Arca Kick: « ii-iiiii »

4 décembre 2021

Bienvenue dans la saison (ou la maison) Arca. L’artiste expérimental sort quatre nouveaux albums cette semaine, un par jour, complétant ainsi le quintet qui a débuté il y a 18 mois avec KiCk i. Les quatre nouvelles pochettes racontent une sorte d’histoire, avec l’artiste titulaire subissant diverses machinations : de la gardienne de squelettes à deux têtes, à une super arme mécanisée, jusqu’à sa forme finale exultante chevauchant une bête tout droit sortie d’une peinture de Frank Frazetta.

Cependant, aussi intriguant que soit l’art, il n’apporte pas beaucoup de lumière sur la musique. C’est un excellent compagnon, mais plus de deux heures d’Arca vivent et meurent en toute indépendance. Pour le meilleur ou pour le pire, c’est en gros ce que l’on attend d’une suite dense et expérimentale : du chaos, des interludes en mode cyborg, tout en pitchs décalés, un peu de répit et encore du chaos.

Si KiCk i peut être considéré comme de la musique de club déconstruite, KiCK ii est du reggaeton déconstruit. Une idée géniale (voir DJ Python), mais qui donne lieu à la musique la moins intéressante de toute la collection, car la première moitié s’appuie sur des rythmes reggaeton typiques (bien que joliment spectraux sur Rakata) pour des chansons assez simples. Si elle avait été plus avant-gardiste ou plus éphémère, elle aurait peut-être mieux fonctionné, mais elle ne frappe pas avec l’intensité qu’elle devrait. Cependant, Femme apporte un peu d’intérêt avec ce qui ressemble à des épées littérales qui tournent en rond, avant que Mica Levi et Clark ne maintiennent les choses en place de manière agréable. Mais la collaboration avec Sia (« Born Yesterday ») apparaît comme beaucoup trop normale, laissant l’album s’éteindre sans grande impression.

Arca avait promis que KicK iii traiterait de palettes sonores violemment euphoriques et agressivement psychédéliques. Chaque passage s’ouvre sur une voix robotique en guise de réintroduction, et celle-ci passe de l’espagnol à l’anglais, rappe un peu, puis le rythme se transforme en un essaim d’abeilles. Jusqu’ici, tout va bien. Incendio présente un peu plus de rap espagnol sur un beat de type Modeselektor et Rubberneck a quelques bruits industriels punitifs, mais c’est surtout un sentiment de chaos contrôlé. Skullqueen et Electra Rex mélangent la sérénité et l’apocalypse avec un excellent effet, ce dernier se livrant au pitch-shifting maniaque que l’on attend d’Arca. Mais les morceaux plus calmes sont également agréables, comme le Joya à la Björk et le Señorita aux accents hip-hop (coécrit avec Max Tundra).

kick iiii était destiné à être entièrement composé de piano instrumental, et bien que ce ne soit pas le cas, c’est une affaire relativement calme (en contraste frappant avec sa couverture violente). Oliver Coates ajoute un peu de gravité à Esuna avec son violoncelle typiquement magnifique ; « Hija » dérange avec des voix robotiques enfantines parmi des cordes plissées ; Shirley Manson est discrète par rapport à son style habituel, mais néanmoins agréable sur Alien Inside. « Queer » avec Planningtorock est une collaboration évidente d’Arca, et une bonne chanson, mais un peu incongrue sur cet album.

Le dernier album est plus facilement identifiable à sa pochette : Arca baignant dans un flot de lumière, regardant vers le ciel, bien que des éléments monstrueux subsistent. kiCK iiiii est sa collection de chansons la plus céleste, mais sans fioritures, à ce jour. On n’y trouve qu’occasionnellement des embellissements électroniques, avec beaucoup de piano nu (La Infinita, le magnifique break de Fireprayer), des cordes orchestrales (Estrogen) et des arrangements glorieux et chatoyants (PU, Tierno, Ether). Tout n’est pas lisse – les percussions dentelées de Músculos, le bavardage « psycho-diva » de Ryuichi Sakamoto sur Sanctuary, le moment final de Crown qui pourrait être une gorge tranchée – mais c’est aussi paisible que vous n’avez jamais entendu Arca.

Cette collection fonctionne parfaitement bien dans sa forme complète, mais pourrait tout aussi bien être découpée en albums ou morceaux individuels (un peu comme Arca le fait avec le concept de genre). Il s’agit simplement d’un artiste à la créativité débordante qui nous offre un aperçu de ce qui se passe derrière le rideau pendant quelques heures. Faites-vous plaisir à votre guise.

