The German Ocean: « The German Ocean »

18 mai 2021

The German Ocean est un duo basé au Royaume-Uni, composé de Darren j Holloway et Gavin Martin, et cet album éponyme est leur premier album. Les sons évoquent de façon cinématographique ceux d’un sous-marin de la Seconde Guerre mondiale se frayant furtivement un chemin à travers la mer du Nord. D’où le nom du groupe et le titre de l’album. En substance, ces efforts s’inscrivent dans la lignée des genres drone et dark ambient, avec des textures spacieuses, des tonalités pulsées et oscillantes, ainsi que des accords de guitare et d’orgue longs et granuleux.

L’atmosphère lente est ponctuée de moments propulsifs, de nature presque mécanique. Ces morceaux tendent vers la mélancolie, voire l’anxiété, avec un danger juste à portée de vue. Le résultat est un album mystérieux et fascinant, qui a beaucoup à offrir aux fans de Lustmord ou de Sunn O))). Hautement recommandé.

****


Lustmord & Karin Park: « Alter »

12 mai 2021

Lustmord (Brian Williams) est à l’origine d’une grande partie des genres drone et dark ambient modernes. Bien que son travail au cours des 40 dernières années ait été révolutionnaire, il est surtout connu pour ses paysages sonores à basse fréquence plutôt épars. Karin Park, quant à elle, est une chanteuse qui s’inspire de la pop expérimentale. La combinaison des deux est une sorte de fusion du yin et du yang : Park remplit les registres supérieurs avec des voix et des claviers éthérés. Le résultat, cependant, ne s’éloigne pas de l’œuvre de Lustmord.

Les huit morceaux d’Alter ont des qualités cinématographiques, ce qui n’est pas surprenant compte tenu du travail de Lustmord dans le domaine du cinéma. On pourrait facilement imaginer ces morceaux utilisés dans la bande-son d’un film d’horreur, de science-fiction ou de psychologie noire. Mais les chants de Park invoquent également le sacré, bien que ce soit davantage dans un sens païen ou rituel que ce que l’on s’attendrait à entendre en provenance d’une cathédrale.

Ainsi, « The Void Between » commence par un grondement silencieux et les chants sans paroles de Park en arrière-plan. Le grondement s’amplifie alors que des sons étranges se frayent un chemin dans le mélange, avec des drones et des respirations lourdes. D’autres voix de Park sont ajoutées, chantant sur un chant. Lustmord fournit des pulsations subtiles et des résonances tectoniques.

Cet album est loin d’être joyeux ou édifiant. Mais on y trouve un sentiment de joie et d’émerveillement, alors que Lustmord et Park explorent les profondeurs souterraines et les fissures du monde naturel et des émotions humaines. Leurs efforts sont vivement recommandés à tous ceux qui sont prêts à entreprendre un tel voyage.

***1/2


Aries Mond: « Gaps and Shortcuts »

8 mars 2021

« Certaines personnes seraient-elles assez folles pour jeter du sable au ciel et prendre des photos jusqu’à ce que quelque chose se passe ? »  C’est la question posée à Aries Mond concernant la cover artist Claire Droppert, qui marque l’image, « les créatures naissent dans des moments gelés d’apesanteur ».  Il en va de même pour Gaps and Shortcuts, qui contient certes des animaux, mais dont le ton des idées est lancé jusqu’à ce qu’elles aient un sens.

Cela est particulièrement évident dans « Snow and Fire », la piste du chat, une pièce qui n’a pas le droit d’exister, mais qui, pourtant, en est muni.  L’empreinte sonore hurle de bobine à bobine, un format plus ancien dont les sons pouvaient être soigneusement extraits, morceau par morceau, épissés ou effacés de manière laborieuse jusqu’à ce qu’un nouveau motif soit révélé.  La double expiration et le bip d’une femme établissent un tempo, bientôt rejoint par d’autres sons, qui ne se répètent pas tous : un murmure aigu, un grincement, l’allumage d’une allumette, et un chat qui suit ses propres règles, ne se répétant pas comme les humains.  Le félin prend le contrôle, malgré la présence de la circulation et de la conversation en arrière-plan.  Sur un autre semple, le chat semble marcher sur un piano, que le tempo soit damné.  Puis il marche sur la neige, comme le veut le titre.  Le silence tombe et la pièce semble se terminer. Puis il se passe une chose étrange : plus de respiration et de marche dans une scène plus chaude.

