David Granström: « Empty Room »

26 avril 2021

Basé à Stockholm où il travaille en partie comme professeur de composition, de synthèse sonore et de spatialisation avancée au sein de l’Elektronmusikstudion (EMS), Granström est un compositeur / artiste sonore qui compose de la musique électronique en utilisant des algorithmes et des processus qui introduisent un élément de chance ou d’aléatoire, avec des sons d’origines synthétiques et acoustiques. Il a collaboré dans le passé avec ses compatriotes suédois Maria Horn et Mats Erlandsson, dont les enregistrements solos sont sortis sur le label suisse Hallow Ground en 2020. Sur Empty Room, sa première œuvre solo, Granström crée des œuvres lentes, puissantes et rayonnantes en utilisant des sources sonores générées par sa guitare alors qu’il jouait sur celle-ci à Ställbergs Gruva, une mine de fer abandonnée dans la région de Bergslagen en Suède, dans le cadre d’une résidence musicale, et qu’il réamplifiait ensuite les sons et les affinait avec des processus algorithmiques et aléatoires en utilisant le langage de codage et de programmation SuperCollider.

Ces cinq pistes de paysage sonore proposées semblent immenses et vastes, et probablement pas un peu éloignées pour certains auditeurs, mais elles possèdent une grâce et une aisance alors que leurs détails changent, se mélangent et fusionnent continuellement. L’ambiance peut parfois être chaleureuse, voire radieuse, et semble rarement menaçante ; le plus sombre qu’elle puisse atteindre est une indifférence à l’égard des petits êtres et de leurs activités. Malgré sa puissance stupéfiante et ses drones retentissants, la musique offre en même temps des sons plus doux et plus délicats en arrière-plan. Un excellent exemple et un des premiers moments forts est « Aeon » qui, comme son titre, semble s’étendre à l’infini, apparemment résistant à l’érosion et pourtant changeant de sa propre volonté. En revanche, « Sapphire Visions » est un morceau plus éphémère, d’humeur triste et même un peu douloureuse, avec de véritables accords de guitare qui se détachent sur une ambiance chargée de soupirs.

« Occultation » sera un autre titre massif dont les sons rappellent le riche bourdonnement métallique pointilliste de l’artiste sonore américaine Maryanne Amacher (1938 – 2009) dans des œuvres comme son Sound Characters (Making the Third Ear) . L’ambiance est définitivement désespérée, mais même sur ce morceau, les sons sont luxuriants et brillent, même s’ils sont légèrement froids. « Transience » est un morceau de clôture doux, composé de sons de guitare lugubres, contrastés par des accords de guitare qui s’écrasent dans un fond d’ombre, tandis que des bruits et des sons doux murmurent autour d’eux.

À la fois chaleureux et radieux, tombant progressivement dans la mélancolie et les sentiments d’abandon et de nostalgie, et combinant des drones forts et puissants, voire écrasants, avec les boucles de mélodie de guitare les plus délicates, le premier enregistrement solo de Granström annonce certainement le début d’une carrière solo considérable dans la création d’œuvres musicales immersives apparemment complexes.

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Mattie Barbier: « Three Spaces »

13 avril 2021

Three Spaces de Mattie Barbier nous propose un rassemblage non conventionnel de sons dans un genre tout sauf académique. Il s’agit d’un seul morceau de 38 minutes qui offre des textures rugueuses et grondantes, des bourdonnements prolongés et un peu de statique sur les bords. Bien que Barbier affirme qu’il a été « réalisé à la maison avec un euphonium, un trombone, un orgue de roseaux et un jardin », Three Spaces va au-delà de la sortie typique d’un solo pandémique.

L’instrumentation n’a presque aucune importance et il aurait été difficile de la démêler sans les notes du livret. Au début, l’album semble offrir un long drone monolithique. Mais après plusieurs écoutes, des variations et des profondeurs apparaissent. Des notes claires sont submergées sous le premier plan tourmenté, et ce premier plan change de nature à un rythme glacial.

Au cours de ces multiples écoutes, on sera enclin à augmenter le volume à un niveau étonnamment élevé afin d’apprécier les détails. Compte tenu de la gamme dynamique étroite de l’album, cela n’a pas été sans rappeler le polissage d’un vieux meuble pour en découvrir les subtilités.

Si vous voulez passer un après-midi à creuser dans un seul album, Three Spaces est un candidat intéressant et excellemment adapté à la chose.