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Bitchin Bajas: « Switched On Ra »

7 novembre 2021

Près de quatre ans après leur dernier LP Bajas Fresh et trois ans après une rétrospective luxuriante, les drones synthétiques de Chicago Bitchin Bajas sortent un hommage réinterprété de huit titres à leur idole Sun Ra, qui sort ici en numérique et sur cassette.

Switched On Ra est, en effet, le résultat d’un exercice typique des Bajas : en verser un peu pour les pionniers qui les ont précédés (comme ils l’ont fait avec Bitchitronics et leur participation à la représentation annuelle de Chicago de « In C » au fil des ans). C’est une bonne façon d’obtenir un flux – ils jouent un peu d’eux-mêmes, puis un peu pour les pionniers, puis un peu plus pour le groupe. En peu de temps, ils jouent avec les inspirations entremêlées, car elles ne peuvent venir que de l’intérieur. Pour Switched On Ra, cela signifie une plongée profonde dans le song-book de l’un de leurs prédécesseurs de l’âme, Sun Ra, dont la musique est littéralement inscrite dans l’ADN des Bajas. Se plonger dans cette musique avait l’air fou sur le papier : le groupe de synthétiseurs de drones reprenant les harmonies de l’Arkestra et les grooves lâches de Ra ? L’astuce consistait à faire en sorte que ce sens du rythme se traduise de Ra à Bajas, d’une manière qui leur convienne à tous les deux.

Sun Ra était bien sûr son propre type de visionnaire original du clavier, utilisant des claviers électriques à la fin des années 40 et 50 pour remplir un rôle dans le jazz qui avait traditionnellement été joué sur un piano acoustique uniquement. Une fois qu’il l’a fait, il a poussé son écriture dans des directions inspirées par l’électricité, dans des endroits où personne n’avait pensé à aller avant. Faire ce qu’il faisait sur les touches était une prise de position pour l’individualité qui est devenue le rayonnement de fond de son voyage à travers le cosmos ; la recherche d’un endroit au-delà de la domination terrestre, pour tous les gens qui voulaient désespérément se barrer. Les Bitchin Bajas se sont contentés de dominer dans un monde microtonal, généralement sans un seul accord à trouver nulle part. Mais ici, ils s’avancent avec droiture, leur vibration se triangule en faisant avancer la musique de Ra avec le style de Wendy C, créant un espace inattendu pour que tous puissent s’épanouir. Il y a un véritable sentiment de joie lorsque ces signaux collectés rebondissent sur la bande et traversent les haut-parleurs pour atteindre votre espace. À cet égard, Switched On Ra est une célébration effervescente de la musique à travers le temps et l’espace.

***1/2


Helado Negro: « Far In »

3 novembre 2021

Chaque fois que Roberto Carlos Lange pose son stylo sur le papier, le monde entier s’arrête, puis tourne dans une boucle infinie. Le temps s’arrête tandis qu’il romance ses fantasmes intérieurs. Depuis plus d’une décennie maintenant, le travail de Lange sous le nom d’Helado Negro a incorporé davantage de ces fantasmes, se métamorphosant constamment pour incorporer le monde gelé dont il s’arrache.

Pour beaucoup, son accueillant classique de 2019 à base d’acoustique, This Is How You Smile, a été l’introduction à son monde. Les inflexions cosmiques d’Helado Negro ont toujours poussé ses auditeurs en territoire étranger – des territoires qui ne sont pas tant obscurs ou bizarres, mais qui reposent fortement sur la suspension de croyances endurcies. Sa musique transcende ce que d’autres artistes folk plus largement reconnus comme Devendra Banhart ou Jose Gonazález sont prêts à explorer.

Son dernier album, Far In, s’éloigne légèrement de l’ambiance dépouillée de This is How You Smile, ramenant le pendule vers sa muse électronique pour une chronique optimiste et étoilée. C’est son plus long album à ce jour – et le premier pour le grand label indépendant 4AD. En une heure et quelques, Helado Negro s’éloigne de tout concept, choisissant plutôt de se concentrer sur son cœur et l’amour dans une période de confusion et de haine.

