Sarah Davachi: « Two Sisters »

9 septembre 2022

La compositrice canadienne s’appuie sur les compétences instrumentales de Tiffany Ng, Bridget Carey, Anton Lukoszevieze, Mattie Barbier, etc. pour produire un album à la vision singulière et très personnelle.

En 2014, pendant la préparation de leur première américaine au Tennessee, le supergroupe expérimental Nazoranai, composé de Keiji Haino, Oren Ambarchi et Stephen O’Malley, a fait l’objet d’un documentaire des cinéastes Sam Stephenson et Ivan Weiss. À un moment du film, O’Malley décrit une fois où on l’a empêché d’interrompre un « soundcheck » de Haino parce que le musicien japonais était en train de traiter tout l’oxygène de la salle, inspirant et expirant pendant une heure jusqu’à ce qu’il soit satisfait que toutes les particules soient passées par son système respiratoire. Sur Two Sisters, on a l’impression que Sarah Davachi imprègne nos pores de la même manière.

Son nouvel album offre, à cet égard, un « chamber drone » serein de quatre-vingt-dix minutes, encadré par le tintement percussif du carillon de cinquante-trois cloches de l’université du Michigan, le troisième plus lourd du monde. À travers des pièces granuleuses, musclées et texturées, découpées à partir de violon, d’alto, de violoncelle et d’un ensemble d’orgues, de cuivres et de flûtes, elle s’enfonce dans des sons de deuil qui sont retenus si longtemps qu’ils vous traversent, s’enfonçant dans votre corps par le biais des tympans battants et émanant de vos cellules, capillaires et veines. C’est une transformation moléculaire. Une transformation qui peut habilement changer le sentiment d’une pièce par une seule note résonnante.

Par rapport à Antiphonals l’année dernière, qui était un effort solitaire de Davachi, Two Sisters semble célébrer l’évasion des années de peste en s’engageant dans une collaboration très recherchée avec une multitude de musiciens, d’ingénieurs et de producteurs. Souvent, lorsque le nombre de participants augmente, la vision de l’artiste peut être diluée, mais, à en juger par les nombreux morceaux dont la durée est à deux chiffres, il semble que la concentration des seize co-conspirateurs était aiguë. Tout cela semble très personnel. Comme s’il s’agissait de l’œuvre d’un artiste singulier. Surtout lorsqu’on est invité à s’asseoir avec ces sons lents et lourds pendant des périodes qui font envie aux légendaires bastions du sustain débridé, Sunn O))).

À l’instar de la production du duo, il s’agit de compositions détaillées de longue haleine. Les ondulations et les modulations tonales subtiles présentent des similitudes avec les fluctuations patientes et discrètes des grands noms du cinéma lent comme Béla Tarr et Scott Barley. Le premier, en particulier avec Le Cheval de Turin, un film qui passe d’une étude captivante de la banalité à une répétition à la limite du matraquage. Les états s’entremêlent et se chevauchent, jusqu’à devenir une seule et même chose.

Cela ne veut pas dire que le film est ennuyeux. C’est plutôt le contraire. C’est passionnant, enchanteur, revigorant, même. Si vous avez aimé passer du temps avec les longs morceaux d’orgue de Kali Malone ou avec les cordes rugissantes de MMMD, vous en trouverez ici. C’est une mer langoureuse de sons qui passe lentement de la tranquillité au malaise et vice-versa. C’est quelque chose avec lequel il faut s’asseoir. A contempler.

Il y a du pouvoir dans la dissonance pour déstabiliser et dans l’harmonie pour plaire. Sarah Davachi plonge dans les intervalles entre ces états, là où réside l’émotion, et nous y retient jusqu’à ce que nous puissions la sentir rugir dans nos poumons.

N’oubliez pas de respirer.

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Aidan Baker:  » Tenebrist »

1 juin 2022

Aidan Baker est probablement plus connu en tant que moitié du duo expérimental, drone, ambient, industriel et doom metal Nadja (comprenant également Leah Buckareff), bien que le CV sur son site web énumère plus d’une douzaine de projets musicaux existants et disparus, ainsi que des films, des documentaires et des installations. En réalité, c’est un homme aux multiples facettes.

Le ténébrisme est un style de peinture qui présente de violents contrastes entre la lumière et l’obscurité, et où l’obscurité devient un élément dominant de l’image. Un dérivé approprié pour cette collection sombre.

