Table: « Pumice »

3 janvier 2021

L’horizon des musiques expérimentales qui se mêlent à la pop et au folk n’a rien à voir avec la Nouvelle-Zélande. Alors que l’île d’Aotearoa s’imaginait ce que la pop ressemblait à d’autres régions, avec les pressions tardives qu’elle recevait de groupes d’Europe et d’Amérique, les récits qui se produisaient dans les lits artistiques de Dunedin, Wellington et au-delà devinrent une pierre de touche. La Nouvelle-Zélande est devenue un lieu vers lequel les musiciens d’Europe et d’Amérique se sont tournés pour trouver une nouvelle inspiration.

Stefan Neville et Jade Farley ne sont pas différents, ils font partie de ce tissu culturel. Avec Table, Pumice existe comme un moyen de comprendre le paysage allongé de la Nouvelle-Zélande moderne et pas seulement son histoire. On peut prendre un livre tel que Erewhon Calling de Bruce Russell et ressentir la sensation textuelle d’un lieu et d’un temps. Punice a souvent fait une musique intemporelle, distincte de la populace influente de ses ancêtres et pourtant totalement redevable à son originalité et à sa répétition.

Plus que tout, Table est une conversation. C’est une expérience commune de personnes qui se rassemblent autour de l’objet titulaire. La plupart de nos expériences vécues se déroulent autour de tables. C’est là que nous mangeons, jouons, travaillons, dressons des tableaux, des listes… En tant que meuble utilitaire, elle s’intègre parfaitement à notre existence. Les tables sont polyvalentes, pouvant être forgées à partir de n’importe quelle surface capable de répondre à notre besoin instinctif d’un endroit fiable pour mener ces activités.

Ce n’est donc pas un hasard si Pumice de Table répond parfaitement à ces besoins. C’est un endroit où les sons néo-zélandais variables, anciens et nouveaux, sont mis à nu dans un bain de mélodies folkloriques et de bourdonnements pastoraux : Le violon désespéré de Farley se languissant profondément dans « Marie » ; le joyeux chant de la guitare et de l’orgue qui fait le tour de la salle sur « Hankerchief » ; le sombre ventre de nos propres âmes qui s’étend sur la table grâce à l’harmonisation obscure de « Our Schedule to Explore the Large Area, the Heart ».

Table tout comme le pays de sa naissance, abrite à la fois des influences et des personnes influencées. Sa polyvalence à être à la fois un lieu de rassemblement et un lieu de départ ne peut pas passer inaperçue. Parfois, nous nous réunissons pour célébrer une vie ou pour nous rappeler ce pour quoi nous sommes reconnaissants, parfois nous venons sur cet obélisque aplati pour nous disputer ou dire au revoir à nos proches. C’est l’esprit de Table, à la fois un énoncé artistique mis en musique et une forme physique où nous mettons tant de nous-mêmes devant les autres pour être vus et entendus.

***1/2


Ane Brun: « After The Great Storm »

30 octobre 2020

Cela fait une demi-décennie qu’Ane Brun n’a sorti pas un album de son propre travail, mais il semble que 2020 ait été une année productive pour l’artiste norvégienne. Elle n’a pas publié un mais deux albums cet automne, avec After The Great Storm qui sera suivi le mois prochain en principe par How Beauty Holds The Hands Of Sorrow.

After the Great Storm s’inscrit dans la suite logique de When I’m Free, sorti en 2015, qui a vu Brun s’éloigner du style « fey folk » troubadour de ses premiers albums et adopter un son plus grand et plus poppé. Les neuf chansons qui figurent ici traitent à la fois de relations personnelles et de préoccupations d’actualité. En termes d’ampleur et d’ambition, elles allient l’élégance pop à plus d’expérimentation musicale que ce que nous avons vu de Brun dans le passé. Il y a des touches de musique de danse, d’électronique et de jazz et l’album semble beaucoup plus expérimental dans son instrumentation que tout ce que nous avons entendu de Brun auparavant.