Cette combinaison d’enregistrements sur le terrain et de samples ~ certains se répètent, d’autres non ~ est séduisante.  Chaque fois que cela se produit, l’auditeur se penche en avant.  « Water and Wood » en est le corollaire évident, le clapotis des vagues sur fond de craquements de temps froid, un dialogue interrompu, un battement de cœur et un souffle, la voix humaine un chœur de percussions.  Là encore, l’allumage d’une allumette, le gazouillis des oiseaux ; ce couple ferait un 45 parfait.  « Tame » propose un jeu doux sur des sons domestiques : une personne se promenant par une belle journée de printemps.  Cette patine paisible est assortie dans « Shortcuts », le titre le plus proche.

Tous les morceaux ne sont pas comme ceux-là ; d’autres se concentrent davantage sur la musique que sur des échantillons ou des bribes, ce qui donne de la mélodie au projet.  Tous séduisent à leur manière, mais les morceaux les plus étranges sont l’attraction : des surprises qui surgissent lorsque des samples sonores sont jetés en l’air comme du sable.

***


Black to Comm: « Oocyte Oil & Stolen Androgens »

8 janvier 2021

L’Allemand Marc Richter nous enchante depuis des années avec ses tissus d’ambiance et de drones détaillés sous le nom de Black to Comm. Richter travaille également sous d’autres pseudonymes tels que Mouchoir Étanche et Jemh Circs. Sur son précédent album Seven Horses for Seven Kings, Richter s’était davantage concentré sur les endroits sombres où des fragments de bruit assourdissant et de sinistres drones se glissent entre l’ambient planant. AvecOocyte Oil & Stolen Androgens, les démons semblent s’être dissous. 

La chanson titre, qui dure plus de dix-sept minutes, contient des fragments de mélancolie émotionnelle profonde qui sont amplifiés par des effets sonores acoustiques et de fines touches de piano. L’imbrication expérimentale des échantillons dans les structures ambiantes stratifiées est (à nouveau) réalisée avec la minutie allemande.

Richter utilise des fragments vocaux, des percussions complexes, des boucles et des bruissements, ce qui donne des airs mystiques et stimulants. Chaque structure sonore et chaque connotation ajoutée ont été rassemblées avec un haut niveau de finesse sur cette édition. Sur ses tapis sonores, Richter ne se contente pas de flirter avec le minimalisme, il est toujours à la recherche d’innovation avec des manipulations expérimentales qui fleurissent de sa créativité transparante.

Oocyte Oil & Stolen Androgensoffre un voyage dau royaume des sons captivant et profond avec des tissus sonores oniriques qui ont un effet hypnotique. Avec cette sortie subtile, Richter prouve une fois de plus qu’il est une référence permanente en tant que voix unique de musique innovante avec une limite d’accessibilité relativement basse.

***1/2


Oliver Coates: « Skins n Slime »

31 décembre 2020

Bien qu’Oliver Coates conserve le violoncelle comme instrument principal, jouant toujours régulièrement avec des formations comme le London Contemporary Orchestra et l’Aurora Orchestra, il ne le laisse pas restreindre les domaines dans lesquels il pousse sa propre musique. En 2016, il a publié la collaboration de Mica Levi, Remain Calm, et une autre production,Upstepping, présentant à un public plus large son style de musique électronique classique, qu’il a encore développé avec la science-fiction percutante de son album de 2018, Shelley’s On Zenn-La.

Suite à Shelley’s, son nouvel album Skins n Slime s’éloigne de la nature dancefloor-skimming de ses précédents albums et s’oriente davantage vers le drone et le classique. Pour le fin connaisseur, ses versions de 2019 des ptitres « Canticles of the Sky » et « Three High Places » du compositeur alt-moderne John Luther Adams constituent un repère intéressant pour savoir où il en est aujourd’hui, puisqu’on l’a trouvé en train de remettre son instrument principal sous les feux de la rampe. Cela reste vrai pour les peaux et la bave, mais ici il s’intéresse souvent moins à la mélodie qu’à l’immersion pure de l’auditeur – pour ensuite lui couper le souffle lorsque l’intensité diminue et qu’un moment de pure tranquillité poétique émerge.

