Aphir: « Republic of Paradise »

2 octobre 2020

Republic of Paradise s’annonce avec une version de la chanson titre intitulée « voice memo ». Pourtant, le fait que cela ne ressemble pas à l’enregistrement vague et de mauvaise qualité auquel on s’attend et qu’il ressemble davantage à une mélodie vocale bien étoffée met instantanément en évidence la créativité pure et simple d’Aphir. Le disque qui suit cette brève introduction est une excellente incursion expérimentale et abrasive dans le domaine de la dream-pop. Becki Whitton, le cerveau australien d’Aphir, met parfaitement en valeur ses talents sur la « vraie » chanson titre : des motifs vocaux hypnotisants introduisent The Republic of Paradise d’une manière typiquement onirique, tandis que la deuxième partie voit la chanson se déformer en quelque chose de beaucoup plus attachant, employant des éléments de trip hop pour l’élever à de nouveaux sommets.

En dépit des nombreux artistes présents, il est clair que Whitton contrôle toujours parfaitement la portée de l’album. Ce n’est pas seulement indiqué par les notes de la pochette de précisant que toutes les paroles et tous les morceaux sont mixés et masterisés par Becki Whitton, Republic of Paradise s’épanouit grâce à sa nature très concentrée. De plus, ces caractéristiques permettent souvent d’ajouter beaucoup de choses aux chansons tout en restant relativement inaperçues et en maintenant le disque sur sa lancée. La voix de Sandy Hsu sur l’hypnotisant « Give You One » complète à merveille les rythmes de batterie industriels et déformés, jouant de l’instrumentation de la même manière que Whitton, tout en ajoutant son propre style. De même, les contributions de Sia Ahmed orchestrent une atmosphère unique et sinistre sur « The Harpies ». Bien que la chanson puisse sembler ennuyeuse ou un peu trop ennuyante, l’hyper conscience de soi d’Aphir maintient la chanson à une longueur minimale, ce qui permet au morceau de fonctionner comme un interlude amusant et excentrique plutôt que comme un morceau dominateur.

Ailleurs, « I Might Be the Angel of Death » est l’un des morceaux les plus intrigants de l’album, combinant le chant répétitif et captivant d’Aphir avec des quiproquos électroniques étranges et une batterie abrasive de bon goût qui apparaît tout au long du disque. En 31 minutes, Republic of Paradise sait exactement ce qu’il veut et doit être, et y parvient pleinement. Ne laissant aucune place au remplissage, la créativité débridée d’Aphir s’exprime pleinement, ce qui donne un album aussi captivant qu’agréable à écouter. « No Accident » enveloppe soigneusement l’emballage, assurant la crédibilité du disque en transformant des synthés délicieusement atmosphériques et des voix célestes en un final passionnant et abrasif, tirant ses derniers moments dans ce qui ne peut être décrit que comme un cauchemar dans la pop de rêve.

***1/2


Beach House: « Depression Cherry »

2 septembre 2020

Il est possible que quelque chose d’exceptionnellement dévastateur se cache dans les minces crêtes d’un disque – surtout s’il est si étroitement lié aux moments d’une relation personnelle. 

Lorsque on entend pour la première fois cet album on se sent immédiatement absorbé dès que l‘intro de « Levitation » résonne aux oreilles. Quand la voix forte de Victoria Legrand est arrivée, même à travers mes petits haut-parleurs, on se retrouve soudainement dans un autre endroit, enveloppé.

Depression Cherry n’est pas de ces plus luxuriant et velouté mais, d‘une certaine manière, cependant, il semble que chaque fois que l’on joue l’album, il s’améliore ; il est rempli du genre de chansons qui vieillissent avec vous – transportant les souvenirs d’hier dans le futur avec une certitude encerclante.

