le morceau de clôture « You are Within » met en scène une voix d’invité qui, combinée à celle de Berger, devient hypnotique. Les instruments à cordes jaillissent et se connectent de manière fluide alors que les chanteurs chantent « You are within my soul / I am within your soul » .

Dans un climat aussi déchirant et déroutant que celui dans lequel nous nous trouvons actuellement, l’album de Berger se sent vital. Il est difficile d’expliquer cet album d’une manière qui ne rabaisse pas le son qu’il crée. On ne peut pas comparer continuellement le fait de chanter paisiblement pour dormir alors qu’une rivière s’agite à votre gauche et qu’une rafale d’animaux de la forêt gazouille à votre droite, mais, en revanche, on ne peut pas demander beaucoup plus à un album que de vous apporter une sorte de chaleur et de réalisation de soi.

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Dean Cercone : « Cardinals And A Grey Cat »

7 juin 2020

Au cours des dernières semaines, les médias et les communautés scientifiques ont vanté une sorte de reprise du monde naturel en raison de la mise en quarantaine des personnes – les eaux des canaux de Venise sont redevenues claires, les glaciers ont montré des taux de fonte plus lents, les émissions de carbone ont été réduites, etc. Un tel « retour »à la beauté plus naturelle de la planète se reflète dans la musique introspective préparée à la guitare de l’artiste Dean Cercone, basé à Brooklyn, sur son nouvel album, Cardinals And A Grey Cat, sorti durant la quarantaine. Dès la première minute, la voix humble et singulière de l’album insuffle simultanément une solitude que nous ressentons tous actuellement, une nostalgie de la normalité de notre passé pas si lointain, et un sentiment d’espoir, un sentiment d’émerveillement, auquel nous nous accrochons tous actuellement.

Sur ces morceaux, Cercone s’interroge sur le monde et sur la place qu’il y occupe, en se calmant et en apaisant l’auditeur avec ses mains et son instrument et en leur donnant quelque chose à faire. Les cordes tintent et trébuchent et bricolent sur la chanson titre, comme les entrailles d’une horloge inconnaissable d’un univers non linéaire. Le cosmos tout entier aurait aussi bien pu prendre les corps des animaux du titre de l’album, comme le note Cercone qui note qu’ils sont apparus, et sont restés, pendant toute la durée de son enregistrement. Les battements d’ailes de sa cueillette sur « Internet Blues » et « March Of 2020 » incarnent presque le battement d’ailes sur leur perchoir, et la curiosité tranquille de l’ami à fourrure. Il s’aventure dans des zones de désaccord, très rarement, comme pour créer ses propres discordes, puis triomphe en rentrant dans la résonance plus qu’agréable ; comme pour nous rappeler que nous allons nous en sortir.

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Rob Noyes & Sam Moss: « Rob Noyes & Sam Moss »

27 mai 2020

Comme toujours, Scissor Tail Records reste un excellent label pourvoyeur de musique folk et acoustique. Ces dernières années, il a discrètement servi des classiques de Rosali, Scott Hirsch, Sarah Louise et de Dylan Aycock, sorties qui ne montrent aucun signe de baisse de qualité. Outre Aycock et Joshua Massad et une sortie en solo du guitariste danois Anders Holst, le triptrustique et spirituel de Rob Noyes et Sam Moss est une belle ccasion de peaufiner cette approche. Associant guitare et violon, la bande donne l’impression d’une collaboration de village au coin du feu – des artistes chevronnés qui jouent les uns avec les autres pour régler la poussière du jour, et peut-être pour trouver quelque chose de nouveau chez l’autre. Le jeu de Noyes est mesuré et discret. Comme Nathan Bowles, qui évoque également une sorte de style américain colonial des Appalaches, Noyes ne fait pas de commerce en un clin d’œil, mais plutôt dans une rame basse hypnotique qui sert d’élixir à l’anxiété.

Le violon de Moss est joué plus comme un violon que comme un conduit classique sur la plus grande partie de cet album. Il a une poussière dans les cordes qui est plus sage que ses années, comme si l’instrument passait de joueur familial en joueur familial, captant un instinct calleux qui rayonne peu importe qui est à l’archet. Il y a certainement des moments où les deux musiciens jouent quelque chose de plus avant-gardiste, comme dans « Suburban Potions », et « Stairway to the Stars » atteint une tonalité légèrement frénétique, rompant leur charme nocturne pour quelques minutes seulement. Pourtant, lorsqu’ils entrent dans le confort et le calme que l’on peut trouver entre la symbiose de deux joueurs envoûtés par le push-pull de l’air harmonique entre eux, l’album devient un ensemble solennel, serein, qui se veut fédérateur dans sa plus grande partie