Il n’y a pas de citations significatives de Coates sur la libération de Skins n Slime, ce qui laisse à l’auditeur le soin de juger lui-même comment l’aborder – de façonner son propre art mental pour parcourir les vastes étendues du disque, si vous voulez. Il nous a bien sûr offert des morceaux d’indices dans l’album et les titres des morceaux, mais ils laissent encore beaucoup de place à l’interprétation. Le titre « skins n slime » ne rend pas justice à la beauté de ce que Coates a produit sur le disque, mais c’est peut-être à la fois une indication et un défi pour l’auditeur de réfléchir davantage aux morceaux en termes de texture, et de ne pas simplement attribuer de la beauté à tout, mais peut-être d’essayer de ressentir un sentiment plus profond.

Il relève d’emblée ce défi avec la suite en cinq parties « Caregiver » – un mot qui aura déjà tant de connotations émotionnelles différentes pour chacun. La tentation est d’entendre la suite comme un cycle de traitement quotidien, et cela semble certainement être le cas de la « partie 1 (respiration) », où de douces vagues d’accords répétés au piano s’appuient sur un violoncelle mélancolique, rendant un environnement tendre. On passe ensuite à la partie 2 (4 heures du matin), qui se déroule dans la hauteur et le deuil, l’heure indiquée dans le titre nous donnant une indication qu’il s’agit d’une scène nocturne, mais les personnages dans l’imagination de l’auditeur seront uniques à chacun. Les trois autres parties de « Caregiver » sont tout aussi ouvertes à d’infinies possibilités de compréhension, Coates assurant la dérive à travers les parties plus ouvertement harmonieuses « part 3 (slorki) » et « part 4 (spirit) » nous berce dans un espace paradisiaque – avant que la « part 5 (money) », plus tempétueuse et épineuse, ne termine la suite par une séduisante piqûre.

Le reste des peaux et de la bave continue à alterner entre la beauté élégiaque et la sinistre production en scie. Aussi captivantes et époustouflantes que soient la romantique « Philomena Mutation » et la majestueuse « Still Life », ce sont les chansons où il combine la beauté évidente de son instrument avec des sons plus physiques qui sont les plus convaincantes, et qui indiquent un terrain fertile que le musicien intrépide n’a pas encore entièrement découvert. « Butoh Baby » est peut-être le meilleur mélange de délicatesse et de désaccord, car il commence par l’équilibre de la danse japonaise, son violoncelle sautant avec liberté sur le son de type drone Mais, alors que la grâce étincelante de sa mélodie principale s’amplifie, Coates est déterminé à continuer à superposer les courants sous-jacents lumineux afin que vous ne soyez jamais laissé pour compte et que l’effet soit divinement troublant.

Sur « Reunification », Coates fait sonner son violoncelle comme s’il était écrasé et étiré au fur et à mesure qu’il est joué, mais il y a toujours une mélodie qui l’élève d’un magnifique bourdon et qui suggère une approche classique sur le shoegaze. L’exploration de ce domaine se poursuit sur « Honey », où le drone statique recouvre complètement le son central de l’orchestre, ce qui donne un morceau étonnamment hérissé qui ressemble à un descendant de la musique que Wolfgang Voigt a publiée sous le nom de GAS.

skins n slime n’a peut-être pas la ligne conceptuelle de Shelley’s On Zenn-La. pour le relier, mais le style énigmatique de Coates est plus que suffisant pour maintenir son contenu bouillonnant et débordant. Tout au long de l’écoute, il met ainsi l’auditeur au défi de penser le son et la texture d’une manière différente, d’ouvrir des possibilités de ce qui est classique, de ce qui est drone et de ce qui constitue l’élégance. À la fin, vous découvrirez que Skins n Slime est un titre parfait pour un disque aussi riche et captivant.

