No BS: Just Rock & Roll!

Lustmord (Brian Williams) est à l’origine d’une grande partie des genres drone et dark ambient modernes. Bien que son travail au cours des 40 dernières années ait été révolutionnaire, il est surtout connu pour ses paysages sonores à basse fréquence plutôt épars. Karin Park, quant à elle, est une chanteuse qui s’inspire de la pop expérimentale. La combinaison des deux est une sorte de fusion du yin et du yang : Park remplit les registres supérieurs avec des voix et des claviers éthérés. Le résultat, cependant, ne s’éloigne pas de l’œuvre de Lustmord.

Les huit morceaux d’Alter ont des qualités cinématographiques, ce qui n’est pas surprenant compte tenu du travail de Lustmord dans le domaine du cinéma. On pourrait facilement imaginer ces morceaux utilisés dans la bande-son d’un film d’horreur, de science-fiction ou de psychologie noire. Mais les chants de Park invoquent également le sacré, bien que ce soit davantage dans un sens païen ou rituel que ce que l’on s’attendrait à entendre en provenance d’une cathédrale.

Ainsi, « The Void Between » commence par un grondement silencieux et les chants sans paroles de Park en arrière-plan. Le grondement s’amplifie alors que des sons étranges se frayent un chemin dans le mélange, avec des drones et des respirations lourdes. D’autres voix de Park sont ajoutées, chantant sur un chant. Lustmord fournit des pulsations subtiles et des résonances tectoniques.

Cet album est loin d’être joyeux ou édifiant. Mais on y trouve un sentiment de joie et d’émerveillement, alors que Lustmord et Park explorent les profondeurs souterraines et les fissures du monde naturel et des émotions humaines. Leurs efforts sont vivement recommandés à tous ceux qui sont prêts à entreprendre un tel voyage.

***1/2

Bien qu’Oliver Coates conserve le violoncelle comme instrument principal, jouant toujours régulièrement avec des formations comme le London Contemporary Orchestra et l’Aurora Orchestra, il ne le laisse pas restreindre les domaines dans lesquels il pousse sa propre musique. En 2016, il a publié la collaboration de Mica Levi, Remain Calm, et une autre production,Upstepping, présentant à un public plus large son style de musique électronique classique, qu’il a encore développé avec la science-fiction percutante de son album de 2018, Shelley’s On Zenn-La.

Suite à Shelley’s, son nouvel album Skins n Slime s’éloigne de la nature dancefloor-skimming de ses précédents albums et s’oriente davantage vers le drone et le classique. Pour le fin connaisseur, ses versions de 2019 des ptitres « Canticles of the Sky » et « Three High Places » du compositeur alt-moderne John Luther Adams constituent un repère intéressant pour savoir où il en est aujourd’hui, puisqu’on l’a trouvé en train de remettre son instrument principal sous les feux de la rampe. Cela reste vrai pour les peaux et la bave, mais ici il s’intéresse souvent moins à la mélodie qu’à l’immersion pure de l’auditeur – pour ensuite lui couper le souffle lorsque l’intensité diminue et qu’un moment de pure tranquillité poétique émerge.

Il n’y a pas de citations significatives de Coates sur la libération de Skins n Slime, ce qui laisse à l’auditeur le soin de juger lui-même comment l’aborder – de façonner son propre art mental pour parcourir les vastes étendues du disque, si vous voulez. Il nous a bien sûr offert des morceaux d’indices dans l’album et les titres des morceaux, mais ils laissent encore beaucoup de place à l’interprétation. Le titre « skins n slime » ne rend pas justice à la beauté de ce que Coates a produit sur le disque, mais c’est peut-être à la fois une indication et un défi pour l’auditeur de réfléchir davantage aux morceaux en termes de texture, et de ne pas simplement attribuer de la beauté à tout, mais peut-être d’essayer de ressentir un sentiment plus profond.

Il relève d’emblée ce défi avec la suite en cinq parties « Caregiver » – un mot qui aura déjà tant de connotations émotionnelles différentes pour chacun. La tentation est d’entendre la suite comme un cycle de traitement quotidien, et cela semble certainement être le cas de la « partie 1 (respiration) », où de douces vagues d’accords répétés au piano s’appuient sur un violoncelle mélancolique, rendant un environnement tendre. On passe ensuite à la partie 2 (4 heures du matin), qui se déroule dans la hauteur et le deuil, l’heure indiquée dans le titre nous donnant une indication qu’il s’agit d’une scène nocturne, mais les personnages dans l’imagination de l’auditeur seront uniques à chacun. Les trois autres parties de « Caregiver » sont tout aussi ouvertes à d’infinies possibilités de compréhension, Coates assurant la dérive à travers les parties plus ouvertement harmonieuses « part 3 (slorki) » et « part 4 (spirit) » nous berce dans un espace paradisiaque – avant que la « part 5 (money) », plus tempétueuse et épineuse, ne termine la suite par une séduisante piqûre.

