Dogs Versus Shadows: « This Crow Wears A Wire »

Dogs Versus Shadows est le surnom de Lee Pylon probablement plus connu comme l’animateur de l’excellente émission de radio « Kites and Pylons  ». Une émission hebdomadaire sur Sine FM et Mixcloud, et dont le slogan est « Otherworldly Electronica ». Lee est est un avocat d el’ étrange et merveilleux au sein de la musique électroniqu, que ce soit en tant que compositeur de musique de chambre ou comme bidouilleur en studio. L’émission est essentiellement créée autour de la grande oreille de Lee pour une musique intéressante, éclectique et inventive. A la hauteur de ses vastes connaissances et de son enthousiasme sans borne, « Kites And Pylons » est un petit plaisir radiophonique.

Et This Crow Wears A Wire est la première incursion de Lee Pylons au jeu sur une musique qui embrasse son amour et sa passion pour l’électronique hors nomes ou les paysages sonores ambiants, le son radiophonique, l’onde de synthèse et la musique expérimentale brillent de tous leurs feux.

L’album est composé de douze chansons qui s’inscrivent librement dans le genre de la musique électronique ambiante et peut-être plus spécifiquement Hauntronica. En commençant par la chanson d’introduction « Try Not To Hate Them » » il est immédiatement évident que Lee a pris des notes détaillées sur la scène actuelle. Toutefois, dès le début de la deuxième chanson « Lima Papa», il est tout aussi évident de constater que Lee compose plus qu’un hommage, à un genre qu’il joue volontiers dans son émission de radio où« Lima Papa » donnera, à cet égard,cle ton dystopique de l’album. Les perscussions sont d’une qualité délicieuse prpore à qui ancrer la chanson, tandis que les synthés et les effets flottent sur le rythme. « Chop Chop (Must Dash) » s’ouvre sur le bruit d’un hélicoptère, presque instantanément accompagné d’un rythme métalliquefracturé, avant de dériver dans des signaux radio brisés, mélangés et déformés. « Myopic Is Not Bionic » est animé par des tambours presque bombardés et une pulsation sale, autour de laquelle des synthés poignardent et un effet de type thérémine hante de manière rêveuse.

« Founder’s Point » est l’interlude sombre du chaotique et délicieusement désorientant « Mumpsimus Rex », qui est plein de notes poignardantes et d’un crochet à moitié caché, en constante augmentation.

« Shadows Of The State » utilise des chants arrachés qui dérivent sur de sombres nappes de synthétiseur chargées de malédiction. « Six Kilometres » est une minute et demie de bleeps sur une pulsation profonde et contrôlée. « The Things We Know Didn’t Hurt Us » se glisse dans un paysage sonore ambiant doux, chaud et étonnamment positif, avant de s’écraser sur les tambours déformés et le discours à moitié despotique, prononcé par un effet de tannage déformé sur « Nebulous Upland » tandis que « Look Where It Got Me » fserpentera utour d’un criff simple et efficace. La chanson titre complète l’album avec des nappes de synthétiseurs crépitants, tandis que d’autres s’enchaînent, comme des débris électroniques.

The Crow Wears A Wire est un premier album très intéressant et intriguant. Il est le fruit d’un animateur radio qui a une oreille naturelle pour la musique de qualité. Il rappelle parfois une bande-son imaginaire à petit budget. Un monde musical orwellien, où chaque bâtiment est construit dans le style du brutalisme et recouvert d’une télévision en circuit fermé. Des hommes en longs imperméables sales et en chapeaux à larges bords qui projettent des ombres sur leur visage et qui fument de façon menaçante dans des ruelles mal éclairées. C’est un monde atmosphérique de malaise et de paranoïa douce, mais insistante. Un monde où l’on redoute de plus en plus ce qui pourrait nous attendre au prochain tournant. Un monde où même les oiseaux portent des dispositifs d’écoute.

