Björk: « Fossora »

4 octobre 2022

Fossora – la version féminine non grammaticale du terme latin pour « creuseur » – retrouve les racines de l’icône islandaise de l’art pop Björk fermement accrochées à la terre alors qu’elle avance ses paysages sonores avant-pop hivernaux caractéristiques, explorant les préoccupations d’identité, de deuil et de désir de connexion dans un monde de plus en plus isolé. Beaucoup plus lourd que l’aérien Utopia en 2017, le 10e album studio de Björk reflète l’état émotionnel de la chanteuse alors que la société traverse sa troisième année d’une pandémie mondiale particulièrement destructrice. Les structures décousues de ses morceaux témoignent de la frénésie culturelle ressentie, sa juxtaposition de baroque lisse et d’électropop souvent abrasive est l’incarnation sonore de la confusion ressentie et des dommages causés. Les albums de Björk ont toujours été profondément liés à ses propres expériences, et Fossora n’est pas différent. L’album est un produit fascinant d’une décennie déjà tumultueuse, et l’on sent qu’une grande quantité de travail et d’expertise a été appliquée à sa composition méticuleuse. Cela dit, Fossora est très expérimental, même selon les normes de Björk, et est donc moins accessible que ses prédécesseurs les plus récents, Utopia et Vulnicura. Les éclats enivrants d’enchantement intrinsèque que l’on ressentait tout au long des précédentes sorties sont peu fréquents ici, même si l’on peut dire que Björk a cherché à faire plus que simplement éblouir sur Fossora.

Sur le morceau d’ouverture « Atopos », Björk réfléchit à la vie dans et après l’enfermement, se demandant immédiatement : « Ne s’agit-il pas simplement d’excuses pour ne pas se connecter ? ». Il s’agit de l’un des morceaux les plus forts de l’album, dont la légèreté orchestrale est contrebalancée par un rythme industriel glacial. Björk dénonce le climat actuel de volatilité et de division, déclarant : « Notre union est plus forte que nous, l’espoir est un muscle qui nous permet de nous connecter » (Our union is stronger than us/Hope is a muscle/That allows us to connect). Ensuite, l’époustouflante « Ovule » – le chef-d’œuvre de Fossora et l’une des meilleures chansons de Björk de ces dix dernières années – déclenche un élan confessionnel d’introspection tendre, ramenant la chanteuse aux sommets triomphants de « Who Is It » de 2004. Ici, Björk chante : « Quand j’étais une fille, j’avais l’impression que l’amour était un bâtiment vers lequel je marchais, mais des divorces démoniaques et mortels ont démoli l’idéal » (When I was a girl/I felt love was a building/I marched towards/But deadly demonic divorces demolished/The ideal., avant de se replonger dans la passion, célébrant deux « avatars amoureux dans une coquille » (two “lovemaking avatars/In a shell.

À elle seule, « Ovule » fait que Fossora vaut la peine d’être écoutée. Parmi les autres titres marquants, citons la pop vocale « Sorrowful Soil » et le dévastateur « Ancestress », le premier étant un éloge et le second une épitaphe pour sa défunte mère. Ailleurs, la chanson « Allow », interprétée à la flûte, est époustouflante et met en évidence les capacités de Björk en tant que parolière dans des lignes telles que « J’ai fait une lune/une lune translucide/Imma l’a mise dehors et l’a laissée sortir pour quelqu’un/comme toi » (I made a moon/A translucent one/Imma put it out and let it out for someone/Like you). La fantaisie de « Fungal City », centrée sur la clarinette, est également émouvante, surtout lorsqu’elle est associée à des éclats occasionnels de cordes larmoyantes. Ce morceau, plus que tout autre, incarne avec succès la nature et l’esthétique de Fossora, dont l’intégralité est essentiellement un plongeon dans le monde souterrain émotionnel et créatif de Björk, un royaume souterrain de nostalgie, de tristesse et d’inspiration.

