Ray Lamontagne : « Monovision »

Maintenant que l’auteur-compositeur-interprète Ray LaMontagne a sorti de son système le apce rock de ses deux précédents albums, il revient à l’essentiel sur cet opus studio, huit ième du nom. Il ramène le son à l’essentiel, bien en arrière, sur cet enregistrement entièrement solo. La tactique est sous-entendue par son titre Monovision et soulignée par le magnétophone à l’ancienne qui orne la pochette.

Montagne fait appel à son Tim Buckley, Cat Stevens, Neil Young et Van Morrison sur ces dix morceaux, souvent feutrés et folkloriques. Peut-être cherche-t-il à reconquérir des fans qui auraient pu sauter sur ses sorties de ces dernières années ; une musique qui l’a trouvé poussant, généralement avec succès, en dehors du son plus doux et plus délicat qui a initialement attiré son important public.

À peine les percussions, l’harmonica, la guitare acoustique et, bien sûr, le chant souple et légèrement granuleux de LaMontagne sont doublés pour créer de belles chansons, même délicates, qui donnent l’impression d’avoir été enregistrées dans l’explosion folk-pop du début des années soixante-dix. Des titres comme « Highway to the Sun », » »Summer Clouds » et « Weeping Willow » sont également influencés par le recueil de chansons de Donovan.

La plupart des morceaux restent ancrés dans un groove discret, décontracté et subtil, tout en étant délicieusement arrangé. Sur le plan des paroles, les choses suivent le même chemin, l’auteur-compositeur-interprète envisageant désormais l’amour des deux côtés, comme sur le doux-amer « We’ll Make it Through ». Il livre les rêveries romantiques de « Morning Comes Wearing Diamonds » (un concept très proche de Donovan également) en chantant « Morning comes wearing diamonds/There she is, her eyes are smiling/Throwing gold through the windows to the floor/I hear a bird singing a song I’ve never heard before » (Le matin arrive portant des diamants/La voilà, ses yeux sourient/Jetant de l’or par les fenêtres au sol/J’entends un oiseau chanter une chanson que je n’avais jamais entendue auparavant) avec une sincérité si douce qu’elle fera fondre le cœur de l’auditeur le plus stoïque.

La légère inclinaison country de la douce ouverture « Roll Me Mama Roll Me » est brisée par la voix rauque et mélancolique de LaMontagne. Seul « Strong Enoug » s’approche du rock avec une stature bluesy qui se rapproche du mid-tempo roll de JJ Cale. Et même lorsque les paroles frôlent le cliché, comme dans « I Was Born to Love You » avec « I could sing you a song, play you a tune/I know it’s just a little thing, but it’s something I can do », le sens de la mélodie assuré de LaMontagne et sa voix sensible mais jamais schnockée sont si légers, discrets et bien, charmants, que vous ne pourrez qu’aller vers lui. Sur « Misty Morning Rain », LaMontagne fait référence au Astral Weeks de Morrison, en y insufflant une approche d’improvisation jazzy, en ajoutant des percussions légèrement frappantes et un solo de guitare acoustique. On peut retrouver une ligne directe avec Harvest de Neil Young sur « Rocky Mountain Healin’ », notamment dans le son frémissant de l’harmonica de LaMontagne.

Il y a une chaleur apaisante, mais jamais clichée, dans ce style rétro. Tant le savoir-faire de LaMontagne dans la composition de ces chansons que son jeu facile et non accompagné seront un réconfort pour les adeptes établis qui devraient accueillir ce retour aux sources des plus organiques.

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Neil Young: « Homegrown »

Les fans de Neil Youg ont attendu 46 ans pour Homegrown. Young appelle le disque « celui qui s’est échappé ». Enregistrés pendant les deux mêmes années que On The Beach (1974) et Tonight’s The Night (1975), les trois albums sont, du point de vue sonore, des sœurs. Mais chacun raconte sa propre histoire. 