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The Soft Pink Truth: « Shall We Go On Sinning So That Grace May Increase? »

Le leader de Soft Pink Truth, Drew Daniel ne manque jamais de concepts, d’inventions ou même d’idées confuses. En tant que moitié de MATMOS, il a déjà sorti 10 albums officiels, ainsi que de nombreux autres albums collaboratifs – tous repoussant les limites du traitement électronique du son avec des sujets extrêmement complexes qui ont traité de l’histoire des États-Unis, de la chirurgie plastique, de la philosophie ou de l’identité homosexuelle, entre autres. À l’occasion, comme THE SOFT PINK TRUTH, il a également réalisé des albums plus ouverts sur la danse, mais même ceux-ci sont fortement influencés par son intellect tordu, et d’autres œuvres ont même inclus des reprises anarcho-punk ou du black metal transformé électroniquement.

Shall We Go On Sinning So That Grace May Increase, en revanche, séduit à nouveau par des hymnes, des chansons et des moments qui vous plongent dans un état contemplatif, presque méditatif. Ici, il n’y a pas d’incidents flagrants, pas de bruits musicaux concrets ni même de rythmes irréguliers. Tout tourne autour d’impulsions constantes, d’harmonies riches, de synthétiseurs doux et d’accords ondulatoires réfléchis. Il s’agit essentiellement d’une pièce unique, trop longue, avec des rythmes maison séduisants qui montent et descendent toujours dans l’ambiance et un espace méditatif qui se développe progressivement jusqu’à une intensité post-classique.

Pendant la première moitié, l’album flirte avec différents sons ambiants, tandis que les figures de piano, répétitives et fiables, maintiennent toujours un lien spirituel avec la musique house. Mais à mi-chemin, Daniel brise cette rêverie avec une série de cloches, de cors de jazz et de coups de pied. Enfin, le titre « Sinning » annonce le début de la moitié la plus chaotique et la plus sauvage de l’album et sert de signal d’alarme. Même un organe apparaît plus tard et « Grace » qui suit simule une rémanence avant d’être déchirée par une boucle vocale sauvage.

Shall We Go On Sinning So That Grace May Increase ? montre de nombreuses influences, des compositeurs new-yorkais aux producteurs japonais de deep house en passant par le Krautrock – mais surtout, cet album fonctionne tout simplement bien en soi.

***1/2

Emptyset: « Blossoms »

Le projet Emptyset formé des Londoniens James Ginzburg et Paul Purgas défriche des territoires inconnus de la musique électro depuis bientôt quinze ans, repoussant leurs propres frontières sonores en expérimentant sur un nouveau concept à chaque album. Le duo nous avait offert Borders il y a deux ans, un album cru monté à partir de performances en direct et de réverbération de lieux. Ils sont maintenant de retour et l’expérience auditive de leur sixième album Blossoms requiert un avertissement. C’est que les deux scientifiques ont créé une interface dont les composantes permettent d’interpréter une quantité phénoménale d’échantillons sonores, à partir desquels le programme tisse des liens (similaire à l’intelligence artificielle) selon leurs propriétés acoustiques propres, de sorte à générer ensuite des événements sonores qui sont finalement passés à travers un filtre/broyeur.

« Petal » frappe fort dès la première seconde avec un impact lourd suivi d’une ondulation saturée, forme qui passe à un segment plus léger dont la matière sonore semble étirée à un seuil itératif, créant un effet de frottement brillant/étouffé (qui deviendra la texture principale de l’album). « Blossom » repart de façon plus ponctuée, laissant la réverbération occuper brièvement les silences pour créer le phrasé de la pièce. Le montage fait penser à un convoi industriel qui broie la matière, réduisant celle-ci en fragments bruts rejetés dans le creux de l’oreille. Bloom continue ça sous une forme de signal scintillant multiplié par lui-même, générant des résonances dans les aiguës qui simulent des sifflements de ptérodactyles cachés dans une grotte, genre.

« Pollen » ouvre au loin en tournant en boucle, reprenant le montage d’impact suivi d’une ondulation saturée. La densité évolue d’une répétition à l’autre pour atteindre sensiblement la même intensité que la première pièce, mais ça ne va pas plus loin musicalement. « Blade » commence étonnamment doucement comme une trame minimaliste drone qui oscille plus lentement. L’atmosphère est méditative en comparaison aux pièces précédentes et permet d’apprécier (beaucoup) plus l’esthétique sonore de l’album, et de laisser les oreilles prendre une pause. Axil ouvre quant à elle sur un impact en forme de coup de chaîne réverbéré dans un tunnel, ouverture qui passe ensuite à un nouveau mécanisme en trois mouvements s’apparentant à un tambour de sécheuse industrielle.