***1/2


Gazelle Twin & NYX: « Deep England »

23 mars 2021

Écouter Deep England de Gazelle Twin, c’est comme se laisser bercer par un loup-garou déguisé en danseur Morris. Tout au long de sa carrière, la compositrice et productrice Elizabeth Bernholz a fait preuve d’un talent dévastateur pour creuser sous la peau et évoquer une terreur corporelle. Il y a, dans ses paysages sonores fantastiques et luxuriants, quelque chose d’un conte de fées qui aurait mal tourné.

Elle donne à sa musique des contours particulièrement angoissants sur ce morceau qui accompagne Pastoral, enregistré en 2018 avec le chœur de six femmes NYX et qui a fait ses débuts en 2019 en tant que projet de performance live. Le sujet, comme c’est souvent le cas pour Bernholz, est l’Angleterre et les anciennes ténèbres qui s’agitent sous la terre végétale du présent.

Deep England tire son nom d’une souche d’identité diagnostiquée par l’universitaire Patrick Wright comme « ce nationalisme anglais profondément gelé » (this deep-frozen English nationalism). Il se déroule comme les chapitres d’une histoire à dormir debout qui a fait un plongeon dans l’inquiétant, alors que Bernholz déploie une palette changeante d’instruments à vent, de cris texturés, d’effets spéciaux de films d’horreur et de techno déglinguée. Les cloches d’église qui carillonnent annoncent le morceau d’ouverture « Glory », qui se transforme rapidement en une terrible rhapsodie de voix féminines, comme si les fantômes de l’Angleterre, qui n’ont pas encore résolu leur problème, tourbillonnaient en même temps.

La sensibilité dark-folk qui imprègne l’album est reconnue directement sur « Fire Leap » ». Il s’agit d’une interprétation spectrale de la chanson de fertilité « The Wicker Man », qui fait ressembler l’original à une chanson des Teletubbies en comparaison.

Mais ensuite, sur le morceau « Better In My Day », on est dans un champ quelque part à 4 heures du matin, en train de se déhancher sur une bande son de rave diffusée par un système de sonorisation à l’arrière d’une voiture à hayon. C’est passionnant et désorientant : on a l’impression d’être conduit hors des sentiers battus par la figure mythique du bouffon qui orne la couverture de Pastoral et qui, pour Bernholz, incarne les tensions dangereuses et non traitées liées à la psychosphère anglaise.

Le Brexit et les forces funestes qu’il a déclenchées ont suscité une réflexion sans fin sur ce que c’est que d’être anglais. Cependant, Bernholz va au-delà du simple nombrilisme et met sur la table son expérience de déménagement de Brighton vers la campagne lointaine. Elle est partie à la recherche du bonheur rural, pour découvrir, en partie, un pays vert et désagréable, lié au conservatisme réactionnaire et à la méfiance à l’égard des étrangers.

Avec Deep England, elle s’enfonce dans la moelle d’une nation qui, en 2021, ne se connaît pas vraiment et ne veut peut-être pas se connaître. Le résultat est un mélange de rêve fiévreux du Labyrinthe de Pan et d’une beuverie de cidre sous un passage souterrain qui a échappé à tout contrôle et a pris une tournure méchante inattendue.

Elle fait référence aux années 1990 – lorsque l’euroscepticisme anglais est passé d’une obsession marginale à un mouvement politique dominant – sur « Throne », qui est construit autour du sample d’Ennio Morricone Once Upon A Time In America que l’on a retrouvé pour la dernière fois sur « My Kingdom » de The Future Sound of London en 1996. Puis vient l’oubli wagnérien de « Golden Dawn », avec sa promesse non tenue d’un nouveau jour qui se profile à l’horizon. Le message, peut-être, est de ne jamais faire confiance à un joueur de flûte – surtout s’il promet de vous conduire vers des plateaux ensoleillés, ceux où sont déterrés les ossements mortuaires de l’Angleterre profonde.

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Biosphere: « Angel’s Flight »

2 février 2021

Dans Departed Glories (2016), Biosphere (Geir Jenssen) a transformé des centaines d’enregistrements de musique folklorique traditionnelle russe et d’Europe de l’Est en textures obsédantes qui s’enroulent autour de sombres synthés et de drones Avec des thèmes de mortalité, de tradition et de souvenir, c’était une œuvre étonnamment émotionnelle du producteur norvégien d’ambient, habituellement stoïque. Angel’s Flight poursuit cette approche à base d’échantillons, en utilisant le Quatuor à cordes n° 14, opus 131 de Ludwig Van Beethoven – l’une des dernières pièces composées de son vivant – comme base, Jenssen transformant cette pièce, souvent joyeuse et affirmant la vie, en une sombre méditation solennelle. Plus qu’un album, Angel’s Flight ressemble à une sorte de séance de musique.