« Space Song, » l’une des chansons les plus complexes et les plus artistiques de l’album, est d’une compréhension qui donne les larmes aux yeux : « Il était tard dans la nuit, tu t’es accrochée / D’une mer vide, un éclair de lumière / Il faudra un certain temps pour te faire sourire / Quelque part dans ces yeux, je suis de ton côté ». (It was late at night, you held on tight / From an empty sea, a flash of light / It will take a while to make you smile / Somewhere in these eyes, I’m on your side). C’est une berceuse pour pleurer – la compréhension de la naïveté, de l’éloignement, tout en persévérant néanmoins. Les chansons de Depression Cherry dévoreront votre sentiment d’identité, vous rendant impuissant face à tout sauf aux sombres instrumentaux et au synthétiseur d’écrêtage. C’est un sentiment vers lequel on revient, encore et encore.

C’est aussi un rappel qu’il y aura toujours un moyen de « se remettre en place » Il y aura toujours une maison pour chacun dans ce disque qui tourne et tourne encore.

Il y a une certitude dans la tristesse. Il y a une certitude dans le fait de savoir que vous vous donnez entièrement à un autre et que cela pourrait vous quitter n’importe quand. « Beyond Love » résume ce savoir, l’art de savoir, comme Victoria Legrand le décrit dans la vision : « Cet homme vient à moi / Le cœur brisé a fait cela / On lui a fait croire / Qu’il devrait vivre sans cela » (his man comes to me / Heartbreak did this / He was made to believe / That he should live without it).

Nous choisissons tous de risquer cette blessure, de risquer d’éteindre les lumières, de risquer de découvrir ce qui se passe avec eBeyond Lovee, mais Victoria Legrand explique que tout ce qu’elle sait, c’est ce qu’elle voit. Tout ce que nous pouvons voir, c’est ce qui se trouve devant nous à ce moment-là. La peur de la perte ne peut pas nous arrêter du présent, sinon elle nous empêchera de vivre.

Legrand m’a appris que lorsqu’elle demande « Es-tu prête pour cette vie ? », il n’est pas besoin de dire quoi que ce soit. Il suffit de prendre le monde tel qu’il est, de fermer les yeux et de faire confiance. Comme nous le savons tous, avec une grande certitude : « ça ne durera pas éternellement, ou peut-être que si »  (it won’t last forever, or maybe it will).

***1/2


Gary Olson: « Gary Olson »

5 août 2020

Le nouvel album éponyme de Gary Olson, front-man de The Ladybug Transistor, est un opus de chamber-pop tout aussi élégant que les morceaux de The Clientele et The Left Banke. C’est l’un des véritables joyaux cachés de ce moment, et le genre de sortie qui réaffirme le respect de l’auditeur pour ce genr Gary Olson est, en quelque sorte le mini-metteur enscène d’un petit chef d’peuvre..

Gary Olson laisse ici quelque chose comme un « Giovanna Please » infiltré dans l’éther à l’image de Walker et Michael Brown. « Postcard from Lisbon » sera tout aussi bon et majestueu et si ces morceaux, comme les meilleurs de Gary Olson, ont un ton un peu résigné et fatigué du monde, il y aura d’autres passages qui sont plus enjoués. « A Dream for a Memory » se marie avec les figures de l’indie-pop, tandis que « Afternoon into Evening » est composé de riffs de C86 enroulés autour d’une composition de type Go-Betweens.

On trouvera aussi des titres accrocheurs, tout comme le superbe « Some Advice », une sélection qui suggère des dettes envers Love, Shack et The June Brides. Gary Olson n’a pas un rond mais il maintient une ambiance qui varie juste assez pour qu’un auditeur appréciateur soit enchanté tout au long de cette exécution sans failles.

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Zoe Polanski : «Violent Flowers »

14 juillet 2020

Dans les quelques secondes que prend le traitement d’une image Polaroid, on ne sait jamais vraiment comment la photo va se dérouler – telles sont les variables que la lumière et le mouvement peuvent jouer. L’image qui orne le nouveau disque de Zoe Polanski, Violet Flowers, se trouve dans cet état de flux même – ses tons sourds ne sont pas complètement développés – qui reflète les deux côtés distinctifs de cet album.