« Filament » débute comme un changement de poste de radio, mais devient nettement plus granulé par la suite, renouvelant le relief de la boucle en variant la hauteur du filtre, sans plus. « Bulb » revient à la trame minimaliste drone, bien plus savoureuse avec ses vagues de radiations cosmiques. On constate que l’esthétique sonore de l’album ressort probablement mieux au ralenti, et élimine en grande partie l’effet de répétition de la séquence. Stem apparaît subitement comme un murmure sortant des profondeurs, le segment évolue comme un monologue codé de robot qui parlerait dans un vocodeur. « Clone » ouvre de façon presque tonale, mais s’étouffe brièvement pour passer à un vrombissement bien clair et texturé qui reste en suspend jusqu’à une dernière boucle de tension électrique.

Blossoms se termine et les oreilles peuvent d’interroger qur la nature de leur masochisme ; plus sérieusement pourtant, la démarche artistique de l’album est très intéressante, et requiert plusieurs écoutes avant de révéler ses subtilités. C’est malheureusement un défi d’écouter l’album au complet dans une seule séance. Il faudra donc un bon moment avant d’apprivoiser l’esthétique sonore de frottement brillant/étouffé placé en premier plan, de passer à travers pour pouvoir apprécier ici et là les marmonnements d’échantillonnage qui nous sont servis.

***1/2

Telefon Tel Aviv: « Dreams Are Not Enough »

Telefon Tel Aviv est un groupe qui a contribué à façonner la direction et le son de la musique électronique expérimentale dans les années 2000. Avec le boom de l’EDM qui bouillonnait dans les dernières années, Telefon Tel Aviv avait quelque chose de différent ete générait un grandissant. Après trois albums influents, Charlie Cooper, membre fondateur, est décédé tragiquement en 2009 et a mis un terme au projet – probablement pour toujours.

Plus tôt cette année, le co-fondateur Josh Eustis a annoncé qu’il avait fait un nouvel album sous le nom de Telefon Tel Aviv et qu’il était prêt à le sortir. Il avait passé la décennie qui avait suivi la production et le mixage de Cooper pour des groupes de tous types, mais il était temps pour lui de faire revivre le nom de Telefon Tel Aviv avec Dreams Are Not Enough.

L’album se veut une continuation des parties les plus mélodiques dImmolate Yourself. L’album a un côté pensif, réfléchi et mesuré. Les chansons grandissent lentement en elles-mêmes, se construisent avec des éléments disparates et se transforment ensuite en quelque chose de nouveau comme une tache extraterrestre qui prend vie.

L’album commence, comme tout au long du disque, par une ligne de synthé oscillante qui se développe à la fin du morceau. Il devient légèrement plus glitchier sur « une version plus jeune de moi-même », avec un piano faible flottant de temps en temps dans le fond avant de céder la place à la sombre et lente atmoshère aquatique qui donne l’impression qu’un poids lourd est assis sur votre poitrine.

Le centre de l’album se trouve au milieu d’un bourbier de pistes de synthés sombres et sombres qui se construisent lentement avec des synthés de plus en plus bruyants et intenses au fur et à mesure que le faible son d’une voix se fait entendre en arrière-plan.

L’album prend un virage à gauche dans un morceau  étouffant qui aurait pu venir de leurs deux premiers albums avec des 808s et des tambours plats qui tiraient tout autour de vous. C’est un club sombre ou un outil de « rave » qui se démarque quelque peu. L’album se termine finalement par le synthé lourd et ambient toujours aussi « stone in a watery fane », avec des sonorités sauvages de cordes mécaniques et de synthétiseurs ascendants.

Telefon Tel Aviv est un nom qui a acquis un statut de culte mineur après trois grands albums, puis le projet s’est arrêté peu après la mort de l’un de ses fondateurs. Il peut être difficile de répondre à ces attentes lorsque les carrières sont interrompues à leur apogée de façon soudaine et inattendue. Eustis avait la lourde tâche d’essayer de garder le nom en vie et c’est exactement ce qu’il a fait avec un excellent album.