La première série de morceaux est principalement composée de bourdons subtilement changeants, de synthés glacés et de cordes de l’opus 131 qui ont été tellement délavés qu’ils se fondent parfaitement dans les atmosphères de Jenssen ; ils ne seront probablement même pas enregistrés comme des échantillons de Beethoven pour tous, sauf pour ceux qui connaissent bien le morceau. Il y a des moments qui ressortent après des écoutes répétées, en particulier le vertigineux « In the Ballroom » et le troublant « As Weird as the Elfin Lights », mais la première série de morceaux est si éthérée qu’elle tend à se fondre dans un ensemble morne et indistinct.

Avec le sempling de cordes scintillante de la chanson titre qui arrive à mi-chemin de l’album, l’esprit de Beethoven commence à parler plus clairement, légèrement déformé par des siècles de ternissure et de décadence. Sur « Unclouded Splendour » et l’étonnant  » »emote & Distant », Jenssen transforme les cordes en rafales froides et tourbillonnantes qui évoquent une sombre atmosphère noire, tandis que « Faith & Reverence » et l’avant-dernier morceau « Scan of Waves » sont les plus proches de la matière d’origine, avec des boucles de corde enjouées qui sont sinistrement étouffées par la poussière. Après une ouverture presque agressivement minimale, le disque est rechargé avec ses moments les plus captivants et les plus gratifiants.

En son temps, le Quatuor à cordes n° 14, opus 131 de Beethoven se distinguait par un final qui revenait aux thèmes musicaux de ses débuts ; Angel’s Flight suit le mouvement et se termine par les bourdonnements troublants de « The Clock and the Dial », un morceau pratiquement identique à l’ouverture « The Sudden Rus » ». Les deux œuvres ont un caractère cyclique, revenant à leur point de départ à leur fin – peut-être un affront à la mort, comme si l’on échantillonnait la musique d’une personne décédée depuis longtemps. En effet, Angel’s Flight est une œuvre d’art très convaincante et émotionnelle sur le plan conceptuel. Il est donc frustrant de constater que la musique elle-même est souvent trop restreinte et trop contrôlée pour, qu’elle se montre vectrice d’émoi ou véhiculant mauvaise humeur, avoir un impact trop important.

***1/2


Lovely Wife: « Best in Show »

5 juillet 2020

À première vue, Newcastle possède une scène remarquablement vaste et florissante consacrée à toutes sortes de dormations de métal bruyantes/expérimentales, jusqu’à ce qu’on se rende compte qu’environ 75 % des groupes comptent James Watts et un certain nombre de ses compagnons. En fin de compte, c’est une belle chose parce que Watts est un chanteur polyvalent – peut-être pas Mike Patton, mais plus qu’habile à affecter toutes sortes de métal à gorge basse, ainsi que des notes allongées angoissées et des incantations monastiques, et, comme le prouve la dernière chanson, le didgeridoo humain.

Le groupe est décrit comme « un mélange unique et bizarre de doom improvisé avec une ambiance psychédélique d’ivresse qui se situe entre THRONES, The Melvins et un groupe de Butthole Surfers très énervé ». Le texte poursuit en précisant que « Ils jouent normalement en trois parties, avec une basse, une batterie, un peu de saxo et des voix qui semblent sortir de la bouche de quelqu’un qui a été enfermé dans une cave pendant 20 ans et qui reste en vie en léchant la moisissure qui se développe sur les fûts de bière ».

C’est un bon résumé, même s’il y a plus qu’un peu de saxo ici. Mais pas de violons. Et que, malgré toutes les agressions sonores, ce sont des pacifistes.

Il n’y a rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur, et l’introducteur de vingt-trois minutes, « Ioniser », n’a absolument rien de tel que de faciliter l’écoute d’un album en douceur. Un grésillement et un bourdonnement de surcharge se produit et se déforme comme l’enfer. Il finit par s’installer dans un groove à la gomme-laque, un rythme de tambour trépidant à la Todd Trainer, qui entraîne un grondement bas de gamme et qui sert de toile de fond à un spectacle de contorsions vocales qui célèbrent tout ce qui est torturé et guttural.