Le premier morceau, « Honey », est un bijou de trip-hop décontracté, dans lequel Brun chante pour sa jeunesse. C’est un morceau pop merveilleusement soigné qui bénéficie du son authentique de la voix de la vocaliste. La chanson titre « After the Great Storm » pourrait être un extrait du Felt Mountain de Goldfrapp, avec ses cordes sinistre et son paysage sonore cinématographique qui sert de toile de fond à des chants de fausset.

Au centre de l’album, on trouve de belles chansons qui mettent en évidence la polyvalence et la portée de Brun. Le titre « Crumbs, » qui se démarque, est une tranche d’indie-pop teintée des années 80 dont Laura Branigan aurait été fière. « Take Hold of Me » mettra en scène le chant éthéré de Brun sur une basse percutante et implorede se voir remixé dans une la piste de danse monstrueuse évoquée ici. Le mélodique « Fingerprints » sonnerade façon merveilleuse comme une ballade remixée des années 70, tandis que « Don’t Run and Hide » capturera une irrésistible vibration dream-pop.

Certains morceaux ont cependant l’impression qu’il leur faut une décharge d’énergie pour percer leurs surfaces super lisses. Le funk lent de « Feeling Like I Wanna Cry » repose sur une vibe psychédélique mais ne va nulle part, tandis que « The Waiting « est dominé par des beats dance lourds qui promettent plus qu’ils ne délivrent. La dernière chanson, « We Need A Mother », traite plus directement des problèmes environnementaux auxquels le monde est confronté. Brun chante « I feel rage », mais cette rage ne se traduit pas dans la musique et la sincérité émotionnelle se fait excessivement digne.

Il s’agit ici d’un détour impressionnant et ambitieux pour Ane Brun, qui, avec seulement neuf morceaux, réussit à marier sa voix vulnérable et distinctive à des arrangements électroniques plus modernes. C’est un son qui lui convient et elle a produit son album le plus intéressant et le plus tourné vers l’avenir à ce jour.  After the Great Storm a valu la peine d’attendre cinq ans et si cela vous laisse sur votre faim, au moins vous savez qu’il n’y aura pas de temps à perdre pour attendre sa prochaine sortie.

****


The Rheingans Sisters: « Receiver »

29 octobre 2020

Avant de passer à la musique, il est bon de s’attarder un peu sur le format. Plus précisément, l’humble disque compact. Ces dernières années, les ventes de vinyles ont connu une forte hausse, peut-être par nostalgie, peut-être parce que l’acte de mettre un disque est passé avec le temps de la seconde nature à une sorte de comportement ritualisé. Le vinyle fait appel à notre sens de la physicalité. Il agit comme un contrepoint aux médias numériques : les deux peuvent coexister parce qu’ils sont si différents l’un de l’autre. Les CD, en revanche, ont subi une sorte de crise d’identité. La lecture d’un CD n’est pas considérée comme un événement. Il est considéré comme un format à part entière, et non comme quelque chose que l’on peut aborder comme on le fait avec un disque ou même une cassette. Et pourtant, il n’a pas le côté pratique et la possibilité de partager instantanément de la musique en continu ou des fichiers numériques.

Mais, peut-être contre toute attente, les CD tiennent bon. D’une certaine manière, ils sont le support parfait pour les auditeurs qui apprécient la tangibilité d’un album mais qui n’ont peut-être pas la place pour un vinyle. La qualité sonore est généralement très bonne. Et peut-être plus important encore, le CD offre de nombreuses possibilités d’interaction entre la musique et d’autres formes d’art. Il a la taille idéale pour accueillir l’écrit. Un CD bien présenté peut être une œuvre d’art visuel, ou il peut contenir une galerie entière d’images. Et de toutes les étiquettes qui vont au-delà du simple emballage dans le domaine du grand art, bendigedig est certainement la plus impressionnante. Le label a cinq ans et a publié cinq albums, ce qui vous donne une idée de l’attention qu’ils portent aux détails et du temps qu’ils sont prêts à consacrer à leurs musiciens. En conséquence, leurs sorties sont vraiment étonnantes et vraiment innovantes.

