Nightlands: « Moonshine »

15 juillet 2022

Vous est-il déjà arrivé d’écouter un disque d’un bout à l’autre, d’arriver à la fin et de vous dire :  » Attendez, peut-être que je n’écoutais pas assez attentivement, je sais que j’ai raté quelque chose  » et de recommencer ?

Il est probable que vous ayez eu une pensée similaire à un moment donné. Si c’est le cas, alors vous comprendrez le sentiment ressenti à chaque écoute du dernier album de Nightlands, Moonshine.

Dave Hartley, qui prend le nom de Nightlands, n’est pas étranger aux entreprises musicales réussies, mais le fait d’être un musicien et un nouveau père (deux fois) au cours des deux dernières années a apporté un nouveau sens de l’équilibre et un nouveau rythme de vie. Le travail qui en résulte culmine dans une dérive stratosphérique que sont les onze titres de Moonshine, avec un rythme et une viscosité qui s’élèvent et respirent dans un baume relaxant de couplage électronique et analogique.

Si Moonshine existe dans une simplicité intimement poétique, il devient de plus en plus complexe au fur et à mesure que l’on plonge dans chaque chanson. Les amis et collègues musiciens Joseph Shabason, Robbie Bennet, Anthony Lamarca, Eliza Hardy Jones, Charlie Hall et Frank Locrasto, ainsi que le producteur Adam McDaniel, contribuent à cette complexité. N’hésitez pas à faire des recherches sur ces musiciens et la façon dont ils s’accordent en dehors de ce disque si vous le souhaitez, mais on s’en abstiendra car Moonshine est et doit être apprécié comme Nightlands.

Ainsi, chaque morceau, dans l’ambiance feutrée des boîtes à rythmes et des cuivres espacés de Moonshine, devient l’équivalent audio d’un moment où l’on s’allonge sur l’herbe, où l’on regarde les nuages et où l’on dérive mentalement dans un espace chaud et sûr. Les chansons couvrent un éventail de clins d’œil influents dans une exécution nuancée pour culminer dans une expérience sonore vaste jouée sur onze pistes remplies de riches harmonies qui se penchent sur le R&B classique et le jazz tout en maintenant un son totalement présent. Bassiste de métier, Hartley se transforme en visionnaire audible avec des constructions vocales délicatement placées et des tentatives électroniques minimalistes au fur et à mesure que le disque progresse. C’est un disque qui donne l’impression d’avoir été fait pour vous et qui vous parlera de la même manière.

Moonshine est onze chapitres dépeints dans une séquence de rêve absolument stupéfiante. C’est une évasion finement élaborée grâce à la capacité de Nightlands à s’attarder sur un moment, une harmonie ou un accord qui semble durer juste un peu plus longtemps que la réalité de l’exécution. Que ce soit pour retrouver les vibrations séduisantes de Nightlands ou pour explorer l’étendue audible à la recherche de quelque chose que vous avez manqué lors de votre dernière écoute, Moonshine est un disque qui vaut la peine d’être écouté et réécouté.

***1/2

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Keith Fejeran: « Daiduiri »

28 avril 2022

C’est l’endroit où pn aimerait être ; chaque surface y est lisse comme du verre et depuis cette perspective est un carnaval roulant de teintes bleues et de fantaisie, même si une nostalgie codée par le futur dérive à la périphérie. La musique de Keith Fejeran n’est pas de ce monde. Elle occupe un espace onirique où l’on peut voler et flotter dans des mondes souterrains aqueux et caverneux, où les boîtes de nuit en cristal sont aussi courantes que les nuages de barbe à papa rose vif. Tout ce qui se trouve sur Daiquiri a un éclat d’étoile bien usé et la familiarité de son centre émotionnel est aussi enivrante que ses étendues éthérées.