****


Richard Skelton: « These Charms May Be Sung Over a Wound »

5 décembre 2020

Il est difficile de résumer la production de Richard Skelton, qui est si importante, mais il pourrait être utile de le considérer comme un compositeur qui s’est souvent préoccupé des instruments à cordes, qu’ils soient à archet ou à frettes. Ici, cependant, il a quelque peu changé de cap et la majeure partie de cette nouvelle œuvre est construite autour d’ondes sinusoïdales et carrées. Et il a la sensation distincte du numérique. C’est intéressant compte tenu de son intérêt pour le monde naturel, la décroissance et la géologie (dans ce cas, nous sommes aux frontières de l’Écosse). Et apparemment, le titre de l’album et les titres des morceaux sont des traductions de l’anglo-saxon « Leechdoms », ce qui fait que les morceaux ici sont littéralement des charmes pour soigner les maladies ou les blessures.

Ce qu’on trouve immédiatement captivant ici, c’est le thème permanent de la dégradation. Les morceaux se jouent à travers le développement d’accords étendus qui glissent rapidement de la pureté cristalline à un bruit large, sombre, déformé, presque industriel, qui flirte gracieusement avec l’atonalité et la dissonance. Cela dit, il y a ici une sensibilité harmonique riche et définie, et le fond d’accord changeant commence souvent à former un contour mélodique opaque.

L’harmonique est soigneusement équilibrée avec le timbre et les couches de statique, de distorsion et d’harmoniques qui présentent à l’auditeur le beau paradoxe de l’abondance au sein d’un espace apparemment vide. Ces pièces ressemblent à des paysages à part entière. Écoutez « Against All Tendernesses Of The Eyes » pour voir ce que cela peut signifier. C’est monolithique dans sa stature, c’est un peu comme entendre le chant interne d’un bouchon volcanique.

Qui aime les drones apprécierie la façon qu’a Skelton de les utiliser. La vraie magie des drones est, en effet la quantité d’informations sonores qui les entourent. Une note bien placée peut complètement modifier les hiérarchies d’accords, changer de tonalité ou nous faire passer de la lumière à l’obscurité sans qu’il soit nécessaire de recourir à d’autres instruments. Sans mètre. Sans aucun changement de volume ou de vitesse. Pour composer de cette façon, il faut non seulement de l’habileté, mais aussi du goût. Cet album est rempli d’intervalles placés avec goût et de changements non pressés qui se déplacent à l’oreille, glaciaux et audacieux. Mais tout n’est pas comme ça.  « For the Application of Fire » est, à cet égard, un exercice de peur tendue et viscéraale qu’on porra adorer. C’est un peu comme une partition de John Carpenter avec tout le kitsch enlevé et remplacé par une violence plus naturelle. Lorsqu’on l’entend à plein volume, c’est tout sauf accablant. Le morceau suivant, « For an Inward Wound », ne fera rien, d’ailleurs, pour atténuer la tension.

Cet albumest présenté comme une « sombre obscurité », maiil n’en est rien. Il est trop lumineux, anguleux et strident pour qu ‘on puisse le considérer comme sombre. Bien sûr, il y a peut-être de la brume qui passe sur le paysage, mais c’est un paysage d’une physicalité robuste. Il y a des bords nets et des choses qui devraient peut-être rester invisibles (ou non entendues) sont présentes sans aucune excuse. Les auditeurs qui sont moins enthousiastes à l’égard des incursions occasionnelles de Skelton dans le classicisme reconnaissable se réjouiront de ce disque, j’en suis sûr. Une collection de sons tendue, parfois difficile, mais captivante, et, à ce propos on sera tenu à considérer ce disque comme une sorte de nécromancie de la terre, une nécromancie avec laquelle il sera de bon ton de passer de longs moments.

***1/2


Iker Ormazabal: « The Oscillation »

3 décembre 2020

Iker Ormazabal est un musicien basé au Royaume-Uni et il offre, sur The Oscillation, un opus constitué de drones établis en mutiples couches. La répétition est ici un élément clé de son style, avec des motifs récurrents qui peuvent avoir été mis en boucle ou en séquence. Les textures de ces ondes sont lisses avec une certaine rugosité sur les bords. Habituellement, deux ou trois voix distinctes sont présentes et, à l’occasion, l’une d’entre elles peut jouer un rôle ressemblant à celui d’une mélodie. L’impression générale n’est pas désagréable, bien que la certitude l’interdise.