Receiver est le quatrième album ddu duo que composent The Rheingans Sisters. Il se présente au début d’un livre de près de cinquante pages qui contient un texte original de Rowan Rheingans et une série d’œuvres d’art – « solargraphs » – de Pierre-Olivier Boulant. Ces photographies à longue exposition créent des abstractions vivantes, des arcs qui ressemblent à des arcs-en-ciel ou des aurores. C’est plus qu’un simple objet à regarder en écoutant les musiques. Comme l’explique Rowan dans ses notes de processus, l’œuvre de Boulant incarne la collaboration entre l’artiste et le monde dans lequel il puise son inspiration. Les sœurs considèrent leurs chansons comme des collaborations similaires – ce qu’elles créent est inséparable de ce qu’elles reçoivent. C’est une façon de penser admirablement utopique.

Bien sûr, l’ampleur et l’ambition de Receiver en tant qu’œuvre d’art font que les chansons doivent vraiment travailler dur. Tous les éléments visuels ne compteraient pour rien si la musique n’était pas quelque chose de spécial. Heureusement, en ce qui concerne les Rheingans Sisters, vous savez que ce sera très spécial. Leur précédent opus, Bright Field (2018), était l’un des albums folk les plus innovants de la dernière décennie, et sur Receiver, ils ont encore amélioré leur jeu. Anna et Rowan se partagent l’écriture des chansons, et il y a aussi un peu de chansons traditionnelles. Le morceau d’ouverture « The Yellow Of The Flowers » est une composition de Rowan : il représente un réveil et explore la proximité de la vie humaine et non humaine. Les juxtapositions semblent douces mais sont chargées de sens. La chanson est éclairée par la couleur d’une manière presque picturale. Il s’agit d’un paysage impressionniste, d’une vue depuis une fenêtre. Et musicalement aussi, elle est pleine de surprise : les cordes et les touches sont rétro-éclairées par un synthétiseur minimal.

« Östbjörka » est un air de danse suédois qui célèbre la lumière et le changement des saisons (à cet égard, il agit comme une sorte de pièce d’accompagnement de la première chanson). Il s’assombrit et s’évanouit, mettant en valeur les talents de violonistes et d’arrangeuses des sœurs. Mais les deux soeurs sont adeptes d’une grande variété d’instruments : sur le titre « Salt Of The Earth », Anna joue du banjo à cinq cordes, tandis que la guitare électrique de Rowan fait une apparition remarquée. Cela donne également une bonne idée de l’étendue de la palette des compositions des deux artistes, tant sur le plan thématique et géographique que musical. « Salt Of The Earth » explore les rituels du nord de l’Algérie et s’inspire de la scène musicale toulousaine.

L’instrumental d’Anna, « One More Banjo », est plus proche de la réalité et voit le duo échanger des coups de banjo agile et mélodique, tandis qu’un autre morceau d’Anna, Insomnia, est beaucoup plus structuré et stratifié, une vignette câblée et sans paroles sous la forme d’une bourrée traditionnelle qui montre à quel point il est possible d’être expérimental tout en restant dans le langage de la musique populaire. Elle aborde le même thème mais sous un angle beaucoup plus mélancolique dans « Lament For Lost Sleep », le son aigu et solitaire de la flabuta (une flûte à trois trous) maintenu dans un état de tension constant par l’alto bourdonnant de Rowan. Dernière d’une série de cinq instrumentaux composés par Anna, « Moustiques Dans Les Mûres « est une autre pièce fascinante et évocatrice, et introduit le subtil saxophone de Rachel Cohen.

