No BS: Just Rock & Roll!

Écouter The Eternal Rocks Below, c’est sombrer dans une rêverie. Elémentaire et évocateur, le début tant attendu de Katherine Priddy trouve la chanteuse/compositrice basée à Birmingham mettant une touche contemporaine à la mythologie. Avec une voix comme l’eau qui jaillit d’une source de montagne, la grâce tourbillonnante du ton de Priddy fait écho à celle des grands du folklore celtique et britannique. En fait, lors du single Indigo, on entend même des nuances d’Enya, la mélodie du chœur lilte rappelant The Council of Elrond d’Howard Shore (qui ravira sans doute les fans de Trad et de Tolkien). Cependant, ne la prenez pas pour quelque magicien de tours bon marché ; un talent tout à fait unique, ce sens de la fantaisie Priddy canaux n’est pas un simple déchet. Inspirée par Brontë et la légende grecque, son talent pour la narration et les atmosphères surnaturelles donnent à cet ensemble d’originaux une sensation épique. Et qu’est-ce qu’un fil bien filé sans un peu de conflit?

Après le printemps 2020, les artistes ont dû tout réévaluer. Les calendriers de diffusion, les tournées, la communication avec les auditoires; il faudrait que tout soit fait différemment. Sur le succès de l’EP Wolf 2018, 2019 a été une année de rupture pour Priddy. Après avoir tellement impressionné Richard Thompson qu’il l’a invitée en tournée, elle a fait des répétitions de plusieurs pièces de radio et a tourné la tête au Towersey Folk Festival, à Shambala et au Cambridge Folk Festival. Ce dernier décerne à Priddy le Prix Christian Raphaël décerné chaque année à un artiste prometteur, offrant un soutien industriel significatif. Avec le soutien du programme de mentorat de l’English Folk Expo, le tournant de la décennie a été très prometteur, avec plusieurs dates, une sortie d’album et une performance de Glasto.

Mais Priddy a roulé avec les coups. Elle est devenue un incontournable de la diffusion en direct, rejoignant les téléspectateurs lointains dans le cadre du projet de loi du Philadelphia Folk Festival et s’est associée à plusieurs contemporains en ligne (l’un d’eux étant Ciaran Algar, dont les cols ont été une bouée de sauvetage pour de nombreux spectateurs épuisés par le confinement). J’ai d’abord pris conscience de Priddy à travers son sublime hommage à Nick Drake, quand elle a couvert « Northern Sky » et « River Man » aux côtés de Lukas Drinkwater, Jon Wilks et Jon Nice. Citant Drake comme l’une de ses plus grandes influences (elle a grandi à Alvechurch, juste en bas de la route de sa maison et lieu de repos à Tanworth-in-Arden) Priddy les interprétations fidèles et sincères a montré toute la nuance et l’intrigue introspective qu’il était célèbre pour. Sa biographie a également nommé John Martyn et Jeff Buckley, encore une fois sans surprise compte tenu de sa capacité vocale balletique et penchant pour tendre, arrangements luxuriants.

Avec un casting tout aussi impressionnant de musiciens, The Eternal Rocks Beneath a été enregistré pendant deux ans aux studios Rebellious Jukebox, avec Simon Weaver faisant un travail remarquable sur la batterie, les percussions et les tâches de production. « Indigo », qui ouvre le disque, fait allusion à l’accolade d’harmonies et de riches tartinades texturales encore à venir. Semblant provenir du même genre que ses The Old Tree Sssions, le trille de chants d’oiseaux nous fait entrer dans cette ode nostalgique à l’enfance et au passage du temps. Priddy a récemment partagé ses réflexions sur les raisons pour lesquelles ces thèmes semblent si répandus : « (C’est) une réflexion sur les autres éléments transitoires de l’enfance… Je pense que l’album dans son ensemble touche beaucoup de choses. Je suppose que c’est logique, étant donné que cet album contient un grand nombre des premières chansons que j’ai écrites à l’adolescence ».