A près de 90 minutes, The Oscillation peut être une écoute active, mais elle peut aussi servir d’ambiance – elle contient une psychédélie hypnogène qui vous berce dans un état d’anxiété tranquille. Il y a un rappel constant que les rêves peuvent facilement se transformer en cauchemars, mais l’album ne va jamais aussi loin et vous laisse plutôt dans un état indéterminé. Ormazabal affirme que ses influences incluent les pionniers du GRM ainsi que Pauline Oliveros. On peut les entendre tous les deux dans The Oscillation, surtout cette dernière.

***1/2


Geneva Skeen: « Double Bind »

29 novembre 2020

Double Bind est la sortie la plus importante de cette artistes de Los Angeles après une suite enchantée de drones techno pulsés et d’expériences ambiantes entremêlées d’une glossolalie vocale, spectrale puisque narrée en langue étrangère, et un opus nomme Dream State en 2019.

Rassemblant ses réflexions de l’année dernière dans un deuxième album insaisissable mais fortement évocateur, à proprement parler, l‘artiste interdisciplinaire s’inspire d’une période sombre mais transformatrice où le monde a radicalement changé pour fournir ce qu’elle appelle « une expression verbale supplémentaire de mon expérience intérieure ». Le résultat se traduit ici en fournissant un espace éthéré mais suffisamment sympathique et rassurant pour que les esprits puissent errer et, peut-être, se perdre avec volupté pendant un certain temps.

Les sept compositions se déploient avec une certaine sorte de climat angeleno façon Lynch;un L.A. noir qui conjugue ambiance moite, trône techno où le drone systolique de« Mirror Glimpse » nous attire dans des ruelles de rêve éveillées entre l’ambiance de béton texturé et les voix sans tête de « Leveled Ground Bottomless Pit ». Ces drones réverbérants nous rappeleront les œuvres oniriques de Delia Derbyshire et des démonstrations de minimalisme plus puissantes physiquement qui évoquent Eleh via Marina Rosenfeld dans la pièce maîtresse de 11 minutes « Urstomtal », en passant par des panoramas post-apocalyptiques appropriés que sont « There Is A Universe Where Time Flows Backwards » comme pour nous faire éprouver ce que nous aurionspu ressentir lors des feux de forêt infernaux de Californie.

On pourra ainsi se laisser happer par ces flux et reflux qui frappent à la porte de ce mond de demain, inconnu mais mouvant vêtu qu’il est de mantras synthétiques dont la beauté venimeuse est ouverte sur l’espace et l’inini.

***1/2


Christopher Bissonnette: « Wayfinding »

26 septembre 2020

Le musicien électronique canadien Christopher Bissonnette a fait évoluer ses sonorités avec Wayfinding. Sur son sixième album studio, Bissonnette remplace ses sons de synthétiseur par des sources électroniques et acoustiques. Des enregistrements de terrain sont insérés et entrelacés avec les drones vaporeux de Wayfinding pour produire une atmosphère fraîche et brumeuse. Mélodiquement introspectif et harmoniquement translucide, Wayfinding zoome sur le minutieux et le minuscule, étudiant le paysage domestique de la maison et « transformant la banalité et l’insignifiance de l’intérieur familial en vastes panoramas et en panoramas bucoliques », où le banal est transformé et vu d’un œil nouveau, l’ancien et le familier devenant une source de lumière nouvelle.