À première vue, « The Bones Of The World » est un rondeau malicieux, une petite danse d’une simplicité trompeuse écrite par le violoniste du Leicestershire John-Francis Goodacre. Mais même ici, les sœurs ne peuvent pas résister à l’envie d’expérimenter, et l’air est hanté par le chant feutré d’une vieille chanson occitane de comptage de moutons. Le résultat est délicieux et légèrement étrange. C’est à peu près à ce moment de l’album que l’on commence vraiment à apprécier l’originalité de la pensée et la profondeur des recherches qui ont été menées sur cette musique. Sur « Urjen », nous entendons un extrait de 1935, un violon traditionnel norvégien Hardanger qui est ensuite repris par Anna et Rowan au violon et à l’alto respectivement. Mais il ne s’agit pas d’un simple mimétisme : Anna a passé trois ans à travailler l’accordage, et ce travail acharné a porté ses fruits avec un succès étonnant, en capturant le son unique de la musique folklorique des fjords norvégiens. Il y a quelque chose de merveilleusement déconcertant dans le violon de Hardanger, et il n’est pas surprenant d’apprendre qu’il est associé au diable dans le folklore.

L’amour profond d’Anna pour les ramifications plus ésotériques de la musique folklorique et de danse européenne est approfondi dans « Orogen » qui combine des airs de danse français communs avec un halling norvégien (une danse exécutée par un individu). Le fait que les deux éléments géographiques apparemment disparates se mélangent si richement témoigne à la fois de l’adaptabilité de la musique traditionnelle et du savoir (et de la capacité innée) du duo.

Alors que la première moitié de l’album se concentrait sur les chansons d’Anna, celles de Rowan dominent la dernière ligne droite. « After The Bell Rang » sera un puissant avertissement contre l’orgueil, délicatement joué au banjo et au tambourin à cordes d’Anna. From Up Here est un morceau qui a grandi avec le temps, une chose vraiment organique, composé par Rowan mais inspiré par les gens et les lieux qui ont signifié quelque chose pour les deux sœurs au fil des ans. Il utilise des détails historiques d’une manière littérale et rafraîchissante : Anna joue un orgue Hammond en référence directe au collectionneur d’orgues qui vivait dans la même communauté d’artistes qu’elle à Toulouse. Ce sont de petites touches comme celle-ci qui donnent àeEceiverson authenticité.

Tout au long de l’album, les chansons se retrouvent dans les éléments visuels de l’emballage du CD. Nulle part cela n’est plus évident que dans « The Photograph ». L’importance de l’imagerie visuelle dans le récit et la narration de l’histoire (ici dans le contexte du massacre du dimanche sanglant) est explorée d’une manière qui reflète l’impact visuel frappant produit par l’œuvre de l’album. Cette mise en place constante de fils créatifs est un exercice d’équilibre que Receiver réalise de manière spectaculaire.

La valse finale qui vient couronner l’album est délicate et d’une humilité attachante, une paean aux joies de la simplicité. Les sœurs Rheingans ont gagné le droit d’embrasser cette simplicité après toute la brillante complexité et l’étincelante diversité du spectacle. Dans Receiver, elles ont créé un chef-d’œuvre de musique folklorique moderne ainsi qu’un objet physique captivant.

****1/2


Silvia Tarozzi: « Mi specchio e rifletto »

24 août 2020

Silvia Tarozzi, inspirée par la poétesse Alda Merini et ses études avec le compositeur Garret List, a travaillé avec l’histoire personnelle intime pour écrire des chansons d’amour, de maternité et du mystère caché derrière le rideau de la vie quotidienne.  Pendant près d’une décennie, Tarozzi s’est exercée à mettre en musique la poésie d’Alda Merini, puis à la remplacer par la sienne pour refléter ses propres expériences de vie. Le résultat est que Mi specchio e rifletto est à la fois poétique et profondément autobiographique.  

Collaborateur de longue date d’Eliane Radigue et improvisateur libre talentueux, Tarozzi inspire une conscience aussi sensible tout en faisant écho aux ancêtres de la musique progressive.  Les chefs-d’œuvre du passé résonnent partout : les douces explorations de chambre du Penguin Cafe Orchestra, la science-fiction de Franco Battiato, le free jazz abstrait de Maria Monti, la douceur de Caterina Caselli.

En tant qu’interprète solo, Tarozzi a collaboré avec les compositeurs Eliane Radigue, Pauline Oliveros, Pascale Criton, Cassandra Miller et Martin Arnold. Son approche musicale a été particulièrement influencée par le travail et l’amitié avec Oliveros. En duo avec Deborah Walker, et en tant que membre de l’Ensemble Dedalus, elle a travaillé avec Christian Wolff, Jürg Frey, Michael Pisaro, Catherine Lamb, Sébastien Roux, et bien d’autres. Elle a précédemment publié le film de Philip Corner Extreemizms : early & late en 2018.