Le morceau d’ouverture « Koto Dream » tire sa brillance dorée des quolibets émotifs des saxophones, des arrangements synthétiques translucides et d’une ligne de basse qui s’enroule autour du cœur comme le plus doux des boas constricteurs. La voix de Fejeran glisse sur les rythmes rebondissants, caressant chaque passage comme du cachemire. Des palettes exotiques s’entrelacent avec des fils fantômes sur « Toucans’ Deep, Tall Cans Beak », formant une lettre d’amour nonchalante aux forêts de néon et aux silhouettes plumeuses. Chaque note s’empile en une pyramide inversée, projetant une ombre auditive sur des synthés vacillants.

Chaque fois que l’on met Daiquiri, c’est comme si on faisait un tour du monde. Chaque chanson a sa propre aura, même si elles s’assemblent comme un puzzle 3D. « Pink Marble » est la zone au pied des gratte-ciel de plusieurs kilomètres où le soleil n’arrive plus. Les guitares colonisent les espaces morts où la vie végétale a pourri il y a longtemps, construisant des statues aux souvenirs perdus, enfouis dans le brouillard et la crasse des lignes de basse brumeuses et du rythme lent de la chanson. Un voyage à travers des jardins pluviaux en lévitation marque les progressions d’accords répétées de « Waverunner Yuki » jusqu’à ce qu’une mélodie détendue s’épanouisse un instant et s’éteigne. Nous nous retrouvons seuls et mélancoliques sur l’énigmatique « Closer to You », Fejeran chantant la sérénade dans les dernières secondes avant le crépuscule, là où la magie opère.

Daiquiri trouve une place de choix sur l’album de Spencer Clark sur Pacific City Sound Visions. Comme Clark, Fejeran évoque les rêves et les souvenirs d’un avenir lointain et imaginé. Les planètes s’alignent pour le départ. Le titre « Thinking of You », qui clôt l’album, envoie le générique en amont, alors que des motifs de piano et des dérives aériennes de flûte pointent vers une galaxie au loin, prête pour un nouveau voyage. Les mains serrées, la voix de Fejeran valse au loin sur des cordes d’argent. Le voyage ne se termine jamais, mais il y a toujours un cœur plein et un verre plein qui nous attendent quelque part. L’univers nous attend.

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Barrie: « Barbara »

10 avril 2022

Barrie Lindsay ne se soucie pas de Star Wars. Elle ne s’intéresse pas non plus aux Doors. Peut-être est-elle trop cool pour ces points de contact évidents avec la culture pop, mais dans « Bully », elle réalise que son manque d’intérêt pour les plaisirs des autres est aliénant. Elle veut être vue, comme elle le demande faiblement : « Allez, regarde-moi, je veux parler, je veux toucher. » ( Come on look at me/I wanna talk, I wanna touch) Elle veut que vous l’aimiez, et pourtant, elle ne s’assume pas : »Je suis Napoléon, je me crée ma propre région », chante-t-elle sur « Harp 2 » (’Im Napoleon, carving out my own region). Sur son deuxième album, Barbara, Lindsay explore librement et obsède les joies et les peines intimes à travers une pop de chambre méticuleusement contrôlée, qu’elle écrit, interprète et produit presque toute seule. Elle espère que vous la regarderez et l’aimerez pour ce qu’elle est.

Lindsay n’est pas dramatique à ce sujet. Barbara n’est pas comme un premier disque de Taylor Swift, où Swift crie dans un mégaphone pour attirer l’attention (sans vouloir manquer de respect à Swift). Lindsay est comme un peintre impressionniste, vous attirant et vous faisant plisser les yeux pour l’apercevoir à travers sa voix plumeuse qui flotte comme un nénuphar de Monet sur un étang de synthétiseurs lumineux et de riffs de guitare indie pop géniaux.

Parfois, Lindsay laisse tomber un certain nombre de ses instruments de fortune dans le mix, ajoutant de la texture à sa personnalité éclectique et à ses chansons. Comme sur « Dig », où le dulcimer et la mandoline joués en trémolo créent un effet de battement de cœur tandis que Lindsay chante « Je ne peux pas me passer de toi / D’où viens-tu ? » (I can’t get enough of you/Where did you come from ?) Ou sur « Bloodline », où une flûte légère respire sur un piano instrumental délicat pour clore l’album.