Tonight’s The Night est un traitement de la mort, enregistré dans un sillage de deuil après la perte du guitariste du Crazy Horse Danny Whitten et du roadie et ami de longue date de Young, Bruce Barry. Tous deux sont morts d’une overdose d’héroïne. On The Beach est le son d’un surfeur exposé et désolé, enregistré aprèsTonight’s The Night mais sorti avant. Tous deux ressentent le besoin de se laisser emporter par l’inconnu, car il n’y a rien d’autre.

Homegrown est un disque déchirant écrit et enregistré après la séparation de Young avec l’actrice Carrie Snodgress. En 1972, ils ont eu un fils, Zeke. Après l’avoir terminé, Young a jugé Homegrown trop personnel et l’a enfermé. 

Quelques titres de Homegrown sont apparus sur des albums studio et des compilations ultérieures, et il a joué en live avec CSNY et le Crazy Horse. Ce disque perdu est plus important que The Basement Tapes de Bob Dylan (enregistré avec The Band en 1964 après l’accident de moto de Dylan et sorti en 1975) car les fans savaient que Homegrown était là depuis le début. Le mystère pur est plus lourd que la surprise.

Dans le communiqué de presse officiel, Young le décrit comme « le pont inédit entre Harvest et Comes a Time. Dans ses archives en ligne, il explique : « Cet album Homegrown aurait dû être là pour vous quelques années après Harvest. C’est le côté triste d’une histoire d’amour. Les dégâts causés. Le chagrin d’amour. Je ne pouvais pas l’écouter. Je voulais passer à autre chose. Alors je l’ai gardé pour moi, caché dans le coffre-fort, sur l’étagère, au fond de mon esprit….mais j’aurais dû le partager. En fait, c’est très beau. C’est pourquoi je l’ai fait en premier lieu. Parfois, la vie fait mal. Vous savez ce que je veux dire ». Initialement prévu pour une sortie en avril, il a été repoussé en raison de la quarantaine COVID. Maintenant, Homegrown est enfin là. 

Levon Helm déchire le disque avec des pièges pointus et serrés sur « Separate Ways ». Le bassiste de longue date de Young, Tim Drummond, bat la chamade et le chant de Young n’a jamais été aussi frais : « Et c’est grâce / à cet amour que nous avons connu / qui fait tourner le monde / Des chemins séparés, des chemins séparés »( And it’s all because / Of that love we knew / That makes the world go round / Separate ways, separate ways) , chante-t-il en guise de promesse d’une fin et un clin d’œil vers un début.

« Love Is A Rose » est une chanson folklorique brillante, une reprise de « Dance Dance Dance » de ses débuts éponymes. La chanson titre est une jam un peu trop courte, la chanson que vous jouez quand vous arrivez dans votre ville natale, peu importe combien de temps vous avez été absent. C’est un blues sui apporte confort et réconfort

À mi-chemin de l’enregistrement, Young dit en studio : « Let’s go to Florida » et ce qui s’en suit est la narration d’un rêve. Il y a des planeurs dans le ciel, qui se faufilent entre les bâtiments et se faufilent dans les ruelles. « Je ne pouvais pas croire que cela se produisait vraiment », dit-il. « Je n’arrive pas à y croire. Ce n’est pas réel. » Un homme de l’un des planeurs fonce dans un immeuble et tombe sur un couple qui se tient dans la rue. Derrière la voix de Young, les sons stridents des verres à vin et des cordes de piano créent une atmosphère menaçante. « J’ai couru vers eux et j’ai pu voir qu’ils étaient vraiment partis. » Un bébé apparaît et Young le prend. Une femme essaie de lui dire que c’est le sien, et il annonce alors qu’il appartient au couple, maintenant disparu. 