Même avant de poursuivre son amour de la littérature à l’Université du Sussex, la maîtrise de Priddy de la langue et le songcraft semblent avoir été remarquablement bien arrondie. Prenez le couplet « A breath-cloud on a window, a shadow on the lawn / Or a leaf on the breeze and a star in the dawn » (Un souffle sur une fenêtre, une ombre sur la pelouse / Ou une feuille dans la brise et une étoile dans l’aube), par exemple, ou la perspicacité de « Your troubles are old for a body so young » (Tes problèmes sont vieux pour un corps si jeune), rappelant les réflexions de Buckley et Neil Young sur l’adolescence. Il y a une exactitude dans son écriture; pas un mot n’est déplacé. À propos de « The Spring Never Came », un film déchiré, elle se lamente : « J’ai perdu toute mon éloquence en vers », ce qui semble difficile à croire. En écrivant des chansons, Priddy aspire à l’idée que ses paroles devraient être assez fortes pour être seules sans accompagnement musical. Et ça se voit. The Eternal Rocks Below se sent souvent comme s’il devait être relié en cuir ou arborer le logo Penguin le long de la colonne vertébrale.

Si vous deviez externaliser les sœurs de First Aid Kit dans les landes du Yorkshire, vous n’obtiendriez probablement pas un résultat aussi tranquillement captivant que Wolf. Inspiré par Les Hauts de Hurlevent d’Emily Brontë, ne vous attendez pas à une quelconque théâtralité à la Kate Bush, juste à un subtil mélange d’Americana et de folk anglais, magnifiquement rendu et discret. Lorsque le tin whistle de Ciaran Clifford se fraye un chemin à travers ce lit sonore chaleureux de cordes, on se dit que tous ces drames d’époque seraient bien avisés de faire appel à Priddy la prochaine fois qu’ils auront besoin d’une composition suggérant un paysage rude et indompté. Si les prévisions étaient particulièrement menaçantes, Ring O’Roses pourrait servir le même objectif. Alors que certains folkloristes, tels que Steve Roud, nient les allégations selon lesquelles la comptine originale aurait des origines de peste, la version de Priddy explore ces profondeurs plus sombres, en s’inscrivant dans l’école de Kathryn Tickell, qui consiste à choisir une chanson pour enfants et à la transformer en une chanson aigre. Vous pourriez passer directement à la chanson, mais vous seriez seul, alors que des chœurs obsédants chantent les morts.    

Les ombres semblent traquer ces chansons. Dans « The Spring Never Came », « Shadow-boy » est la cause du malheur de Priddy. Alors que sur le morceau phare « Eurydice », avec son bavardage maniaque et son intro de ligne de guitare inversée, nous trouvons Orphée qui raconte son voyage : « Aux confins sauvages de ce terrain vague, où aveuglément je gaffe / Je brise le silence qui me traverse comme le tonnerre « , avant que la dernière strophe de Priddy ne donne ce coup de marteau dévastateur : « Et la première lumière du matin, un moment de calme / Une virgule, un tiret, une ellipse chargée jusqu’à ce que / Tu t’enfonces lentement, je savais que tu n’étais qu’une / ombre derrière moi / Je t’ai aimé aveuglément ». « Eurydice », « Icarus » et « About Rosie », Priddy marie les confessions autobiographiques tranchantes que l’on peut attendre d’un auteur-compositeur-interprète contemporain, avec des récits qui semblent traditionnels. Ces morceaux reflètent le compromis, la confusion et l’extase qui accompagnent parfois l’amour, mais ils restent dynamiques, quelle que soit la solennité de la situation. Prenez par exemple la note finale curieusement pleine d’espoir d’« About Rosie » : « La seule prison est le corps dans lequel vous êtes né / Tout est susceptible de changer sans avertissement ».

Une grande partie de la magie du disque est également due à un jeu exceptionnel. Le fingerpicking de Priddy sur « The Isle of Eigg » berce doucement la mélodie, la martelant en une délicate harmonie, avant que Mikey Kenny ne le rejoigne au violon, une rafale de notes captant les derniers rayons du soleil sur cet air celtique entraînant. Ailleurs, « Letters from a Travelling Man » offre un changement de rythme bienvenu, Richard March (de Pop Will Eat Itself) à la contrebasse swinguante, Michael King au banjo et Dan Green au bodhran, propulsant cet adieu en fanfare, tout dépendant du lead mesuré de Priddy.

Puis, les harmoniques ondulent sur le lent refrain de « The Summer Has Flown », alors que l’adieu de Priddy s’estompe. Mais l’impression reste. En discutant de l’inclusion de ses premières chansons dans cet album, Priddy a révélé son raisonnement derrière le titre : « C’est presque une façon d’emballer ce chapitre de ma vie et de tirer un trait dessus. Les roches éternelles en dessous – les fondations de ce qui a été et la base pour tout ce qui va suivre ». Eh bien, les fondations sont rarement plus solides que ça. Un début de véritable substance, c’est comme chercher un simple abri et tomber sur une mine de diamants.

