Mare Berger: « The Moon is Always Full »

The Moon is Always Full de Mare Berger est une combinaison de folk mélodique et de chamber-pop, issue de l’esprit d’un musicien qui pratique cet art depuis trois ans. Berger a commencé à jouer du piano dès son plus jeune âge, ce qui lui a permis d’obtenir des résultats musicaux plus importants. Après avoir étudié le piano de jazz, ils ont fait leurs premières armes dans de nombreuses salles de concert et ont joué de divers instruments dans des pièces de théâtre et des spectacles musicaux. Berger est également un défenseur actif des LGBTQ+, ayant fondé The Moon Choir, qui est une chorale composée de personnes queer et trans plus des alliés, et aussi organise une série de performances, « The Moon Show », qui promeut les artistes queer, trans et autres mouvances sous-représentées.

Parmi ces succès, Mare Berger a étudié de multiples genres de musique, ce qui revient à trouver un créneau dans l’écriture de ce qu’il nomme « chansons de justice rêveuses et pleines d’espoir ». Les notes de début de The Moon is Always Full introduisent l’auditeur dans une cacophonie d’instruments – cordes pincées et carillons discordants mais joviaux, et les tonalités ressemblent au sifflement du vent dans le titre d’introduction de l’album, « Even When We Forget ». Un piano coupe le bruit avec une enveloppe chaude avant que Berger ne commence à chanter « We are the ocean / We are a drop / We are a mountain / we are a rock » (Nous sommes l’océan / Nous sommes une goutte d’eau / Nous sommes une montagne / Nous sommes un rocher). Ils professent ces déclarations avec certitude, exprimant une parenté avec la terre et comment, parfois, nous oublions peut-être notre grandeur et notre influence.

Le reste des morceaux chante avec autant d’espoir et se noie dans la sincérité. Ils rappellent qu’on nous raconte un conte populaire avant de nous coucher, alors que Berger submerge les auditeurs de récits sur l’estime de soi et l’existence à travers des fables sur la lune, le soleil, les arbres et les étoiles. Même en passant du chant à la parole dans certains morceaux, les voix de Berger – à la manière de Julie Andrews façon Sound of Music – sont mélodieuses et accueillantes. J’ai l’impression que la seule bonne façon d’écouter cet album serait de s’asseoir au sommet d’une colline baignée de soleil pendant que Berger me rappelle acoustiquement ma signification existentielle.

À mi-chemin de l’album, le morceau « Stardust » nous offre des berceuses et des croassements de moments où nous devrions « respirer la lumière dans notre poitrine  (inhale the light in our chest)». L’accompagnement au piano est particulièrement envoûtant dans ce morceau, suivant rapidement et régulièrement les voix soyeuses de Berger. C’est un morceau-phare de l’album, plus naïvement curieux, comme si jon écoutait des pensées venant directement d’un enfant. Dans Throughout The Moon is Always Full, Berger semble également se concentrer sur les principes de l’amour, de la vie, de la perte, de l’interconnexion et de l’amélioration. Le morceau de clôture « You are Within » met en scène une voix d’invité qui, combinée à celle de Berger, devient hypnotique. Les instruments à cordes jaillissent et se connectent de manière fluide alors que les chanteurs chantent « You are within my soul / I am within your soul » .

Dans un climat aussi déchirant et déroutant que celui dans lequel nous nous trouvons actuellement, l’album de Berger se sent vital. Il est difficile d’expliquer cet album d’une manière qui ne rabaisse pas le son qu’il crée. On ne peut pas comparer continuellement le fait de chanter paisiblement pour dormir alors qu’une rivière s’agite à votre gauche et qu’une rafale d’animaux de la forêt gazouille à votre droite, mais, en revanche, on ne peut pas demander beaucoup plus à un album que de vous apporter une sorte de chaleur et de réalisation de soi.