La première chose qui frappe dans le morceau d’ouverture et de titre est sa boucle de synthétiseur colorée – qui, associée au chant d’oiseaux voltigeant – donne l’impression d’un mariage parfait lorsque la voix douce de Polanski apparaît. L’auteure israélienne chuchote presque : « Montre-moi le chemin du retour… » (Show me the way back home…) avant que la boucle ne prenne de l’ampleur et ne s’élargisse, offrant juste un aperçu de la vibrante pop électronique hybride qui nous attend.

Comme dans les expérimentations de Coldplay avec le producteur Brian Eno, des percussions maladroites, des guitares qui font trébucher et des boucles vocales de chorale fleurissent sur « Closer », marquant l’apogée mélodique du disque. Le meilleur exemple des collaborations de l’actuel résident de New York avec le concepteur sonore et ami, Aviad Zinemanas, est peut-être le plus proche de la traversée totale de Polanski – mais cela montre que l’auteur n’a pas peur de fusionner les mondes de l’avant-garde et du commerce.

Au fur et à mesure que le disque avance, la chaleur initiale se disperse pour prendre des teintes plus froides : les tambours programmés sont un peu plus durs, les paysages sonores sont un peu plus menaçants, la liberté mélodique est un peu plus présente. « The Willows, » un bon exemple de cela, a une onirisme analogue qui rappelle The Dream My Bones Dream de Eiko Ishibashi, sorti en 2018. Mais Polanski reste à l’aise sous cette apparence également pour un début de voyage qui est tout sauf ce que sa manche lavée sépia peut suggérer au départ.

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White Poppy: « Paradise Gardens »

20 juin 2020

Crystal Dorval fait de la musique sous le nom de White Poppy depuis des années maintenant, et à chaque sortie, elle a graduellement enlevé les couches de réverbération et poli sa production lo-fi granuleuse pour révéler des chansons pop impeccables qui se cachent en dessous depuis le début. Ses vieux disques donnent souvent l’impression d’écouter de la musique diffusée depuis un monde lointain, sa voix tourbillonnant au loin dans des tons éthérés comme si elle était filtrée par d’épais bancs de brouillard. 

Bien que son nouvel album Paradise Gardens offre un léger changement de direction, il dérive toujours entre la brume chaude de ses sorties passées (en particulier sur « Memories » et « Orchid Child ») et la dream-pop immaculée qu’elle embrasse, ce qui lui donne une sorte de sensation de désorientation au début. Mais ce qui est gratifiant, c’est la facilité avec laquelle elle a écrit cette musique qui compte parmi les plus directes qu’elle ait jamais écrites, ce qui montre à quel point sa confiance en elle a grandi en tant qu’auteur-compositeur-interprète. Non seulement son chant a été poussé plus en avant, révélant une voix claire et agréable qui avait été cachée depuis le début, mais son écriture fait appel à des métaphores intelligentes en faveur d’aveux directs qui contrastent délibérément avec la musique, par ailleurs édifiante. 

Sur une fine batterie programmée et une ligne de basse serpentante rappelant l’époque de Power, Corruption & Lies de New Order, « Broken » est un morceau mélancolique de la musique pop des années 80 sur lequel elle chante des lignes relativement sombres comme « Il y a un trou dans mon cœur / Je ne sais pas où sont les morceaux » (There’s a hole in my heart / Don’t know where the pieces are). Sa voix semble à la fois dériver quelque part au loin et chuchoter à l’oreille. L’interaction entre la guitare et les synthés chatoyants rend une chanson par ailleurs déchirante presque édifiante. La dépression s’empare de l’étincelant « Hardly Alive » avec véhémence, ce qu’elle reconnaît et s’excuse avec un franc-parler non surveillé : « Et je ne veux pas être si pessimiste / Mais quand je me sens déprimée / Je ne peux pas m’en empêcher / Je m’excuse d’être désolée / Ce n’est qu’une partie de moi qui reste de la tragédie » (And I don’t mean to be so pessimistic / But when I’m feeling down / I can’t help it / Excuse myself for feeling sorry / It’s just a part of me leftover from tragedy). Tout cela est enveloppé dans des guitares floues guidées par des rythmes réguliers et discrets. 

