T Bone Burnett, Jay Bellerose, Keefus Ciancia : « The Invisible Light »

6 août 2022

Deuxième volet de la trilogie collaborative de T Bone Burnett, Jay Bellerose et Keefus Ciancia, The Invisible Light s’écarte nettement du premier volet du trio, dont la structure était acoustique. En revanche, ce nouvel album est presque entièrement constitué de chansons aux rythmes didactiques et aux accents inquiétants. Si l’on considère la réputation de Ciancia en tant que compositeur et réalisateur de bandes originales, ce n’est pas une surprise. Après tout, il a construit sa carrière en créant des ambiances et des mélodies imprégnées de tonalité et de texture. Burnett, quant à lui, s’est le plus souvent éloigné de l’avant-garde, choisissant plutôt de contribuer à la promotion de l’Americana, grâce à ses efforts derrière les planches pour Counting Crows, Alison Krauss, Los Lobos, Gillian Welch, Gregg Allman et Roy Orbison, ainsi qu’au rôle qu’il a joué dans la supervision des musiques de films de « Cold Mountain », « Walk the Line », « Crazy Heart » et, surtout, « O Brother, Where Are Thou ». Pour sa part, Jay Bellerose est un percussionniste très demandé qui a joué derrière d’innombrables superstars – Bonnie Raitt, Elton John, Allen Toussaint, Rhiannon Giddens, Joe Henry et Aimee Mann, entre autres – mais cet album est nettement différent de tout ce qu’il a pu offrir auparavant.

Compte tenu de sa fusion enivrante de trance, d’electronica, de musique tribale et globale, ce qui n’est pas nécessairement surprenant, c’est le message qu’il tente de transmettre, un message qui tourne autour de l’écart entre la réalité et la fiction, et des faussetés dangereuses et disparates qui entachent souvent notre impression de la réalité par la propension des médias sociaux, d’Internet, du cinéma, de la télévision et de toutes les autres voies de communication qui nous bombardent quotidiennement, brouillant nos sens sous la forme d’une hypnose de masse technique.

Pratiquement chaque chanson fait passer ce message. « Il n’y a pas d’autre temps que le présent, tout se passe en même temps », entonnent-ils sur le morceau d’ouverture « I’m Starting A New Life Today ». « Mother Cross (We Think We Think) » fait écho à un sentiment similaire : We think we think, We don’t know we don’t know, We’re afraid, we’re afraid, We ask why we ask why… » (Nous pensons nous pensons, Nous ne savons pas nous ne savons pas, Nous avons peur, nous avons peur, Nous demandons pourquoi nous demandons pourquoi… ). « Utopia Chant » est plus concis : « Nous voulons que vous sachiez, Vous pouvez tout apprendre… nous voulons que vous sachiez » (We want you to know, You can learn anything…we want you to know).

Comme on pouvait s’y attendre, ces paysages sonores orwelliens ne sont pas particulièrement faciles à écouter. À l’exception de  » A Better Day Reprise « , tout en ambiance atmosphérique, et de  » Mother Cross (We Think We Think) « , la pièce la plus mélodique de l’ensemble, il y a peu de choses qui ne soient pas ouvertement oppressantes. C’est pourtant le but recherché, et c’est cette collusion entre sonorités et conflits qui fait rayonner The Invisible Light de façon si remarquable.

****


Earthen Sea: « Ghost Poems »

18 avril 2022

Kranky, qui existe à Chicago depuis près de 30 ans maintenant, est l’un des labels les plus remarquablement constants qui soient. Ils ont aidé à définir le « post-rock » dans les années 90 avec des sorties importantes comme celles de Labradford et God Speed You ! Black Emperor, et ils ont sorti toutes sortes de postpunk, de rock psychédélique et de monstruosités électroniques, tout en conservant une identité esthétique unifiée.

Et tout en faisant tout cela, ils sont aussi discrètement devenus l’une des plus importantes plateformes de musique ambiante au monde. 