Et il y a cette basse ! Elle est si basse et grinçante qu’elle pourrait soulage rn’importe quel blocage en quelques mesures, et contre un rythme influencé par le jazz et joué avec une force explosive, « Shan patter » est une bête absolue. Le chant est à peine audible et aussi bas, sinon plus bas, que la basse, un gargouillis grouillant à souhait.

« Shenanigans » possaède la structure en boucle d’une piste de danse croisée avec les motifs circulaires lancinants qui ont défini le son de Therapy sur Nurse – seulement c’est une odyssée jazz-funk tordue, et c’est un contraste complet avec le bourdonnement ultra lent et ultra minimaliste de « Wallow » qui rampe dans un bourdonnement de répétition, un seul accord résonnant pour l’éternité, la torsion de soutien au feedback. Toute comparaison avec Sunn O))) est tout à fait justifiée, bien que la percussion ait un certain swing qui la fait passer du domaine du sludgy doomy drone à celui d’un style plus jazz/low grunge.

Et si le titre du morceau final inspire des références à Derek an Clive, les treize minutes de « Hor » » sont moins destinées à inspirer un jet de sang qu’une sensation de rampement sur une peau atteinte de chair de poule alors qu’une autre ligne de basse lourde se promène, battue, meurtrie, couverte de poussière et de saletés, au milieu d’un pétillement de bruit, avant qu’un cuivre au cœur lourd ne se mette à brailler, à gémir et à se manifester à tout venant.

Si les éléments de free form des compositions leur donnent un sentiment de relâchement, ou de non-conformité, de spontanéité, de désarroi, la façon dont elles se rejoignent si étroitement et intuitivement sur les segments de riffs étendus est révélatrice d’une réelle compétence musicale et d’un haut niveau d’intuition. C’est spécial et c’est rare. Et c’est une caractéristique déterminante d’un album qui est à la fois très lourd et très jazzy, sans être superficiel et impropre à l’écoute.

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Noveller: « Arrow »

12 juin 2020

Sarah Lipstate de Noveller travaille et crée à très grande échelle, en utilisant des guitares, des pédales et des effets pour construire des paysages sonores de densité orchestrale et de drame. « Rune », le premier morceau de son dernier album, prend forme à partir d’éléments silencieux, d’une montée liquide de sonorités synthétiques, d’un frémissement de guitare à deux notes et à battements de cœur, du choc des chutes et des booms soudains et d’une respiration de la voix. Ses textures sont angoissantes, inquiétantes et ne ressemblent pas du tout à celles d’une guitare. On imagine facilement ce morceau joué par un orchestre, les trombones qui s’élèvent, une section de cordes qui s’éloigne furieusement, une clarinette mélancolique qui tisse une mélodie, esquivant des bruits de timbales.

Plus tard, dans « Zeaxathin » (le titre fait référence à une pensée vitaminée pour protéger la vue), elle évoque à nouveau un quatuor à cordes fait de boutons et de pédales ; le thème principal vacillant ressemble à un canto baroque filtré par des tuyaux synthétiques rutilants. Un orgue, un pennywhistle, un hautbois, un petit groupe de violoncelles prennent tous forme puis se désincorporent au fur et à mesure qu’elle construit des sons surnaturels. Et pourtant, il n’y a pas d’orchestre ici, juste Lipstate et sa collection considérable d’effets de guitare, déployés en grandes formations massives de sonorités surgissantes.

Lipstate s’est fait un nom parmi les têtes de pont, en donnant des cours sur les effets de guitare expérimentaux et en jouant d’une guitare BilT personnalisée avec 22 commandes (pour Iggy Pop, rien de moins).  Elle est suffisamment active dans les médias sociaux d’effets de guitare pour que vous puissiez descendre dans n’importe quel terrier de lapin et en apprendre plus sur la façon dont elle produit les sons qu’elle produit. Les notes de son « single » « Canyon », par exemple, font clin clin d’œil à une pédale multi-effets spécialement conçue pour elle, le et nommé Moon Canyon, Dr No.