Le reste des peaux et de la bave continue à alterner entre la beauté élégiaque et la sinistre production en scie. Aussi captivantes et époustouflantes que soient la romantique « Philomena Mutation » et la majestueuse « Still Life », ce sont les chansons où il combine la beauté évidente de son instrument avec des sons plus physiques qui sont les plus convaincantes, et qui indiquent un terrain fertile que le musicien intrépide n’a pas encore entièrement découvert. « Butoh Baby » est peut-être le meilleur mélange de délicatesse et de désaccord, car il commence par l’équilibre de la danse japonaise, son violoncelle sautant avec liberté sur le son de type drone Mais, alors que la grâce étincelante de sa mélodie principale s’amplifie, Coates est déterminé à continuer à superposer les courants sous-jacents lumineux afin que vous ne soyez jamais laissé pour compte et que l’effet soit divinement troublant.

Sur « Reunification », Coates fait sonner son violoncelle comme s’il était écrasé et étiré au fur et à mesure qu’il est joué, mais il y a toujours une mélodie qui l’élève d’un magnifique bourdon et qui suggère une approche classique sur le shoegaze. L’exploration de ce domaine se poursuit sur « Honey », où le drone statique recouvre complètement le son central de l’orchestre, ce qui donne un morceau étonnamment hérissé qui ressemble à un descendant de la musique que Wolfgang Voigt a publiée sous le nom de GAS.

skins n slime n’a peut-être pas la ligne conceptuelle de Shelley’s On Zenn-La. pour le relier, mais le style énigmatique de Coates est plus que suffisant pour maintenir son contenu bouillonnant et débordant. Tout au long de l’écoute, il met ainsi l’auditeur au défi de penser le son et la texture d’une manière différente, d’ouvrir des possibilités de ce qui est classique, de ce qui est drone et de ce qui constitue l’élégance. À la fin, vous découvrirez que Skins n Slime est un titre parfait pour un disque aussi riche et captivant.

****

Il est difficile de résumer la production de Richard Skelton, qui est si importante, mais il pourrait être utile de le considérer comme un compositeur qui s’est souvent préoccupé des instruments à cordes, qu’ils soient à archet ou à frettes. Ici, cependant, il a quelque peu changé de cap et la majeure partie de cette nouvelle œuvre est construite autour d’ondes sinusoïdales et carrées. Et il a la sensation distincte du numérique. C’est intéressant compte tenu de son intérêt pour le monde naturel, la décroissance et la géologie (dans ce cas, nous sommes aux frontières de l’Écosse). Et apparemment, le titre de l’album et les titres des morceaux sont des traductions de l’anglo-saxon « Leechdoms », ce qui fait que les morceaux ici sont littéralement des charmes pour soigner les maladies ou les blessures.

Ce qu’on trouve immédiatement captivant ici, c’est le thème permanent de la dégradation. Les morceaux se jouent à travers le développement d’accords étendus qui glissent rapidement de la pureté cristalline à un bruit large, sombre, déformé, presque industriel, qui flirte gracieusement avec l’atonalité et la dissonance. Cela dit, il y a ici une sensibilité harmonique riche et définie, et le fond d’accord changeant commence souvent à former un contour mélodique opaque.

L’harmonique est soigneusement équilibrée avec le timbre et les couches de statique, de distorsion et d’harmoniques qui présentent à l’auditeur le beau paradoxe de l’abondance au sein d’un espace apparemment vide. Ces pièces ressemblent à des paysages à part entière. Écoutez « Against All Tendernesses Of The Eyes » pour voir ce que cela peut signifier. C’est monolithique dans sa stature, c’est un peu comme entendre le chant interne d’un bouchon volcanique.

Qui aime les drones apprécierie la façon qu’a Skelton de les utiliser. La vraie magie des drones est, en effet la quantité d’informations sonores qui les entourent. Une note bien placée peut complètement modifier les hiérarchies d’accords, changer de tonalité ou nous faire passer de la lumière à l’obscurité sans qu’il soit nécessaire de recourir à d’autres instruments. Sans mètre. Sans aucun changement de volume ou de vitesse. Pour composer de cette façon, il faut non seulement de l’habileté, mais aussi du goût. Cet album est rempli d’intervalles placés avec goût et de changements non pressés qui se déplacent à l’oreille, glaciaux et audacieux. Mais tout n’est pas comme ça.  « For the Application of Fire » est, à cet égard, un exercice de peur tendue et viscéraale qu’on porra adorer. C’est un peu comme une partition de John Carpenter avec tout le kitsch enlevé et remplacé par une violence plus naturelle. Lorsqu’on l’entend à plein volume, c’est tout sauf accablant. Le morceau suivant, « For an Inward Wound », ne fera rien, d’ailleurs, pour atténuer la tension.

Cet albumest présenté comme une « sombre obscurité », maiil n’en est rien. Il est trop lumineux, anguleux et strident pour qu ‘on puisse le considérer comme sombre. Bien sûr, il y a peut-être de la brume qui passe sur le paysage, mais c’est un paysage d’une physicalité robuste. Il y a des bords nets et des choses qui devraient peut-être rester invisibles (ou non entendues) sont présentes sans aucune excuse. Les auditeurs qui sont moins enthousiastes à l’égard des incursions occasionnelles de Skelton dans le classicisme reconnaissable se réjouiront de ce disque, j’en suis sûr. Une collection de sons tendue, parfois difficile, mais captivante, et, à ce propos on sera tenu à considérer ce disque comme une sorte de nécromancie de la terre, une nécromancie avec laquelle il sera de bon ton de passer de longs moments.

***1/2