Les morceaux les plus forts de Fossora rappellent à l’auditeur que Björk possède encore le potentiel d’un génie artistique, ce qui lui permet de s’épanouir dans ces moments-là. D’autres inclusions, comme les brefs instrumentaux « Mycelia » et « Trölla-Gabba », ainsi que l’interprétation par Björk de la chanson folklorique islandaise « Fagurt Er í Fjörðum », semblent moins impératives et ne devraient pas inspirer plus de deux écoutes. « Victimhood « ,  » Freefall  » et la chanson titre sont également médiocres par rapport à des titres plus forts et n’ont pas le punch des meilleurs travaux de Björk. Encore une fois, il faut apprécier le travail apparent derrière même ces morceaux moins remarquables, mais ils n’ont pas l’attrait de « Ovule » et « Allow ».

En définitive, Fossora est une nouvelle étape dans l’évolution perpétuelle de Björk en tant qu’artiste. La pochette de l’album est remarquable – comme celle de chaque album de Björk – et Björk elle-même reste aussi charismatique et créative que jamais. Pourtant, Fossora est moins engageant qu’Utopia, Vulnicura et Biophilia et, à l’exception de  » Ovule « ,  » Ancestress  » et  » Allow « , ne peut rivaliser avec sa production des années 1990 et du début des années 2000. Cependant, il vaut la peine d’être écouté, car l’expérience est étonnamment intime, souvent intrigante, et largement naturelle dans son rythme. Comme Björk l’a mentionné dans une interview récente, Fossora a une qualité élémentaire, ses bords rugueux et son goût parfois amer étant synonymes de ceux de la terre. Cela semble être une explication significative du style stimulant de l’album, bien que les nouveaux auditeurs aient moins de chances que les inconditionnels d’accepter un tel défi à long terme.

***1/2


Noah Cyrus: « The Hardest Part »

21 septembre 2022

Noah Cyrus a travaillé pendant la majeure partie de son adolescence à démarquer sa carrière de celle de sa célèbre famille et y est généralement parvenue. Une sœur encline à faire les gros titres et les récents drames parentaux ont rendu difficile le fait de tracer sa propre voie. Mais avec deux EP et son premier album The Hardest Part, l’auteure-compositrice-interprète s’impose comme une parolière compétente et une chanteuse forte. 

The Hardest Part est une offre modeste de 10 chansons folles, parfois presque alt-country, mais la capacité de Cyrus à tisser une émotion profonde dans sa musique donne à l’album un plus grand poids. Une honnêteté déchirante, un duo époustouflant et une orchestration simpliste font d’elle la star de sa propre histoire, d’une manière à la fois rafraîchissante et déchirante.

Noah Cyrus met son âme à nu sur cet album, l’honnêteté jouant un rôle thématique majeur dans les dix chansons. Les histoires de son propre chagrin d’amour, les allusions au divorce difficile de ses parents et les chansons sur la mort donnent un ton sombre à l’album. Cependant, Cyrus écrit sur ces sujets d’une manière qui fait que l’auditeur se sent vu, rendant la réalité de la douleur plus facile à supporter.

« Mr. Percocet » est un excellent exemple de sa capacité à détailler son expérience d’une manière à laquelle les gens peuvent s’identifier sans être trop cliché. La chanson détaille une relation destructrice impliquant des drogues, des états altérés et un amour qui se présente d’une certaine façon en public et d’une autre derrière des portes fermées. La voix rauque de Cyrus détaille la douleur d’aimer quelqu’un qui prétend l’aimer en retour, d’une manière qui semble brute au-delà de ses années. « J’aimerais que tu m’aimes encore quand tes drogues ne font plus effet le matin » (“I wish that you still loved me when your drugs wear off in the morning), chante-t-elle.

Elle aborde également les sentiments d’inadéquation avec une précision douloureuse et magnifique. « Si je te donnais moins, me voudrais-tu davantage ? » demande-t-elle sur le refrain de « I Burned LA Down ».