« “Florida »débute sur une question : « Que leur est-il arrivé ? » Il pourrait s’agir d’une allégorie : un homme qui vole, qui tombe, un couple qui disparaît et un enfant sans surveillance. Mais je crois que la réponse se trouve sur le morceau suivant, « Kansas ». Une histoire au ralenti, une version différente de ce qui s’est passé en Floride : « Je me sens comme si je me réveillais d’un mauvais rêve » (I just feel like I woke up from a bad dream), chante Young. « C’est si bon de t’avoir à mes côtés / bien que je ne sois pas si sûr / si je connais même ton nom / accroche-toi bébé, accroche-toi / nous pouvons aller planer dans l’air / loin des larmes que tu as pleuré. »Tu vois ce mot « glisser » ? Oui, je le vois aussi. » (I just feel like I woke up from a bad dream,” Young sings. “It’s so good to have you sleeping by my side / although I’m not so sure / if I even know your name / hold on baby, hold on / we can go gliding through the air / far from the tears you’ve cried.” See that word “gliding?” Yes, I see it too. 

Helm et Drummond s’associent pour le deuxième morceau, « Try », un hommage à Snodgress. C’est Young qui gribouille au piano à la fin et sur « Mexico », il est seul derrière les touches. Le piano souligne organiquement la fragilité de la voix de Young, ce qui les rend parfaitement compatibles.

La clarté de l’enregistrement de Homegrown est irréelle et le personnel est en plus. Les tambours de Helm sont difficiles à battre, il est donc normal qu’un autre membre du groupe puisse le faire. La guitare de Robbie Robertson sur « White Line » est si tendre et texturée qu’il est naturel de la superposer à celle de Young. 

« Vacancy », le premier « single », est du Neil Young classique ; un de ces titres que vous avez eu envie pendant toutes ces années. Montez le volume et laissez-vous emporter. La suite, « Little Wing », est une berceuse acoustique : « L’hiver est le meilleur moment de tous » (winter is the best time of them all) On peut presque entendre la neige qui tombe en arrière-plan. La maîtrise et le contrôle de la guitare de Young sont mis en valeur sur l’ensemble du disque. Son travail à l’harmonica est tout aussi remarquable. C’est du blues, du folk, du grunge avant qu’il n’ait un nom. 

Young garde le meilleur pour la fin et partage ses tâches vocales avec Emmylou Harris sur « Star of Bethlehem ». Harris chante en soutien sur « Try » mais sa voix est ici sans équivoque. Ben Keith pose les guitares slide et pedal steel, prend le dobro et se met au chant. Et si vous avez oublié ce qu’est Homegrown, laissez la dernière ligne vous le dire : « peut-être que la star de Bethléem n’était pas du tout une star » (maybe the star of Bethlehem wasn’t a star at all.). » 

En ce qui concerne ces « feux de signalisation », Homegrown est un chemin vers de nombreux endroits : le Mexique, la Floride, le Kansas, la ligne blanche sur la route. Enregistré à Redwood City, Los Angeles, Nashville et Londres, on se demande si le lieu est plus qu’un thème. Peut-on être chez soi partout où on le laisse ? Ou est-ce simplement un état d’esprit ?

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Modern Studies: « The Weight of the Sun »

Nous avons tous droit à des passions privées et à une musique qui nous séduit d’une manière que nous soupçonnons que d’autres pourraient apprécier, mais que nous ne découvrons malheureusement jamais.

C’est ainsi qu’avec le quatuor britannique Modern Studies dont les deux précédents albums Swell to Great et Welcome Strangers (ainsi qu’un intéressant remix de Swell to Great par Tommy Perman en tant qu’Emergent Slow Arc) nous avons pris un plaisir tranquille.

Les pochettes des albums Modern Studies sont opaques mais évocatrices (paysage brumeux ? le monde naturel qui se retourne par la fenêtre ?), sur les photos, elles semblent accessibles et savantes … et leur musique reflète tout cela.