***1/2

Akio Suzuki: « Resonant Spaces »

Né des cendres de Farmacia901, le label italien Editions901est une source de découvertes inespérées, mettant en avant des artistes expérimentaux dont les riches palettes laissent nos oreilles ébahies.

L’album de l’artiste culte japonais Akio Suzuki, Resonant Spaces, enregistré lors d’une tournée en Ecosse et les Orcades, dans divers lieux choisis pour leurs particularités sonores, aux cotés du saxophoniste John Butcher.

L’expérience est d’une poésie sans égale, que ce soit dans la plus grande grotte costière du Royaume-Uni (Smoo Cave), en passant par un énorme réservoir d’essence, dans une maison de glace (Tugnet Ice House), au milieu du cercle de pierre de Ring Of Brodgar ou dans le Mausoleum Hamilton dont la réverbération dure 15 secondes.

Utilisant une foule d’objets, cailloux, bouteilles de poche, tige de bambou, éponge, plaque de verre et le célèbre Analopos, inventé par Akio Suzuki, les deux hommes multiplient les pistes ouvertes par les échos résultant de chaque endroit dans lequel se tiennent les performances.

Les improvisations donnent naissance à des instants uniques, où le silence se voit enrobé de souffles et de frottements, de caresses et percussions, mélodies éphémères mettant en avant l’acoustique de chaque terrain d’expérimentation, où les diffusions se font denses ou légères, impalpables ou directes. Fascinant.

***1/2

Matmos: « Plastic Aniversary »

La musique électronique s’est longtemps débattue pour atteindre un statut équivalent à celui de la musique que l’on pourrait qualifier d’« organique ». La noblesse du bois qui résonne au son de l’archet de crin de cheval, le cuir tendu du tambour, la flûte d’os ou la calebasse creusée à même le fruit, contre la musique synthétique qui reproduit les sons des instruments faits de bois, de métal, de plantes ou de parties d’animaux, mais qui s’astreint aussi à les déformer ou à les amplifier au moyen de courant électrique… L’opposition simpliste continue de se rejouer à l’infini, dans un duel imaginaire où les adeptes des sonorités classiques et des productions sonores électroniques se regardent en chiens de faïence ou s’ignorent superbement. Évidemment, la réalité est plus complexe, et bon nombre d’instruments dits « classiques » ont depuis longtemps intégré des composantes de plastique et de nylon, et les catégories musicales autrefois plus franches sont perméables comme jamais.

En cette ère où l’on prend conscience partout dans le monde de l’envahissement du plastique et de ses potentiels ravages environnementaux, ce duo de Baltimore

nous offre un cadeau on ne peut plus approprié pour dévoiler le potentiel musical de ce matériau omniprésent : un objet sonore 100 % plastique. Leur opus précédent, Ultimate Care II, était, de ce point de vue, une création sonore décapante, élaborée à partir des tribulations d’une machine à laver.

Le duo de Baltimore que forment Drew Daniel et Martin « M. C. » Schmidt fait, aujourd’hui, paraître son Plastic Anniversary. Et le titre de cette nouvelle galette n’est pas anodin : on met à profit une panoplie de sonorités insoupçonnées créées à partir d’objets dérivés du pétrole, et il en résulte des pièces percutantes aux textures à la fois familières et étranges, mais on fait aussi la fête au plastique dont les vibrations se glissent dans nos oreilles pour nous chatouiller les tympans. En écoutant l’album, on s’émerveille à plusieurs reprises du résultat qui défie ce qu’on pourrait anticiper d’une œuvre recourant exclusivement à des polymères. Les sons, couinements, grincements, frottements, percussions et la résonnance des divers matériaux qu’on triture sont magnifiquement agencés en des pièces à la fois surréalistes et captivantes. Et on retrouve en prime une performance du batteur Greg Saunier deDeerhoof dans l’excellent « Silicone Gel Implant ». Cela n’est pas surprenant outre mesure, Matmos s’entoure de collaborateurs hors pair depuis bon nombre d’années, dont de grosses pointures comme Björk.