En tant que fan de Nadja, j’avais hâte de plonger ma tête dans un seau brumeux de drone succulent et appuyer sur ‘play’ était l’équivalent sonore d’essayer de respirer à travers une mousseline humide. Dans le bon sens du terme. Le son est Osmium-esque dans sa densité, avec seulement le son sec et étrangement métallique de la batterie qui le traverse. En passant, la batterie m’a souvent rappelé la programmation exquise de Joe Preston sur le doom-riffathon  » The Gates of Ballard  » de Sunn O)))), ou peut-être la piste de batterie de  » Looking Down The Barrel Of A Gun  » des Beastie Boys.

La densité de la musique contenue dans les trois premiers morceaux de Tenebrist est principalement due à des couches de guitares saturées de fuzz pour ne laisser que ce qui a basculé dans la falaise appelée « signal break up », bien qu’il soit impressionnant de constater que certaines mélodies survivent à l’assaut. La quatrième plage de l’album,  » Beneath The Shadow « , est un enfant errant, différent de ses frères et sœurs. Des remous de sous-basse sont superposés à une piste de batterie qui peine à imposer des rythmes tardifs et un cadre d’inspiration jazz, tandis que des guitares tendues et cassées bouillonnent et grincent, bourdonnent et gémissent par-dessus.

 » Violet Contrast  » s’écarte également de ce qui s’est passé jusqu’à présent en s’ouvrant sur un lavis de synthétiseur et une batterie chamanique sur une basse très, très faible, qui se brise et redémarre dans un schéma non rythmique. Au milieu du morceau, la basse s’affirme et prend en charge la mélodie mélancolique, rivalisant pour la domination avec le drone granuleux omniprésent. Peut-être est-ce les tambours tribaux, mais quelque chose dans ce morceau me rappelle le titre  » Horse Nation  » de The Cult. Au cas où vous ne seriez pas sûr, c’est une bonne chose.

La percussion est une déesse sur  » Dramatic Illumination I « , un morceau de drone mené par des styles de jazz naïf sur le kit avant de passer à  » Dramatic Illumination II  » qui introduit une mélodie à l’archet incroyablement belle et mélancolique, jouée parmi les fréquences de sous-basse et sonnant pour tout le monde comme la plainte d’une baleine en mal d’amour.

« Chiaroscurious » est l’ultime offrande de l’album, un morceau de space rock poussiéreux qui a bien mieux fonctionné pour moi une fois que nous avons fermé les yeux et laissé les riffs épais, répétitifs et fuzzés nous envelopper et nous emporter. Bien que, à peine huit minutes quarante et une, nous aurions besoin d’une version au moins deux fois plus longue pour obtenir un effet maximal.

Cet album nous a incités à revenir en arrière et à écouter d’autres œuvres de Baker, avec et sans Nadja. Si vous n’êtes pas familier avec son travail, nous recommandons vivement Tenebrist comme un bon point de départ, car il est moins expérimental et plus gratifiant pour l’auditeur occasionnel que certains des albums moins accessibles de Baker. Il vaut la peine de plonger votre orteil dans ces eaux.

Tenebrist est publié par Cruel Nature Records, basé à Newcastle upon Tyne au Royaume-Uni. Ce label est un autre exemple de la manière dont une partie de la musique la plus intéressante et la plus excitante est transmise au public par un petit label passionné, principalement par le biais de la cassette et du téléchargement. C’est ainsi que réside l’innovation artistique. Qu’elle se poursuive longtemps.

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Robert Takahashi Crouch: « Ritual Variations »

29 mai 2022

Le fait qu’un musicien mette son matériel ou un morceau de musique particulier à la disposition d’autres musiciens n’est pas nouveau. Mais il est toujours surprenant d’entendre les résultats. Et dans le cas de Robert Takahashi Crouch, il s’agit ici de beaucoup de basse, de drones et de temps.

Jubilee (2021) de Robert Takahashi Crouch a marqué une évolution décisive dans son œuvre. Une passion intensément focalisée pour les basses fréquences, couplée à une délicate appréciation de l’harmonie. La chanson titre de l’album, A Ritual, représente plus de deux heures de matériel qu’il a condensé, remodelé et réassemblé pour créer un mémorandum acoustique profondément personnel.