Elles offrent une sorte de folk-rock atmosphérique, lourd et profond, parfois slo-mo, qui peut parfois se rapprocher du folk psychédélique le plus intelligent de la fin des années 60 (essayez le doom imminent de « Run for Cover » sur ce troisième album).

Les rythmes enjoués (« Spaces » qui dérive sur une batterie et une basse douces) et l’interaction séduisante des voix de Rob St John et Emily Scott (She) sont des éléments qui permettent de laisser de côté les humeurs déprimées (« Signs of Use »).

Comme auparavant, la nature est une force éternelle et une pierre de touche imaginaire dans leurs textes littéraires, et ils sont mariés aux touches les plus légères du folk-rock mélodique souvent sublime / du krautrock cosmique / de l’Anglo-folk sous-jacent.

Peu de gens peuvent écrire des textes comme celui-ci, dans la douce Forme de la lumière où la voix sombre de St John est soutenue par l’écho éthéré de Scott : « Le bleu noir de la ligne du crépuscule, la neige fondue sur les robinets d’ardoise qui déverse le temps. Forme de lumière, tout le monde vibre, forme de lumière, tiens-moi comme tu l’as fait, comme tu l’as fait avant. Les jours dérivent, les années changent, pour le seul que j’aie jamais connu, dans la brume bleue claire, le seul que j’aie jamais connu. Forme de la lumière… » (The whale-black bruise of the twilight line, sleet on slate taps unspooling time. Shape of light, everybody vibrating, shape of light, hold me like you did, like you did before. Days drift, years shift, for the only one I ever knew, in the clear blue mist, the only one I ever knew. Shape of light . . .)

Ils vous facilitent l’accès à l’album avec la photographie, un cliché séduisant ou l’ordinaire et une menace voilée, puis ajoutent à la palette de pastels, le style de « Run for Cover » « Chaque nuage est lourd comme la nuit qui vient de commencer » (every cloud is heavy-browed like the night has just begun » et le folk country rock de « Heavy Water » : « Ça a été un long chemin maintenant, retour à l’endroit où je vous ai trouvé / la respiration de la tempête, la chaleur de notre habillement » ( it’s been a long way now, back to the place where i found you/ the storm breathing, the warmth from our clothes ». Modern Studies sont peut-être une passion privée, mais c’est une passion, qu’ailleurs, on tient à partager.

***1/2

The Ballroom Thieves: « Unlovely »

Beaucoup de laideur se niche dans Unlovely, le troisième album complet du trio The Ballroom Thieves, basé à Boston. Le monde brûle (« In the Dark »), il y a de la colère (« Homme Run ») et de la douleur (« Don’t Wanna Dance »), et une cacophonie de mauvaises nouvelles vous enveloppe (« Unlovely »). En plus de tout cela, les menteurs sont partout : Un escroc égoïste est au centre de « Vanity Trip » » et les menteurs sont la cause de l’exaspération qui suinte sur le dernier morceau « For Hitchens » : « Pourquoi les laissez-vous vous mentir ? » (Why do you let them lie to you?) demande le trio.

Et pourtant, Unlovely est charmant. The Ballroom Thieves font face à la laideur et à l’injustice des sphères personnelles et publiques avec une énergie imperturbable, et à leur tour ils ont fait un album dynamique. Unlovely incarne l’atmosphère conviviale d’une manifestation

De piste en piste, les arrangements du combo conservent une énergie ludique similaire mais ne sonnent jamais tout à fait de la même façon.

Avec des chansons allant de ballades folkloriques tranquilles à des morceaux de rock endiablés avec un soupçon de cornes, Unlovely est un disque tentaculaire sur le plan sonore, mais en étant toujours ancré avec les appels à la justice, il ne semble que rarement déconcentré. Le titre intelligent « Homme Run », par exemple, est l’une des chansons les plus dépouillées du disque, avec le chant de Calin Peters et le rythme de guitare valse de Martin Earley en son centre, tandis que « Begin Again » est un morceau de rock scratché avec des guitares qui hurlent et beuglent, et les deux morceaux soulignent la nécessité de démanteler le patriarcat.