Le contraste fonctionne particulièrement bien sur l’ondoyante « Orchid Child », qui se sent sur le point d’être emportée à tout moment, ancrée seulement par ses paroles défiantes réaffirmant son indépendance alors que des rafales d’épines de guitares percent l’atmosphère de cocon. Dorval a décrit sa musique comme de la « pop thérapeutique », ce qui est plus vrai dans Paradise Gardens que tout ce qu’elle a fait auparavant. Même avec les paroles troublantes sur la dépression, le chagrin d’amour et le manque de motivation, cela s’avère être une expérience réconfortante. Et en réduisant sa dépendance à la guitare réverbérante et en laissant d’autres éléments entrer en jeu – des samples étranges ici et là (regardez les cris de dauphins sur « Something Sacred ») et une plus grande utilisation des synthés et des claviers pour créer des textures presque inconscientes – cela en fait une expérience ludique et utile. 

Paradise Gardens ressemble à un exercice qui consiste à laisser le passé derrière soi et à embrasser de nouvelles possibilités, ce à quoi elle fait allusion sur « Memories » où elle chante «  Je vais de l’avant / De là où j’étais / Tout ce que j’avais est parti / Le passé s’efface » (I am moving on / From where I used to be / All I had is gone / The past is fading). Le processus de guérison est rarement facile, et il s’accompagne souvent de sacrifices, mais en confrontant et en travaillant sur ses propres traumatismes, Dorval trouve le courage de retrouver un sens de soi et d’envisager ce qui l’attend, mettant progressivement un passé troublé derrière elle.

***1/2


Elizabeth: « the wonderful world of nature »

13 mai 2020

Bienvenue dans le monde de rêve d’Elizabeth. Certains la connaissent peut-être comme la chanteuse principale de Totally Mild. Aujourd’hui, Elizabeth est une artiste solo et elle a sa propre petite façon de décrire son premier album, le monde merveilleux de la nature, « si vous aimez le divorce mais que vous le voulez gay ». Sur son site web, elle est décrite comme « une tragédie glamour, une antihéroïne pop queer tenant un rideau de mélodies scintillantes sur des vérités laides ». Cette déclaration est la meilleure façon de la décrire, elle et le monde merveilleux de la nature (the wonderful world of nature). L’album est plein de mélodies rêveuses et de paroles mélancoliques. Il y a des milliards de chansons sur les peines de cœur, mais Elizabeth y met son grain de sel, ce qui rend les chansons plus personnelles et plus sincères. Même si l’album doit définitivement surmonter la douleur de son divorce, il est indeniablement racontable et il pourrait même faire mal.

« beautiful baby » prépare la mise en scène de l’album et sa mélodie invite à la danse lente, tandis que les paroles suggèrent au public à pleurer un bon coup. C’est un beau mélange d’émotions. « partie » », est une de ces chansons qui peut donner plaisir à être racontées. Elle parle de ce sentiment de perdre l’être cher, d’être en état de choc et d’essayer de surmonter la douleur avec des fêtes qui n’ont aucun sens, cachant un cœur brisé. Elizabeth capture le sentiment d’espoir et de menace de revoir leur ex dans la rue.

« don’t let my love (bring you down) » montre la grande palette vocale de la chanteuse, tout comme « here », les deux titres montrant qu’une relation est parfois différente à l’extérieur qu’à l’intérieur. « death toll » commence sur un rythme lent, semblable à celui du cœur. La capacité d’Elizabeth à être si ouverte émotionnellement dans ses chansons atteint un point culminant sur « want you ». Cependant, une ligne spécifique ressort le plus, « la colère est un bleu et une fois qu’elle est épanouie, elle est lumineuse » (anger is a bruise and once it’s blooming, it’s bright) la chanson est aussi le point focal de l’album sur le plan émotionnel. Le son et la voix d’Elizabeth entourent l’auditeur comme un nuage d’émotions, ce qui rend la chanson si intime et si spéciale que « meander » en devient presque un choc. Plus fort et plus rapide.