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Nous avons perdu le compte du nombre de merveilleux disques de guitare qu’il y a eu cette année, mais en cette fin 2021, les hits continuent d’arriver. Le plus frappant est l’étendue des styles, des sons et des émotions que les artistes apportent au bercail et Premo ajoute un autre bûcher à la collection avec les racines électriques mondiales de Golden Loam. Premo n’est pas seulement une fantastique guitariste, elle est aussi une violoniste accomplie (regardez cette merveilleuse performance avec Jake Blount) et c’est aussi cet esprit qui imprègne Golden Loam.

Premo a un toucher doux qui transmet un puits de force et de sentiment. Sur ces 10 morceaux, une intimité émerge du brouillard matinal, partagé entre les branches des arbres et les lits des ruisseaux. « On My Way to See Nancy », adapté du violoniste de Virginie occidentale Edden Hammons, son arrangement à la guitare fredonne, suivant les discrets sentiers sinueux à travers les forêts denses, à des millions de kilomètres de toute ville ou village. Le même esprit brûle dans « Jake’s Got a Bellyache » – une autre adaptation d’Edden Hammons – bien que le ciel soit plus sombre et que des feux soient apparus au loin. Premo donne à ces chansons une touche de modernité, même si leur cœur reste sans âge.

Golden Loam comprend également trois chansons originales, mais, comme les chansons originales de Myriam Gendron sur « Ma Délire », les passages de Premo, intemporels comme ils sont, auraient pu être écrites il y a 100 ans. Aidée par le joueur de bones Eric Breton sur « Jericho », Premo parcourt des gammes et des changements d’accords en creusant dans un blues imprégné de terre. Le soufre hurle dans la teinte déformée de sa guitare. « Father Made of River Mud » est plus contemplatif, arraché à des hymnes vieux de plusieurs siècles, car il considère les mouvements lents qui nous entraînent vers le bas.

C’est dans les moments les plus calmes, cependant, que Golden Loam brille le plus. « I Am A Pilgrim », l’une des seules chansons sur lesquelles Premo chante, brille absolument dans sa tendre progression. Cette chanson est un parfait microcosme de ce qui rend Golden Loam si mémorable, car Premo combine plusieurs fils de l’histoire, des hymnes gospel à la musique Sacred Harp ( tradition de musique chorale venue de Nouvelle-Angleterre) en passant par la famille Carter et ses propres ajouts, rassemblant toutes ces souches en un seul faisceau de lumière. La chaleur tourbillonne de la guitare et de la voix de Premo, remplissant l’air de l’odeur familière de la maison et éclairant le chemin vers un endroit sûr. 

« Torbjørn Bjellands Bruremarsj », une marche de mariage norvégienne séduisante, se situe dans un espace similaire à celui de « I Am A Pilgrim » et tend une main indulgente aux personnes fatiguées. Ces doux moments sont empreints de calme, tandis que des émotions solennelles planent avec précaution dans l’air. Premo ne recule jamais devant rien de tout cela, apportant une réalité viscérale à Golden Loam qui enfonce l’album dans le sol et fait germer ainsi une nouvelle croissance.

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Avec un son et une vision qui rappellent Paul Simon, et un paysage narratif qui se déroule dans le paysage balnéaire délavé d’un Clifftown fictif, le nouvel album de M G Boulter est une écoute totalement enivrante.

Bien qu’il s’agisse d’un nom encore relativement peu familier pour beaucoup, M G Boulter s’est fait un nom considérable ces dernières années. Ses premiers travaux avec The Lucky Strikes, Simone Felice, Blue Rose Code et Emily Portman se sont révélés être une expérience fructueuse et ont sans aucun doute contribué à colorer le folk suburbain et l’Americana de Boulter.

Le premier album de Boulter, The Water or the Wave, est sorti en 2013, avec le légendaire batteur Pick Withers (Dire Straits, Bob Dylan et Bert Jansch), tandis que le suivant, With Wolves the Lamb will Lie, est sorti en 2016. Son dernier album, Clifftown, raconte une série de récits qui se déroulent dans le paysage du titre et s’inspire vaguement de Southend-on-Sea, la ville natale de Boulter. Clifftown se déroule dans un paysage aromatisé par la mode des années 1950 aux États-Unis, mais au lieu d’une vision lumineuse au néon, pensez à l’univers intime et splendidement terne du photographe britannique Martin Parr.