Malgré l’espace et la douceur aérienne de l’album, Barrie est à son meilleur lorsque ses chansons ont des ancrages pop solides. Alors que « Concrete » dérive ironiquement vers l’immatériel (un peu comme un morceau de Beach House de niveau moyen), des chansons comme « Jersey », qui ouvre l’album, s’accrochent à une vigueur mélodique plus développée, grâce à un riff de guitare digne de Soccer Mommy et à la performance vocale magnifiquement harmonisée de Lindsay. Sur le premier single « Quarry », c’est le rythme dépouillé de la batterie et les synthés doux des années 80 qui font irruption dans le refrain pour délivrer l’accroche. Tout au long de Barbara, Barrie oscille entre l’audace de ces moments musicaux aigus et une sorte de réserve qui la rend difficile à saisir. Mais elle a notre attention.

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Lost Horizons: « In Quiet Moments »

31 mars 2021

Dans une interview accordée au média britannique Loud and Quiet en 2014, l’ex-propriétaire du label Cocteau Twins et Bella Union, Simon Raymonde, se souvient d’un simple voyage à New York pour obtenir un inhalateur pour son asthme, qui a donné lieu à un bilan de santé compliqué concluant qu’il aurait dû, à l’époque, être mort. Lles médecins se sont trompés car pisque, six ans plus tard, l’homme a surmonté une pandémie, enregistré un disque incroyable et signé autant d’artistes qu’il a pu faire entrer dans l’immeuble de bureaux de Bella Union.

Lost Horizons est le fruit de la collaboration entre Simon Raymonde et l’ancien membre de Dif Juz Richie Thomas, une relation qui remonte à l’époque où ils étaient frères d’armes au sein de l’emblématique label londonien 4AD, qui a accueilli Cocteau Twins et Dif Juz dans les années 80 et au début des années 90, dans le cas du premier. Cependant, ce n’est pas comme si le plan avait été mis en route à ce moment-là. En fait, les deux musiciens étaient en hiatus depuis 20 ans lorsqu’ils se sont retrouvés en 2017 pour la conception et la sortie du premier album de Lost Horizons, Ojalá. Avec un nouvel espoir dans la musique, fortement soutenus par le formidable roster de Bella Union, les deux ont commencé à poser les bases d’une suite. Le projet a connu son premier coup dur lorsque la mère de Raymonde est décédée, ce qui a fait de Lost Horizons un catalyseur de son chagrin. Seize titres instrumentaux sont écrits de manière improvisée et envoyés à une vaste sélection de chanteurs et de compositeurs, la plupart appartenant au label de Raymonde, qui feront partie de ce deuxième disque.

Le thème de In Quiet Moments a été fixé par la débâcle qu’a été 2020, l’année de Covid-19. En essayant de discerner les petits feux inébranlables qui alimentaient encore chaque cœur humain dans le monde, Raymonde et Thomas ont réalisé que si quelque chose de bon était sorti de la pandémie, c’était que, en général, tout le monde avait pris du recul et s’était arrêté pour contempler et réfléchir. C’est une partie des paroles écrites par le légendaire chanteur de Portland Ural Thomas, qui joue sur la chanson titre, qui a créé l’ambiance sombre mais contemplative des seize morceaux qui forment le deuxième recueil de chansons de Lost Horizons, et qui lui a également donné le titre nécessaire pour représenter cette idée.

Il faudrait beaucoup de temps et d’espace pour entrer dans le détail de chaque morceau de In Quiet Moments, et les points forts seront très probablement différents selon la personne qui se trouve de l’autre côté des enceintes. C’est pourquoi il faudra aborder brièvement la plupart des chansons incluses, en me concentrant sur celles qui, pour une raison ou une autre, peuvent le plus résonner en nous, tout en énumérant, sans ordre particulier, certains des noms qui ont contribué au deuxième album de Lost Horizons. Comme on peut s’y attendre, compte tenu du cursus de Raymonde et Thomas, la base de tous les morceaux et une bonne partie de l’écriture leur est revenue, Raymonde étant en charge de la basse, des guitares et des claviers et Thomas s’occupant de la batterie et, occasionnellement, des claviers et des parties de guitare supplémentaires. Avec Raymonde crédité comme seul producteur et Matt Colton derrière le mastering, l’album a été enregistré dans les studios Bella Union à l’est de Londres et il a été confié à quinze chanteurs différents et quelques musiciens supplémentaires pour lui donner les touches finales et définitives qui ont abouti à l’une des sorties les plus intéressantes de 2021 jusqu’à présent.