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Natalie Jane Hill: « Azalea »

19 mai 2020

Du centre du Texas, Natalie Jane Hill a écrit son disque, Azalea, dans les Blue Ridge Mountains. Ce disque, synonyme de l’histoire de la musique folk, a donné naissance à des noms aussi connus que Jean Ritchie, Roscoe Holcomb et Doc Watson. Comme le suggère le titre, Azalea est une merveille poétique sur la réciprocité de la nature. Natalie Jane Hill a posé une question au bord de la rivière et la rivière avait la réponse, et c’est toujours le cas. Tout comme Florist l’a fait dans If Blue Could Be Happiness avec le Catskill Mountains, Hill peint de façon très vivante « chaque recoin, chaque courbe » (very nook, every bend) – comme elle le chante dans « Emerald Blue » – de la chaîne de montagnes, ses rhododendrons, sa primevère dorée et sa folle avoine – tous dignes de leur place sur la feuille de paroles.

Sa voix est la brise à travers les arbres – la force vitale qui déploie la teinte du ciel d’où la chaîne tire son nom : les chutes abruptes et les douces lopes. Avec une laque semblable à celle d’Aldous Harding, sa voix fait converger les époques ; les longs trilles planants qui relient le voyage de Harding à Jean Ritchie. Elle entrelace également le passé et le présent de manière instrumentale. « Golden Rods » est formé de figer-pickings et de grondements dus au deuxième renouveau du folklore britannique, tandis que « All The Things I Never Saw « est imprégné d’un riff léger et méandreux qui aurait tenu le coup dans le Quiet Signs de Jessica Pratt. « Quiet and Still » est peut-être le morceau le plus intrigant du disque. Entièrement instrumental, le piano et la guitare s’harmonisent ensemble, ouvrant la porte à un nouveau panorama où le soleil est haut, chaud sur la peau, permettant une transcendance sereine, presque ambiante, que l’on ne retrouve nulle part ailleurs sur l’album. Sa réussite est entièrement dûe à son caractère éphémère, servant de pont entre la face A et la face B.

Silencieux et toujours à part, nous sommes heureux que sa voix et sa guitare existent ensemble sans être dérangées Azlalea un opus oisif où l’automne ne pénètre jamais, les fleurs toujours en pleine floraison et les feuilles jamais persuadées d’enlever les feuilles de leurs branches. Avec la vie réduite de tant de tentations en ce moment, nous sommes, comme beaucoup d’entre vous, enchâssé dans la saison de l’azalée.  On existe, alors, peut-être dans la seule période de ma vie où l’on a accordé aux motifs du printemps l’attention que leur beauté mérite. « Et vous pensez au moment / où l’idée d’errer ne vous a jamais traversé l’esprit / et où tout ce que vous avez connu était à vos côtés / Dans une maison sauvage » (And you think on the time / when the thought to roam never crossed your mind / and all that you’ve known was right by your side / In a wild home), chante Hill dans An « Envy Burns ». Elle ne pouvait pas savoir alors qu’au moment où Azeala a vu la lumière du jour, elle s’adresserait à des personnes forcées de retourner à cet état virginal. Ce rappel à profiter de tout ce qui existe autour de vous ne pouvait pas être mieux tombé. Avec Azalea, Hill prend la piqûre de l’agitation et l’enfouit sous le sol de notre crête bleue, notre sanctuaire impénétrable… et nous laisse la regarder pousser.

***1/2


Adeline Hotel: « Solid Love »

16 mai 2020

Si vous essayiez de chercher Adeline Hotel, vous obiendriez trois possibilités d’hébergement de la France vers l’Inde et ailleurs. Toutes semblent être des endroits où toute personne désireuse de voyager pour obtenir un peu de répit ferait immédiatement sa réservation. Il serait difficile de dire si Dan Knishkowy qui a créé groupe,avait en têtre l’idée d’en faire comme un lieu de rencontre musical permanent ; mais, à l’écoute de Solid Love, l’album qu’ils ont conçu, lui et son équipe semblent pouvoir vous transporter dans l’un ou l’autre de ces endroits à chaque fois que vous le jouez.

En fait, Knishkowy et le groupe semblent, en même temps, combler le vide laissé par Jim O’Rourke dans sa phase pop/Burt Bacharach goes folk ou, comme le dit Hiss Golden Messenger, ont décidé de faire de la musique.

