Lovely Wife: « Best in Show »

5 juillet 2020

À première vue, Newcastle possède une scène remarquablement vaste et florissante consacrée à toutes sortes de dormations de métal bruyantes/expérimentales, jusqu’à ce qu’on se rende compte qu’environ 75 % des groupes comptent James Watts et un certain nombre de ses compagnons. En fin de compte, c’est une belle chose parce que Watts est un chanteur polyvalent – peut-être pas Mike Patton, mais plus qu’habile à affecter toutes sortes de métal à gorge basse, ainsi que des notes allongées angoissées et des incantations monastiques, et, comme le prouve la dernière chanson, le didgeridoo humain.

Le groupe est décrit comme « un mélange unique et bizarre de doom improvisé avec une ambiance psychédélique d’ivresse qui se situe entre THRONES, The Melvins et un groupe de Butthole Surfers très énervé ». Le texte poursuit en précisant que « Ils jouent normalement en trois parties, avec une basse, une batterie, un peu de saxo et des voix qui semblent sortir de la bouche de quelqu’un qui a été enfermé dans une cave pendant 20 ans et qui reste en vie en léchant la moisissure qui se développe sur les fûts de bière ».

C’est un bon résumé, même s’il y a plus qu’un peu de saxo ici. Mais pas de violons. Et que, malgré toutes les agressions sonores, ce sont des pacifistes.

Il n’y a rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur, et l’introducteur de vingt-trois minutes, « Ioniser », n’a absolument rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur. Un grésillement et un bourdonnement de surcharge se produit et se déforme comme l’enfer. Il finit par s’installer dans un groove à la gomme-laque, un rythme de tambour trépidant à la Todd Trainer, qui entraîne un grondement bas de gamme et qui sert de toile de fond à un spectacle de contorsions vocales qui célèbrent tout ce qui est torturé et guttural.

Et il y a cette basse ! Elle est si basse et grinçante qu’elle pourrait soulage rn’importe quel blocage en quelques mesures, et contre un rythme influencé par le jazz et joué avec une force explosive, « Shan patter » est une bête absolue. Le chant est à peine audible et aussi bas, sinon plus bas, que la basse, un gargouillis grouillant à souhait.

« Shenanigans » possaède la structure en boucle d’une piste de danse croisée avec les motifs circulaires lancinants qui ont défini le son de Therapy sur Nurse – seulement c’est une odyssée jazz-funk tordue, et c’est un contraste complet avec le bourdonnement ultra lent et ultra minimaliste de « Wallow » qui rampe dans un bourdonnement de répétition, un seul accord résonnant pour l’éternité, la torsion de soutien au feedback. Toute comparaison avec Sunn O))) est tout à fait justifiée, bien que la percussion ait un certain swing qui la fait passer du domaine du sludgy doomy drone à celui d’un style plus jazz/low grunge.

Et si le titre du morceau final inspire des références à Derek an Clive, les treize minutes de « Hor » » sont moins destinées à inspirer un jet de sang qu’une sensation de rampement sur une peau atteinte de chair de poule alors qu’une autre ligne de basse lourde se promène, battue, meurtrie, couverte de poussière et de saletés, au milieu d’un pétillement de bruit, avant qu’un cuivre au cœur lourd ne se mette à brailler, à gémir et à se manifester à tout venant.

Si les éléments de free form des compositions leur donnent un sentiment de relâchement, ou de non-conformité, de spontanéité, de désarroi, la façon dont elles se rejoignent si étroitement et intuitivement sur les segments de riffs étendus est révélatrice d’une réelle compétence musicale et d’un haut niveau d’intuition. C’est spécial et c’est rare. Et c’est une caractéristique déterminante d’un album qui est à la fois très lourd et très jazzy, sans être superficiel et impropre à l’écoute.

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Noveller: « Arrow »

12 juin 2020

Sarah Lipstate de Noveller travaille et crée à très grande échelle, en utilisant des guitares, des pédales et des effets pour construire des paysages sonores de densité orchestrale et de drame. « Rune », le premier morceau de son dernier album, prend forme à partir d’éléments silencieux, d’une montée liquide de sonorités synthétiques, d’un frémissement de guitare à deux notes et à battements de cœur, du choc des chutes et des booms soudains et d’une respiration de la voix. Ses textures sont angoissantes, inquiétantes et ne ressemblent pas du tout à celles d’une guitare. On imagine facilement ce morceau joué par un orchestre, les trombones qui s’élèvent, une section de cordes qui s’éloigne furieusement, une clarinette mélancolique qui tisse une mélodie, esquivant des bruits de timbales.