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Dean Cercone : « Cardinals And A Grey Cat »

Au cours des dernières semaines, les médias et les communautés scientifiques ont vanté une sorte de reprise du monde naturel en raison de la mise en quarantaine des personnes – les eaux des canaux de Venise sont redevenues claires, les glaciers ont montré des taux de fonte plus lents, les émissions de carbone ont été réduites, etc. Un tel « retour »à la beauté plus naturelle de la planète se reflète dans la musique introspective préparée à la guitare de l’artiste Dean Cercone, basé à Brooklyn, sur son nouvel album, Cardinals And A Grey Cat, sorti durant la quarantaine. Dès la première minute, la voix humble et singulière de l’album insuffle simultanément une solitude que nous ressentons tous actuellement, une nostalgie de la normalité de notre passé pas si lointain, et un sentiment d’espoir, un sentiment d’émerveillement, auquel nous nous accrochons tous actuellement.

Sur ces morceaux, Cercone s’interroge sur le monde et sur la place qu’il y occupe, en se calmant et en apaisant l’auditeur avec ses mains et son instrument et en leur donnant quelque chose à faire. Les cordes tintent et trébuchent et bricolent sur la chanson titre, comme les entrailles d’une horloge inconnaissable d’un univers non linéaire. Le cosmos tout entier aurait aussi bien pu prendre les corps des animaux du titre de l’album, comme le note Cercone qui note qu’ils sont apparus, et sont restés, pendant toute la durée de son enregistrement. Les battements d’ailes de sa cueillette sur « Internet Blues » et « March Of 2020 » incarnent presque le battement d’ailes sur leur perchoir, et la curiosité tranquille de l’ami à fourrure. Il s’aventure dans des zones de désaccord, très rarement, comme pour créer ses propres discordes, puis triomphe en rentrant dans la résonance plus qu’agréable ; comme pour nous rappeler que nous allons nous en sortir.

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Rob Noyes & Sam Moss: « Rob Noyes & Sam Moss »

Comme toujours, Scissor Tail Records reste un excellent label pourvoyeur de musique folk et acoustique. Ces dernières années, il a discrètement servi des classiques de Rosali, Scott Hirsch, Sarah Louise et de Dylan Aycock, sorties qui ne montrent aucun signe de baisse de qualité. Outre Aycock et Joshua Massad et une sortie en solo du guitariste danois Anders Holst, le triptrustique et spirituel de Rob Noyes et Sam Moss est une belle ccasion de peaufiner cette approche. Associant guitare et violon, la bande donne l’impression d’une collaboration de village au coin du feu – des artistes chevronnés qui jouent les uns avec les autres pour régler la poussière du jour, et peut-être pour trouver quelque chose de nouveau chez l’autre. Le jeu de Noyes est mesuré et discret. Comme Nathan Bowles, qui évoque également une sorte de style américain colonial des Appalaches, Noyes ne fait pas de commerce en un clin d’œil, mais plutôt dans une rame basse hypnotique qui sert d’élixir à l’anxiété.

Le violon de Moss est joué plus comme un violon que comme un conduit classique sur la plus grande partie de cet album. Il a une poussière dans les cordes qui est plus sage que ses années, comme si l’instrument passait de joueur familial en joueur familial, captant un instinct calleux qui rayonne peu importe qui est à l’archet. Il y a certainement des moments où les deux musiciens jouent quelque chose de plus avant-gardiste, comme dans « Suburban Potions », et « Stairway to the Stars » atteint une tonalité légèrement frénétique, rompant leur charme nocturne pour quelques minutes seulement. Pourtant, lorsqu’ils entrent dans le confort et le calme que l’on peut trouver entre la symbiose de deux joueurs envoûtés par le push-pull de l’air harmonique entre eux, l’album devient un ensemble solennel, serein, qui se veut fédérateur dans sa plus grande partie

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Natalie Jane Hill: « Azalea »

Du centre du Texas, Natalie Jane Hill a écrit son disque, Azalea, dans les Blue Ridge Mountains. Ce disque, synonyme de l’histoire de la musique folk, a donné naissance à des noms aussi connus que Jean Ritchie, Roscoe Holcomb et Doc Watson. Comme le suggère le titre, Azalea est une merveille poétique sur la réciprocité de la nature. Natalie Jane Hill a posé une question au bord de la rivière et la rivière avait la réponse, et c’est toujours le cas. Tout comme Florist l’a fait dans If Blue Could Be Happiness avec le Catskill Mountains, Hill peint de façon très vivante « chaque recoin, chaque courbe » (very nook, every bend) – comme elle le chante dans « Emerald Blue » – de la chaîne de montagnes, ses rhododendrons, sa primevère dorée et sa folle avoine – tous dignes de leur place sur la feuille de paroles.