« I’ve been thinking » parle de cette situation bizarre et équivoque avec des amis ; ils sont juste un peu plus que des amis, même s’ils ne devraient pas franchir la ligne. La luxure peut, de ce point de vue qui est le sien,être plus puissante qu’autre chose. « Imagining the changes » commence comme une chanson douce, qui n’a besoin que d’un piano et du chant d’Elizabeth. La première ligne est également assez forte, « falling out of love is wondering if you were ever in ». Plus tard dans la chanson, des chants forts à la guitare interrompent le son paisible et mélancolique du piano. C’est tellement surprenant qu’on a presque peur pendant une seconde, mais cela met merveilleusement en valeur les paroles. « burn it all » fait preuve de force énorme, tant au niveau des paroles que du son, même si elle commence plutôt lentement. C’est un autre morceau de l’album qui est très mérite qu’on s’y attarde. La ligne de force est la suivante : « comment aimer quelqu’un qui a grandi/ tu dis que tu as fait de moi quelqu’un de nouveau. » (how to love someone who you outgrew/ you say you made me into someone new).

Le dernier morceau sur the wonderful world of nature, « take me back », est sombre et d’une émotion troublante. Un sentiment profond d’être déchiré et plein de doutes sur soi-même. Le son est obsédant et soutient parfaitement le chant et les paroles. Ce premier album d’Elizabeth montre magnifiquement les émotions déroutantes qui entourent une rupture. Ce monde n’est pas seulement en noir et blanc, et ses chansons ne le sont pas non plus. Parmi le million de chansons sur les ruptures, les compositions d’Elizabeth se distinguent, de la meilleure façon possible. Même les paroles en sont la preuve, cet album a été écrit par un être humain, qui a un large éventail d’émotions. Préparez-vous à un voyage émotionnel profondément intime.

***1/2


NOVA ONE: « lovable »

29 avril 2020

Sur son premier album, NOVA ONE, membre de Roz Raskin, l’interprète solo examine ici la « queernes »s, la féminité et le genre à travers un prisme pop magnifiquement inspiré des années 60. Après la sortie de secret princess, un EP six titres, l’artiste originaire de Providence revient, dévoilant une collection de joyaux musicaux qui brillent pratiquement de tous leurs feux, en grande partie grâce à un esprit de sincérité constante et une tendre audace.

Enregistré sur six mois, lovable, est une ode aux processus et aux épreuves de la vie qui nous rendent humains. Avec des instruments délicats souvent enveloppés d’un flou et la luxuriante soprano de Raskin, l’album explore la nécessité d’honorer la lenteur de la guérison. lovable examine l’importance de l’acceptation de soi, et le processus de voir et de comprendre sa sexualité et la présentation de son genre. Pour l’enregistrement, Raskin a été rejoint aux instruments par le batteur Casey Belisle, et les ingénieurs et producteurs Bradford Krieger et Chaimes Parker du Big Nice Studio .

Des sujets aussi importants sont traités avec une grâce absolue, et la présentation par l’interprète d’une pop de rêve donne l’impression qu’on vous a confié des secrets passionnés et sincères. Sur les morceaux « feeling ugly » et « somebody », Raskin explore la queerness et célèbre le désir continu d’aimer et d’accepter son corps. Elle développe ce récit pour des performances live, et est rejoint par une équipe de musiciens qui jouent en travesti en hommage à la force de la féminité affichée par les groupes de filles d’hier et d’aujourd’hui. 

Ailleurs sur l’album, NOVA ONE explore les nombreuses facettes de la romance. « lovable » et « let’s party » jettent un regard d’une beauté dévastatrice sur la nature compliquée de l’amour d’une personne qui lutte contre l’alcoolisme, tandis que « light years » et « down » envisagent l’acte de tomber amoureux de quelqu’un qui finit par vous laisser tomber.