Certaines compositions comme « Thermoplastic Riot Shield » mêlent des rythmes dansants et syncopés aux accents de house à des alarmes, des bruits d’outils et des rythmes vaguement tribaux pour créer une ambiance inquiétante et déconstruite. D’autres, comme « Fanfare for Polyethylene Waste Containers », évoquent un univers plus sombre, toujours en misant sur des rythmes entraînants, alors que la chanson titre, « Plastic Anniversary, » flirte du côté de l’arrangement orchestral à grand déploiement.

Matmos s’est imposé un nouveau défi technique, et il le relève haut la main. Cela dit, le produit fini, dans son ensemble, ressemble davantage à une exposition de possibilités qu’à un objet cohérent. Il n’y a évidemment aucun mal à cela, le concept d’album étant de toute manière de plus en plus mouvant. Les pièces concoctées par le duo sont brillantes et témoignent de leur audace compositionnelle, mais elles sont tout de même regroupées en une parution à la forme classique (divisée en portions dont la longueur varie entre 2 min 30 sec. et 5 min), même si elles auraient peut-être gagné à être fusionnées en une production continue comme c’était le cas pour Ultimate Care II. S’astreindre à un tel exercice aurait dans tous les cas donné un résultat plus organisé et conféré plus de profondeur au projet.

Plastic Anniversary reste néanmoins un disque extrêmement plaisant à écouter, d’autant qu’il nous permet de profiter de toutes les subtilités sonores dont il est pourvu.

***1/2

Puce Mary: « The Drought »

La Danoise Frederikke Hoffmeier alias Puce Mary, sort son nouvel opus The Drought, opérant une transition par rapport à son album précédent, le bien nommé The Spiral, un opus fait d’ambiances torsadées et chargées d’effluves industriels et de bruitisme trépidants.

Puce Mary semble s’être assagie livrant des titres moins frontaux qui font place à des atmosphères plus chargées de détails, travaillant le son différemment avec plus d’éléments et une spatialisation tournoyante.

The Drought porte bien son nom, tant l’aridité de l’ensemble laisse parfois un peu sur sa faim. En effet, la trop grande uniformité de l’ensemble et le manque de disparité donne la sensation que le disque n’évolue pas vraiment, malgré la grande qualité de réalisation sonore.

Puce Mary semble moins acharnée que par le passé, oubliant parfois de changer de braquet pour nous surprendre,offrant un disque qualitatif mais sans véritable surprise, ses compositions s’inscrivant dans les codes du genre.

Un disque mi-figue mi-raisin qui sera l’occasion pour les néophytes d’apprécier les talents de la jeune danoise, dans sa version la plus abordable, en attendant quelque chose de plus entreprenant et convaincant.

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Holly Herndon: « Platform »

Herndon prétend qu’un ordi portable peut recéler plus de contenu émotionnel qu’un violon ; cette remarque provocatrice n’est pas loin d’être prouvée sur son deuxième album, Platform.

L’artiste souhaite explorer de nouvelles façons d’explorer l’interface homme-machine et une de ses particularités est de mêler des bribes de conversations humaines de manière abruptes comme le démontre un « Chorus » tout bonnement vecteur d’extase par le talent qu’elle a d’extraire des structures en nappes qui vont se superposer les unes aux autres.

Le résultat est à la fois familier et semble venir d’un autre monde par son habileté à véhiculer profondeur à partir d’une technologie numérique.

Foin d’abstraction pourtant, Holly Herndon a étudié au Stanford University’s Centre for Computer Research in Music and Acoustics et elle a un discours, si ce n’est politique, du moins articulé sur l’inégalité ou notre société de surveillance. Simplement elle le fait non pas au travers de polémique mais d’idées souvent nichées dans un sous-texte comme sur ce «  You know me/Better than I know me » (un « Home » qui se réfère à la NSA).

Voilà un disque de pop expérimentale exemplaire par son intelligence et son âme.

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John Carpenter: « Lost Themes »

Selon John Carpenter, il n’y avait aucuns inédits nichés dans ses armoires provenant de ses musiques de fims. Même si cela peut paraître étrange, pour son « debut album » solo à 67 ans, le réalisateur nous offre selon lui des compositions enregistrées pour le mal nommé Lost Themes.