***1/2


Kaboom Karavan: « The Log and the Leeway »

22 août 2020

The Log and the Leeway a conduit Bram Bosteels à travers une période de changements personnels sans précédent. Le processus d’enregistrement a englobé bien plus que la musique. Avant tout, il a agi comme un ami. Ensuite, il a servi de canal thérapeutique, de débouché toujours disponible pour la guérison, le traitement et la libération éventuelle. Une musique folk rare et spectrale a émergé de cette métamorphose, et elle a créé un disque véritablement diversifié. La quatrième sortie de Kaboom Karavan est en préparation depuis environ six ans, et la musique qui en résulte frémit de changements inattendus, les lignes de faille nouvellement cicatrisées laissant une profonde entaille dans l’apparence de la musique. Bosteels a dû naviguer dans cette nouvelle cartographie, et il a dû faire le saut par-dessus des sillons nouveaux et cruels.

Le concept de The Log and the Leeway vient du mot lui-même – « l’écart progressif d’un parcours prévu en raison d’influences extérieures » (the gradual departure from an intended course due to external influences). La vie n’obéit pas à un règlement ou à une planification à long terme, et le document s’est écarté de son intention première. Une curiosité et une fascination pour les carnets de voyage, les journaux de bord et les quêtes de bijoux entreprises par les explorateurs dans les régions lointaines et exotiques du monde entrent dans la musique par son sens spirituel de l’aventure et sa musique folklorique mystique, s’écartant du traditionnel et de l’accepté ; chaque note offre un nouveau trésor. La musique de The Log and the Leeway est surprenante, car elle reflète le changement que Bram a vécu sous la forme de notes qui apparaissent de nulle part, comme des chocs de haute tension potentiellement mortels.

Malheureusement, Bosteels a perdu son père soudainement et de manière inattendue des suites d’une maladie rare, et la musique qui s’est naturellement déversée s’est transformée en une autre couleur inattendue, passant de ce qu’elle était à un nouvel état et s’écoulant dans une nouvelle direction. Comme une marge de manœuvre, son parcours musical s’était déplacé en raison d’événements extérieurs, la direction prévue de l’album restant en question. L’événement a laissé sa cicatrice (ou peut-être ressemble-t-il à une tache de naissance ?) sur la musique, la nivelant par des éveils et des illuminations qui n’étaient pas possibles auparavant. La prise de conscience de la fragilité et de la fugacité de la vie se fait sentir, ainsi que le pouvoir de la musique de guérir et de faire une déclaration concrète. C’est ce qui est au cœur de The Log and the Leeway, mais la perte de Bosteels lui a également donné le carburant et l’élan nécessaires pour terminer le disque. En tant que tel, c’est aussi un dévouement. En plus de la musique, le disque est accompagné d’une couverture peinte par John Lurie et d’un livret de 16 pages d’illustrations musicales de Walter Dhoogh et Erik K Skodvin.

***1/2


Johanna Warren: « Chaotic Good »

7 mai 2020

Le nouvel album de Johanna Warren est une réintroduction. Pour son cinquième album solo, Chaotic Good, la musicienne de Saint-Pétersbourg, en Floride, avait l’intention de choisir un nouveau nom de scène jusqu’à ce qu’elle réalise qu’en se produisant sous son vrai nom depuis si longtemps, elle avait déjà créé un personnage. Avec ce personnage à l’esprit, et inspirée par le système d’alignement de Donjons & Dragons – une sorte de boussole morale – la décision de Warren de nommer son disque Chaotic Good est appropriée. Comme les locataires de cet alignement, le disque a la conscience tranquille ; même lorsque Warren crie des choses, elle est sévère mais jamais caustique. L’album n’a pas peur de prendre de nouvelles directions et ne se laisse pas enfermer dans la tradition comme le font beaucoup d’autres disques folk.