La première moitié deu disque sorti en décembre de l’année dernière, s’ouvre sur « Halcyon », un morceau lent et psychédélique, interprété par KookieLou et Jack Wolter, membres des Penelope Isles de Brighton. Peu après, l’album passe rapidement du psychédélisme au funk lo-fi de The Hempolics et à la remarquable performance vocale de Nubiya Brandon dans « I Woke Up With An Open Heart ». C’est un changement de rythme rapide et risqué, qui semble décousu au début, mais au fur et à mesure que le disque avance, on se rend compte que le lien entre eux est plus fort qu’il n’y paraît. Après deux pistes, certains détails commencent à faire surface : la production, qui laisse beaucoup d’air aux chanteurs pour respirer et briller, et l’instrumentation très subtile mais délicieuse de chaque piste de cet enregistrement. L’une de nos chmpositions préférées, la troisième, « Grey Tower », met en scène l’ex-Midlake Tim Smith qui offre l’une des performances les plus émouvantes de l’album. Elle est immédiatement suivie de « Linger », un morceau dark wave broyant et groovy mené par la voix de la sensationnelle Gemma Dunleavy de Dublin.

La première moitié de l’album comprend également des éléments tels que Dana Margolin du groupe post-punk Porridge Radio au chant et Paul Gregory, de Lanterns on the Lake, à la guitare dans « One For Regret », la chanteuse suédoise Kavi Kwai qui fait revivre l’esprit de Cocteau Twins avec « Every Beat That Passed », et John Grant, des Czars, croonant sur le lynchien « Cordelia » sur un arpège de guitare fantôme et les cordes de Fiona Brice (Gorillaz, Placebo) embrassant le morceau comme un manteau d’ombres.

La seconde moitié de In Quiet Moments, est également de très bon goût, avec le titre précédemment mentionné magnifiquement interprété par Ural Thomas, laissant place aux performances de l’auteur-compositeur écossais C Duncan sur  » »Circle » », de Ren Harvieu, nominé 2012 pour le BBC Sound, sur le cinématique «  Unraveling in Slow Motion » et de Laura Groves (alias Blue Roses) sur l’un des morceaux les plus doux de l’album, « Blue Soul », qui comprend également la guitare de Petur Hallgrimsson, musicien de session de Sigur Ros et Kylie Minogue. Lorsque « lutter » arrive, mené par la voix de Rosie Blair, chanteuse de l’école de ballet de Berlin, l’ambiance s’est profondément installée. La deuxième œuvre de Lost Horizons est fortement marquée par un sentiment mélancolique dont il est impossible de se défaire. Les notes de piano disparaissent dans la réverbération tandis que les cordes les guident aux côtés des belles mélodies de Blair, rappelant les compositions d’Akira Yamaoka pour la série Silent Hill. L’un des noms les plus populaires du label, la diva américaine du dark folk, Marissa Nadler, est présente sur « Marie », qu’elle transforme facilement en un morceau à part entière, Richie Thomas livrant également une performance magistrale à la batterie. L’album s’achève sur deux titres interconnectés, la pop onirique de « Heart of a Hummingbird », menée une fois de plus par la voix de Penelope Isles, KookieLou, suivie par le piano endeuillé qui mène « This is the Weather » » qui accompagne le dernier morceau, la voix toujours incroyable de Karen Peris, membre de The Innocence Mission.