Avec des artistes comme Loscil, Ethernet et Steve Hauschild, ils ont construit un catalogue de musique qui semble exister en dehors des flux et reflux des tendances electronica, riche et luxuriante dans ses atmosphères immersives, mais qui délivre une réelle complexité émotionnelle même si elle vous élève et vous éloigne des tracas quotidiens. Et c’est dans ce contexte que s’inscrit la musique de Jacob Long aka Earthen Sea, qui en est à son troisième album pour kranky.

Ce disque a été enregistré à New York lors des premiers confinements liés au Covid, et on peut y entendre l’isolement et l’intimité – tous les sons percussifs sont petits, comme le cliquetis d’objets domestiques, les crépitements de l’électricité ou le tapotement des meubles, tandis que des accords semblables à des nuages s’élèvent et tombent autour d’eux comme des humeurs et des pensées isolées. Beaucoup de ces accords sonnent comme du piano électrique, d’autres comme le tintement inversé de cordes de guitare, d’autres encore sont tout à fait synthétiques, mais tous, ainsi que les percussions, sont traités de manière à avoir une douceur de velours.  

D’ailleurs, même le plus électrique des grésillements n’agite pas : tout ici est doux. Mais cela ne veut pas dire que c’est sans puissance. Comme dans toute situation d’isolement, les pensées peuvent s’emballer, et Long donne l’impression qu’une émotion forte est maintenue en stase, que les pensées s’égarent vers des territoires étranges, tristes ou même dangereux, mais qu’il suffit de les reconnaître et d’aller de l’avant plutôt que de s’y enfermer. Et dans ce sentiment, malgré l’isolationnisme de l’esthétique, il y a un rappel de l’humanité partagée, de la communauté même lorsque nous sommes déconnectés. C’est peut-être un disque doux, mais il est aussi très, très beau.

***1/2


Poppy Ackroyd: « Pause »

23 novembre 2021

Album adapté à un moment d’harmonie feutrée lors d’après-midi pluvieux, Pause explore la relation toujours plus grande de Poppy Ackroyd avec son précieux piano. Elle traduit des sentiments d’anxiété, de nouveaux départs et de solitude dans sa musique la plus intime à ce jour.

Une pandémie est une chose, la naissance d’un premier enfant en est une autre. Le stress et le chaos de ces deux expériences quelque peu étrangères pousseraient n’importe qui à s’échapper d’une manière ou d’une autre. Et c’est exactement ce qu’a fait la compositrice et musicienne Ackroyd. Sa version de l’évasion a consisté à déverser sa créativité dans la musique, à expérimenter des façons de manipuler les sons dans son piano tout en canalisant des émotions et des histoires d’enfermement dans ses compositions.

Écrit pendant la pandémie de COVID-19, et peu après la naissance de son fils, le quatrième album d’Ackroyd, Pause – qui fait référence au sentiment accueillant de la normalité – garde les choses aussi ouvertes que possible. Le début « Seedling » est inspiré par le réveil du printemps et la nature qui ouvre ses yeux endormis au monde, un double sens pour la réouverture du monde peut-être. Des touches brillantes et scintillantes cascadent et se développent tout au long de l’album, ce qui crée une forte imagerie de la croissance et de la présence d’une petite graine dans la nature.

Le thème de la nature se poursuit dans les morceaux suivants, « Suspended » prend un son plus sombre, créé par des cordes de piano pincées à l’intérieur du piano, reproduisant un vol d’oiseau angoissé d’une ville fermée et misérable. En revanche, « Murmurations » renforce les sentiments d’espoir et de tranquillité dans les périodes sombres, en suivant les danses rythmiques et envoûtantes des étourneaux. Avec des touches d’une rapidité fascinante, il offre des lueurs d’inspiration du premier album d’Alt-J, An Awesome Wave.

« Stillness » et « Unravel » sont des compositions magnifiquement délicates qui font office de berceuses de l’album, un rappel subtil de la musicienne qui cherche et crée probablement des méthodes pour apaiser son propre nouveau-né. « Muted » montre l’expérimentation de Poppy Ackroyd en utilisant un chiffon humide pour ajouter du poids aux cordes dans la moitié inférieure du piano afin de rendre littéralement muettes les touches riches standard, produisant un morceau de musique futuriste mais serein.