Ce n’était certainement pas l’intention de Knishkowy et d’Adeline Hotel, et on ne pouvait pas non plus les classer dans la catégorie « a également et entouré » d’un groupe. La qualité de leur musique a assuré la musicalité, les arrangements, et en particulier l’écriture de Knishkowy, basée sur cet album peut facilement les placer comme l’un des leaders de n’importe quel genre que vous voulez appeler leur musique.

En fait, Knishkowy n’est pas sorti de nulle part. Il a publié des albums avec des line-up changeants jusqu’à l’album actuel (Andrew Stoker – basse, Ben Seratan – guitares, chant, Winston Cook-Wilson – claviers et Sean Mullins batterie, percussions), avec un certain nombre d’invités. C’est peut-être la raison pour laquelle sa musique dans cette incarnation semble si assurée et agréable – aussi agréable que les images de ces autres hôtels Adeline. Les « vrais » hôtels.

Mais Adeline Hotel, le groupe et Dan Knishkowy sont venus ici avec des sons mélancoliques et apaisants sans faire preuve d’un seul iota de prétention. C’est peut-être la raison pour laquelle Solid Love est bien plus que solide.

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Eve Owen: « Don’t Let The Ink Dry »

11 mai 2020

Bien qu’elle soit la fille d’une star du cinéma hollywoodien, Eve Owen n’est vraiment venue à notre connaissance que grâce à son travail sur le dernier long-métrage de The National, I Am Easy To Find. C’est cette collaboration qui s’est en partie poursuivie sur son premier album. Non seulement il a été produit par Aaron Dessner, mais il est également sorti sur le label u’il possède avec son frère jumeau Bryce et Justin Vernon de Bon Iver. De tels noms peuvent jeter une ombre sur une jeune artiste sur le point de sortir son premier album, mais Owen ne doit pas s’inquiéter, car Don’t Let The Ink Dry est l’un des « debut albums » les plus accomplis que l’on a pu entendre depuis bien longtemps.

Un thème qui traverse tout le disque est la couleur, tant au niveau des paroles que de la sonorité. La bande-son vibrante et éclectique donne l’impression d’un voyage à travers un mélange tumultueux de décharge émotionnelle. « Bluebird » pétille avec un snare-drum acoustique dont le roulement frénétiquement choisi se colle juste à la droite du chaos, tandis qu’Owen offre des descriptions visuelles de ses appréhensions – « Un merle bleu balayé vers moi, il a utilisé des cicatrices pour des croches » (A bluebird swept down to me, it used scars for hooks). La ballade au piano, « She Says », a des niveaux de livraison de blessure ouverte façon Édith Piaf, alors qu’Owen se débat avec le fait d’être déçue par quelqu’un en qui elle a investi son espoir et sa foi. C’est un morceau d’une maturité étonnante, écrit pour une personne à peine sortie de l’adolescence, et livré avec autant d’enthousiasme.

« Blue Moon » est soutenue par des assauts de guitare en distorsion et des cordes à peine audibles qui ancrent cette complainte traitant fait d’être du mauvais côté d’une relation déséquilibrée, comme l’exclame Owen « Oh, je ne te laisserai jamais te briser / je nettoierai tes erreurs, Blue Moon » (Oh, I’ll never let you break/I’ll clean up your mistakes, Blue Moon . La bande-son dépouillée ne fait qu’ajouter à l’exacerbation des paroles. « Bien que mes mots soient argentés/Ils s’accrochent à tes syllabes » (Although my words are silver/They catch onto your syllables) et « Bien que mes bottes rouges soient faites pour marcher/Je me souviens des temps passés avec toi » (Although my red boots were made for walking/I look back to times with you) ; des formulations qui ajoutent encore plus de couleur à « So Still For You », une chanson d’amour riche en mélodies qui offre de la douceur pour contrebalancer la mélancolie présente ailleurs sur le disque. « For Redemption » est un véritable point culminant, puisque la composition enjambes des percussions volontairement maladroites et choisies uniquement pour leur acoustique. La voix d’Owen oscille entre un chant sensuel et un falsetto urgent, ce qui crée une palette sonore intéressante et d’une beauté douloureuse.

Bien que musicalement, certains éléments rappellent le travail de Dessner au quotidien – comme l’électronique rythmique de « Lover Not Today », qui pourrait se glisser directement sur l’un des deux précédents albums de son groupe – à aucun moment vous n’avez l’impression que le poids de l’association s’ajoute au travail d’Owen. En fait, il n’y a que deux éléments qui sont importants pour cette collaboration. Premièrement, elle ouvre sa musique à un public plus large, et deuxièmement, elle a créé un premier disque qui est étonnamment bon. Cet ensemble de douze chansons doit être écouté partout, car il est tout simplement remarquable.

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