Lange a déjà façonné de nouveaux mondes vivants avec sa musique, et Far In poursuit dans cette voie grâce à son approche hybride habituelle, qui consiste à chanter presque uniformément en espagnol et en anglais. Quoi qu’il en soit, il nous invite toujours à découvrir son monde dans toute sa vibrance. Ce n’est pas une nouvelle direction pour Helado Negro, il a utilisé beaucoup des mêmes ingrédients sur les entrées précédentes dans son catalogue, notamment sur Private Energy (2016), mais pour Far In, il laisse aller beaucoup plus ces embellissements.

Réflexion sur le fruit de son enfance, les doublures sautillantes de « La Naranja » sont semblables à cette éruption de zeste d’agrumes qui vient de l’épluchage d’une orange. Le piano et le violon éthérés emplissent nos oreilles comme le parfum du fruit emplit notre nez, et la personnification de l’orange par Lange ne se perd pas non plus dans la traduction – nous oublions celles qui sont laissées sur le sol et dans les caniveaux, mais ce sont toujours des oranges. Si nous n’agissons pas, les oranges cesseront d’exister, même celles qui sont sales.

Il tourne son regard vers les étoiles pour « Gemini and Leo », un numéro de danse scintillant sur deux amoureux perdus dans leur propre monde. Ils tournoient à l’unisson au-dessus de la Terre, saisis par le désir pittoresque de danser comme si personne ne regardait, alors que le monde qui les entoure n’est pas au courant. Il s’offre l’espace nécessaire pour tourner sur cet axe pendant un certain temps avec « Aguas Frias », ce qui donne lieu à une méditation sur le changement climatique qui n’est pas seulement pertinente, mais aussi sincère et honnête.

Il y a beaucoup de confort et de chaleur dans les albums de Lange. Il est une lueur d’espoir dans presque tous les cas, ce qui est rare de nos jours. Far In aborde des thèmes lourds en dehors de l’amour, comme l’apocalypse, mais c’est la gentillesse de Lange que l’on retient. Sa présence est toujours réfléchie, sincère, jamais forcée ou égoïste.

« There Must Be a Song Like You » demande une traduction du moi en structure de chanson réelle – quelles chansons font de vous, vous ? Negro ne vous le demande pas, il vous suggère de le chercher, de déterminer ce qui vous rend entier et unique.

Far In a une gentillesse inhérente. Lange embrasse sa musique comme un parent embrasse son enfant, et à travers cette étreinte, il espère transmettre ces sentiments d’espoir et de changement à ses auditeurs, que leur coupe proverbiale soit pleine ou vide. Il partage cette réciprocité dans « Outside the Outside » lorsqu’il insiste sur le fait que « mon monde ne s’ouvre que lorsque ton monde entre » (My world only opens, when your world comes in). C’est peut-être ce que le titre est censé représenter. Jusqu’où êtes-vous prêt à creuser pour trouver votre véritable identité ? Helado Negro veut que vous le découvriez.

***1/2


Anushka Chkheidze, Eto Gelashvili, Hayk Karoyi, Lillevan, Robert Lippok: « Glacier Music II »

12 septembre 2021

Glacier Music II est la rare suite d’un premier opus et elle mérite d’être découverte.  Cinq ans après son prédécesseur, l’album continue de suivre les effets du changement climatique sur l’une des ressources les plus précieuses de la planète.  Un livret d’information accompagne le disque et fournit des informations précieuses (ainsi que des photographies étonnantes) à ceux qui s’intéressent à cette question cruciale.

Glacier Music I a commencé par l’enregistrement de la fonte des glaciers à Tujuksu, puis s’est étendu à un projet audiovisuel.  Lillevan est le directeur du projet, responsable des projections qui donnent aux concerts un impact supplémentaire.  Pour ce nouveau chapitre, le Goethe-Institut a recueilli des enregistrements sonores sur un glacier du Kazakhstan, qui n’a déjà plus qu’un tiers de sa taille mesurée à l’origine.  Les possibilités d’intervention se réduisent à une vitesse alarmante.  Mais tous les sons ne sont pas si lointains : Robert Lippok apporte les sons de la neige enregistrés par la fenêtre d’une voiture et des branches ramassées sur le sol.  L’astuce consiste à faire le lien entre le lointain et le proche.  Comme l’écrit Eto Gelashvili, « nous devons réaliser que si nous continuons à vivre ainsi, la beauté de la nature peut se transformer en quelque chose de très dangereux et de moins beau. »  À part Anushka Chkheidze et Hayk Kiroyi, ces artistes font un album qui vaut la peine d’être écouté afin d’attirer l’attention sur des informations qui valent encore plus la peine d’être écoutées.