Malgré l’absence de paroles et de voix qui est souvent déplorée dans certaines parties de ce disque, les manières envoûtantes d’Ackroyd autour de son instrument bien-aimé sont magnifiques et ne doivent pas être sous-estimées.

****


Open to the Sea: « Watering A Paper Flower »

2 octobre 2021

Open to the Sea est composé d’Enrico Coniglio et Matteo Uggeri. Enregistré à Venise et à Milan, Watering A Paper Flower fait jaillir la lumière dans l’obscurité. La nostalgie est une force puissante qui tire sur le cœur, quel que soit l’âge. Elle peut encore être ressentie aujourd’hui, elle est toujours pertinente et réelle, elle s’étend et influence les actions et les décisions actuelles. Elle s’infiltre dans le passé et y pénètre, comme s’il s’agissait d’un soleil retardé.

Les reliques peuvent encore être précieuses et pertinentes pour la vie moderne. Elles nous apprennent beaucoup sur qui nous sommes et d’où nous venons. Elles ne doivent pas être mises de côté ; ce sont des documents importants, qui détaillent des étapes essentielles du voyage. Sans ces moments, nous ne serions pas ce que nous sommes aujourd’hui ; un seul événement peut influencer et façonner le reste du chemin. Il en va de même pour Watering A Paper Flower, dont une note l’entraîne sur mille pas, et dont le voyage découle de ce moment singulier.

Même dans les heures les plus sombres, nous pouvons nous remémorer des moments meilleurs et y trouver du réconfort ou un semblant de consolation. Le passé est toujours présent, et comme une distillation de lumière, il s’infiltre dans le récit d’aujourd’hui. De même que la lumière s’infiltre dans les coins construits à partir d’ombres plus sombres, rendant visible le dissimulé lorsque les orbites s’alignent, de même les souvenirs peuvent refaire surface et illuminer l’esprit, lorsque le soleil éclaire les yeux et le sourire, plutôt que la pièce.

Le piano et le violoncelle sont vieux, ils ont besoin d’eau et de nourriture. Un air général de malaise s’infiltre dans la musique. Coniglio et Uggeri prennent soin d’arroser leur fleur de papier, même si, à première vue, elle semble ne pas en avoir besoin – elle semble être une création artificielle – mais, d’une manière ou d’une autre, elle risque de se flétrir, tant au niveau de son âme que de son apparence physique, le papier se plissant progressivement aux coins tandis que le temps lui inflige une mort lente.

Bien que rustique, la musique est capable de tisser lentement des lignes fines et des motifs glissants, comme si les muscles n’étaient pas encore complètement raides. Ses notes restent coincées dans un royaume englouti, mais parfois elles s’élèvent vers des sommets mélodiques, comme sur « It Comes, Ineluctable ». Piano, orgue, Yamaha TX7, enregistrements de terrain, batterie, trompette, violoncelle, bourdons et échantillons s’infiltrent dans le disque, les notes les plus brillantes versant des lueurs de lumière dans un puits de ténèbres.

Masterisé par Ian Hawgood et avec une pochette fournie par Daniel Crossley / Craig Tattersall, dans laquelle des impressions anciennes et vintage sont utilisées, avec des taches de rousseur et des fuites de lumière couvrant l’image imparfaite, comme des lignes plissant la peau vieillissante, la musique est toujours capable de rappeler des images du passé, la plaçant dans une sorte de sanctuaire, et elle est toujours capable de transmettre la luminosité.

***1/2


Nonconnah: « Songs For And About Ghosts »

27 février 2021

Nonconnah est né des cendres noircies de Lost Trail, après le déménagement de Denny et Zachary Corsa de la Caroline du Nord à Memphis, Tennessee. Les fans reconnaîtront peut-être leur série de drones influencés par des shoegazes et leur brume lo-fi caractéristique, alors que le duo mari et femme continue à évoquer l’esprit de leur projet précédent. Certes, des similitudes existent dans le ton et l’atmosphère générale, mais Nonconnah est le produit de l’évolution, et leur musique est un nouveau pas en avant.