En plus de son travail dans le domaine de la musique, Warren pratique également la médecine à base de plantes, la guérison par le reiki et le tarot. La musique est également une forme de guérison pour elle. Dans une interview Warren raconte qu’elle a combattu une migraine en s’allongeant dans la baignoire et en chantant une note correspondant à la fréquence de la douleur, en tenant cette note jusqu’à ce qu’elle s’arrête. Pour les fans de Donjons & Dragons qui remarquent cet album à cause de son titre, ne la considérez pas comme un simple barde : elle est aussi classée dans la catégorie des druides ou des clercs. 

En ouverture avec « Rose Potion », la familiarité de Warren avec la nature et sa magie inhérente est évidente. En chantant la potion faite à partir de roses cultivées dans son propre jardin, Warren réfléchit aux différences de vision du monde entre elle et un de ses proches : « Ce que vous appelez Dieu / J’appelle les mystères de l’univers » (What you call God / I call the mysteries of the universe). Sa cadence sur les couplets de la chanson est brisée et staccato, ce qui lui donne l’impression d’être un chant, pour finalement se muer un battement sur son refrain

 

Le disque prend de nombreuses chances de contourner les conventions de la musique folklorique classique, en laissant Warren jouer avec différentes ambiances et différents instruments. L’obsédant « Bed of Nails » se laisse emporter par l’auditeur d’une manière qui rappelle la musique d’artistes comme Hand Habits. En plus du son raclant prêté par la guitare acoustique, la chanson crée un paysage sonore luxuriant de synthés aériens et de touches hypnotiques. La mélancolie de son arrangement musical est agréablement accompagnée par les paroles réfléchies de Warren dans lesquelles elle confronte le déni, ainsi que la façon dont ignorer les problèmes semble parfois être la seule façon de ne pas les sentir réels. À chaque fois qu’elle répète « chaque jour, c’est un peu plus difficile à croire » (each day it’s a little harder to believe), l’impact du message devient plus réel et donne à réfléchir.

Le point médian de l’album, et le sommet expérimental, est atteint avec « Twisted ». La voix stellaire de Warren y occupe le devant de la scène, atteignant des sommets d’émotion incroyables. Qu’il s’agisse d’un effet vocal ou que sa voix puisse vraiment atteindre un ton aussi puissant n’a aucune importance avec une prestation aussi touchante. À la fin de la chanson, sa voix commence à s’effriter, comme si elle se dissolvait dans la fumée. Il n’y a pas vraiment de refrain dans la chanson, mais chaque ligne suit le même schéma, montant et descendant, puis montant haut. Elle crée des raz-de-marée d’émotion avec sa voix. Le son de la guitare de Warren porte la moindre nuance de flou, comme s’il avait été arraché à une des premières chansons de Liz Phair. 

En embrassant les aspects du jeu de rôle inhérents à la vie, Warren a créé son œuvre la plus fraîche et la plus inventive à ce jour. Sa présence se fait sentir dans chaque note, et chaque chanson est drapée dans une ambiance parfaitement choisie pour elle. La musique de Warren a un aspect envoûtant, et qu’elle vienne de son timbre de voix délicat et frémissant ou de l’effet de boucle dans ses arrangements, chaque chanson est unique. Dès la première écoute, il est évident que personne d’autre n’aurait pu faire ce disque.

****


Anna Linardou: »Heterotopia »

5 octobre 2019

La chanteuse de formation classique Anna Linardou est connue pour ses expériences dans divers collectifs grecs tels que Lüüüp, Liminal Vanguard et Vault of Blossoms rope. Le chanteur est assisté ici par le multi-instrumentiste Giorgios Varoutas, auteur de Chronostasis en 2017. Dans cet album, Anna Linardou a chanté sur le titre « Evolver ».