In Quiet Moments rappelle un album qui a marqué une génération d’artistes pendant la seconde moitié des années 80, un projet connu sous le nom de This Mortal Coil introduit par un album intitulé It’ll End In Tears, qui a été inspiré par le directeur de 4AD, Ivo Watts-Russell, et auquel Raymonde a participé en tant que membre de Cocteau Twins, aux côtés de membres des Pixies et de Dead Can Dance pour n’en citer que quelques-uns. Après l’une des pires années de l’histoire moderne, Raymonde et Thomas ont rendu possible une célébration différente mais en même temps très similaire. Une célébration qui se réjouit de Bella Union et de sa magnifique liste d’artistes, et en plus, une célébration de la renaissance, de l’espoir, et un doux rappel que la musique traversera les ténèbres les plus épaisses pour vous retrouver de l’autre côté. Une pensée apaisante, bien nécessaire après les trop nombreux moments de calme de 2020.

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Aphir: « Republic of Paradise »

2 octobre 2020

Republic of Paradise s’annonce avec une version de la chanson titre intitulée « voice memo ». Pourtant, le fait que cela ne ressemble pas à l’enregistrement vague et de mauvaise qualité auquel on s’attend et qu’il ressemble davantage à une mélodie vocale bien étoffée met instantanément en évidence la créativité pure et simple d’Aphir. Le disque qui suit cette brève introduction est une excellente incursion expérimentale et abrasive dans le domaine de la dream-pop. Becki Whitton, le cerveau australien d’Aphir, met parfaitement en valeur ses talents sur la « vraie » chanson titre : des motifs vocaux hypnotisants introduisent The Republic of Paradise d’une manière typiquement onirique, tandis que la deuxième partie voit la chanson se déformer en quelque chose de beaucoup plus attachant, employant des éléments de trip hop pour l’élever à de nouveaux sommets.

En dépit des nombreux artistes présents, il est clair que Whitton contrôle toujours parfaitement la portée de l’album. Ce n’est pas seulement indiqué par les notes de la pochette de précisant que toutes les paroles et tous les morceaux sont mixés et masterisés par Becki Whitton, Republic of Paradise s’épanouit grâce à sa nature très concentrée. De plus, ces caractéristiques permettent souvent d’ajouter beaucoup de choses aux chansons tout en restant relativement inaperçues et en maintenant le disque sur sa lancée. La voix de Sandy Hsu sur l’hypnotisant « Give You One » complète à merveille les rythmes de batterie industriels et déformés, jouant de l’instrumentation de la même manière que Whitton, tout en ajoutant son propre style. De même, les contributions de Sia Ahmed orchestrent une atmosphère unique et sinistre sur « The Harpies ». Bien que la chanson puisse sembler ennuyeuse ou un peu trop ennuyante, l’hyper conscience de soi d’Aphir maintient la chanson à une longueur minimale, ce qui permet au morceau de fonctionner comme un interlude amusant et excentrique plutôt que comme un morceau dominateur.

Ailleurs, « I Might Be the Angel of Death » est l’un des morceaux les plus intrigants de l’album, combinant le chant répétitif et captivant d’Aphir avec des quiproquos électroniques étranges et une batterie abrasive de bon goût qui apparaît tout au long du disque. En 31 minutes, Republic of Paradise sait exactement ce qu’il veut et doit être, et y parvient pleinement. Ne laissant aucune place au remplissage, la créativité débridée d’Aphir s’exprime pleinement, ce qui donne un album aussi captivant qu’agréable à écouter. « No Accident » enveloppe soigneusement l’emballage, assurant la crédibilité du disque en transformant des synthés délicieusement atmosphériques et des voix célestes en un final passionnant et abrasif, tirant ses derniers moments dans ce qui ne peut être décrit que comme un cauchemar dans la pop de rêve.

***1/2

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Beach House: « Depression Cherry »

2 septembre 2020

Il est possible que quelque chose d’exceptionnellement dévastateur se cache dans les minces crêtes d’un disque – surtout s’il est si étroitement lié aux moments d’une relation personnelle. 