Plus tard, dans « Zeaxathin » (le titre fait référence à une pensée vitaminée pour protéger la vue), elle évoque à nouveau un quatuor à cordes fait de boutons et de pédales ; le thème principal vacillant ressemble à un canto baroque filtré par des tuyaux synthétiques rutilants. Un orgue, un pennywhistle, un hautbois, un petit groupe de violoncelles prennent tous forme puis se désincorporent au fur et à mesure qu’elle construit des sons surnaturels. Et pourtant, il n’y a pas d’orchestre ici, juste Lipstate et sa collection considérable d’effets de guitare, déployés en grandes formations massives de sonorités surgissantes.

Lipstate s’est fait un nom parmi les têtes de pont, en donnant des cours sur les effets de guitare expérimentaux et en jouant d’une guitare BilT personnalisée avec 22 commandes (pour Iggy Pop, rien de moins).  Elle est suffisamment active dans les médias sociaux d’effets de guitare pour que vous puissiez descendre dans n’importe quel terrier de lapin et en apprendre plus sur la façon dont elle produit les sons qu’elle produit. Les notes de son « single » « Canyon », par exemple, font clin clin d’œil à une pédale multi-effets spécialement conçue pour elle, le et nommé Moon Canyon, Dr No.

Pourtant, la meilleure façon d’apprécier ses compositions cinématographiques est peut-être d’éteindre tout ce comment et de se concentrer sur le quoi. « Pattern Recognition », par exemple, sonne plus comme une musique de guitare que beaucoup d’eutres morceaux, avec une chaude et rayonnante rafale de piques soniques au premier plan, un rythme de basse qui s’agite et qui la pousse en avant. Ici aussi, des sons inachevés enveloppent la chanson d’une aura changeante, comme celle des aurores boréales, mais le morceau a aussi de l’élan et du mouvement. « Effektology » utilise certainement un matériel élaboré, mais vous pouvez quand même vous perdre dans son done spatial et profond, son bourdonnement de voix humaines dénaturées, sa mélodie synthétique aiguë qui ressemble au chant d’un ange.  

Ce sont des mondes sonores ambiants plutôt beaux, mais Lipsate les a créés, pleins d’effroi, d’anticipation, de joie et de paix. Il est peut-être préférable de ne pas voir les fils, les boutons et les prises qui les rendent possibles.

***1/2


Aidan Baker & Gareth Davis: « Invisible Cities II »

1 février 2020

Aidan Baker (Nadja) et le clarinettiste basse Gareth Davis poursuivent leur fructueuse collaboration avec Invisible cities II – cinq nouveaux morceaux de jazz (ambiant et de chambre) fait de subtils drones d’une qualité qui force à la concentration. 

Il y a deux ans, le guitariste canadien Aidan Baker et le clarinettiste belge Gareth Davis ont sorti leur premier duo invisible cities qui en a surpris plus d’un par sa qualité calme, voire méditative. davis s’était fait un nom dans de nombreux domaines, du post-trock de a-sun amissa ou oiseaux-tempête, de la nouvelle musique (peter ablinger, bernhard lang), en passant par l’expérimentation avec des musiciens allant de elliott sharp, merzbow à scanner, tandis que baker est surtout connu pour son duo drone / postmétal, mais ce n’est qu’un des nombreux projets en cours (e.g.b/b/s avec andrea belfi et erik skodvin aka svarte greiner) et une multitude d’albums solo.

Sur invisible cities, le duo a exploré le côté plus calme des choses – du jazz de chambre à l’ambient / dron en donnant beaucoup d’espace et d’air à respirer à leur instrument respectif. Des drones de guitare subtils, des sons de clarinette sonores, un paysage sonore de tranquillité et d’introspection méditative – tout cela,on le trouvera trouverez aussi sur le Invisible cities II qui est une continuation et un raffinement accomplis du premier effort de collaboration du duo à partir de 2018, un effort qui frôle l’universel et l’envoûtant.

***1/2


Pauline Oliveros, Stuart Dempster, Panaotis: « Deep Listening »

1 février 2020

L’étonnant classicisme « drone » de Pauline Oliveros re fait enfin surface pour une édition définitive de 30e anniversaire, nouvellement enrichie de matériel provenant de l’album un peu plus tardif mais connexe The Readymade Boomerang.