La tracklist d’Heterotopia présente les fantasmes vocaux de la chanson-titre, des compositions façon Lisa Gerrard/Dead can dance (« Ahmedo »), de l’électroacoustique de Yalla Tnam Rima et de l’Alla campagnola, des titres qui plairont peut-être à ceux qui ont apprécié le premier album (Apopse sto spitaki mou) et le western blues (Little Sparrow) de Rosalia. On retrouve aussi la reprise d’une chanson de Rosa Eskenazy de 1931 (la mélodie de Rosa) et des prestations vocales plus classiques (La harpe de melodie de Jacob Senleches).

Le résultat est un album qui rend hommage à la musique traditionnelle de toutes les latitudes (les morceaux sont chantés en français, italien, kurde, anglais et grec et varient des Appalaches à la Thessalie) et qui traite la voix du chanteur comme un véritable instrument, grâce à son travail constant et bien sûr grâce au talent de Anna Linardou.

***1/2


Penelope Antena: « Penelope »

20 juin 2019

Fille de la chanteuse de jazz Isabelle Antena et petite-fille du compositeur, producteur, Marc Moulin (fondateur de Telex), Penelope Antena a un passé familial qui aurait pu lui peser sur les épaules. Mais il n’en est rien.

Son premier album Antelope, est une épopée fantastique dans une nature de sons aux racines enfouies dans des terres mouvantes, où folk terreux, r’n’b boisé, experimental pop, cloud ambient, multiplient les pistes.

La voix traitée à coups de nombreux effets, n’est pas sans rappeler l’approche de James Blake, à l’image du titre d’ouverture June’87 ou du superbe 33-01 Oak.

Penelope Antena envoute avec ses atmosphères aériennes posées sur la cime de forêts aux saisons changeantes, auréolées de lumières chaleureuses. Antelope offre des comptines naturalistes aux géographies labyrinthiques, où vallons et montagnes, étendues boisées et cours d’eau, dévalent en cascade au sein de rêves endormis.

***1/2


Sarah Louise: « Nighttime Birds and Morning Stars »

10 février 2019

Ceci n’est certainement pas une musique terrestre. Nighttime Birds and Morning Stars est plutôt l’étonnant voyage spirituel de la guitariste américaine Sarah Louise, grande fresque stellaire qui n’a rien à voir avec ses albums précédents. Son folk des Appalaches n’est plus qu’un vague souvenir ; la musicienne fait ici une expérience glissante aux attributs new age et psychédéliques, où perce la lumière faiblarde d’un lointain cosmos.

Voyez : sa guitare acoustique à 12 cordes a été rangée au profit d’une guitare électrique imprévisible et de manipulations synthétiques d’intensité variable — les essais sonores génèrent des grincements, des filets incantatoires, des courants rapides comme une rivière au printemps. Sur « Rime », on croirait même entendre (fugitive illusion) le son étouffé d’un gamelan, cet orchestre indonésien de percussions. Dépaysant, assurément. Et sa voix : comme un ange qui évacuerait sa douleur. Toute l’étrangeté de cet album lui confère, à terme, une beauté paradoxale — car on flotte, toute structure ayant disparu.

****


The Acorn: « Vieux Loup »

24 juin 2015

The Acorn c’est, avant tout, un folkeux frénétique Rolf Klausener qui, parallèlement à son groupe, ne manque pas de projets parallèles. Vieux Loup est le premier album du Canadien depuis 2010 et il peut être vu comme un opus qui lui permet de fusionner toutes ses autres occupations en un opus qui se nourrit de folk, pop et electronica.

Alors que No Ghost jonglait entre tension à la Animal Collective et harmonies façon Grizzly Bear, Vieux Loup est plus subtil et en retenue. Il n’oublie pas ses racines folk mêrme quand il s’aventurent dans des territoire electro ; il n’est que d’écouter le « single » « Influence » à cet égard.

 

C’est pourtant quand il se montre moins expérimental que ses compositions ont le plus d’impact. « Palm Springs » est un rock vertigineux avec des chorus démesurés et le duo qui termine l’album, « Dominion » semble amener Vieux Loup vers une conclusion folk pleine de quiétude.

On hésitera donc entre les palettes ambient et les efforts poppy ; dans un cas comme dans l’autre The Acorn y a trouvé un équilibre dont on ne pourra qu’apprécier l’efficacité délicate.

***1/2