Le contraste entre l’obscurité et la lumière est un point central de l’album alors que le groupe patauge dans la disharmonie contemporaine mais l’associe à des mélodies enjouées. Dans les derniers moments de « Tenebrist » » un morceau de rock funky dont le titre fait référence à un style de peinture marqué par le contraste saisissant entre les tons sombres et clairs, The Ballroom Thieves se réunissent et énoncent ce qui semble être au cœur de ce que véhicule Unlovely : « Nous avons besoin de l’obscurité pour connaître la lumière. » ( We need the dark to know the light).

***1/2

Kyle Forester: « Hearts In Gardens »

Kyle Forester – Hearts In Gardens

Quand on écoute beaucoup de musique, on passeune grande partie de son temps à se concentrer sur le personnage principal. Entre le chant et ledit personnage, il est évident que ce derenier occupe la majeure partie de notre attention. Mais dans l’ombre se trouve le reste du groupe, qui se défoule sérieusement. Si de nombreux membres du groupe sont heureux de continuer à jouer en arrière-plan, certains sont si talentueux musicalement que ce serait un crime de les garder en arrière-plan. Entre ici Kyle Forester.

Depuis plus de 15 ans, Kyle Forester prête ses prouesses musicales à des groupes comme The Ladybug Transistor et Crystal Stilts. Avant son premier album, sorti en 2016, il était une force musicale reconnue pour son talent. Avec lui vient aujourd’hui son deuxième album Hearts In Gardens. Il s’agit d’un mélange de power pop et de soft rock, le tout dans une teinte inspirée des années 70. Il combine le piano, les synthés et, à l’occasion, une section de cuivres pour briser ses riffs de guitare.

« Know What You’re Doing » est un morceau bien arrangé qui ouvre l’album. Avec sa mélodie accrocheuse, il vous entraîne tout droit dans le disque. En tant que guitariste chevronné, il n’est pas surprenant que Forester ouvre le morceau avec une mélodie très longue à la six cordes, mais ce qui est vraiment surprenant, c’est la façon dont il l’aborde. Il superpose un synthé, pour accompagner la guitare bien enracinée avec un synthé dont le tintement soulève le morceau de ses racines et le fait flotter. Avec la voix de Forester qui se fond dans le morceau, cette chanson donne le ton parfait pour l’album.

L’artiste est un touche-à-tout en matière de musique et si beaucoup parlent de ses talents de compositeur et de guitariste, très peu évoquent sa voix. À la première écoute, il est facile de ne la pas mentionner, mais Hearts In Gardens le voit l’utiliser de façon monotone à son avantage. Au lieu de prendre le devant de la scène, elle se fraye un chemin à travers la mélodie. « Lily » est un morceau simple, mais la voix de Forester se marie avec la guitare qui gratte et le simple rythme de la batterie et crée un morceau profondément ancré dans le folk-rock sans toute la dramaturgie vocale.

« Turn of the Century » placé au centre de l’album est un autre hommage au folk-rock. Les harmonies de Forester vous laissent un peu sur votre faim, maison ne s’y attardea pas longtemps d’autant qu’avec l’inclusion d’une subtile section de cuivres, il élargit l’horizon du folk-rock, guidant ses auditeurs vers un montagne musical qui ne peut que nous faire regarder de l’avant en matière de msique traditionnelle. Cela peut sembler un simple morceau, mais l’expérience musicale de Forester et le traitement du morceau en font l’un des meilleurs de l’album.

Les dix titres de cet opus témoignent de son expérience et de sa confiance. Il est également subtil et discret, ce qui est assez inhabituel pour un frontman. Mais dans le cas de Forester, cela joue en sa faveur. Hearts In Gardens est mesuré, bien rythmé et parfaitement placé dans le paysage folk-rock.