Sa voix est la brise à travers les arbres – la force vitale qui déploie la teinte du ciel d’où la chaîne tire son nom : les chutes abruptes et les douces lopes. Avec une laque semblable à celle d’Aldous Harding, sa voix fait converger les époques ; les longs trilles planants qui relient le voyage de Harding à Jean Ritchie. Elle entrelace également le passé et le présent de manière instrumentale. « Golden Rods » est formé de figer-pickings et de grondements dus au deuxième renouveau du folklore britannique, tandis que « All The Things I Never Saw « est imprégné d’un riff léger et méandreux qui aurait tenu le coup dans le Quiet Signs de Jessica Pratt. « Quiet and Still » est peut-être le morceau le plus intrigant du disque. Entièrement instrumental, le piano et la guitare s’harmonisent ensemble, ouvrant la porte à un nouveau panorama où le soleil est haut, chaud sur la peau, permettant une transcendance sereine, presque ambiante, que l’on ne retrouve nulle part ailleurs sur l’album. Sa réussite est entièrement dûe à son caractère éphémère, servant de pont entre la face A et la face B.

Silencieux et toujours à part, nous sommes heureux que sa voix et sa guitare existent ensemble sans être dérangées Azlalea un opus oisif où l’automne ne pénètre jamais, les fleurs toujours en pleine floraison et les feuilles jamais persuadées d’enlever les feuilles de leurs branches. Avec la vie réduite de tant de tentations en ce moment, nous sommes, comme beaucoup d’entre vous, enchâssé dans la saison de l’azalée.  On existe, alors, peut-être dans la seule période de ma vie où l’on a accordé aux motifs du printemps l’attention que leur beauté mérite. « Et vous pensez au moment / où l’idée d’errer ne vous a jamais traversé l’esprit / et où tout ce que vous avez connu était à vos côtés / Dans une maison sauvage » (And you think on the time / when the thought to roam never crossed your mind / and all that you’ve known was right by your side / In a wild home), chante Hill dans An « Envy Burns ». Elle ne pouvait pas savoir alors qu’au moment où Azeala a vu la lumière du jour, elle s’adresserait à des personnes forcées de retourner à cet état virginal. Ce rappel à profiter de tout ce qui existe autour de vous ne pouvait pas être mieux tombé. Avec Azalea, Hill prend la piqûre de l’agitation et l’enfouit sous le sol de notre crête bleue, notre sanctuaire impénétrable… et nous laisse la regarder pousser.

***1/2

Adeline Hotel: « Solid Love »

Si vous essayiez de chercher Adeline Hotel, vous obiendriez trois possibilités d’hébergement de la France vers l’Inde et ailleurs. Toutes semblent être des endroits où toute personne désireuse de voyager pour obtenir un peu de répit ferait immédiatement sa réservation. Il serait difficile de dire si Dan Knishkowy qui a créé groupe,avait en têtre l’idée d’en faire comme un lieu de rencontre musical permanent ; mais, à l’écoute de Solid Love, l’album qu’ils ont conçu, lui et son équipe semblent pouvoir vous transporter dans l’un ou l’autre de ces endroits à chaque fois que vous le jouez.

En fait, Knishkowy et le groupe semblent, en même temps, combler le vide laissé par Jim O’Rourke dans sa phase pop/Burt Bacharach goes folk ou, comme le dit Hiss Golden Messenger, ont décidé de faire de la musique.

Ce n’était certainement pas l’intention de Knishkowy et d’Adeline Hotel, et on ne pouvait pas non plus les classer dans la catégorie « a également et entouré » d’un groupe. La qualité de leur musique a assuré la musicalité, les arrangements, et en particulier l’écriture de Knishkowy, basée sur cet album peut facilement les placer comme l’un des leaders de n’importe quel genre que vous voulez appeler leur musique.

En fait, Knishkowy n’est pas sorti de nulle part. Il a publié des albums avec des line-up changeants jusqu’à l’album actuel (Andrew Stoker – basse, Ben Seratan – guitares, chant, Winston Cook-Wilson – claviers et Sean Mullins batterie, percussions), avec un certain nombre d’invités. C’est peut-être la raison pour laquelle sa musique dans cette incarnation semble si assurée et agréable – aussi agréable que les images de ces autres hôtels Adeline. Les « vrais » hôtels.