Dans la vie, on a souvent l’impression d’être une personne unique qui vit un combat ou une transition que personne ne peut comprendre. Cependant, l’amour est la plus douce des forces qui célèbre la beauté des douleurs de croissance et l’acte de continuer. Pour les cas où vous vous sentez seul, où vous n’êtes pas sûr de votre propre identité ou que vous souhaitez partager les désirs les plus profonds de votre cœur avec quelqu’un, NOVA ONE vous propose ce disque comme réponse. lovable est une main à tenir dans l’obscurité, un ami sincère qui, pour un instant, bien trop bref, comprend tout à fait ce que vous vivez.

***1/2


Mayflower Madame: « Preparing For A Nightmare »

8 avril 2020

Tout commence assez délicatement, ce second disque prophétique de Mayflower Madame d’Oslo (ils – Trond guitars/vox, Håvard guitar, Ola batterie)- jurent qu’ils ne savaient pas exactement à quel cauchemar ils se préparaient. Il y a un doux grincement de synthé, quelque part entre le sifflement solitaire d’un oiseau de nuit et le chatoiement d’un diapason errant, rien de bien sinistre, mais, assez vite ces sons apparaissent, des sons de guitare, ils grandissent comme s’ils s’approchaient d’un brouillard et ils apportent avec eux d’autres sombres linceuls sonores. Il suffit de s’arrêter, on pourrait jurer que l’air a refroidi. Vous en êtes déjà à une demi-minute et vous pourriez être pardonné de vous demander où vous êtes exactement. Avez-vous été attiré dans une chanson comme vous pensiez l’être ou dans l’ombre d’un asile ou d’un ossuaire ou même d’une combinaison des deux ? Heureusement, comme le temps, la batterie se met en marche et une basse vous calme, tandis qu’une fragile ligne de guitare électrique lysergique reprend la mélodie. Bien que cette fusion ne soit pas vraiment apaisante – elle a, pour être honnête, son propre sens de la menace – elle apporte au moins le confort d’une structure reconnaissable, basée sur des gammes occidentales, par oposition à l’irientalisme, et vous pouvez peut-être vous détendre un peu maintenant, le cauchemar est terminé, mais l’est-il ?

Allez un peu plus loin encore. Le cauchemar vient, d’une certaine manière, de recommencer. Après tout, il s’agit de la chanson titre et, selon la conception et les stéréotype, elle est censée déranger. Très ironique puisque la composition elle-même, une fois qu’elle a pris pied au centre, flotte dans l’éther entre vos oreilles dans un sort de shoegaze presque (presque) rêveur, onirique plutôt qu’inquiétént.

C’est à peu près le modus operandi de Mayflower Madame ; vous séduire par une beauté crépusculaire, puis vous modre les sangs lorsque vous commencez à soupçonner fortement que quelque chose de malencontreux se cache dans la psyché souterraine de la musique. Ce qui, pour l’essentiel, serait bien, sauf qu’elle vous entraîne avec elle, sa force étant inexorable. La façon dont le groupe gère cela n’est pas un mystère en soi – d’une manière similaire mais nettement nordique à Echo & the Bunnymen, il y a une touche de qualité acidulée à leur marque de post-punk, comme si les chansons avaient été au moins occasionnellement filtrées par une machine à vent psychédélique – c’est juste un choix (ou une contrainte) stylistique ; Il s’agit simplement d’un choix stylistique (ou d’une contrainte ; on peut douter qu’il y ait tant de choix) plus difficile à faire qu’il n’y paraît, surtout avec la persuasion que l’on trouve dans « Preparing For A Nightmar »e. Porté par le présage, bordé par la colère et/ou l’anxiété, il y a néanmoins un étrange mais sombrement joyeux courant sous-jacent qui nous est proposé ici, au-delà du fait d’assister à la croissance continue du combo sur son chemin sinueux et unique.