« My Side of The Bed » aborde l’incertitude dans les relations sous l’angle de la solitude. Plutôt que d’exprimer ses craintes à voix haute, Cyrus chante le fait de se mettre à l’autre bout du lit pour donner de l’espace à son partenaire et le silence du salon lorsque personne ne sait quoi dire. « Ready To Go » est une ballade lente sur l’amour qui a suivi son cours, reliant le temps emprunté aux dernières étapes d’une relation qui aurait dû se terminer il y a longtemps. 

Le lyrisme de Cyrus brille parce que les arrangements n’en font pas trop. Les chansons reposent essentiellement sur la guitare acoustique. Très peu d’instruments électriques, de synthétiseurs ou de modulateurs vocaux, ce qui donne plus de crédibilité à l’authenticité et à l’honnêteté. Des morceaux plus rythmés, comme « I Just Want A Lover » et « Hardest Part », montrent que Noah Cyrus peut s’aventurer dans ce domaine si elle le souhaite. Mais étant donné que les thèmes de l’album sont si personnels, les vibrations lentes sont bien plus adaptées à cette collection particulière de chansons.

Le titre le plus marquant est la ballade country « Every Beginning Ends », avec Ben Gibbard de Death Cab for Cutie. Les deux chanteurs parlent d’un amour qui s’essouffle comme la dernière lueur d’une bougie qui a brûlé mais qui a perdu son combustible. La chanson est guidée par la notion que l’amour est un choix que l’on doit faire chaque jour – et lorsque les raisons initiales d’aimer quelqu’un ne sont plus là, il devient plus difficile de faire ce choix. Leurs deux voix se marient à merveille et les deux parties sont tout aussi vulnérables, ce qui ajoute à la profondeur du morceau.

Cyrus semble ne rien retenir avec The Hardest Part, et son honnêteté est payante. La ligne directrice est facile à suivre dans chaque chanson. Il y a peu de variété musicale, mais comme cela ne semble pas avoir été le but de Cyrus, c’est d’autant plus attachant.

****


Zola Jesus: « Arkhon »

23 août 2022

La fin d’une longue et importante relation est un tournant dans la vie de beaucoup de gens et signifie le début d’un nouveau chapitre qui peut s’accompagner de beaucoup de chagrin et de bouleversements émotionnels, ce qui est souvent très difficile à gérer. Arkhon, le dernier album de Nika Roza Danilova pour Zola Jesus, est une sorte d’album de rupture dans lequel elle utilise l’écriture et la musique pour surmonter ses sentiments et son chagrin. 

Le single principal, « Into The Wild », évoque la transition entre le monde qu’elle s’était construit et un avenir largement inconnu, différent de celui qu’elle avait prévu. Une grande partie de l’album parle d’un saut dans la foi pour trouver ce qui lui est réservé, tandis que le passé tire sur la corde sensible.

Les songes introspectifs de Danilova sont accompagnés d’arrangements qui jonglent avec des influences gothiques, néoclassiques, industrielles et pop. Ces morceaux tendent vers des vibrations épiques et hymniques qui nous emportent facilement dans ce drame sauvage. Il y a de fortes vibrations pop sur beaucoup de ces morceaux, particulièrement évidentes sur « Lost » et « The Fall ». Cette évolution n’est pas surprenante, car Danilova a toujours semblé avoir l’ambition d’être une pop star, mais dans le plus pur style de Zola Jesus, elle aborde l’idiome selon ses propres termes, ce qui donne généralement des résultats intéressants.

La power ballad « Desire » se distinguera par le fait que Danilova ne s’accompagne que d’un piano. La perte et l’angoisse sont évidentes, mais en chantant, Danilova relie le concept de désir à la notion bouddhiste selon laquelle le désir est la cause première de tout mal. Ce faisant, elle trouve la voie à suivre.  