Mais Adeline Hotel, le groupe et Dan Knishkowy sont venus ici avec des sons mélancoliques et apaisants sans faire preuve d’un seul iota de prétention. C’est peut-être la raison pour laquelle Solid Love est bien plus que solide.

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Eve Owen: « Don’t Let The Ink Dry »

Bien qu’elle soit la fille d’une star du cinéma hollywoodien, Eve Owen n’est vraiment venue à notre connaissance que grâce à son travail sur le dernier long-métrage de The National, I Am Easy To Find. C’est cette collaboration qui s’est en partie poursuivie sur son premier album. Non seulement il a été produit par Aaron Dessner, mais il est également sorti sur le label u’il possède avec son frère jumeau Bryce et Justin Vernon de Bon Iver. De tels noms peuvent jeter une ombre sur une jeune artiste sur le point de sortir son premier album, mais Owen ne doit pas s’inquiéter, car Don’t Let The Ink Dry est l’un des « debut albums » les plus accomplis que l’on a pu entendre depuis bien longtemps.

Un thème qui traverse tout le disque est la couleur, tant au niveau des paroles que de la sonorité. La bande-son vibrante et éclectique donne l’impression d’un voyage à travers un mélange tumultueux de décharge émotionnelle. « Bluebird » pétille avec un snare-drum acoustique dont le roulement frénétiquement choisi se colle juste à la droite du chaos, tandis qu’Owen offre des descriptions visuelles de ses appréhensions – « Un merle bleu balayé vers moi, il a utilisé des cicatrices pour des croches » (A bluebird swept down to me, it used scars for hooks). La ballade au piano, « She Says », a des niveaux de livraison de blessure ouverte façon Édith Piaf, alors qu’Owen se débat avec le fait d’être déçue par quelqu’un en qui elle a investi son espoir et sa foi. C’est un morceau d’une maturité étonnante, écrit pour une personne à peine sortie de l’adolescence, et livré avec autant d’enthousiasme.

« Blue Moon » est soutenue par des assauts de guitare en distorsion et des cordes à peine audibles qui ancrent cette complainte traitant fait d’être du mauvais côté d’une relation déséquilibrée, comme l’exclame Owen « Oh, je ne te laisserai jamais te briser / je nettoierai tes erreurs, Blue Moon » (Oh, I’ll never let you break/I’ll clean up your mistakes, Blue Moon . La bande-son dépouillée ne fait qu’ajouter à l’exacerbation des paroles. « Bien que mes mots soient argentés/Ils s’accrochent à tes syllabes » (Although my words are silver/They catch onto your syllables) et « Bien que mes bottes rouges soient faites pour marcher/Je me souviens des temps passés avec toi » (Although my red boots were made for walking/I look back to times with you) ; des formulations qui ajoutent encore plus de couleur à « So Still For You », une chanson d’amour riche en mélodies qui offre de la douceur pour contrebalancer la mélancolie présente ailleurs sur le disque. « For Redemption » est un véritable point culminant, puisque la composition enjambes des percussions volontairement maladroites et choisies uniquement pour leur acoustique. La voix d’Owen oscille entre un chant sensuel et un falsetto urgent, ce qui crée une palette sonore intéressante et d’une beauté douloureuse.

Bien que musicalement, certains éléments rappellent le travail de Dessner au quotidien – comme l’électronique rythmique de « Lover Not Today », qui pourrait se glisser directement sur l’un des deux précédents albums de son groupe – à aucun moment vous n’avez l’impression que le poids de l’association s’ajoute au travail d’Owen. En fait, il n’y a que deux éléments qui sont importants pour cette collaboration. Premièrement, elle ouvre sa musique à un public plus large, et deuxièmement, elle a créé un premier disque qui est étonnamment bon. Cet ensemble de douze chansons doit être écouté partout, car il est tout simplement remarquable.