Pourtant, la meilleure façon d’apprécier ses compositions cinématographiques est peut-être d’éteindre tout ce comment et de se concentrer sur le quoi. « Pattern Recognition », par exemple, sonne plus comme une musique de guitare que beaucoup d’eutres morceaux, avec une chaude et rayonnante rafale de piques soniques au premier plan, un rythme de basse qui s’agite et qui la pousse en avant. Ici aussi, des sons inachevés enveloppent la chanson d’une aura changeante, comme celle des aurores boréales, mais le morceau a aussi de l’élan et du mouvement. « Effektology » utilise certainement un matériel élaboré, mais vous pouvez quand même vous perdre dans son done spatial et profond, son bourdonnement de voix humaines dénaturées, sa mélodie synthétique aiguë qui ressemble au chant d’un ange.  

Ce sont des mondes sonores ambiants plutôt beaux, mais Lipsate les a créés, pleins d’effroi, d’anticipation, de joie et de paix. Il est peut-être préférable de ne pas voir les fils, les boutons et les prises qui les rendent possibles.

***1/2


Aidan Baker & Gareth Davis: « Invisible Cities II »

1 février 2020

Aidan Baker (Nadja) et le clarinettiste basse Gareth Davis poursuivent leur fructueuse collaboration avec Invisible cities II – cinq nouveaux morceaux de jazz (ambiant et de chambre) fait de subtils drones d’une qualité qui force à la concentration. 

Il y a deux ans, le guitariste canadien Aidan Baker et le clarinettiste belge Gareth Davis ont sorti leur premier duo invisible cities qui en a surpris plus d’un par sa qualité calme, voire méditative. davis s’était fait un nom dans de nombreux domaines, du post-trock de a-sun amissa ou oiseaux-tempête, de la nouvelle musique (peter ablinger, bernhard lang), en passant par l’expérimentation avec des musiciens allant de elliott sharp, merzbow à scanner, tandis que baker est surtout connu pour son duo drone / postmétal, mais ce n’est qu’un des nombreux projets en cours (e.g.b/b/s avec andrea belfi et erik skodvin aka svarte greiner) et une multitude d’albums solo.

Sur invisible cities, le duo a exploré le côté plus calme des choses – du jazz de chambre à l’ambient / dron en donnant beaucoup d’espace et d’air à respirer à leur instrument respectif. Des drones de guitare subtils, des sons de clarinette sonores, un paysage sonore de tranquillité et d’introspection méditative – tout cela,on le trouvera trouverez aussi sur le Invisible cities II qui est une continuation et un raffinement accomplis du premier effort de collaboration du duo à partir de 2018, un effort qui frôle l’universel et l’envoûtant.

***1/2


Pauline Oliveros, Stuart Dempster, Panaotis: « Deep Listening »

1 février 2020

L’étonnant classicisme « drone » de Pauline Oliveros re fait enfin surface pour une édition définitive de 30e anniversaire, nouvellement enrichie de matériel provenant de l’album un peu plus tardif mais connexe The Readymade Boomerang.

Enregistré en 1989 dans une citerne avec une réverbération de 45 pouces, située à 14 pieds sous terre à Seattle, Deep Listening est un coup de maître en matière d’harmonie intuitive dirigé par l’une des compositrices, accordéonistes et penseurs musicaux les plus vénérés du 20ème siècle : Pauline Oliveros. Accompagnée de ses collaborateurs de longue date au sein du Deep Listening Band, Stuart Dempster (trombone, tuyau d’arrosage, conque, didjeridu) et Peter Ward alias Panaiotis (voix, sifflement), le trio produit une musique totalement atavique mais tournée vers l’avenir, qui sonne de manière convaincante comme de l’électronique mais qui est en fait entièrement acoustique à l’origine, et qui risque de laisser les auditeurs de Deep Listening cloués au sol par cette conception de la composition actuelle.

Comme le cri lancinant de la Terre nourricière qui se lamente depuis des siècles, il est difficile d’éviter les comparaisons pour ce disque avec des événements qui ont pratiquement dépassé la conception humaine. Bien sûr, il ne s’agit que de trois personnes dans un espace très résonnant, mais les résultats parlent directement à nos six sens d’une manière qui échappe vraiment à la classification concrète et qui ne peut être saisie qu’au niveau le plus insaisissable, spirituel – à moins que vous ne vouliez entrer dans la physique de la phénoménologie acoustique et de la psychologie, et pour être juste, cela pourrait gâcher l’effet. Nous vous recommandons plutôt de trouver le temps et l’espace pour accorder toute votre attention à cet album – de préférence la nuit, lorsque les conditions sont similaires à l’obscurité que les interprètes ont connue dans la citerne – et de vous sentir dématérialisé, comme leurs sons, dans un état perceptif de décomposition vibratoire pure et finement graduée et de mystère harmonique.