Clifftown a été un peu en gestation. L’album a été enregistré à l’origine en mai 2019, tandis que le titre « Pilate » a été enregistré en 2016 comme une session de studio et, essentiellement, a fourni l’étincelle pour la formation de Hudson Records. L’album a peut-être pris un peu de temps pour arriver jusqu’ici, mais l’attente en valait vraiment la peine.

C’est une station balnéaire quelque peu blasée que Boulter nous présente, bien au-delà de ses jours de gloire et toujours imprégnée de la culture de la banlieue balnéaire britannique. Le paysage de Boulter est écaillé, froid et délabré. Malgré sa mélancolie, il s’agit cependant d’un décor toujours plein d’espoir.

Joliment produit par Andy Bell, Clifftown offre un son magnifiquement évocateur, et Boulter y est bien accompagné par quelques noms notables, dont Pete Flood (Bellowhead) à la batterie et aux percussions, Lizzy O’Connor à la mandoline et à la guitare, Paul Ambrose à la basse, Tom Lenthall au synthé, Helen Bell au violon et Lucy Farrell (Furrow Collective) et Neil McSweeney au chant. Boulter lui-même n’est pas en reste ici, fournissant voix, guitare et mandoline.

« Midnight Movies » ouvre e disque avec une guitare douce et hypnotique, avant que d’introduire la voix douce duchanteur. Dans sa poésie réfléchie, elle rappelle les visions lyriques de Boo Hewerdine ou peut-être Justin Currie et constitue une introduction tout à fait enchanteresse à ce qui est une écoute plutôt passionnante.

« Soft White Belly » est une chanson plus rock, plus belliqueuse, même si son combat est enrobé d’illusions. C’est une chanson douce-amère, qui évoque des temps révolus et des souvenirs heureux. Une chanson qui pleure le passé tout en attendant un avenir incertain.

Ce sentiment du temps qui passe, des opportunités manquées et regrettées est certainement ressenti dans le titre « Clifftown ». Boulter chante que « les enfants vieillissent et quittent la maison », que les chauffeurs de taxi « ont faim » et que le Co-op est le seul magasin ouvert le dimanche. Le disque s’écoute nimbé d’une belle rougeur. C’est une image authentique du monde silencieux et frustré des stations balnéaires hors saison, du fait de grandir dans un monde de promesses et de ne jamais y parvenir. C’est une chanson sur la résignation morne face à notre destin.

Dans ses paroles et sa musicalité, Paul Simon est, naturellement, une influence qui vient à l’esprit ici. On peut l’entendre dans la voix douce et chantante de Boulter, et dans les rimes de son écriture. « Nights At the Aquarium » rappelle certainement la poésie et la conscience de soi de Simon.

La chanson met en contraste la magie transformatrice d’une visite à l’aquarium local, de « bleu aqua, rêves souterrains. Tu vois les poissons sont magnifiques, si colorés et innocents » (aqua blue, dreams subterranean. You see the fishes look magnificent, so colourful and innocent). La joie de l’expérience est contrastée par l’image de filles pleurant dans un train, du travail du narrateur qui nettoie des maisons, d’individus ne sachant pas ce qu’ils veulent de leur vie et du temps qui passe, de lamentation sur la perte d’espoir et de rêves : « Je pensais que je serais tellement plus. Pas vieux avec des dettes que je ne peux pas payer »(I thought I would be so much more. Not older with debts I cannot afford)(. Il y a aussi de l’espoir ici, même s’il est désespéré, comme le chante Boulter : « Je pense que je pourrais être imprégné de couleurs et innocent aussi » ( think I could be colourful and innocent too).

L’ombre de Simon est également présente dans « The Slow Decline » ; « Elle voulait être actrice, mais a fini par se divertir dans un parc d’attractions «  (She wanted to be an actress, but ended up entertainment in a theme park instead), chante Boulter dans une chanson axée sur les rêves perdus, la tristesse inhérente et le lent déclin. Il n’y a pas de pastiche ici cependant, le monde de Boulter est aussi riche et engageant que celui de Simon et fournit une voix magnifiquement sincère et connaissante. L’artiste possède son propre monde, et c’est un monde honnête et déchirant de vérité.