La variété des sons est un attrait principal, de l’enregistrement sur le terrain à la musique en passant par la chanson folklorique.  Le premier son est de l’eau qui coule, introduisant « m3⁄s », qui fait référence au débit d’un glacier.  La musique est tendre, douce et grave. «  Infinite » envoie les cuivres vers les étoiles, mais fait référence à « une infinité en nous-mêmes » », et se tourne bientôt vers l’intérieur avec des tons de piano et de clavier réfléchis.  Puis les douces tonalités chantées de la berceuse écossaise « Sleeping glacier », projetant une pure sérénité.  Le collectif ne perd jamais de vue l’attrait esthétique du glacier ainsi que son importance environnementale.  Mais au-dessus de ces douces tonalités se cache une menace omniprésente, véhiculée par le grésil de « Ais » et les gouttes de « Numbers Drop », accompagnés d’un compte réel.  Il est possible de compter les gouttes d’un glacier qui fond, mais ces gouttes ne sont pas infinies ; une fois que les glaciers auront disparu, nous disparaîtrons probablement aussi.

Mais cela ne doit pas forcément se terminer ainsi.  Les efforts de Lillevan, de Lippok et d’un grand nombre de personnes partageant les mêmes idées sont la preuve que de nombreuses personnes se soucient suffisamment de cette question pour y investir leur vie.  Si le disque incite d’autres personnes à tourner leur regard vers les glaciers, nous pourrons peut-être encore préserver cette beauté ~ et cette stabilité ~ pour les générations futures.

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Rachika Nayar:  » Fragments »

22 août 2021

Fragments de l’artiste sonore new-yorkaise Rachika Nayar sont une collection de petites boucles de guitare, construites dans l’environnement familier de sa propre chambre. Et cette ambiance confortable s’est glissée dans sa musique, lui donnant un sentiment de bien-être immédiat ; chaussures enlevées, café à portée de main. Cette sortie est la dernière entrée dans THERE, la série de musique en cours de Commend, enregistrée en dehors mais inspirée par les efforts communs de l’espace RVNG Intl. dans le Lower East Side.

Nayar, une compatriote new-yorkaise, a noué un lien étroit et une relation intime avec la guitare pendant son enfance, et elle a depuis exploré les nombreuses possibilités labyrinthiques de cet instrument. Elle est amoureuse de la guitare, et cela se voit. Les fragments de Nayar utilisent des effets pour faire évoluer et plier davantage le son de la guitare au-delà des attentes ou des idées préconçues, notamment avec l’utilisation de pédales de retard, qui servent de toile de fond à l’improvisation et finissent par créer des arènes rythmiques entièrement nouvelles. Les morceaux de guitare en couches ont évolué d’une pratique à une source profonde d’exploration de soi et de restauration, assurant une musique de nature personnelle et spirituelle, à la fois dans sa domesticité et dans sa philosophie de connaissance de soi à un niveau plus profond. La musique rend tout cela possible.

Il est également intéressant de noter les processus préliminaires d’écriture et de composition de Nayar, et la manière dont ses idées évoluent – naturellement ou après un travail plus approfondi – vers une seule chanson. Ces fragments sont tellement essentiels à la musique, ils sont au cœur de son être, que le mot lui-même a été marqué et utilisé comme titre. Ils préservent et mettent en valeur un moment unique, un fragment solitaire, un aperçu fugace d’une seconde, capturé à jamais, mis en boucle, répété, disséqué, rejoué encore et encore pour le mâcher et le savourer, avant qu’il ne s’éloigne et ne disparaisse.

L’exploration profonde d’un seul instant est d’une intimité inégalée, tout comme l’ancrage inévitable à un lieu, un moment ou un événement spécifique, et de ce fait, les fragments ont une authenticité qui ne peut pas vraiment être égalée ; il faut vivre quelque chose, traverser quelque chose, pour vraiment y résonner, le comprendre et le capter.

Nayar considère sa musique comme un « compagnon constant », offrant un espace essentiel pour la purification et le renouvellement, et cet album porte particulièrement sa personnalité, puisqu’elle l’a enregistré chez elle, un endroit où elle se sentait bien et où, selon les mots de Nayar, elle pouvait accéder à son cœur et cultiver une sorte de mouvement interne dans les moments de stase.