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Maria w Horn: « Epistasis »

27 janvier 2020

Quelques notes de piano s’égrènent doucement, lentement… Un rythme qui n’en est pas un, une forme minimale qui nous saisit pour ne plus partir… La Suédoise Maria w Horn avait fait sensation l’an dernier avec son premier opus, Kontrapoetik ; elle récidive ici avec Epistasis, un disque tout en délicatesse, pour lequel elle est accompagnée de guitaristes électriques, d’organistes, de violonistes, d’une altiste et de violoncellistes.
La particularité de l’art de la musicienne est de piocher ses influences au sein d’un répertoire varié (black metal, drone, musique minimaliste, musique électroacoustique…), tout en réussissant à les digérer afin d’arriver à un résultat d’une grande intensité. Ces quatre morceaux sont marqués par la volonté d’expérimenter sur le son, en utilisant l’acoustique et l’électronique. Le piano prédomine sur les deux « 
Interlocked Cycles », distillant des mélodies répétitives et mélancoliques, dans le but de trouver une forme d’idéal dans une contemplation statique. « Epistasis » est un morceau nimbé d’un sentiment de tristesse tenace, porté par la gravité de l’orgue et les dissonances de guitare.

On reconnaîtra d’ailleurs certains motifs cérémoniels de sa compatriote Anna von Hausswolff. « Konvektion » est le titre le plus long et avant-gardiste de l’album, proposant une forme microtonale qui évolue subtilement et de façon hypnotique. Un chemin sonore tout en retenue, incitant à la transe, reprenant les enseignements d’un certain courant minimaliste. L’ombre du compositeur Arvo Pärt plane dans la recherche harmonique, de même que celles de Phill Niblock et Pauline Oliveros pour l’aspect dépouillé, lorsqu’une seule note exprime un ensemble d’émotions, invitant l’auditeur à s’immerger profondément dans la musique pour en découvrir l’infinie beauté.

Epistasis doit s’écouter dans la pénombre afin de parvenir à une pleine introspection. Réfléchir au temps qui passe, avec évidemment le risque de tomber dans la nostalgie, mais aussi d’être plus présent à soi. Une œuvre solennelle, absolument magnifique !

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Aaron Turner: « Repression’s Blossom »

3 décembre 2019

Aaron Turner est un vieux briscard. Barbe longue, crinière léonine, yeux vifs, l’homme impressionne. Des prodigieuses aventures Isis et SUMAC, jusqu’à Old Man Gloom et Mamiffer, l’Américain est sur tous les fronts expérimentaux. Guitariste émérite, il traite son instrument avec un doigté certain, tout en le malmenant, dans un registre d’avant-garde qui lui va si bien. Repression’s Blossom est son premier album solo. Un disque concis (quatre titres pour vingt-cinq minutes), purement instrumental. Et qui d’emblée s’avère difficile d’écoute. Une forme réduite, puissante, gorgée de stridences, une odyssée noisy violente, mais pas monolithique. Amoureux du bruit, il sait aussi aménager des espaces plus clairs, des accalmies permettant de respirer. Il manie le son (guitare, effets, bandes) avec une grande maîtrise et nous permet des comparaisons avec des personnes telles que Keiji Haino, Daniel Menche ou James Plotkin. «  Fear of Discovery » est le morceau le plus dense, uniquement constitué de larsens, un Metal Machine Music nucléaire du vingt-et-unième siècle. Agressivité contenue sur « The Vanity of Need », qui, malgré ses délires sonores, est porté par quelques nappes et une guitare traitée à la fois flottante et vigoureuse.


Toujours en quête d’un son évocateur, le musicien parvient (presque) à nous apaiser par la suite, avec une sorte d’écoute profonde sur « Attar Datura », piste la plus ambitieuse de l’opus. L’ambiance est cinématique, on se rapproche de l’ambient/drone par moments, un tribut est payé à Pauline Oliveros. Les nappes vont et viennent avant de se heurter à un récif noise, concluant l’effort avec à-propos.
Enfin, « Underlying Nature of
Habitual Dishonesty » reprend là où les choses ont commencé. Vicieux, anarchique, cette longue composition nous attaque, nous incise le cortex, laissant une plaie béante. Beaucoup de talent pour alterner les atmosphères : Turner a une vision claire de son art, lui-même exigeant.

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