***1/2

Mikal Cronin: « Seeker »

Mikal Cronin est un membre en règle du Freedom Band, groupe qui accompagne Ty Segall en studio et en concert. Cronin est également un auteur-compositeur doué qui a déjà fait paraître trois albums en carrière : les excellents MCII et MCIII.

En mode solo, l’Américain est nettement moins lourd que Segall. En fait, Cronin enrobe toujours ses chansons dans un habillage influencé par la power-pop, recelant quelques pointes de rock garage. Après quatre années d’absence, le multi-instrumentiste est de retour avec un quatrième album studio intitulé Seeker.

Enregistré et mixé par Jason Quever (meneur de la formation indie-pop Papercuts), interprété avec l’aide de ses acolytes du Freedom Band, ce nouvel album marque un important changement de cap dans ce qu’il nous a toujours proposé. Et ce n’est pas étranger au fait que le Californien d’origine a connu les affres de la déception amoureuse, ce qui l’a poussé à se réfugier dans un chalet afin d’écrire et de composer ces dix nouvelles chansons.

Dans ses introspections, Cronin sonde intensément son esprit afin de percevoir la lumière au bout du tunnel, même s’il sombre parfois dans une vengeance un peu puérile (« Free It All »).

Musicalement, l’artiste nous offre un disque en parfaite cohérence avec ses incertitudes. En revanche, Seeker est un opus de transition qui souffre d’une direction artistique imprécise.

On y entend des influences folk-rock à la Tom Petty (« Show Me » en est un quasi-pastiche) ainsi qu’une incursion dans un rock arabisant à la Led Zep (« Shelter) ». Cependant, Cronin garde en vie les explosions sonores aux accents garage qui le caractérisent si bien (« Caravan ») et puisque l’homme est un maître mélodiste – et qu’il n’a rien perdu de son talent – les ballades pianistiques « On the Shelf » et « Sold « lui vont comme un gant.

D’autres chansons font également le travail. Malgré la ressemblance mélodique indéniable avec « Dear Prudence », « I’ve Got Reason « est fougueuse et parfaitement accrocheuse. « Guardian Well « possède un je-ne-sais-quoi de Neil Toung & Crazy Horse et malgré les lamentations de Cronin, la power-pop orchestrale « Feel It All » est une véritable pourvoyeuse de frissons.

Seeker est loin d’être exécrable, mais le virage artistique n’est pas tout à fait assumé pour être pleinement satisfaisant. Cronin n’a rien perdu de son talent. Pour lui, il s’agit maintenant de solidifier les assises de cette nouvelle direction musicale.

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Richard Dawson: « 2020 »

Ce musicien est originaire de Newcastle en Angleterre. Il a déjà publié deux superbes albums : Nothing Important (2014) et Peasant (2017); disque qui l’a révélé à un public plus large. Depuis ses tout débuts, l’inclassable « folker » incorpore à sa musique des influences de blues, de folk africain, et de prog-rock. Ainsi, il s’intéresse même au Qawwali; musique jouée dans les sanctuaires soufis au Pakistan et en Inde qui fut popularisée par Nursat Fateh Ali Khan, le défunt maître pakistanais. Dawson est un musicien compétent et cultivé.

Littérairement parlant, il est l’un des meilleurs paroliers du Royaume-Unii si ce n’est le meilleur. Sur Peasant, entre autres, l’auteur nous présentait 11 personnages différents, répartis en autant de chansons, qui racontaient leurs histoires personnelles selon leur propre perspective. Il est un maître pour saisir les préoccupations de l’Anglais dit « moyen ».

Tout ce magnifique ouvrage se poursuit avec le 6e album dans la carrière de ce « songwriter » de génie. 2020 fait une entrée fracassante dans cette année musicale. Ce nouvel album est un portrait irrécusable d’une Angleterre en profonde mutation, au bord de la débâcle sociale et qui ne trouve plus ses repères.