De fragiles éclats de lumière plus brillante se retrouvent dans la musique de Nonconnah, qui est saupoudrée de poussière de lutin, rendant sa musique magique grâce à ses ficelles de folk et de kaléidoscopie, de somnolence lo-fi. Songs For And About Ghosts est un magnifique disque qui scintille et brille constamment de douceur et de lumière.

À l’aide de guitares, d’enregistrements sur le terrain, d’orchestres radiophoniques et d’instruments acoustiques (banjo, accordéon et mandoline), les quatre pièces, qui ressemblent à des collages, se succèdent et se transforment au fur et à mesure de leurs mouvements, parfois en rotation, parfois en pause, mais toujours en émettant un faisceau rayonnant de couleur prismatique. Pour son troisième album, Nonconnah est rejoint par Owen Pallett (de Final Fantasy, The Arcade Fire) et Jenn Taiga, ce qui donne encore plus de relief à l’album. Les radiofréquences et les appels téléphoniques sont captés sur la bande des ondes courtes, et des sujets tels que les messages subliminaux et la présence de traînées chimiques sont tissés en lumière et en drones lointains. Des intermèdes arpégés offrent un nectar mélodique. Les textures tourbillonnantes ne manquent pas, et certaines notes sont laissées à l’envers en permanence, coincées dans une boucle, créant un vortex fragile dans lequel la musique glisse glorieusement.

Un chant choral brillant et des drones lumineux ouvrent le disque avec « To Follow Us Through Fields Of Lightning », qui commence dans un état d’euphorie presque totale avant de se transformer en un doux coucher de soleil de bégaiements, d’électronique brouillée et de mélodie encore chaude, bien qu’elle se brise et se désintègre ; c’est un cocktail plus discret de douce psychédélie. C’est le calme avant la tempête, alors qu’un océan de distorsion emporte rapidement tout le reste. La vague de surmultiplication du grincement semble triomphante, elle aussi, et pourquoi pas ? Elle est capable de dévorer n’importe quoi, et on sent un renouvellement d’énergie presque visible, envoyant des ondes de choc sismiques à travers la musique, qui s’agite d’une excitation incontrôlée, et même de la joie.

Songs For And About Ghosts est capable de retourner son son à l’envers et à l’endroit. Il y a beaucoup de diversité à découvrir en se promenant dans son conte de fées toujours en mouvement, qui semble être le bon accompagnement pour une promenade du dimanche après-midi dans une forêt printanière. Mais en même temps, il y a des thèmes et des tons communs, ce qui donne au disque un sentiment de stabilité et d’uniformité même lorsqu’il est éclaboussé de couleurs ultra-brillantes. Ils ont laissé les fantômes derrière eux, les laissant à leur place, fermant la porte au surnaturel et à la pourriture des banlieues délavées tout en choisissant de s’enraciner dans les champs. Ce faisant, les Nonconnah foulent un nouveau sol.

***1/2


Lucrecia Dalt: « No era sólida »

12 septembre 2020

« Je construis beaucoup de fond conceptuel pour ma musique… Je lis, j’étudie, je pense à toutes ces choses et toutes ces informations me font avoir une certaine attitude envers la vie, une approche éthique… » -tel est le discours de Lucrecia Dalt.

Il zst vrai quela musique de Lucrecia Dalt porte en elle un cadre intensément axé sur la recherche. D’une ampleur et d’un contenu similaires à ceux de Laurie Anderson, Cosey Fanni Tutti ou Björk, chaque album est composé d’une électronique complexe, qui intègre souvent des éléments de spoken word et d’alt-pop. Dalt plonge dans une série exhaustive de thèmes, dont le changement climatique, le cinéma allemand de la nouvelle vague et les notions lacaniennes du soi.