Aujourd’hui, Takahashi Crouch invite ses amis et sa famille à réinterpréter le matériel de base original. Les résultats sont à la fois divergents et entremêlés. La collection parle de la nature subjective de la perception du son et nous rappelle que nos propres rituels – qu’ils soient personnels, créatifs, habituels ou autres – sont liés à notre propre histoire, nos préférences et notre manière d’être.

En écoutant cette musique, vous devriez ranger tout ce qui peut vibrer et résonner. C’est étonnant ce qui peut se passer à ces fréquences vraiment très basses et vous devriez visiter le site web très informatif de Robert Takahashi Crouch, où l’on peut voir son travail pour des installations et en tant que curateur. En tout cas, j’ai été surpris par cette richesse.

Lisez ses explications concernant sa musique. Peut-être parviendrez-vous à établir un pont avec les nouvelles versions du matériel de base de A Ritual. Ce qui peut être un voyage passionnant. En tout cas, nous avons beaucoup apprécié ces 90 bonnes minutes. Une musique qui nous catapulte très rapidement du présent à une autre forme de temps. Et attention aux basses !

***1/2


Gianluca Becuzzi: « Mana »

14 décembre 2021

Vous avez déjà mis un nouvel album sur votre platine et au milieu de la première piste, vous êtes prêt à acheter tout le catalogue de l’artiste ? C’est ce que peut inspirer l’écoute de Mana de Gianluca Becuzzi. Basé à Rome et actif depuis les années 1980, Becuzzi s’inspire d’une grande variété de styles, dont l’électroacoustique, le drone, l’industriel, l’ambient et l’art sonore, mais son approche est distincte et singulière.

Becuzzi joue de la guitare et de la basse, et incorpore des échantillons et de la programmation dans le mélange. Cristiano Bocci joue de la contrebasse sur deux morceaux.

La première chose que l’on remarque dans Mana, ce sont les accords de guitare surchargés. Néanmoins, Becuzzi module ces riffs massifs avec des percussions et des échantillons d’instruments acoustiques ainsi que des sons aux sources moins identifiables. Vous entendrez donc des cordes, des bois, des synthés et des tambours… ou du moins quelque chose qui ressemble à ces instruments. D’autres samples sont plus ésotériques ou abstraits, notamment des bruits sculptés, des chants de moines tibétains et des sons de la nature. Certains morceaux ont une allure décousue, passant d’une palette à l’autre, mais Becuzzi parvient à les faire fonctionner.

En ce qui concerne l’ambiance, elle est sombre et dérangeante. Becuzzi incorpore souvent la dissonance, en explorant les motifs de battement entre deux notes ou par le biais de la distorsion électronique. Le résultat est inquiétant et obsédant, même si son jeu de guitare apporte des niveaux d’énergie élevés. Les percussions sont souvent de nature martiale, ce qui correspond au ton inquiétant de l’album.

Mana est une version 2CD, avec plus de 90 minutes de musique. C’est ce que l’on obtiendrait si une chimère génétique Dead Can Dance / Sunn O))) allait en enfer, collaborait avec Stockhausen, et revenait un ordre de grandeur encore meilleur. Bravo et doigts lévés pour manifester son appréciation.

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David Granström: « Empty Room »

26 avril 2021

Basé à Stockholm où il travaille en partie comme professeur de composition, de synthèse sonore et de spatialisation avancée au sein de l’Elektronmusikstudion (EMS), Granström est un compositeur / artiste sonore qui compose de la musique électronique en utilisant des algorithmes et des processus qui introduisent un élément de chance ou d’aléatoire, avec des sons d’origines synthétiques et acoustiques. Il a collaboré dans le passé avec ses compatriotes suédois Maria Horn et Mats Erlandsson, dont les enregistrements solos sont sortis sur le label suisse Hallow Ground en 2020. Sur Empty Room, sa première œuvre solo, Granström crée des œuvres lentes, puissantes et rayonnantes en utilisant des sources sonores générées par sa guitare alors qu’il jouait sur celle-ci à Ställbergs Gruva, une mine de fer abandonnée dans la région de Bergslagen en Suède, dans le cadre d’une résidence musicale, et qu’il réamplifiait ensuite les sons et les affinait avec des processus algorithmiques et aléatoires en utilisant le langage de codage et de programmation SuperCollider.