Le pays dépeint par Dawson met en valeur des individus éprouvés par de sincères préoccupations (conflits, désirs inassouvis, etc.). Ces hommes et ces femmes snobés, mis au rancart par une élite médiatique, politique et économique et qui, aujourd’hui, se tournent vers l’extrêmisme pour se faire entendre…

Des fonctionnaires insatisfaits rêvant de jours meilleurs, des coureurs angoissés, d’humbles locataires incapables de dénicher un logement à prix abordable, des immigrants agressés sauvagement sous l’oeil complice de la police, des tripeux de foot qui rêvent d’être le prochain Lionel Messi et des propriétaires de tavernes victimes d’inondations répétitives (conséquences brutales des changements climatiques), tous ces personnages respirent l’infortune.

Dawson est un storyteller, un vrai, sincèrement préoccupé par la condition humaine plutôt que par le jmoi-je si caractéristique de notre époque.

Dans « Fulfilment Center », l’artiste nous offre une épopée d’une durée de 10 minutes qui raconte l’histoire d’un ouvrier, bossant sur une chaîne de montage et totalement aliéné par son travail qui, derrière sa machine, est touché par la grâce,en une sorte de révélation semblable à une épiphanie.

Musicalement, malgré l’instrumentation classique (guitares, synthés, basse, batterie), les compositions de Dawson sont tortueuses et inventives. L’homme nous surprend toujours avec un accord sorti de nulle part, un changement de rythme atypique ou une inflexion vocale dissonante. Et que dire de ces mélodies fortement inspirées du folklore anglais ? Tout ce talent s’exprime avec une facilité déconcertante, et ce, sans jamais verser dans la ringardise.

Virtuosité, éloquence, humour noir, authenticité (pas celle promue par le merveilleux monde du marketing), ce gars-là a toutes les qualités requises pour être l’un des plus importants artistes folk de notre époque… et Dieu sait que les mièvres prétendants à cette couronne sont nombreux.

Aussi, si vous avez envie de prêter l’oreille à un album aussi roboratif que sincère, ce 2020 pourrait bien être une album folk rock digne de figure sur votre table de chevet.

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Skinny Lister: « This Story Is… »

This Story Is est un mélange de rock folk estampillé UK, très sympathique, entraînant, et donnant un sentiment d’axaltation. Ses 14 titres nous ramènent aux bons souvenirs des années 80, quand les groupes anglais sortaient pléthores de titres furieusement simples, mais diablement efficaces.
Au regard des thèmes développés, on comprend bien en fait, que les histoires de This Story Is… sont une série de tranches de vie, réalistes et disparates : la vie d’un toxico, l’acte d’un pyromane qui a mis le feu dans l’appartement du chanteur, la perte d’un ami suite à un suicide, mais aussi la libre circulation des armes aux US, l’histoire d’une fausse alerte à la bombe nucléaire ou une erreur d’essence à la pompe !
Le quintet londonien emmené par le duo de chanteur originel Dan Heptinstall et Loma Thomas, aborde tous ces thèmes avec tout autant de légères variations folk rock, et réussit cette combinaison  doucement et parfois délicieusement caustique sur quasiment tout l’album.
**1/2

The Lumineers: « III »

Vraie sensation aux États-Unis ce groupe de tendance folk-rock effectue ici son retour. Pour son disque sobrement intitulé III” les Américains racontent une histoire où, formellement, chaque morceau sera accompagné d’un clip, formant un long-métrage relatant l’histoire d’une famille à travers différentes générations. Le film a d’ailleurs été entièrement diffusé lors du Toronto International Film Festival.

Le cœur de l’histoire est celui d’une famille de la classe moyenne et le disque va se diviser en trois chapitres. Le disque se divise en trois chapitres, le premier se consacre à Gloria Sparks. Et il est fait d’une entrée en matière tout en douceur avec « Donna » ; un piano entêtant qui nous embarque immédiatement dans une atmosphère mélancolique. Cette première partie relate l’histoire d’une mère addict, avec des paroles plus sombres que ce que l’on a pu connaître de la formation auparavant. La chanson « Gloria » signera la fin de cette partie de concluant sur la fuite du personnage.