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Pete Bernhard: « Harmony Ascension Division »

Les thèmes de Harmony Ascension Division sont divisés en trois colonnes pour correspondre à son titre, les sujets sur la sortie en solo de Pete Bernhard étant à portée de main en tant que récit personnel. Pete Bernhard explique les sujets comme suit : » »Ce disque parle d’amitiés, de relations, de succès, de bonheur et d’échec. L’harmonie. L’Ascension. La division. Beaucoup de ces chansons parlent d’amis du début de mon adolescence et de mes années 20, alors j’ai pensé que la meilleure façon d’en parler serait de jouer comme je le faisais à l’époque ».  Le musicien se réfère à l’époque où il était frontman pour The Devil Makes Three, le cadre du passé qui met l’homme et la guitare au centre de la scène. La musique folklorique est le style de Pete Bernhard sur Harmony Ascension Division, alors qu’il s’éloigne du modèle TDM3 de musiciens de rue sous stéroïdes qu’il a contribué à développer. 

Le blues est à l’honneur sous le conte dans « Land of Milk and Honey », les doigts de Pete Bernhard s’envolent alors qu’il énumère les réalisations en excès pour « Down the Line » et se construit un cœur pour les rythmes des cordes de la guitare dans « Waiting for You ». L’enregistrement de Harmony Ascension Division était prévu entre les arrêts de la tournée de The Devil Make Three, Pete Bernhard retournant dans son état natal du Vermont. L’histoire de vieux amis et d’amoureux qui trouvent un chemin à travers le monde ouvre Harmony Ascension Division avec « I Knew You » alors que Pete Bernhard se penche sur les conseils et les opinions de « Long Night », trouve « Fool’s Gold » dans une mélodie enchevêtrée, et sort de l’album sur les bulles effervescentes qui s’élèvent du rythme et de l’intrigue de « Lightning ».

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Pete Morton: « A Golden Thread »

Le nouvel album du chanteur folk, auteur-compositeur, animateur, yogi, « thinktank » de gauche et juke-box humain s’enrichit de huit nouvelles chansons et de deux ballades traditionnelles. Cependant, c’est le défi de l’ouverture avec la chanson titre de Pete Seeger qui montre que Morton est audacieux et qu’il ne se laisse pas aller en douceur à son retour « sur las scène ». C’est peut-être une coïncidence, mais la référence au tissage d’un arc-en-ciel magique est sans doute à souligner à une époque où le service de santé joue un rôle si essentiel dans le maintien des nations au-dessus de l’eau.

Les deux chansons traditionnelles sont de bonne valeur. Ne variant pas trop loin des sentiers (bien) battus, Barbry Allen est aussi familier que la paire de chaussures confortables, un peu abîmées et bien usées, mais faisaient partie de nous. « Farmer’s Boy » clôt l’album avec enthousiasme ; c’est une version entraînante mais majestueuse qui arrive comme selle était entonnée dans une chapelle.

L’humour, la politique et les commentaires sociaux croisent tous le fer ; ils ne sont pas aussi mordants et acerbes que certains de tous les pairs du folk, mais peut-être plus sensibles et perspicaces. La preuve qu’il n’est pas toujours nécessaire de crier ou de se mettre en colère pour mettre le doigt là où il le faut. « The Grenfell Carol » en est un bon exemple : il s’agit d’une tragédie dont les paroles s’unissent pour soutenir la même cause.

Les migrations humaines, le commerce des armes et le changement climatique sont quelques-uns des sujets qui ont attiré l’attention de Morton et sont devenus la cible de ses commentaires. « We Are The Trees By The Side Of The Road » a un swing jazzy – qui rappelle le style de Ranagri – tandis que « Metropolitan Safari » se fraie habilement un chemin parmi une série de monuments de Londres au milieu d’un air enjoué. Ailleurs, le refrain de la chanson « Universal Basic Income » est chanté dans des clubs folkloriques (virtuels) de tout le pays, avec la participation enthousiaste du public.

Avec l’aide d’un groupe comprenant Alice Jones, George Sansome et Matt Quinn, Pete a également joué en duo avec Jude Rees sur une chanson plus ancienne, ce qui lui a permis de faire le point sur Emily Dickinson Revisited (« Good Day », « Mr Nobody »).

Avec près de trente ans de carrière derrière lui, on pourrait à juste titre qualifier Pete Morton de vétéran, mais cela ne remet pas en cause son enthousiasme. Qu’il s’agisse du journal Mojo qui défend son indépendance et sa créativité ou du Glasgow Herald qui tente le destin en classant ses observations ironiques aux côtés de celles du puissant Richard Thompson, il faut rendre hommage à Pete Morton pour son travail sur une oeuvre qui met en évidence sa passion et sa ténacité.