« Simon of Sudbury » sera une brève escapade hors de Clifftown. C’est l’histoire d’une visite à l’église St Gregory de Sudbury dans le Suffolk, où est conservée la tête de Simon Sudbury, archevêque de Canterbury de 1375 à 1381. La chanson réfléchit à l’histoire de Sudbury, en la mettant en contraste avec la nôtre. Elle s’interroge sur nos propres destins et sur ce que nous pourrions faire.

Le dernier morceau, « Pilate », est né d’une session collective. C’est le plus gros morceau de l’album et il comporte des invités assez spéciaux, dont d’autres membres de l’écurie Hudson, comme Sam Sweeney au violon et Rob Harbron à la basse. C’est une conclusion plutôt rêveuse.

Tout au long de l’album, on trouve des clins d’œil à l’expérience authentique de grandir et de vivre dans une ville balnéaire assoupie. Boulter chante les sorties nocturnes, le néon et les arcades. Malgré la forte saveur de l’Americana, il s’agit sans aucun doute d’une expérience de bord de mer pluvieuse, un peu déprimée et très britannique dans son langage. Boulter chante, par exemple, la visite des magasins plutôt que celle de l’épicerie.

Mais il n’y a pas de cynisme ici. Malgré l’acquiescement du narrateur, il est clair qu’il y a un amour de leur maison. Ecoutez « Night Worker » avec son récit d’un trajet pour aller travailler dans la ville au clair de lune, en passant devant des filles ivres avec des talons aiguilles à la main ; « Et personne ne vous aime et peut-être que personne ne vous entend » (And nobody loves you and maybe nobody hears). C’est, malgré sa mélancolie, une chanson sur l’amour, l’affection et l’appartenance. « Vous aimez chacun d’entre eux comme votre enfant et vous les chérissez » (You love each like your child and you hold them dear). A bien des égards, ceci est à la base de la superbe écriture de Boulter. C’est peut-être un monde stagnant, mourant, mais c’est un monde qui appartient au narrateur. C’est son monde, et il capture parfaitement la poésie de la vie quotidienne dans cette ville muette et en déclin.

Superbement interprété par Boulter et ses invités, avec des mélodies plutôt magnifiques et une écriture poétique, Boulter a livré un album assez spécial, qui mérite l’attention. Clifftown nous offre une écoute obsédante ; il suffit de se laisser envahir par son côté poignant pour que sa grandeur tranquille s’infiltrera doucement dans votre âme si elle est prête à l’accueillir.

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Ninebarrow – duo composé de Jon Whitley et Jay LaBouchardiere – avait prévu de poursuivre sa série impressionnante et incessante de concerts à travers le pays l’année dernière. Bien sûr, la pandémie a payé pour cela, mais les Ninebarrow ont été inventifs au point de donner une série de concerts de haute qualité en streaming, produisent une série de guides de marche dans leur Dorset natal et sortent le délicieux « single » caritatif « The Hour of the Blackbird » mettant en scène deux chorales. Ils sont ainsi simplement montré que l’on peut adapter sa musique à l’époque où nous vivons, même si se produire en direct devant un public est un grand manque pour les musiciens et les fans.

Ninebarrow est à nouveau rejoint par son groupe – Lee Mackenzie (violoncelle), John Parker (percussions) et John Parker (contrebasse), avec Mark Tucker qui produit à nouveau comme il l’a fait sur The Waters & The Wilden 2018.

Le morceau d’ouverture « Come January » résume parfaitement le son de Ninebarrow, une composition originale qui souligne la façon dont les voix de Jon et de Jay se complètent.

L’avantage de la musique folk, c’est qu’elle peut rappeler le passé, que ce soit en réinterprétant des standards folk ou en basant de nouvelles chansons sur le passé, et commenter le présent, comme le fait « Under the Fence ». Cette chanson est basée sur le fait que le duo regarde un documentaire sur l’un des camps de réfugiés à Calais. Elle provoque la réflexion, de manière subtile, et même si c’est une nouvelle chanson, elle doit une partie de sa création à une composition plus ancienne, « Cold, Haily, Windy Night ».

Le son du groupe peut être entendu dans son intégralité sur « Cry Unity » – Ninebarrow au plus rock ! Les percussions et la contrebasse confèrent à cette chanson un dynamisme supplémentaire et certainement un atout pour les futurs concerts.