Nayar place le rythme et la mélodie au premier plan de sa musique. Ils ont tous deux un rôle prépondérant, et bien qu’il s’agisse de minuscules boucles, elles contiennent des profondeurs infinies. Les mélodies s’étendent bien au-delà de leur brève durée de deux minutes environ, et Nayar est capable d’intégrer beaucoup de choses dans un seul morceau sans jamais donner l’impression d’être encombré ou alourdi. Dans la force de l’âge, la musique glisse sur des cordes propres et douces comme du beurre. Son jeu est virtuose, et sa technique et son exécution technique en sont la preuve. Les mélodies ne sont jamais perdues dans leur propre complexité en boucle, et elles ne sont jamais mises au second plan par sa technique de classe mondiale. Au contraire, son habileté technique permet aux mélodies de grandir, d’évoluer et de faire leur propre truc, d’être elles-mêmes, et c’est à cela que sert la technique. Les notes contiennent une bonne dose d’humilité, et un vague parfum de nostalgie ou de nostalgie de quelque chose de perdu. La musique est conçue de manière réfléchie et, à l’écoute répétée, quelque chose de nouveau attend d’être découvert. Les multiples couches de la guitare convergent toutes, créant un magnifique réseau kaléidoscopique de rythmes et de motifs complexes en boucle ; un endroit où tout un écosystème de mélodies fortes et récurrentes se sent chez lui.

***1/2


Leon Vynehall: « Rare, Forever »

2 mai 2021

Leon Vynehall, un des producteurs britanniques les plus en vue, sait depuis longtemps canaliser ses souvenirs dans la musique. Son premier album Nothing Is Still racontait l’histoire de ses grands-parents émigrés à New York dans les années 1960, tandis que Music for the Uninvited s’inspirait des mixtapes que sa mère lui faisait écouter sur le chemin de l’école. Mais lorsqu’il a atteint son 30e anniversaire, Vynehall s’est trouvé être la muse ultime.

Rare, Forever est, à cet égard, une mise à nu. Comme l’ouroboros représenté sur sa couverture, l’album est un acte de réinvention et de renaissance. Vynehall entre dans une nouvelle ère musicale, plus abstraite, moins linéaire, plus tournée vers l’avenir, moins vers le rétroviseur. En essayant de se découvrir plus complètement en tant qu’artiste, Vynehall laisse tomber le noyau cohésif et la progression linéaire qui ont largement sous-tendu la majorité de sa discographie, bien que ce ne soit pas entièrement une mauvaise chose. Rare, Forever ressemble moins à un album qu’à une série de pensées ponctuées, ou à la longue méditation d’un homme. C’est un peu nerveux, et ça pulse avec une énergie frénétique. Il oscille entre les bangers du dancefloor (« Dumbo ») et les transitions langoureuses (« Allchea Vella Amor »). 

Toujours aussi intellectuel, il commence l’album par « Ecce ! Ego ! » (« Behold ! Me ! » en latin), une ouverture audacieuse qui met à nu son protagoniste. S’appuyant sur son penchant pour les éléments classiques, il change rapidement de rythme pour se lancer dans un déluge de synthétiseurs et de basses. L’album est hanté par la présence d’un personnage mystérieux nommé Velvet, dont l’existence est volontairement ambiguë et entourée de mystère. Velvet apparaît sur quelques morceaux, comme « In>Pin » et « All I See Is You, Velvet Brown », mais Vynehall se garde bien de fournir trop de détails. Velvet apporte une couche philosophique supplémentaire à Rare, Forever, ainsi qu’un contrepoids bienvenu à sa propre personnalité.

Le producteur britannique est un maître de la texture, et son deuxième album ne déçoit pas. Il passe de la house au jazz, à l’ambient, au drone et à la techno, tout en se délectant du genre de construction de monde que seul Vynehall peut apporter à la table – bien qu’il puisse être considéré comme un projet de démolition dans ce cas. Rare, Forever donne à Vynehall l’espace nécessaire pour expérimenter et explorer la musique au-delà de ses racines de DJ. Son plongeon dans l’abstrait et le conceptuel est un choix audacieux, qui s’avère payant. « An Exhale » est un pur optimisme sonore qui ne peut que faire des adeptes, tandis que « Mothra » décrit l’euphorie de trouver un but. Le résultat, dans l’ensemble, est une entreprise extrêmement créative qui s’exclame haut et fort : « Behold ! Moi ! »

Il est banal de prendre le titre d’un album comme une traduction littérale, mais comment décrire autrement la présence durable de Vynehall dans l’industrie – il est une rareté, et sa musique a certainement la possibilité de durer pour toujours.