Ces cinq pistes de paysage sonore proposées semblent immenses et vastes, et probablement pas un peu éloignées pour certains auditeurs, mais elles possèdent une grâce et une aisance alors que leurs détails changent, se mélangent et fusionnent continuellement. L’ambiance peut parfois être chaleureuse, voire radieuse, et semble rarement menaçante ; le plus sombre qu’elle puisse atteindre est une indifférence à l’égard des petits êtres et de leurs activités. Malgré sa puissance stupéfiante et ses drones retentissants, la musique offre en même temps des sons plus doux et plus délicats en arrière-plan. Un excellent exemple et un des premiers moments forts est « Aeon » qui, comme son titre, semble s’étendre à l’infini, apparemment résistant à l’érosion et pourtant changeant de sa propre volonté. En revanche, « Sapphire Visions » est un morceau plus éphémère, d’humeur triste et même un peu douloureuse, avec de véritables accords de guitare qui se détachent sur une ambiance chargée de soupirs.

« Occultation » sera un autre titre massif dont les sons rappellent le riche bourdonnement métallique pointilliste de l’artiste sonore américaine Maryanne Amacher (1938 – 2009) dans des œuvres comme son Sound Characters (Making the Third Ear) . L’ambiance est définitivement désespérée, mais même sur ce morceau, les sons sont luxuriants et brillent, même s’ils sont légèrement froids. « Transience » est un morceau de clôture doux, composé de sons de guitare lugubres, contrastés par des accords de guitare qui s’écrasent dans un fond d’ombre, tandis que des bruits et des sons doux murmurent autour d’eux.

À la fois chaleureux et radieux, tombant progressivement dans la mélancolie et les sentiments d’abandon et de nostalgie, et combinant des drones forts et puissants, voire écrasants, avec les boucles de mélodie de guitare les plus délicates, le premier enregistrement solo de Granström annonce certainement le début d’une carrière solo considérable dans la création d’œuvres musicales immersives apparemment complexes.

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Mattie Barbier: « Three Spaces »

13 avril 2021

Three Spaces de Mattie Barbier nous propose un rassemblage non conventionnel de sons dans un genre tout sauf académique. Il s’agit d’un seul morceau de 38 minutes qui offre des textures rugueuses et grondantes, des bourdonnements prolongés et un peu de statique sur les bords. Bien que Barbier affirme qu’il a été « réalisé à la maison avec un euphonium, un trombone, un orgue de roseaux et un jardin », Three Spaces va au-delà de la sortie typique d’un solo pandémique.

L’instrumentation n’a presque aucune importance et il aurait été difficile de la démêler sans les notes du livret. Au début, l’album semble offrir un long drone monolithique. Mais après plusieurs écoutes, des variations et des profondeurs apparaissent. Des notes claires sont submergées sous le premier plan tourmenté, et ce premier plan change de nature à un rythme glacial.

Au cours de ces multiples écoutes, on sera enclin à augmenter le volume à un niveau étonnamment élevé afin d’apprécier les détails. Compte tenu de la gamme dynamique étroite de l’album, cela n’a pas été sans rappeler le polissage d’un vieux meuble pour en découvrir les subtilités.

Si vous voulez passer un après-midi à creuser dans un seul album, Three Spaces est un candidat intéressant et excellemment adapté à la chose.

***1/2


Gazelle Twin & NYX: « Deep England »

23 mars 2021

Écouter Deep England de Gazelle Twin, c’est comme se laisser bercer par un loup-garou déguisé en danseur Morris. Tout au long de sa carrière, la compositrice et productrice Elizabeth Bernholz a fait preuve d’un talent dévastateur pour creuser sous la peau et évoquer une terreur corporelle. Il y a, dans ses paysages sonores fantastiques et luxuriants, quelque chose d’un conte de fées qui aurait mal tourné.

Elle donne à sa musique des contours particulièrement angoissants sur ce morceau qui accompagne Pastoral, enregistré en 2018 avec le chœur de six femmes NYX et qui a fait ses débuts en 2019 en tant que projet de performance live. Le sujet, comme c’est souvent le cas pour Bernholz, est l’Angleterre et les anciennes ténèbres qui s’agitent sous la terre végétale du présent.