Lorsque on entend pour la première fois cet album on se sent immédiatement absorbé dès que l‘intro de « Levitation » résonne aux oreilles. Quand la voix forte de Victoria Legrand est arrivée, même à travers mes petits haut-parleurs, on se retrouve soudainement dans un autre endroit, enveloppé.

Depression Cherry n’est pas de ces plus luxuriant et velouté mais, d‘une certaine manière, cependant, il semble que chaque fois que l’on joue l’album, il s’améliore ; il est rempli du genre de chansons qui vieillissent avec vous – transportant les souvenirs d’hier dans le futur avec une certitude encerclante.

« Space Song, » l’une des chansons les plus complexes et les plus artistiques de l’album, est d’une compréhension qui donne les larmes aux yeux : « Il était tard dans la nuit, tu t’es accrochée / D’une mer vide, un éclair de lumière / Il faudra un certain temps pour te faire sourire / Quelque part dans ces yeux, je suis de ton côté ». (It was late at night, you held on tight / From an empty sea, a flash of light / It will take a while to make you smile / Somewhere in these eyes, I’m on your side). C’est une berceuse pour pleurer – la compréhension de la naïveté, de l’éloignement, tout en persévérant néanmoins. Les chansons de Depression Cherry dévoreront votre sentiment d’identité, vous rendant impuissant face à tout sauf aux sombres instrumentaux et au synthétiseur d’écrêtage. C’est un sentiment vers lequel on revient, encore et encore.

C’est aussi un rappel qu’il y aura toujours un moyen de « se remettre en place » Il y aura toujours une maison pour chacun dans ce disque qui tourne et tourne encore.

Il y a une certitude dans la tristesse. Il y a une certitude dans le fait de savoir que vous vous donnez entièrement à un autre et que cela pourrait vous quitter n’importe quand. « Beyond Love » résume ce savoir, l’art de savoir, comme Victoria Legrand le décrit dans la vision : « Cet homme vient à moi / Le cœur brisé a fait cela / On lui a fait croire / Qu’il devrait vivre sans cela » (his man comes to me / Heartbreak did this / He was made to believe / That he should live without it).

Nous choisissons tous de risquer cette blessure, de risquer d’éteindre les lumières, de risquer de découvrir ce qui se passe avec eBeyond Lovee, mais Victoria Legrand explique que tout ce qu’elle sait, c’est ce qu’elle voit. Tout ce que nous pouvons voir, c’est ce qui se trouve devant nous à ce moment-là. La peur de la perte ne peut pas nous arrêter du présent, sinon elle nous empêchera de vivre.

Legrand m’a appris que lorsqu’elle demande « Es-tu prête pour cette vie ? », il n’est pas besoin de dire quoi que ce soit. Il suffit de prendre le monde tel qu’il est, de fermer les yeux et de faire confiance. Comme nous le savons tous, avec une grande certitude : « ça ne durera pas éternellement, ou peut-être que si »  (it won’t last forever, or maybe it will).

***1/2

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Gary Olson: « Gary Olson »

5 août 2020

Le nouvel album éponyme de Gary Olson, front-man de The Ladybug Transistor, est un opus de chamber-pop tout aussi élégant que les morceaux de The Clientele et The Left Banke. C’est l’un des véritables joyaux cachés de ce moment, et le genre de sortie qui réaffirme le respect de l’auditeur pour ce genr où Gary Olson est, en quelque sorte le mini-metteur enscène d’un petit chef d’peuvre..

Gary Olson laisse ici quelque chose comme un « Giovanna Please » infiltré dans l’éther à l’image de Walker et Michael Brown. « Postcard from Lisbon » sera tout aussi bon et majestueu et si ces morceaux, comme les meilleurs de Gary Olson, ont un ton un peu résigné et fatigué du monde, il y aura d’autres passages qui sont plus enjoués. « A Dream for a Memory » se marie avec les figures de l’indie-pop, tandis que « Afternoon into Evening » est composé de riffs de C86 enroulés autour d’une composition de type Go-Betweens.