Traduit par « elle n’était pas solide », son album No era sólida explore l’idée de se dissoudre, de faire fondre les frontières et de devenir une autre personne. Un personnage fictif appelé « Li » » fait une demi-narration du disque. Elle chante dans une langue inventée, une glossolalie entre l’anglais et l’espagnol. Sa double voix lo-fi se décompose en fragments de souffle et en mots dénués de sens.

Comme pour les chanteurs expérimentaux tels que Lyra Pramuk et Eartheater, l’identité musicale de Dalt est ancrée dans la musique de danse électronique. Le son puissant de la scène techno underground de Medellín, où elle a émergé en tant que productrice, est présent dans le « single » principal « Disuelta », dans lequel des synthés tournent mécaniquement. Mais parmi les lourdes inflexions rythmiques, il y a des cris déroutants et des bruits inhumains. Parfois, le disque semble à moitié formé et fragile. Sur  « Espera », la mélodie s’embrouille, son tempo oscille mécaniquement d’avant en arrière. C’est dans cet espace gestationnel du devenir – ni l’un ni l’autre, mais les deux simultanément – que se déroule No era sólid.

La futuriste et éco-philosophe féministe Donna Haraway utilise le concept de « devenir » pour décrire comment la vie humaine, plutôt que d’être hiérarchiquement séparée, est intrinsèquement relationnelle et imbriquée. Elle décrit le monde comme un nœud en mouvement. Les humains sont dépendants et connectés à d’autres espèces et à des environnements non humains tels que l’air, l’eau et l’électricité. Transcendant les binaires du « soi » et de l‘autre », de l’  « artificie » » et du « naturel », Dalt se glisse dans le personnage de « Lia ».

Elle canalise les montagnes et les machines, la lave et la fumée dans le clip de « Disuelta » (réalisé par Pedro Maia). Elle danse dans une grotte au rythme transmorphe de la piste sonore, sa peau se déchire dans des formations rocheuses escarpées, ses mains gesticulantes se transforment en éruptions de lumière ou en feuilles qui tombent. À travers cette métamorphose de l’homme en paysage, Dalt capte une politique d’ouverture, considérant la vulnérabilité de la vie perméable et fluctuante. Cela se reflète également dans sa décision de donner une partie des bénéfices de la libération à Tierra Digna, une organisation colombienne dédiée à la défense des communautés affectées par les politiques économiques qui dévastent l’environnement.

Le parcours de Dalt en tant qu’ingénieure géotechnicienne a a grandement influencé son identité musicale. Son album Anticlines (2018), qui fait référence à une sorte de formation géologique, explore les propriétés de la matière : le mouvement des glaciers et l’alchimie de l’évaporation de l’eau. Avec No era sólida, elle associe de la même façon le son de la terre aux interventions humaines mécanisées. « Coatlicue S. » est un sonar qui sonne, entremêlé de pierres tombant dans un puits sans fin. S »uprema » joue également avec un effet d’écho, les voix résonnant à travers la statique d’une foreuse de fouille pénétrant dans les strates.

No era sólida voyage dans des espaces caverneux, occupant un paysage éthéré qui se trouve au plus profond d’une terre inconnaissable. Son titre final se cristallise avec le chant de Dalt en espagnol, sortant de sa langue inventée, la dissolution se faisant enfin remarquer.

***1/2


Hior Chronik: « Blind Heaven »

11 janvier 2020

Hior Chronik, c’est George Papadopoulos, né en 1974 à Athènes (et depuis exilé à Berlin). LPapadopoulos, est un vrai passionné de musique, et a toujours voulu en faire son métier ; ayant oeuvré en radio puis au sein de magazines, il a commencé à triturer les sons il y a une dizaines d’années, s’employant à façonner des paysages sonores à base de piano, nappes de claviers, douceur, mélancolie et ambiances cinématographiques. Une mixture que l’on retrouve bien sûr sur ce Blind Heaven, que l’on pourrait situer à la croisée des chemins du dark jazz, du neo classique, du trip hop et de l’electro ambiant.