Deep England tire son nom d’une souche d’identité diagnostiquée par l’universitaire Patrick Wright comme « ce nationalisme anglais profondément gelé » (this deep-frozen English nationalism). Il se déroule comme les chapitres d’une histoire à dormir debout qui a fait un plongeon dans l’inquiétant, alors que Bernholz déploie une palette changeante d’instruments à vent, de cris texturés, d’effets spéciaux de films d’horreur et de techno déglinguée. Les cloches d’église qui carillonnent annoncent le morceau d’ouverture « Glory », qui se transforme rapidement en une terrible rhapsodie de voix féminines, comme si les fantômes de l’Angleterre, qui n’ont pas encore résolu leur problème, tourbillonnaient en même temps.

La sensibilité dark-folk qui imprègne l’album est reconnue directement sur « Fire Leap » ». Il s’agit d’une interprétation spectrale de la chanson de fertilité « The Wicker Man », qui fait ressembler l’original à une chanson des Teletubbies en comparaison.

Mais ensuite, sur le morceau « Better In My Day », on est dans un champ quelque part à 4 heures du matin, en train de se déhancher sur une bande son de rave diffusée par un système de sonorisation à l’arrière d’une voiture à hayon. C’est passionnant et désorientant : on a l’impression d’être conduit hors des sentiers battus par la figure mythique du bouffon qui orne la couverture de Pastoral et qui, pour Bernholz, incarne les tensions dangereuses et non traitées liées à la psychosphère anglaise.

Le Brexit et les forces funestes qu’il a déclenchées ont suscité une réflexion sans fin sur ce que c’est que d’être anglais. Cependant, Bernholz va au-delà du simple nombrilisme et met sur la table son expérience de déménagement de Brighton vers la campagne lointaine. Elle est partie à la recherche du bonheur rural, pour découvrir, en partie, un pays vert et désagréable, lié au conservatisme réactionnaire et à la méfiance à l’égard des étrangers.

Avec Deep England, elle s’enfonce dans la moelle d’une nation qui, en 2021, ne se connaît pas vraiment et ne veut peut-être pas se connaître. Le résultat est un mélange de rêve fiévreux du Labyrinthe de Pan et d’une beuverie de cidre sous un passage souterrain qui a échappé à tout contrôle et a pris une tournure méchante inattendue.

Elle fait référence aux années 1990 – lorsque l’euroscepticisme anglais est passé d’une obsession marginale à un mouvement politique dominant – sur « Throne », qui est construit autour du sample d’Ennio Morricone Once Upon A Time In America que l’on a retrouvé pour la dernière fois sur « My Kingdom » de The Future Sound of London en 1996. Puis vient l’oubli wagnérien de « Golden Dawn », avec sa promesse non tenue d’un nouveau jour qui se profile à l’horizon. Le message, peut-être, est de ne jamais faire confiance à un joueur de flûte – surtout s’il promet de vous conduire vers des plateaux ensoleillés, ceux où sont déterrés les ossements mortuaires de l’Angleterre profonde.

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Biosphere: « Angel’s Flight »

2 février 2021

Dans Departed Glories (2016), Biosphere (Geir Jenssen) a transformé des centaines d’enregistrements de musique folklorique traditionnelle russe et d’Europe de l’Est en textures obsédantes qui s’enroulent autour de sombres synthés et de drones Avec des thèmes de mortalité, de tradition et de souvenir, c’était une œuvre étonnamment émotionnelle du producteur norvégien d’ambient, habituellement stoïque. Angel’s Flight poursuit cette approche à base d’échantillons, en utilisant le Quatuor à cordes n° 14, opus 131 de Ludwig Van Beethoven – l’une des dernières pièces composées de son vivant – comme base, Jenssen transformant cette pièce, souvent joyeuse et affirmant la vie, en une sombre méditation solennelle. Plus qu’un album, Angel’s Flight ressemble à une sorte de séance de musique.

La première série de morceaux est principalement composée de bourdons subtilement changeants, de synthés glacés et de cordes de l’opus 131 qui ont été tellement délavés qu’ils se fondent parfaitement dans les atmosphères de Jenssen ; ils ne seront probablement même pas enregistrés comme des échantillons de Beethoven pour tous, sauf pour ceux qui connaissent bien le morceau. Il y a des moments qui ressortent après des écoutes répétées, en particulier le vertigineux « In the Ballroom » et le troublant « As Weird as the Elfin Lights », mais la première série de morceaux est si éthérée qu’elle tend à se fondre dans un ensemble morne et indistinct.