Suivra un bond en avant on se se retrouvera ensuite aux côtés du petit-fils, Junior Sparks. Jeune homme qui vit sa première rupture et il habite avec un père violent. Encore une fois, les textes sont plus durs, notamment sur « Leader Of The Landslide » où il est question de folie et d’alcool et, là encore, le dénouement se résoudra par une fuite.

L’ultime chapitre fait référence au père de Junior, Jimmy Sparks. Le début de son histoire, « My Cell », est probablement la plus jolie ccomposition de l’ensemble. Elle véhicule un climat un sentiment fataliste, que le fond de piano rendra encore plus prégnant. Son histoire est claire : le fils de Gloria a suivi le même chemin. Le dernier titre « Salt And The Sea »est révélateur :le sel et la mer doivent cohabiter et l’un ne peut se passer de l’autre.

Ce projet, sur fond de folk, est certes nouveau mais on y retrouve ce qui fait la particularité de The Lumineers : la voix cassée, parfois poussée et accompagnée de choeurs de Wesley Schultz, la guitare rythmée, les notes au piano. Si l’atmosphère est plus lourde par rapport à ce à quoi le groupe nous a habitués, on retrouve la patte des artistes. C’est le cas sur « Gloria », qui fait référence à une femme alcoolique, mais qui repose sur un instrumental reconnaissable entre mille.

Cerise sur le gâteau, III comprend trois titres bonus. Des morceaux assez diversifiés, quipermettent de terminer l’écoute sur une note plus colorée, comme « Soundtrack Song ». Une bonne façon de conclure une œuvre qui marque un tournant dans la carrière de The Lumineers. Loin de se reposer sur ses lauriers, The Lumineers frappe un grand coup et nous emmène dans une histoire atypique qui devrait lui permettre de renconter un plus large public.

***1/2

Duncan Evans: « Prayers For An Absentee »

Le seul titre de gloire de Duncan Evans est d’avoir, sous le pseudonyme de Henry Hyde Bronson, joué dans A Forest Of Stars. Prayers For An Absentee est son deuxième album solo, faisant suite à Lodestone publié en 2013, alors qu’il faisait encore partie de AFOS.

Prayers Of An Absentee se présente plutôt comme une collection de huit chansons Folk Rock finement ciselées. Chacune possède sa propre identité, liées par une voix dans les fréquences médium et légèrement maniérée. Il se dégage de l’ensemble un feeling 70’s, lorgnant parfois vers les 80’s. Les mélodies ne sont pas tape-à-l’oeil, que cela soit au niveau musical ou vocal et, étant conscient que sa vioix n’est pas son meilleur atout, il ne la force pas, préférant miser sur les modulation et l’émotion même si, parfois, cela peut être surjoué (le refrain de « Us And Them And You And Me »). Le premier nom à venir à l’esprit sera à cet égard, celui de Nick Cave, du fait de la chaleur du timbre, enveloppant.

La guitare, électrique ou acoustique, mène la danse, les titres sont plus longs que les standards, habituels ; on tourne quasiment systématiquement au-delà des 5 minutes, avec des structures simples, des refrains facilement identifiables, même si il y a peu de chance qu’on puisse s’y identifier. Les arrangements sont discrets mais bien présents, claviers, chœurs, chant féminin… Sur « Trembling », les compteurs s’emballeront et l’influence Prog Rock seventies se era sensible, avec un long solo de guitare final, rappelant à la fois « Freebird » ou « Hotel California ».

Prayers For An Absentee n’est clairement pas l’album de l’année, mais il est le reflet de la passion qui anime Evans. À défaut d’être d’une originalité folle ,il aura le mérite d’être sérieusement et honnêtement excécuté.

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