On trouvera aussi des titres accrocheurs, tout comme le superbe « Some Advice », une sélection qui suggère des dettes envers Love, Shack et The June Brides. Gary Olson n’a pas un rond mais il maintient une ambiance qui varie juste assez pour qu’un auditeur appréciateur soit enchanté tout au long de cette exécution sans failles.

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Zoe Polanski : «Violent Flowers »

14 juillet 2020

Dans les quelques secondes que prend le traitement d’une image Polaroid, on ne sait jamais vraiment comment la photo va se dérouler – telles sont les variables que la lumière et le mouvement peuvent jouer. L’image qui orne le nouveau disque de Zoe Polanski, Violet Flowers, se trouve dans cet état de flux même – ses tons sourds ne sont pas complètement développés – qui reflète les deux côtés distinctifs de cet album.

La première chose qui frappe dans le morceau d’ouverture et de titre est sa boucle de synthétiseur colorée – qui, associée au chant d’oiseaux voltigeant – donne l’impression d’un mariage parfait lorsque la voix douce de Polanski apparaît. L’auteure israélienne chuchote presque : « Montre-moi le chemin du retour… » (Show me the way back home…) avant que la boucle ne prenne de l’ampleur et ne s’élargisse, offrant juste un aperçu de la vibrante pop électronique hybride qui nous attend.

Comme dans les expérimentations de Coldplay avec le producteur Brian Eno, des percussions maladroites, des guitares qui font trébucher et des boucles vocales de chorale fleurissent sur « Closer », marquant l’apogée mélodique du disque. Le meilleur exemple des collaborations de l’actuel résident de New York avec le concepteur sonore et ami, Aviad Zinemanas, est peut-être le plus proche de la traversée totale de Polanski – mais cela montre que l’auteur n’a pas peur de fusionner les mondes de l’avant-garde et du commerce.

Au fur et à mesure que le disque avance, la chaleur initiale se disperse pour prendre des teintes plus froides : les tambours programmés sont un peu plus durs, les paysages sonores sont un peu plus menaçants, la liberté mélodique est un peu plus présente. « The Willows, » un bon exemple de cela, a une onirisme analogue qui rappelle The Dream My Bones Dream de Eiko Ishibashi, sorti en 2018. Mais Polanski reste à l’aise sous cette apparence également pour un début de voyage qui est tout sauf ce que sa manche lavée sépia peut suggérer au départ.

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White Poppy: « Paradise Gardens »

20 juin 2020

Crystal Dorval fait de la musique sous le nom de White Poppy depuis des années maintenant, et à chaque sortie, elle a graduellement enlevé les couches de réverbération et poli sa production lo-fi granuleuse pour révéler des chansons pop impeccables qui se cachent en dessous depuis le début. Ses vieux disques donnent souvent l’impression d’écouter de la musique diffusée depuis un monde lointain, sa voix tourbillonnant au loin dans des tons éthérés comme si elle était filtrée par d’épais bancs de brouillard. 

Bien que son nouvel album Paradise Gardens offre un léger changement de direction, il dérive toujours entre la brume chaude de ses sorties passées (en particulier sur « Memories » et « Orchid Child ») et la dream-pop immaculée qu’elle embrasse, ce qui lui donne une sorte de sensation de désorientation au début. Mais ce qui est gratifiant, c’est la facilité avec laquelle elle a écrit cette musique qui compte parmi les plus directes qu’elle ait jamais écrites, ce qui montre à quel point sa confiance en elle a grandi en tant qu’auteur-compositeur-interprète. Non seulement son chant a été poussé plus en avant, révélant une voix claire et agréable qui avait été cachée depuis le début, mais son écriture fait appel à des métaphores intelligentes en faveur d’aveux directs qui contrastent délibérément avec la musique, par ailleurs édifiante. 