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Grandbrothers: « All The Unknown »

26 janvier 2021

Düsseldorf est célèbre pour avoir été pionniére en matière de musique électronique. Une prise spectaculairement réductrice pourrait même dire qu’elle y est née. C’est également là que le pianiste turco-allemand Erol Sarp a rencontré le producteur suisse Lukas Vogel et a formé Grandbrothers, un duo qui a l’intention de faire œuvre de pionnier en matière de musique électronique : pirater le piano classique avec des logiciels informatiques et l’esprit de la GED (Gestion électronique des documents.).

Ce qui pourrait rendre le son de All The Unknown plus expérimental qu’il ne l’est. La magie technique des Grandbrothers est peut-être ésotérique, mais leur production ne l’est pas. L’électronique ondulante pilotée par le piano est faite sur mesure pour une liste de lecture « ciblée » – assez discrète pour vous effleurer, mais assez complexe pour garder le cerveau actif. En fait, si elle avait été créée par un algorithme dans ce but, ce ne serait pas une surprise. « Four Rivers », « Shoreline. ».. même les titres des chansons évoquent une neutralité consciente. Travaillez sur la musique de votre ordinateur portable dans un café. Sur un album qui marie des sons de piano traités et de piano organique, c’est la combinaison des deux qui produit cet effet.

L’une ou l’autre de ces options offre quelque chose de plus émouvant, que ce soit les sons de cloche et de cithare créés sur « Auberge » ou le piano sans fioritures de l’outro de l’outro « Four Rivers ». « The Goat Paradox » – trente secondes d’arpèges de plus en plus rapides – semble plus évidemment programmatique que tous les autres – et pourtant sa vibe façon Philip Glassi est plus émouvante que la plus grande partie de l’album.

Une fois que le piano ondulant rencontre les rythmes électroniques, tout tend à se fondre en un seul. L’intro chatoyante de Unrest donne l’impression qu’il est sur le point de s’ouvrir comme les Chariots of Fire de Vangelis ou même le « Crockett’s Theme » de Jan Hammer, mais il ne finit pas par être aussi accrocheur. Toute l’ambiance, sans accroche. Il y a un crochet sur le rythme de « Silver », une fois que les couches ont été constituées, mais il disparaît trop vite dans un bain de son. Les bulles électroniques qui éclatent au début de Black Frost se perdent aussi rapidement dans les méandres du rythme. Tout cela est parfaitement agréable, mais il sera difficile de ressentir de la passion pour tout cela.

***1/2


Orla Wren: « The Blind Deaf Stone »

12 janvier 2021

La personnalité artistique d’Orla Wren en tant qu’authentique étrangère connaît des intervalles créatifs irréguliers et des applications expressives changeantes. Dédié dans la dernière période à l’élaboration de Filmscores de tous genres (disponibles à la fin de l’année dernière en sept volumes au format numérique), l’énigmatique artiste britannique revient pour publier un album entièrement sous son propre nom depuis l’époque de Moccasin Flowers (2015), le fait évidemment à sa manière, tant pour le format que pour le mode de réalisation.

The Blind Deaf Stone est, en fait, articulé en quatre pistes de long format, d’une durée de douze minutes chacune, créées avec l’utilisation exclusive d’un synthé analogique monophonique. Bien que lointaine puisse paraître l’époque de l’ascèse acoustique du splendide Book Of The Folded Forest (2013), l’approche de l’instrument par Orla Wren est oui extrêmement minimale mais toujours orientée vers un paysage bucolique parsemé d’éléments organiques et de tessons de mélodie déconstruits.

Tout au long de l’œuvre, les fréquences de tremblement du synthé sont en effet modulées dans des boucles liquides et brodées de débris sonores, dont les segmentations donnent aux pistes une dynamique oblique et parfois tordue. Mais c’est surtout les fondus lumineux du second morceau et les délicates itérations du dernier qui matérialisent à nouveau, sous un autre son, la fragile mélancolie qui sous-tend les contemplations naturalistes d’Orla Wren, une fois encore créatrice ascétique de paysages imaginaires.

***1/2


The Avalanches: « We Will Always Love You »

10 décembre 2020

Sur leur premier album, The Avalanches nous ont entraînés dans un rêve éveillé. Sur leur deuxième, ils nous ont ramenés à la réalité et nous ont fait sortir dans une ville animée à la lumière du jour. Leur troisième album nous fait traverser l’obscurité de la nuit et l’étendue étoilée au-dessus de nos têtes.