Enregistré en 1989 dans une citerne avec une réverbération de 45 pouces, située à 14 pieds sous terre à Seattle, Deep Listening est un coup de maître en matière d’harmonie intuitive dirigé par l’une des compositrices, accordéonistes et penseurs musicaux les plus vénérés du 20ème siècle : Pauline Oliveros. Accompagnée de ses collaborateurs de longue date au sein du Deep Listening Band, Stuart Dempster (trombone, tuyau d’arrosage, conque, didjeridu) et Peter Ward alias Panaiotis (voix, sifflement), le trio produit une musique totalement atavique mais tournée vers l’avenir, qui sonne de manière convaincante comme de l’électronique mais qui est en fait entièrement acoustique à l’origine, et qui risque de laisser les auditeurs de Deep Listening cloués au sol par cette conception de la composition actuelle.

Comme le cri lancinant de la Terre nourricière qui se lamente depuis des siècles, il est difficile d’éviter les comparaisons pour ce disque avec des événements qui ont pratiquement dépassé la conception humaine. Bien sûr, il ne s’agit que de trois personnes dans un espace très résonnant, mais les résultats parlent directement à nos six sens d’une manière qui échappe vraiment à la classification concrète et qui ne peut être saisie qu’au niveau le plus insaisissable, spirituel – à moins que vous ne vouliez entrer dans la physique de la phénoménologie acoustique et de la psychologie, et pour être juste, cela pourrait gâcher l’effet. Nous vous recommandons plutôt de trouver le temps et l’espace pour accorder toute votre attention à cet album – de préférence la nuit, lorsque les conditions sont similaires à l’obscurité que les interprètes ont connue dans la citerne – et de vous sentir dématérialisé, comme leurs sons, dans un état perceptif de décomposition vibratoire pure et finement graduée et de mystère harmonique.

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Maria w Horn: « Epistasis »

27 janvier 2020

Quelques notes de piano s’égrènent doucement, lentement… Un rythme qui n’en est pas un, une forme minimale qui nous saisit pour ne plus partir… La Suédoise Maria w Horn avait fait sensation l’an dernier avec son premier opus, Kontrapoetik ; elle récidive ici avec Epistasis, un disque tout en délicatesse, pour lequel elle est accompagnée de guitaristes électriques, d’organistes, de violonistes, d’une altiste et de violoncellistes.
La particularité de l’art de la musicienne est de piocher ses influences au sein d’un répertoire varié (black metal, drone, musique minimaliste, musique électroacoustique…), tout en réussissant à les digérer afin d’arriver à un résultat d’une grande intensité. Ces quatre morceaux sont marqués par la volonté d’expérimenter sur le son, en utilisant l’acoustique et l’électronique. Le piano prédomine sur les deux « 
Interlocked Cycles », distillant des mélodies répétitives et mélancoliques, dans le but de trouver une forme d’idéal dans une contemplation statique. « Epistasis » est un morceau nimbé d’un sentiment de tristesse tenace, porté par la gravité de l’orgue et les dissonances de guitare.

On reconnaîtra d’ailleurs certains motifs cérémoniels de sa compatriote Anna von Hausswolff. « Konvektion » est le titre le plus long et avant-gardiste de l’album, proposant une forme microtonale qui évolue subtilement et de façon hypnotique. Un chemin sonore tout en retenue, incitant à la transe, reprenant les enseignements d’un certain courant minimaliste. L’ombre du compositeur Arvo Pärt plane dans la recherche harmonique, de même que celles de Phill Niblock et Pauline Oliveros pour l’aspect dépouillé, lorsqu’une seule note exprime un ensemble d’émotions, invitant l’auditeur à s’immerger profondément dans la musique pour en découvrir l’infinie beauté.

Epistasis doit s’écouter dans la pénombre afin de parvenir à une pleine introspection. Réfléchir au temps qui passe, avec évidemment le risque de tomber dans la nostalgie, mais aussi d’être plus présent à soi. Une œuvre solennelle, absolument magnifique !

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Aaron Turner: « Repression’s Blossom »