Vibraphone, trompette, piano, cordes et parfois voix accompagnent effets électroniques et synthés au sein d’une fresque figurative dépeignant un univers sombre et feutré. Quatre invités contribuent à varier les ambiances, mais qu’elles le soient ou pas, Blind Heaven est un ravissement des sens de par sa finesse, sa beauté et sa sobriété qui ne laisse passer que le strict nécessaire pour nous emmener dans son monde. Comme souvent dans ces genres, le disque est un voyage. Qui se termine sur une ouverture ; « Elixir » et ses choeurs angéliques laissent entrevoir une solution, une réponse. Un répit du moins, qu’on espère de plus courte durée possible, puisque, à peine quitté ce paradis aveugle, il nous tarde déjà d’en retrouver les notes douces et tragiques !

****


Chestnut: « Dark Tourism »

14 novembre 2019

Au départ une réponse à la posture « classic rock » américaine, ce duo, composé de deux artistes de Los Angeles, Daniel Watkins et Christina Santa Cruz. a mûri vers une pratique qui incorpore des éléments de « boise rock », de musique ambient et de field recordings.

Leur travail comporte une narration implicite sans intention explicite propice à toutes les humeurs et interprétations.. Il ne déchire pas les oreilles mais il est flippant quand même par moment. Chaudement recommandé pour qui aime les « bad trips ».

***


Adam Coney: « Pavilion »

3 juillet 2019

Jusqu’alors totalement inconnu, Adam Coney avait pourtant livré un premier album en 2014, salué par le magazine The Wire. Pavilion nous perme de nous adapter à la présence de Leo Abrahams et de nous raccrocher à quelque chose de plus palpable. De fait, la guitare du musicien, comme sa production et son mix, viennent apporter des éléments plus intéressants aux travaux d’Adam Coney.

Alors que ce dernier a composé et enregistré les neuf morceaux de cet album dans son home studio, la collaboration de Leo Abrahams rajoute une touche encore plus jazz à un ensemble qui évolue déjà, par ailleurs, dans une veine instrumentale.

Les déliés de six-cordes se déploient ainsi, soit dans une tonalité électrique et enlevée (le morceau-titre, « Dominion In Spin) », soit par un aspect acoustique (« The Sun Rattle »), parfois proche du banjo dans ses sonorités (« Siren »).

Aux côtés de cette guitare, dont Coney joue aussi, ce dernier ajoute une contrebasse et un piano électrique, pour des instrumentaux variés et riches, conduisant l’auditeur à être en permanence surpris, ne sachant à quoi s’attendre quand il passe d’une piste à l’autre.

En plus d’être surpris, on sera séduit par plusieurs propositions, telles cette rencontre entre contrebasse et accords de guitare pincés (« Of Eyes Clean »). Si l’Anglais peut se laisser aller, à quelques endroits, à certaines facilités (l’atmosphère un rien trop laid-back de « The Sun Rattle »), la manière qu’il a de croiser rock instrumental, jazz et matériaux électroniques mérite ici d’être saluée.

***1/2


Spellcaster: « Inventory »

1 mai 2019

Issu de la scène expérimentale danoise, Holger Hartwig alias Spellcaster propose un premier album, Inventory, qui n’a de définissable  que sa propre singularité.

Faisant se collapser vocaux trafiqués et instrumentaux possédés, Spellcater nvente un langage à la croisée des genres, entre slow post-punk expérimental et noise r’n’b, spoken word défiguré et arabesques free à l’abstraction ambient conceptuelle.

S’il a hérité du déconstructivisme de sa formation Synd Og Skam, il a par ailleurs développé un sens du chaos qui doit autant au bouillonnement d’idées, qu’à l’acharnement de collages minutieux, intégrant la participation de plusieurs musiciens ou chanteurs à la création de son projet aux allures de magma en fusion.

Inventory demande une écoute attentive pour en apprécier ses diverses textures et sa richesse intrinsèque, bifurquant constamment sur des routes glissantes, désaxant ses mélodies de leurs axes pour leur offrir une beauté à l’usage du temps. Un opus inclassable aux atmosphères intrigantes. Très fortement recommandé.

***1/2