We Will Always Love You arrive relativement vite par rapport au rythme habituel d’un comboqui a mis 16 ans à suivre son célèbre premier album, Since I Left You, sorti en 2000. En comparaison, les quatre années qui se sont écoulées depuis la sortie de leur album Wildflower, sorti en 2016, sont une véritable révélation. Pourtant, beaucoup de choses ont changé dans le monde des Avalanches depuis lors. Robbie Chater, l’un des deux derniers membres du groupe, s’est inscrit dans un centre de désintoxication au début de l’année 2017 et est devenu sobre. Son coéquipier Tony Di Blasi, qui à plusieurs reprises avait cru que The Avalanches étaient finis, a pu remplir les dates de la tournée du projet avec un groupe de soutien pendant que Chater était sobre. Lorsque Chater est sorti de désintoxication, il a rejoint la troupe de tournée dd combo, et ils sont redevenus, selon les mots de Di Blasi, un « groupe normal » pour la première fois.

Ainsi, la perforation de la mystique du duo est également une bénédiction pour les auditeurs. Since I Left You, un collage de samples surréaliste qui ressemblait à une fête de plage rétro et à un voyage transcontinental à la fois, a fixé une barre impossible pour le groupe. Wildflower n’allait jamais être à la hauteur de sa légende – et bien que l’album ait parfois retrouvé l’atmosphère vive et hallucinatoire de son prédécesseur, l’introduction de chants en direct a permis de s’assurer que ce serait un projet différent, un projet qui aurait autant de points communs avec la parade colorée des guest stars de Gorillaz qu’avec d’autres creuseurs de caisses comme DJ Shadow et les Dust Brothers. Wildflower était un grand album en soi, mais peut-être plus important encore dans le cadre de la carrière de The Avalanches, il leur a permis de faire table rase.

Sur We Will Always Love You, ils remplissent cette toile de la vaste étendue du cosmos. L’album aurait été inspiré par la majesté de l’espace, la lumière des corps célestes et la romance entre les scientifiques aux yeux étoilés Ann Druyan et Carl Sagan, qui ont tenté de résumer l’expérience humaine sur une paire de disques d’or lancés dans l’espace en 1977 – des mixtapes d’une sorte qui comprenait tout, de Beethoven aux chants Navajo en passant par un enregistrement des ondes cérébrales de Druyan alors qu’elle pensait à « la merveille de l’amour, de l’être amoureux ». (La pochette de l’album est une photo de Druyan passée au spectographe, transformée en son, puis retravaillée en image). L’album, qui s’étend sur 25 titres en 72 minutes, imite la beauté et le mystère de l’horizon nocturne en explorant des questions sur la mort, l’au-delà et les étoiles. Bien que teintées d’une admiration similaire, les émotions qu’il évoque ne sont pas toujours aussi chaudes et floues que l’exaltation de Druyan, éperdument ému.

Comme les deux autres albums de The Avalanches, We Will Always Love You est une odyssée. Chaque morceau ressemble à une rencontre avec un nouveau personnage ou à un passage pittoresque entre deux avant-postes. Les Avalanches ont réuni un nombre impressionnant de chanteurs – Karen O ! Kurt Vile ! Leon Bridges ! Blood Orange ! Rivers Cuomo ! Vashti Bunyan ! Pink Siifu ! Neneh Cherry ! Cornelius ! Tricky ! Sampa le Grand ! Denzel Curry ! Johnny Marr ! Cola Boyy ! Perry Farrell ! – en les branchant sur un arc qui, s’il n’est pas expressément narratif, travaille dur pour communiquer une vérité émotionnelle profonde sur l’existence humaine. C’est comme un film ou un jeu de rôles vaguement surnaturel qui se déroule entièrement après la tombée de la nuit, peuplé de personnages et d’esprits colorés qui parlent à travers les échantillons : certains bouillants, d’autres alourdis par la douleur.

Cette lourdeur se retrouve dans le « single » principal, « We Will Always Love You », qui lance la procédure après quelques morceaux atmosphériques. Sur un fond de trip-hop et de claviers qui scintillent comme des étoiles, la voix de Dev Hynes se mêle à des samples de Smokey Robinson and the Roches. Cela ressemble à une rencontre extraterrestre ou à une visite divine. De là, on passe au disco psychédélique avec MGMT et Johnny Marr (et encore avec Perry Farrell), à la soul spectrale avec Leon Bridges, au rap de l’autre monde avec Denzel Curry et Sampa The Great, au folk éthéré avec Kurt Vile, et à une joyeuse rencontre inter-dimensionnelle sur la piste de danse entre Karen O, Cola Boyy et Mick Jones, entre autres.