3 décembre 2019

Aaron Turner est un vieux briscard. Barbe longue, crinière léonine, yeux vifs, l’homme impressionne. Des prodigieuses aventures Isis et SUMAC, jusqu’à Old Man Gloom et Mamiffer, l’Américain est sur tous les fronts expérimentaux. Guitariste émérite, il traite son instrument avec un doigté certain, tout en le malmenant, dans un registre d’avant-garde qui lui va si bien. Repression’s Blossom est son premier album solo. Un disque concis (quatre titres pour vingt-cinq minutes), purement instrumental. Et qui d’emblée s’avère difficile d’écoute. Une forme réduite, puissante, gorgée de stridences, une odyssée noisy violente, mais pas monolithique. Amoureux du bruit, il sait aussi aménager des espaces plus clairs, des accalmies permettant de respirer. Il manie le son (guitare, effets, bandes) avec une grande maîtrise et nous permet des comparaisons avec des personnes telles que Keiji Haino, Daniel Menche ou James Plotkin. «  Fear of Discovery » est le morceau le plus dense, uniquement constitué de larsens, un Metal Machine Music nucléaire du vingt-et-unième siècle. Agressivité contenue sur « The Vanity of Need », qui, malgré ses délires sonores, est porté par quelques nappes et une guitare traitée à la fois flottante et vigoureuse.


Toujours en quête d’un son évocateur, le musicien parvient (presque) à nous apaiser par la suite, avec une sorte d’écoute profonde sur « Attar Datura », piste la plus ambitieuse de l’opus. L’ambiance est cinématique, on se rapproche de l’ambient/drone par moments, un tribut est payé à Pauline Oliveros. Les nappes vont et viennent avant de se heurter à un récif noise, concluant l’effort avec à-propos.
Enfin, « Underlying Nature of
Habitual Dishonesty » reprend là où les choses ont commencé. Vicieux, anarchique, cette longue composition nous attaque, nous incise le cortex, laissant une plaie béante. Beaucoup de talent pour alterner les atmosphères : Turner a une vision claire de son art, lui-même exigeant.

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Sunn O))): « Pyroclasts »

18 novembre 2019

Les grands sorciers du drone ont sorti deux bêtes de leurs enclos cette année, soit Pyroclasts et Life Metal. Les deux albums ont été enregistrés en direct et édités de façon analogue par cet autre sorcier qu’est Steve Albini qui a capturé le son du groupe sans ordinateurs.

Suivant leur obsession du tone et des amplis Sunn depuis plus de 20 ans, Sunn O))) révèle une neuvième offrande, constituée de quatre chansons comme de grands monuments de pierre noire. Ces longs tableaux sonores opaques et occultes, quoique semblables aux précédents, ne laissent pas indifférents.

Écouter cet album, c’est fixer directement le soleil pendant de longues heures, et en ressortir étourdi et désorienté. L’absence de rythmes et de repères nous permet pourtant de déchiffrer des «indices» insérés ici et là, à la manière de dessins primitifs qui indiquent quelque chose de fondamental: l’ici et le maintenant. Les pièces présentent des fréquences étrangement apaisantes, un peu comme des chants de gorge tibétains prolongés. Elles sont une plongée relaxante dans un sombre Himalaya, créé par ces mystérieux moines evil.

Le processus d’enregistrement, réalisé en deux semaines, a été si immersif que Greg Anderson et Stephen O’Malley ont décidé de produire ce second album en cours de route. Celui-ci se veut « plus méditatif, libre et expérimental », et basé sur des improvisations,aux dires des responsables de tels brûlots.

On se demande: comment eil est possible d’être tout ça, encore plus qu’avant? Life Metal était plus préparé, avec des titres déjà composés. Pyroclasts, quant à lui, réunit en fait quatre enregistrements issus de sessions de drone improvisées, au début ou à la fin de chaque journée de studio durant Life Metal. 

Les mêmes invités se retrouvent sensiblement sur l’album, soit Tom Midyett (Silkworm, Bottomless Pit, et Mint Mile) et la violoncelliste Hildur Guðnadóttir, avec aussi leur collaborateur de longue date Tos Nieuwenhuizen aux claviers. Malheureusement, on ne distingue pas vraiment ce que ces collaborateurs font… Y a-t-il vraiment des synthétiseurs? Où est le violoncelle? On ne le sait pas trop. Ils semblent enterrés sous l’accord de guitare géant et continu qui constitue l’album. Il se finit d’ailleurs vraiment abruptement, lors d’« Ascension (A) » Une sorte de fondu ou d’élément pouvant décroître l’intensité aurait été bienvenue, car on a l’impression qu’un large tapis nous est enlevé de sous les pieds sans avertir.

C’est peut-être plus en live que ça se passe pour Sunn O))), mais on peut tout de même apprécier ces gigantesques coulées de lave sonores, qui défigurent les normes.

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Alessandro Cortini: « Volume Massimo »

10 octobre 2019

Cela fait quelques années maintenant qu’Alessandro Cortini fait son chemin dans ce genre si particulier qu’est la musique électronique de type ambient et/ou drone. Grand amateur de synthétiseurs modulaires il explore depuis les possibilités offertes par ses nombreuses machines.