Ses musiques étaient toujours liées à des images, ici nous avons affaire à une expérience purement auditive ce qui, dit-il, lui a donné plus de liberté qu’auparavant. Il a travaillé avec son fils Cody et le compositeur Daniel Davies et, si il a sans doute eu plus de latitude pour créer, ce qu’il produit ici ne diffère pas essentiellement de ses musiques de films précédentes enregistrées avec Alan Howarth.

Il compose toujours à partir de ces synthés qui ont constitué la touche dominante de son œuvre et il semblerait que, ici comme ailleurs, Carpenter ne soit pas capable d’échapper la structure de la bande musicale cinématographique. À l’écoute, il est impossible de ne pas songer à un film d’horreur macabre ou à une vision post-apocalyptique austère comme sur « Fallen » où les accords puissants sonnent comme une pluie diluvienne ou avec le titre d’ouverture, un ahurissant « Vortex », qui fait penser à ces génériques de films passant devant nos yeux, introduction parfaite ou conclusion funèbre à un film où nos nerfs sont mis à l’épreuve.

Oui Lost Themes est presque construit comme au cinéma avec un « closer », « Night », qui va résonner en nous laissant avec une finalité où ne reste que la désolation.

Quand Carpenter a présenté « Vortex »en ligne, il l’a d’ailleurs fait avec un montage de ses vieux films, démontrant ainsi que ses compositions sont taillées, qu’il le veuille ou non, pour le visuel. L’intérêt de ce disque est que ça n’est pas absolument nécessaire et que Lost Themes pourra être considéré comme une bande-son qui n’a pas besoin d’un film pour exister. L’artiste prouve une fois de plus qu’il existe dans sa propre sphère, avec une vision futuriste teintée de paranoïa mais une approche basée sur la vieille école hollywoodienne de la musique de film. Il nous donne ici, une fois de plus, exactement ce que l’on attend de lui.

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Ghost Culture: « Ghost Culture »

Quand Erol Alkan,  DJ réputé mais également directeur du fameux label « electro »  Phantasty Sound, a signé Ghost Culture sur la base d’un seul titre, la scène house a immédiatement prêté l’oreille. En entendant « How » Alkan aurait émis une analogie avec le choc qu’a créé une première écoute des Strokes et, quelque part, il n’a pas tort.

Avec une voix aux chuchotements fragiles et une instrumentation minimaliste, l’artiste a été comparé à Arthur Russell pour son art à composer des mélodies sombres susceptibles de retenir votre attention ou à d’autres ensembles de la synth ballad des 80’s comme Depeche Mode.

Ghost Culture parvient ainsi à réunir ces deux facettes de l’electronica, le petit génie oeuvrant dans les « back rooms » et le roi du dance-floor. La tonalité générale du disque demeure chaude et et nostalgique, à mille lieues des hits machistes à la Daphni mais aussi du kitsch « nu-disco » de Giorgio Moroder. Si on doirt chercher des emprunts, ce sera plutôt du côté des groupes expérimentaux allemand des années 70 et 80 qu’il faudra puiser.

En effet, chacune des dix plages semble, à chaque écoute, se dilater et devenir de plus en plus complexe malgré un décor ostensiblement minimal. Cela ne l’empêchera dpnc pas de créer des paysages soniques impressionnants d’ampleur, « Mouth » par exemple qui atteint des proportions épiques proche de Kraftwerk. « The Fog » et Glaciers » nous engloutissent également mais sous forme de ballades douloureuse d’où le mélodrame n’est jamais loin. Ghost Culture est un album rempli de délicatesse dans sa narration et il n’hésite pas à revendiquer une coloration pop qui fait de l’album quelque chose d’immédiat et d’accrocheur.

Ce palimpseste sonore est désorientant parfois, mais exaltant également. Il s’apparente à une aventure « electro » d’une telle diversité qu’elle en devient presque irréelle, voire surréaliste comme celle d’Alice au Pays des Merveilles, là où tout est curieux et que rien n’est ce à quoi il ressemble. Mais où tout est délicieux.

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