Les drones de Wayfinding sont capables de remplir l’atmosphère d’appréciation et d’émerveillement. Les mélodies parsèment la musique comme des gouttes de pluie, se sentant comme un morceau de la Biosphère lorsqu’elles tombent à travers l’atmosphère lo-fi, enjolivant légèrement l’air lorsqu’elles tombent d’en haut. L’ensemble du disque tourne autour de l’atmosphère, faisant de Wayfinding un disque élémentaire, dont le cœur est accordé aux fréquences des modèles météorologiques et des drones oscillants. Les mélodies sont capables de briller avec une férocité surprenante, scintillant avec force tout en étant assez douces pour réchauffer la peau. En s’insinuant lentement dans son environnement et en l’influençant, la musique de Bissonnette peint la réalité avec sa série de minces drones

Les sons changent et évoluent constamment, un peu comme la production de Bissonnette au fil des ans, et bien que les bourdons se déplacent à un rythme langoureux, les mélodies qui les entourent sont toujours en mouvement, passant d’un point de lumière à un autre ; lorsque l’un d’eux s’allume, son prédécesseur fait un clin d’œil pour disparaître. Les températures varient également, car une touche de givre s’attarde sur deux de ses huit paysages sonores, élevant la musique et la transformant en un flux d’air plus frais, tandis qu’à d’autres moments, un bourdon rayonnant suinte positivement de chaleur et de lumière, comme s’il captait un courant plus chaud. Bien que la musique dérive, elle n’est pas complètement dépourvue de direction, et Bissonnette dirige la musique dans l’air, en descendant plus bas au niveau du sol avec le chant des oiseaux et d’autres sons de terre, mais sans jamais toucher le sol complètement. Wayfinding est plutôt un disque qui plane constamment au-dessus de son pays tranquille.

***1/2


Lawrence English: « Lassitude »

19 juin 2020

Depuis ses prédécesseurs archétypaux, la musique cataloguée comme « drone » est par définition une question de vibrations et de fascination pour le minimalisme extrême. Tonalités soutenues, stase harmonique et variations lentes presque imperceptibles composent la grammaire des pièces qui exigent une plongée immersive et absolue dans le son lui-même. Pour comprendre de quoi nous parlons, des artistes comme le compositeur américain Phill Niblock ou la pionnière française des synthétiseurs modulaires Éliane Radigue constituent un formidable point de départ : leurs œuvres d’avant-garde de la seconde moitié du XXe siècle ont tracé un chemin et restent encore un point de départ pour au moins deux nouvelles générations d’artistes.

Parmi les nouveaux venus des temps modernes, Lawrence English est sans aucun doute l’un des artistes les plus talentueux et les plus prolifiques depuis près de deux décennies maintenant. Trois ans après son dernier LP (Cruel Optimist, un drone immersif riche en saturation et en expressivité) et les collaborations bien accueillies de 2018 avec William Basinski (Selva Oscura) et Alessandro Cortini (Immediate Horizon), il déplace avec son nouveau travail Lassitude sa recherche vers la simplicité et l’essentialité, rendant hommage aux deux encodeurs du genre.

L’élément clé de la production de ce nouveau disque est un vieil orgue à tuyaux, conservé dans l’ancien musée du Queensland de sa ville natale, Brisbane, Australie, actuellement un espace d’exposition et de performance. Même si ce n’est pas la première fois que l’Anglais utilise un orgue dans ses pièces, c’est la première fois qu’il met un accent aussi absolu sur cet instrument : il n’y a pas de montage ou de production électronique, ni d’enregistrements sur le terrain ou d’autres instruments, juste le son sans fioritures de l’air à travers les tuyaux. Les interventions de l’anglais sont minimales. Il ne tient qu’une seule note et déplace doucement les jeux d’orgue pour créer de lents changements de tonalité. Le résultat est accablant et primordial.

Même s’il peut ressembler à un voyage sans faille, Lassitude est formellement divisé en deux compositions, chacune d’une vingtaine de minutes. La première, « Saccade », rend hommage à Radigue, que l’Anglais connaît et admire personnellement, et à ses visions minimalistes de bourdon. L’orgue est un substitut étonnant aux synthés modulaires, et le morceau se déroule lentement et paisiblement. La suivante, « Lassitude »,est plus spectrale et statique, extrêmement axée sur les timbres et les vibrations physiques, tout comme la musique de Niblock, qui a inspiré le morceau. Enfin, arrivant à une essentialité extrême dans la production et la composition, cet album offre une chance de surprise et émerveille l’auditeur par les nuances infinies qu’un son peut véhiculer.

***1/2