Cette voie, tracée par le célèbre E.P. Premontion datant d’environ un an et demi, nous emmène – au-delà de l’agressivité et de la finesse du premier « single », « Vultures », de la pop mystique de « Swallow » et du brouillard narcotique de « Sacred Core », nous entraîne dans les profondeurs de l’écho de « Gold Mine » – qui suggère le vertigineux paradoxe d’une expansion claustrophobe avant que le disque ne se termine, un peu astucieusement, par un « Endless Shimmer », un plan d’adieu détendu, mais non moins chargé – et d’un joli hochement de tête à sa manière – qui prouve que la peur n’est pas moins palpable lorsqu’elle est lancée au ralenti.

C’est un voyage immersif, qui vous entraîne dans le bourdonnement de la tension de la vie moderne tout en vous envoûtant avec l’évasion implicite de ces grooves de guitare psychique qui, en fait, par les lois de l’ironie tordue, ne font qu’assurer qu’il n’y a pas d’évasion possible. Nous pensons cependant que le premier morceau que vous voudrez revisiter en sortant de cet album, en clignant des yeux au soleil, sera « Ludwig Meidner ».

Martelant l’énergie du Gun Club rencontrant Moodists, ce poème du peintre et graveur expressionniste allemand, créateur des « Paysages apocalyptiques », frissonne de puissance, la section rythmique étant forcément serrée mais presque sauvage avec elle, la voix animée par un but désespéré, notamment lorsqu’il transforme l’expression « danser sur sa tombe » en un acte de vengeance et d’affinité. C’est l’exception sur « Preparing For A Nightmare » qui prouve la règle de Mayflower Madame : ce groupe est l’intensité, quel que soit le tempo. Il n’est pas rare de trouver des artistes utilisant divers niveaux de retenue à des fins puissantes, voire explosives (il suffit de chercher plus loin que Low, par exemple), ce qui est rare, c’est de trouver que cela se fait avec ce somptueux niveau d’artisanat.

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Islet: « Eyelet »

22 mars 2020

Le trio gallois de dream-pop Islet a un son aérien et ludique qui évoque les débuts de Björk ou la indie-pop des années 90 façon Dubstar . Eyelet, leur troisième album, a été enregistré chez eux à une époque de changements personnels importants : Emma Daman Thomas et Mark Daman Thomas ont accueilli leur deuxième enfant dans le monde, et Alex Williams a tragiquement perdu sa mère. Le fait qu’Islet et Eyelet soient homophones est tout à fait approprié – l’album est presque éponyme, ce qui suggère que le groupe le considère comme leur déclaration définitive à ce jour. Il donne également l’impression d’une double prise sur quelque chose de familier : la tranche géologique à travers le paysage sur la couverture fait office d’œil, ou d’oeillet.

Bien que certaines de ces chansons soient propulsées par le genre de rythmes bruts et prêts à l’emploi que l’on s’attendrait à entendre dans un système de sonorisation de festival, les bords de la musique ont tendance à être adoucis par la production centrée sur l’apaisé presque émollient ce qui donne une sensation de rêve et de dérive. Sur le plan vocal, Emma Daman Thomas rappelle peut-être le plus Sonya Madan du groupe britpop Echobelly, dont le timbre doux dissimule une capacité à libérer des sons puissants et soutenus. Mark Daman Thomas interjette aussi occasionnellement des voix, et si son cri de ralliement « Hip hip hip hourra sur « Radel 10 » est efficace, ses phrases sur « Treasure » ont tendance à trainailler. 

Sur le plan thématique, il y a une fascination pour le psychédélique inhérent au monde naturel ; en témoignent des titres tels que « Caterpillar », « Geese », « Clouds » et « Moon ». « Caterpillar » ouvre l’album avec une guitare électrique lo-fi, bientôt subsumée par une magnifique boucle de batterie anti-gravité qui sonne comme une meute de chiens aboyant à travers de denses nuages de réverbération. « Geese » a l’ambiance d’une conversation trippante à 3 heures du matin avec un étranger dans un champ de Glastonbury, sa structure stop-start faisant sonner la chanson plus comme un remix que comme un original, subvertissant les attentes quant à l’endroit où elle pourrait s’aventurer ensuite.