Avec le sempling de cordes scintillante de la chanson titre qui arrive à mi-chemin de l’album, l’esprit de Beethoven commence à parler plus clairement, légèrement déformé par des siècles de ternissure et de décadence. Sur « Unclouded Splendour » et l’étonnant  » »emote & Distant », Jenssen transforme les cordes en rafales froides et tourbillonnantes qui évoquent une sombre atmosphère noire, tandis que « Faith & Reverence » et l’avant-dernier morceau « Scan of Waves » sont les plus proches de la matière d’origine, avec des boucles de corde enjouées qui sont sinistrement étouffées par la poussière. Après une ouverture presque agressivement minimale, le disque est rechargé avec ses moments les plus captivants et les plus gratifiants.

En son temps, le Quatuor à cordes n° 14, opus 131 de Beethoven se distinguait par un final qui revenait aux thèmes musicaux de ses débuts ; Angel’s Flight suit le mouvement et se termine par les bourdonnements troublants de « The Clock and the Dial », un morceau pratiquement identique à l’ouverture « The Sudden Rus » ». Les deux œuvres ont un caractère cyclique, revenant à leur point de départ à leur fin – peut-être un affront à la mort, comme si l’on échantillonnait la musique d’une personne décédée depuis longtemps. En effet, Angel’s Flight est une œuvre d’art très convaincante et émotionnelle sur le plan conceptuel. Il est donc frustrant de constater que la musique elle-même est souvent trop restreinte et trop contrôlée pour, qu’elle se montre vectrice d’émoi ou véhiculant mauvaise humeur, avoir un impact trop important.

***1/2


Lovely Wife: « Best in Show »

5 juillet 2020

À première vue, Newcastle possède une scène remarquablement vaste et florissante consacrée à toutes sortes de dormations de métal bruyantes/expérimentales, jusqu’à ce qu’on se rende compte qu’environ 75 % des groupes comptent James Watts et un certain nombre de ses compagnons. En fin de compte, c’est une belle chose parce que Watts est un chanteur polyvalent – peut-être pas Mike Patton, mais plus qu’habile à affecter toutes sortes de métal à gorge basse, ainsi que des notes allongées angoissées et des incantations monastiques, et, comme le prouve la dernière chanson, le didgeridoo humain.

Le groupe est décrit comme « un mélange unique et bizarre de doom improvisé avec une ambiance psychédélique d’ivresse qui se situe entre THRONES, The Melvins et un groupe de Butthole Surfers très énervé ». Le texte poursuit en précisant que « Ils jouent normalement en trois parties, avec une basse, une batterie, un peu de saxo et des voix qui semblent sortir de la bouche de quelqu’un qui a été enfermé dans une cave pendant 20 ans et qui reste en vie en léchant la moisissure qui se développe sur les fûts de bière ».

C’est un bon résumé, même s’il y a plus qu’un peu de saxo ici. Mais pas de violons. Et que, malgré toutes les agressions sonores, ce sont des pacifistes.

Il n’y a rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur, et l’introducteur de vingt-trois minutes, « Ioniser », n’a absolument rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur. Un grésillement et un bourdonnement de surcharge se produit et se déforme comme l’enfer. Il finit par s’installer dans un groove à la gomme-laque, un rythme de tambour trépidant à la Todd Trainer, qui entraîne un grondement bas de gamme et qui sert de toile de fond à un spectacle de contorsions vocales qui célèbrent tout ce qui est torturé et guttural.

Et il y a cette basse ! Elle est si basse et grinçante qu’elle pourrait soulage rn’importe quel blocage en quelques mesures, et contre un rythme influencé par le jazz et joué avec une force explosive, « Shan patter » est une bête absolue. Le chant est à peine audible et aussi bas, sinon plus bas, que la basse, un gargouillis grouillant à souhait.

« Shenanigans » possaède la structure en boucle d’une piste de danse croisée avec les motifs circulaires lancinants qui ont défini le son de Therapy sur Nurse – seulement c’est une odyssée jazz-funk tordue, et c’est un contraste complet avec le bourdonnement ultra lent et ultra minimaliste de « Wallow » qui rampe dans un bourdonnement de répétition, un seul accord résonnant pour l’éternité, la torsion de soutien au feedback. Toute comparaison avec Sunn O))) est tout à fait justifiée, bien que la percussion ait un certain swing qui la fait passer du domaine du sludgy doomy drone à celui d’un style plus jazz/low grunge.