La popularité actuelle pour les chants de mer devrait susciter un intérêt supplémentaire pour « Farewell Shanty ». Avec Ninebarrow, vous revenez sans cesse à leurs prouesses vocales et cela est bien illustré sur ce type de compositions Le duo sait, à cet égard, donner sa propre tournure musicale à des standards folk, notamment sur « Hey John Barleycorn », un morceau qui pourrait devenir un grand favori sur scène.

« Sailors All » complètera l’album d’une manière douce mais mémorable, où les sublimes voix du duo sont au centre de la scène, soutenues par le jeu de piano de Jon.

L’album est accompagné d’un livret de paroles merveilleusement illustré et mis en page, qui donne non seulement les paroles mais aussi les histoires qui se cachent derrière chaque chanson. Ce sont vraiment de petites touches comme celle-ci qui distinguent ce groupe de beaucoup de ses contemporains.

Ninebarrow ne cesse de se développer et cet album sera probablement considéré comme leur meilleur à ce jour, ce qui n’est pas une mince affaire vu la force de leurs trois albums précédents. Un album folk pour cette année qu s’est ouverte, et même pour n’importe quelle année.

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Two Saviors est un peu un mystère, tout comme son créateur Buck Meek. Meek, un homme de la campagne de Wimberly, Texas, s’est installé au Texas et a sorti deux EPs en solo. Il a rencontré Adrianne Lenker et a enregistré deux autres EPs avant de se transformer en quatre morceaux et de devenir Big Thief. Il va sans dire que ce fut une aventure un peu folle, mais qui est devenue le mystère de son deuxième album solo.

En enregistrant avec la même distribution de personnages que celle qui a créé Buck Meek il y a deux ans, Meek et sa compagnie sont passés de leurs récits axés sur les personnages à quelque chose de beaucoup plus mystérieux. Il y a des couches dans les paroles, certaines parties se balancent logiquement, tandis que d’autres se mettent en place presque comme quelque chose d’un univers alternatif. Pourtant, musicalement, cette collection se joue dans un cadre plus simple que les arrangements intutifs du premier album.

Les histoires racontées par Meek existent dans un monde souterrain basé sur la réalité, mais pas toujours de la façon dont on pourrait s’y attendre. L’introduction de « Pareidolia » est un morceau acoustique relativement simple, mais l’entrée du groupe entier l’envoie sur un chemin teinté de country, tandis que les paroles offrent des visions différentes. Pareidolia est défini comme le fait de voir des choses qui ne sont pas là, comme les visions que l’on a en regardant les nuages. Meek chante : « Pareidolia/ Avec ta tête sur mes genoux/ Sur l’herbe à bison/ Les nuages se déplacent rapidement/ Sidney, dis-moi ce que tu vois » (Pareidolia/ With your head upon my lap/ On the buffalo grass/ The clouds are moving fast/ Sidney, tell me what you see). Les visions qui suivent sont en partie ordinaires, mais elles deviennent de plus en plus extraordinaires.

D’autres contes traitent d’un monde un peu plus stable, mais Meek trouve des courbes et des ronds qui chargent les chansons de manière inattendue. Le monde de « Candle » semble plus ordinaire et plus logique, mais il est imprégné d’un sentiment de paranoïa que la guitare à coulisse et le piano ne parviennent pas à dissiper. Le refrain crée une série de questions, « Vos yeux ont-ils changé ? Je me souviens qu’ils étaient bleus/ Ou bien toujours noisette ? / Toujours le même visage avec un trait ou deux/ Le même amour que j’ai toujours connu » (Did your eyes change? I remember them blue/ Or were they always hazel?/ Still the same face with a line or two/ The same love I always knew . Pourtant, le chanteur est assailli par l’idée d’être suivi.

Des images de piscines avec de la térébenthine existent dans le même espace qu’un « single « qui prétend qu’il ferait « n’importe quoi pour vous » sur « Ham on White ». Tel est l’univers de Buck Meek, mais ce n’est pas tout à fait inattendu puisque l’album a été enregistré dans la chaleur estivale de la Nouvelle-Orléans, un endroit qui est un monde en soi, unique et mystérieux à part entière.

Pourtant, en son cœur, Two Saviors est une collection de chansons qui semblent toucher toutes les bonnes notes, créant un air doux et comprifié qui va à l’encontre de nombreux mystères présents dans les paroles. Le monde de Meek est assez grand pour toutes les contradictions, parce que nous passons tous par une série de pensées et de sentiments contradictoires. À vet égard, Buck Meek exprime simplement la dichotomie qui existe en chacun de nous.

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