« Cloud », quant à lui, évoque des images en accéléré du temps qui change dans le ciel, des caillots de cumulonimbus qui défilent. « Moon » sera est peut-être le moment le plus beau de l’album, où le chant et le piano électrique parcourent une étendue solitaire avant d’être engloutis par des traînées d’écho décalées et des remplissages de percussions martiales. Plus proche, « Gyratory Circus » présente des courbes de tonalité ondulantes qui donnent des frissons dans la colonne vertébrale. Le seul faux pas sera « Florist », où le chant sauvagement modulé sur les couplets s’avère une regrettable distraction. 

Islet ont créé avec amour leur propre petit monde kaléidoscopique. Il est facile d’y pénétrer et de s’y perdre pendant un moment parmi la faune et la flore colorées. 

***1/2


Mother: « Cold Beat »

13 mars 2020

« Flat Earth » et « Prism », les deux premiers « singles » de Mother, le nouvel opus du groupe post-punk Cold Beat de San Francisco et le quatrième album en tout, ont établi un standard assez élevé. Sans être trop enfumés ni trop groupés, ils dégagent une sorte de pop onirique comparable à celle des Cocteau Twins. Ecrit alors que la batteuse et chanteuse Hannah Lew était enceinte, l’album contemple ce monde dans lequel nous vivons et les idées qui viennent avec l’arrivée d’une nouvelle personne.

« Prism », le deuxième titre de l’album, donne le ton. Il est facile d’imaginer un accompagnement visuel avec des plans d’une voiture qui tourne dans les virages de l’autoroute de Big Sur ainsi que des flashs du guitariste qui gratte sur ses cordes. Il y a aussi un joli son électronique qui se superpose à la voix froide de Lew. Le « single » capture un retour fascinant à la pop-pensée des années 80 et début 90, Eurythmics ou Depeche Mode. L’ambiance rétro est un goût acquis, mais il fonctionne vraiment bien.

De nombreux morceaux comme « Paper » ou « Smoke » ont un effet de paroles étouffées, ce qui n’est pas inhabituel pour ce style de musique. Parfois, cela devient ennuyeux parce que les paroles sont primordiales par rapport à la musique elle-même, mais là encore, l’effet d’echo produit n’est pas déplaisant. Ces deux morceaux s’accordaient bien avec « Pearls » et « Gloves » » qui prouvent que le groupe intègre des aspects de la techno. L’application d’une interprétation « technologisée » du processus de fabrication de la musique (car l’industrie est parfois comparée à une usine plutôt qu’au fonctionnement organique plus lent de vrais artistes humains) est rendue créative et poignante par les bruits électroniques plus lourds. Elle offre un contraste solide et s’éloigne des sons instrumentaux plus aériens en brandissant un bord plus dur.

Le morceau-titre revient à ce que « Prism » a commencé avec son beat plus dur et sa basse. L’ambiance spatiale est de retour, tout comme le manque de clarté des paroles. Et Cold Beat tire le meilleur parti de longueurs de chansons relativement courtes. Ainsi, « Mother » n’est qu’à 2:34 et donne à l’auditeur suffisamment de puissance sans pour autant épuiser son attention Le dernier morceau, « Flat Earth », est une douce berceuse à l’instrumentation câline. La composition est empreinte de tendresse et de réflexion, de petits riffs de sons carillonnants qui ajoutent une texture intéressante au rythme et aux paroles répétitives. Bien que la répétition puisse avoir ses limites, la chanson semble une fois de plus s’achever bien avant d’être exagérée au point qu’on souhaiterait presque que « Flat Earth » continuat.

Mother est un ensemble de chansons captivantes et rejouables avec un malande de tempos et d’arrangements . C’est unalbum plein de surprises sans perdre sa cohésion ; me mélange de pop, de techno et de new age est bien géré et donne ainsi à chaque composition son propre espace.

***1/2