Et si le titre du morceau final inspire des références à Derek an Clive, les treize minutes de « Hor » » sont moins destinées à inspirer un jet de sang qu’une sensation de rampement sur une peau atteinte de chair de poule alors qu’une autre ligne de basse lourde se promène, battue, meurtrie, couverte de poussière et de saletés, au milieu d’un pétillement de bruit, avant qu’un cuivre au cœur lourd ne se mette à brailler, à gémir et à se manifester à tout venant.

Si les éléments de free form des compositions leur donnent un sentiment de relâchement, ou de non-conformité, de spontanéité, de désarroi, la façon dont elles se rejoignent si étroitement et intuitivement sur les segments de riffs étendus est révélatrice d’une réelle compétence musicale et d’un haut niveau d’intuition. C’est spécial et c’est rare. Et c’est une caractéristique déterminante d’un album qui est à la fois très lourd et très jazzy, sans être superficiel et impropre à l’écoute.

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Noveller: « Arrow »

12 juin 2020

Sarah Lipstate de Noveller travaille et crée à très grande échelle, en utilisant des guitares, des pédales et des effets pour construire des paysages sonores de densité orchestrale et de drame. « Rune », le premier morceau de son dernier album, prend forme à partir d’éléments silencieux, d’une montée liquide de sonorités synthétiques, d’un frémissement de guitare à deux notes et à battements de cœur, du choc des chutes et des booms soudains et d’une respiration de la voix. Ses textures sont angoissantes, inquiétantes et ne ressemblent pas du tout à celles d’une guitare. On imagine facilement ce morceau joué par un orchestre, les trombones qui s’élèvent, une section de cordes qui s’éloigne furieusement, une clarinette mélancolique qui tisse une mélodie, esquivant des bruits de timbales.

Plus tard, dans « Zeaxathin » (le titre fait référence à une pensée vitaminée pour protéger la vue), elle évoque à nouveau un quatuor à cordes fait de boutons et de pédales ; le thème principal vacillant ressemble à un canto baroque filtré par des tuyaux synthétiques rutilants. Un orgue, un pennywhistle, un hautbois, un petit groupe de violoncelles prennent tous forme puis se désincorporent au fur et à mesure qu’elle construit des sons surnaturels. Et pourtant, il n’y a pas d’orchestre ici, juste Lipstate et sa collection considérable d’effets de guitare, déployés en grandes formations massives de sonorités surgissantes.

Lipstate s’est fait un nom parmi les têtes de pont, en donnant des cours sur les effets de guitare expérimentaux et en jouant d’une guitare BilT personnalisée avec 22 commandes (pour Iggy Pop, rien de moins).  Elle est suffisamment active dans les médias sociaux d’effets de guitare pour que vous puissiez descendre dans n’importe quel terrier de lapin et en apprendre plus sur la façon dont elle produit les sons qu’elle produit. Les notes de son « single » « Canyon », par exemple, font clin clin d’œil à une pédale multi-effets spécialement conçue pour elle, le et nommé Moon Canyon, Dr No.

Pourtant, la meilleure façon d’apprécier ses compositions cinématographiques est peut-être d’éteindre tout ce comment et de se concentrer sur le quoi. « Pattern Recognition », par exemple, sonne plus comme une musique de guitare que beaucoup d’eutres morceaux, avec une chaude et rayonnante rafale de piques soniques au premier plan, un rythme de basse qui s’agite et qui la pousse en avant. Ici aussi, des sons inachevés enveloppent la chanson d’une aura changeante, comme celle des aurores boréales, mais le morceau a aussi de l’élan et du mouvement. « Effektology » utilise certainement un matériel élaboré, mais vous pouvez quand même vous perdre dans son done spatial et profond, son bourdonnement de voix humaines dénaturées, sa mélodie synthétique aiguë qui ressemble au chant d’un ange.  

Ce sont des mondes sonores ambiants plutôt beaux, mais Lipsate les a créés, pleins d’effroi, d’anticipation, de joie et de paix. Il est peut-être préférable de ne pas voir les fils, les boutons et les prises qui les rendent possibles.

***1/2