Volume Massimo est un bon album, solide et cohérent. LIitalien y décline, en huit pistes, un univers très évocateur, visuel même. Riche en émotions, la musique de Cortini prend son temps pour amener l’auditeur là ou il le souhaite.

Malgré un début de disque un peu inégal et qui souffre de quelques longueurs, la fin de l’album, elle, commencée avec « Momenti », sera plus inspirée et elle récompensera notre patience avec de longues montées en puissance sonore, entrecoupées de silence.

S’il n’est pas le meilleur opus de Cortini, Volume Massimo trouve sa place aisément dans une discographie bien étoffée. Il contient d’excellent morceaux (« La Storia », « « Batticuore » » propres à satisfaire les fans du genre et du compositeur.

***1/2


The Touchables: « The Noise Is Rest »

22 septembre 2019

Le terme de « heavy in music » a été repris et approprié par certains rockers à la fin des années 60 et il est resté, jusqu’à aujourd’hui, le symbole d’ une musique chargée de guitare. Par sa définition, on se devait de succomber au poids des sons bruyants garants de source de plaisir. Encore un autre terme, cérébral, a été désigné et délégué à la musique à laquelle on n’attribuait que cette rdestination.

Mais alors, que se passerait-il si le lourd et le cérébral devaient être désignés sur une musique à laquelle vous êtes censés penser et apprécier à la fois sa « lourdeur » de son, encore d’une toute autre variété. C’est l’impression que me donne le duo norvégien à cordes The Touchables. Ole-Henrik Moe et Guro Skumsnes Moe semblent, en effet, être après cette dualité sur de pensée sur leur album avec un titre aussi parlant que The Noise Is Rest.

Qu’est-ce qui se passe ici ? Les deux Moe utilisent deux instruments à cordes qui établissent des registres sonores complètement différents – un violon d’octobre et un picoletto – afin de créer à la fois des basses et des hautes fréquences pour pouvoir faire sentir (tant par eux-mêmes que par les auditeurs) les limites de la hauteur et de la tonalité.

Cela semble compliqué et peut-être un peu trop cérébral, et si the Touchables s’étaient limités à une expérience pure, ils se seraient retrouvés avec un maillage de sons inaudible. Heureusement, pour tous les auditeurs qui veulent penser et ressentir en même temps, le duo a trouvé ici les bonnes fréquences tonales pour vous faire faire les deux.

Oui, c’est à la fois une musique lourde dans un autre sens du terme et cérébrale en même temps. Ils ont évidemment une connaissance et une expérience musicale abondante pour faire fonctionner cette expérience sonore. Après tout, ils ont étudié et travaillé avec Iannis Xenakis, Arditti Quartet, sur le spectre de la musique classique, le pionnier de l’électronique Todd Terje et les rockers (lourds) Motorpsycho, ainsi que composé pour le cinéma et le théâtre de marionnettes français Plexus Solaire et pour le groupe vocal Oslo 14.

Et aussi improbable que cela puisse paraître, tout est entendu (et ressenti) sur The Noise Is Rest, transformant quelque chose qui est censé être le bruit lui-même en une véritable musique sur laquelle on peut réfléchir mais aussi prpre à nous faire ressentir des frissons.

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Rafael Anton Irisarri: « Solastalgia »

13 juillet 2019

Ils ne sont qu’une poignée, à posséder le talent de faire résonner les émotions avec une musique qui parait si simple en apparence mais qui ne l’est pas, bien au contraire. Rafael Anton Isarri est de ceux là. Ceux qui captent l’ambiance avec un brio incroyable, surfant bien au delà du reste de la vague. La musique ambient et drone peut paraitre chiante, et à bien des titres, elles peut  l’être. Un simple tour sur bandcamp suffira à vous faire détester une majorité de disques fait par des poseurs qui se contente de copier de vielle recettes. Ce disque n’est pas de ceux ci, de même que son auteur.

Ce disque est quasiment parfait, équilibré, c’est un cas d’école du genre. Il n’est ni trop long ni trop court, il brasse de nombreuses ambiances, il favorise l’imagination : allez vous vous imaginez au milieu d’une  lande brumeuse, ou bien dans un vaisseau à destination des lunes de Jupiter ?

La musique se fait discrète, mélodique, puis puissante dans une explosion de lumière selon l’instant, elle à en elle de la majesté, et de cette impression qu’on à quand on entre dans une église, qu’il faut se taire et écouter, chuchoter, pour entendre, qui sait ?

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