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Salt House: « Huam »

CLe trio d’Inverness et des îles Shetland, composé de Jenny Sturgeon au chant, à l’harmonium, à l’orgue à pompe, aux guitares, au piano et au dulcimer, Ewan Macpherson au chant, aux guitares acoustiques et électriques et au dulcimer et Lauren MacColl à l’alto, au violon, au chant et au glockenspiel.

La liste des membres du trio ne prépare guère l’auditeur à la beauté du son qu’ils produisent, ni à la qualité poignante des chansons qu’ils écrivent.

Huam (le mot est en gaélique écossais et signifie « l’appel d’un hibou ») est un merveilleux album, contenant un mélange inspiré de compositions du groupe et de morceaux quasi-traditionnels, composés par le groupe et ajoutés aux paroles traditionnelles. 

La sélection éclectique d’instruments se marie à merveille sur chacune des chansons et les voix de Macpherson et de Sturgeon (qui sont toutes deux enchanteresses) sont au premier plan du mélange, comme il convient aux paroles qui incitent à la réflexion. 

On se doit de souligner la qualité des compositions des deux auteur (« The Disquiet » « The Same Land », « All Shall Be Still », « If I Am Lucky » et » Union of Crows »). Ce sont elles qui, font passer l’album de l’excellence à l’excellence plus.

Il n’y a pas de remplissage sur Huam ; tous les morceaux sont mélodiquement assemblés et magnifiquement livrés.  Le matériel publicitaire du groupe met en avant des échos de Pentangle et de Dick Gaughan qui sont détectables dans le son et ces ressemblances sont clairement évidentes, en particulier dans l’étrange « William and Elsie » à la Pentangle, une sublime adaptation de la ballade danoise « Aage And Elsie ». 

Dans « All Shall Be Still », Ewan livre des paroles évocatrices sur le besoin et le désir d’échapper au bruit et à l’agitation quotidiens, le tout sur un fond de guitare cueillie au doigt et de merveilleux violons. Dans « If I Am Lucky », il réfléchit au dilemme d’attendre que la chance intervienne pour résoudre l’adversité imminente – qu’elle soit personnelle ou universelle.  C’est un sujet et une évocation très puissants.

Alors que les chansons de Macpherson ont tendance à tomber dans le genre de l’archétype de l’auteur-compositeur-interprète, celles de Sturgeon ont une saveur plus traditionnelle, en particulier « The Same Land » qui superpose un texte concernant la lente marche vers la libération du conflit sur un air auto-composé qui pourrait provenir des voûtes de James Skinner.

Parmi les morceaux traditionnels adaptés, l’un destitres-phares est probablement « Mountain Of Gold », un morceau qui fait appel à un beau violon de MacColl et à de douces harmonies de os daux vocalistes. Il raconte l’histoire d’un sanctuaire hivernal qui attendt le début du printemps.  C’est une chanson qui apporterait du réconfort lors des plus froides nuits d’hivar et qui évoque des images de rassemblement autour d’un feu de bois avec un verre de vin rouge corsé alors que la neige s’accumule dehors.

Une présentation de Huam ne serait pas ehautive sans reconnaître la maîtrise de la production d’Andy Bell.  Ce dernier est l’un des plus gxrands producteurs-ingénieurs du genre folk et il a excellé sur cet album.  Il a déjà travaillé avec, entre autres, Seasick Steve et Bellowhead et il a mis en œuvre le meilleur de son savoir-faire et de son expérience pour aider à la réalisation de cet album. 

Huam est le deuxièm eopus du groupe et, à l’écoute, il pourrait donner envie de découvrir leur album de 2018, Undersong.

***1/2

Anna Cordell: « Nobody Knows Us »

Il existe tout un sous-genre de musique dédié aux artistes qui finissent par abandonner leur métier par manque de financement, de popularité ou parfois même par désintérêt. Leur musique attend patiemment que les farfouilleurs et les algorithmes de YouTube les aident à refaire surface lentement, apparemment à partir de rien, avant de pouvoir revenir mystifier le public comme une sorte d’héritage perdu à partager. Comme Vashti Bunyan et Linda Perhacs, deux musiciennes indéniablement définies par la reprise de leur carrière, Anna Cordell a également mis sa musique en attente – la seule différence étant qu’elle n’a pas eu à attendre aussi longtemps qu’elles avant de réapparaître.