Malgré cela, Danilova procède avec prudence. Les voix angéliques et rêveuses et les synthés luxueux de « Do That Anymore », ou plus précisément « can’t do that anymore », servent à rappeler à l’auditeur que les regards en arrière ne sont pas autorisés. Après le confinement, c’est un rappel de tout ce que nous considérions comme acquis avant COVID et que nous ne pouvons plus faire. Après une relation amoureuse, Danilova émerge dans un nouveau monde, de la même manière que beaucoup sortent de la chrysalide du confinement

Dans sa version la plus expérimentale et la plus intense, Sewn propose une approche dramatique de la remise à zéro et du recommencement. « Carry on / Get wrong / Set it all on fire / Carry on » (Continuer / Se tromper / Mettre le feu / Continuer), hurle-t-elle au milieu d’une tempête sauvage de tambours et de synthés déformés. Le batteur et percussionniste Matt Chamberlain, qui a été engagé pour aider Danilova à surmonter le blocage de l’écriture auquel elle a été confrontée lors de la réalisation de cet album, impose un rythme effréné sur des rythmes qui ressemblent à des batteurs qui se battent pour la suprématie du rythme. C’est une balade sauvage et l’un des morceaux phares de cet album. L’imagination gothique de Danilova fait d’Arkhon un morceau dramatique sur une rupture amoureuse, mais aussi une métaphore sur l’acceptation d’un avenir incertain et la gestion de ses immuables conséquences.

***1/2


Alex Izenberg: « Harlequin »

26 mars 2017

Après avoir passé plusieurs années à travailler et à enregistrer sous divers pseudonymes, ce multi instrumentiste sort enfin son premier opus sous sa réelle identité. Comme on pouvait s’attendre de la part de quelqu’un qui aime s’entourer de plusieurs avatars, Harlequin est un disque à la palette étendue nous offrant des matériaux musicaux divers et osés. On pourrait parler d’expérimentation tant Izeznberg ne semble pas vouloir faire l’économie des instruments dont il use avec une constante, le joie de créer qui n’est pas sans évoquer le White Album des Beatles.



Chaque plage semble vouloir s’amuser à feuilleter un livre d’idées et d’inspirations, sans retenue aucune d’autant que Izenberg ne manque pas d’habileté à nous faire entendre des choses qu’on ne rencontrerait chez personne d’autre. Ce serait lui faire injure que de vouloir le mettre dans une case ou le qualifier de faiseur ; on pourrait juste avancer qu’il emprunte à Eno et à Lou Reed mais qu’il est avant tout un musicien talentueux.

Harlequin est un disque intéressant, s’adressant à ceux pour qui curiosité va de pair avec innovation.

****


Juana Molina: « Wed 21 »

5 décembre 2013

À écouter Juana Molina, on aurait peine à croire qu’elle fut avant tout comédiennen dans sa native Argentine. Son style vocal est décalé et il a plus à voir avec le scat jazzy qu’à l’étiquette singer/songwriter dont on l’a affublée.

Celui-ci est atténué par ses syllabes en Espagnol et, sur ce sixième album, Wed 21, elle opère un virage vers l’électronique qui rend sa musique encore plus atypique. On a droit donc à un curieux mélange avec une instrumentation traditionnelle ce qui accentue encore le côté chaud et organique de sa musique. En effet, ayant produit également le disque, son style introspectif prend le pas sur toutes les sources sonores qu’elle utilise et ses murmures et ses rythmes flottants volettent comme un accompagnements à ses soupirs et chuchotements.

On a qualifié la musique de Molina d’onirique, il ne s’agit pas pour autant de cette rêverie qui incite à la berceuse ou à la « chamber pop ». Bien au contraire, le registre de son spectre musical est très condensé, comme si, en son intérieur, l’artiste prenait en compte et privilégiait la nature fuyante des rêves et qu’elle les laissait se déployer presque sans son intervention.

La nature séduisante et charnelle de la langue espagnole apporte profondeur organique aux couches harmoniques (« Sin Guia ») et enrobent, conjuguée à des loops, le disque de qualités hypnotiques. « El Oso De La Guarda » celle-ci se fait presque insignifiante, obligeant l’auditeur à une qualité d’écoute inhabituelle contrastant avec la frénésie de « La Rata » ou le côté western de « Final Feliz. Palette étroite mais dotée pourtant d’une amplitude saisissante, c’est sans doute l’atout maître de la chanteuse que de nous permettre d’apprécier une musique qui ne sera définie ni pas un genre ni par des mots.

★★★½☆