Le changement d’approche du groupe contribue à brouiller la frontière entre le physique et le spirituel. Le groupe s’appuie toujours fortement sur l’échantillonnage, mais ces centaines d’extraits audio sont mélangés à des chants et des instruments en direct, de sorte que l’ancien effet de collage sonore s’intègre dans le tissu de la musique pop plus conventionnelle. Parfois, les voix ressemblent à des échantillons, comme lorsque Sananda Maitreya chante tristement : « Tu vois, la vie est une salope, et l’habitude aussi/ Et si je ne peux pas l’avoir, alors pourquoi diable le devrais-tu ? » (You see life’s a bitch, and habit-forming too/ And if I can’t have it, then why the hell should you?) Parfois, les extraits ressemblent plus à de nouveaux enregistrements, comme le refrain de « Born To Lose », « En fait, il est mort d’avoir le coeur brisé » (Actually, he died of a broken heart). Parfois, les voix en « live » deviennent des samples récurrents. Bien qu’il y ait des instruments sur l’album qui maintiennent ce lien avec l’esthétique originale de Since I Left You – le morceau disco-house palpitant « Music Makes Me High », parsemé de suffisamment de bruit aléatoire pour sonner comme une boîte de nuit bondée, est un point fort de la forme – plus souvent que le son classique des Avalanches s’imbrique dans quelque chose de plus brillant et de plus direct.

La plus brillante de toutes est peut-être « Running Red Lights », la chanson la plus directe des Avalanches au pavot à ce jour. Enterrée à la fin de l’album, cette chanson de Weezer, Rivers Cuomo, évoque avec brio Erwin Schrödinger, The Book Thief et la Californie, sur un fond de nostalgie et de cherté. Il n’est pas difficile d’imaginer que cette chanson est la bande-son d’une publicité automobile. Pourtant, même cette version ouvertement commerciale des Avalanches trouve un écho poignant et un lien avec l’au-delà en faisant appel à Pink Siifu pour lire les paroles du classique « Darkness And Col » » du regretté David Berman, Purple Mountains. Les lignes s’inscrivent parfaitement dans les thèmes de l’amour, de la perte et de la beauté spectrale de l’album : « La lumière de ma vie s’éteint ce soir/ Dans une Corvette rose à champagne/ La lumière de ma vie s’éteint ce soir/ Sans une once de regret » ( he light of my life is going out tonight/ In a pink champagne Corvette/ The light in my life is going out tonight/ Without a flicker of regret) .Cette chanson marque le moment où les Avalanches achèvent leur transformation en « groupe normal », mais elle constitue aussi le point culminant de ce projet richement conçu, où le duo regarde dans l’espace et voit cette possibilité infinie se refléter en lui.

***1/2


Sabaturin: « Kenemglev »

22 novembre 2020

Avant même que le monde ne s’habitue à la distanciation sociale, l’Anglais Simon Crab et le Canadien Charles-Emile Beullac créaient de la musique sans jamais s’être rencontrés physiquement.

C’est ainsi que Sabaturin est né. Le matériel qui composeKenemglev a été travaillé par les deux hommes entre 2017-2019 dans le vieil esprit d’échange de sons par le biais de cassettes, très populaire dans les années 80. « Kenemglev » signifie « consensus » en breton et c’est le mot clé pour comprendre comment cet album a été pensé et réalisé. Kenemglev est, par conséquent, la musique qu’il fallait pour l’époque où nous vivons ; une année 2020 qui nous a appris à comprendre, à apprendre et à communiquer à distance, et à donner lmportance à la notion de consensus.

Beullac conserve une partie de l’identité de son projet dans lequel l’album Nothing Down-To-Earth a vait récolté la note de 8,7 chez Pitchfork en 2002, faisant tourner la tête des fans de Boards Of Canada.

En revanche,Kenemglev n’est jamais défini par une formule et la musique reste alors libre, que ce soit l‘échantillonnage radio classique à ondes courtes (souvent utilisée dans la scène industrielle) ou le dub. Le tout est mélangé en une seule entité qui coule sans interruption et où les pistes sont collées ou légèrement superposées, dans une sorte de représentation de l’art qui orne la couverture, générée par Simon Crab à partir d’une simulation de motifs de Chladni.

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