Beaucoup de choses ont changé depuis les années 1960 et il n’est pas incroyable qu’une femme puisse aujourd’hui concilier cinq enfants avec sa carrière musicale. Anna Cordell en est la preuve. Comme Bunyan et Perhacs avant elle, elle a changé d’orientation au fil des ans, détournant son attention de la guitare à cordes de nylon sur laquelle elle a débuté et de son amour pour la création de vêtements pour se concentrer sur l’éducation de sa famille dans l’intervalle. Aujourd’hui, Cordell est de retour avec un nouvel album qui, selon elle, est en partie soutenu par les vêtements qu’elle vend.

Lla mode (puisqu’elle est également designer de vêtements) qu’elle crée – comme sa musique – emprunte beaucoup au passé, consistant en des costumes flamboyants aux couleurs vives et aux modifications infinies, chacun étant généralement fait sur mesure pour un musicien ou un artiste local. C’est ce mélange du passé et du présent qui a rendu sa ligne de vêtements si populaire et qui pourrait bien s’infiltrer dans son succès discographique. C’est aussi, et surtout, très évident dans les chansons individuelles de Nobody Knows Us.

Le disque s’ouvre avec « After Tomorrow », une ballade au piano douce et sombre. Elle est un peu mal nommée, offrant les jolies mélodies et la sincérité écrasante qui évoquent un certain type d’album d’auteur-compositeur-interprète plaintif. Mais au moment où ce rythme langoureux commence à user son accueil, Cordell propose l’excellent morceau-titre. « Nobody Knows Us » est une ouverture presque totale, offrant un rythme plus cinétique et montrant le groupe complet de Cordell sur un refrain accrocheur et optimiste.

Le reste des morceaux se situe quelque part entre ces deux extrêmes, bien que certaines chansons plus folkloriques conservent des signatures temporelles ou un travail de batterie intéressants comme c’est le cas sur « Tried So Hard » et « Lie Awake ». Les morceaux plus conventionnels comme « Between Too Eternities » et « Wintertime » sont capables de créer des mélodies insaisissables et magnifiques qui contribuent à définir l’esthétique de la chambre. Ce son est vraiment ce qui lie l’album, contribuant à lui donner un style uniforme propre à Cordell qui élève les moments les plus conventionnels au rang de véritables moments forts.

Les pires points de l’album sont rares, mais enfouis dans la liste des morceaux, il y a « You », un morceau malheureusement sans éclat. Bien qu’elle ne perturbe pas l’ambiance de l’album et ne détourne pas l’attention de l’importance des autres chansons, elle ne se démarque pas vraiment comme la chanson la plus mémorable non plus. Il n’y a que quelques moments tout au long du disque qui se concentrent plus sur le fait d’être joli que sur la force de la composition, mais ils sont là.

D’autre part, la meilleure chanson ici, et de loin, arrive vers la toute fin et, franchement, ferait une excellente fin pour l’album. « Turn » atteint la qualité intemporelle que certaines des autres chansons ne font qu’évoquer, et apporte des couplets harmonisés et feutrés qui aspirent l’auditeur alors que la chanson se déplace et tourne sur elle-même, avant de révéler un refrain d’une beauté inéluctable qui vient comme le point déterminant de l’album. Des moments comme celui-ci contribuent à évoquer l’apathie d’Anna Cordell qu’elle tente de présenter comme telle.

Nobody Knows Us n’est pas un album incroyablement varié ou singulier ; il est assez simple dans son style et sa présentation et a tendance à tirer ses ficelles plus souvent qu’autrement. Mais il atteint les objectifs qu’il s’est fixés, offrant un album d’une beauté discrète qui représente plus qu’un simple projet de vanité pour Cordell. Elle est présentée comme une artiste qui a une raison de rester dans le coin, quelqu’un qui a mis sa carrière en veilleuse et qui a maintenant assez de talent pour se remettre en selle sans problème. Bien que Cordell se soit consacrée à une myriade de projets au cours des dernières années, il est clair que Nobody Knows Us ne devra pas s’effacer avant d’être redécouvert comme un joyau caché.

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