Sur une fine batterie programmée et une ligne de basse serpentante rappelant l’époque de Power, Corruption & Lies de New Order, « Broken » est un morceau mélancolique de la musique pop des années 80 sur lequel elle chante des lignes relativement sombres comme « Il y a un trou dans mon cœur / Je ne sais pas où sont les morceaux » (There’s a hole in my heart / Don’t know where the pieces are). Sa voix semble à la fois dériver quelque part au loin et chuchoter à l’oreille. L’interaction entre la guitare et les synthés chatoyants rend une chanson par ailleurs déchirante presque édifiante. La dépression s’empare de l’étincelant « Hardly Alive » avec véhémence, ce qu’elle reconnaît et s’excuse avec un franc-parler non surveillé : « Et je ne veux pas être si pessimiste / Mais quand je me sens déprimée / Je ne peux pas m’en empêcher / Je m’excuse d’être désolée / Ce n’est qu’une partie de moi qui reste de la tragédie » (And I don’t mean to be so pessimistic / But when I’m feeling down / I can’t help it / Excuse myself for feeling sorry / It’s just a part of me leftover from tragedy). Tout cela est enveloppé dans des guitares floues guidées par des rythmes réguliers et discrets. 

Le contraste fonctionne particulièrement bien sur l’ondoyante « Orchid Child », qui se sent sur le point d’être emportée à tout moment, ancrée seulement par ses paroles défiantes réaffirmant son indépendance alors que des rafales d’épines de guitares percent l’atmosphère de cocon. Dorval a décrit sa musique comme de la « pop thérapeutique », ce qui est plus vrai dans Paradise Gardens que tout ce qu’elle a fait auparavant. Même avec les paroles troublantes sur la dépression, le chagrin d’amour et le manque de motivation, cela s’avère être une expérience réconfortante. Et en réduisant sa dépendance à la guitare réverbérante et en laissant d’autres éléments entrer en jeu – des samples étranges ici et là (regardez les cris de dauphins sur « Something Sacred ») et une plus grande utilisation des synthés et des claviers pour créer des textures presque inconscientes – cela en fait une expérience ludique et utile. 

Paradise Gardens ressemble à un exercice qui consiste à laisser le passé derrière soi et à embrasser de nouvelles possibilités, ce à quoi elle fait allusion sur « Memories » où elle chante «  Je vais de l’avant / De là où j’étais / Tout ce que j’avais est parti / Le passé s’efface » (I am moving on / From where I used to be / All I had is gone / The past is fading). Le processus de guérison est rarement facile, et il s’accompagne souvent de sacrifices, mais en confrontant et en travaillant sur ses propres traumatismes, Dorval trouve le courage de retrouver un sens de soi et d’envisager ce qui l’attend, mettant progressivement un passé troublé derrière elle.

***1/2

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Elizabeth: « the wonderful world of nature »

13 mai 2020

Bienvenue dans le monde de rêve d’Elizabeth. Certains la connaissent peut-être comme la chanteuse principale de Totally Mild. Aujourd’hui, Elizabeth est une artiste solo et elle a sa propre petite façon de décrire son premier album, le monde merveilleux de la nature, « si vous aimez le divorce mais que vous le voulez gay ». Sur son site web, elle est décrite comme « une tragédie glamour, une antihéroïne pop queer tenant un rideau de mélodies scintillantes sur des vérités laides ». Cette déclaration est la meilleure façon de la décrire, elle et le monde merveilleux de la nature (the wonderful world of nature). L’album est plein de mélodies rêveuses et de paroles mélancoliques. Il y a des milliards de chansons sur les peines de cœur, mais Elizabeth y met son grain de sel, ce qui rend les chansons plus personnelles et plus sincères. Même si l’album doit définitivement surmonter la douleur de son divorce, il est indeniablement racontable et il pourrait même faire mal.

« beautiful baby » prépare la mise en scène de l’album et sa mélodie invite à la danse lente, tandis que les paroles suggèrent au public à pleurer un bon coup. C’est un beau mélange d’émotions. « partie » », est une de ces chansons qui peut donner plaisir à être racontées. Elle parle de ce sentiment de perdre l’être cher, d’être en état de choc et d’essayer de surmonter la douleur avec des fêtes qui n’ont aucun sens, cachant un cœur brisé. Elizabeth capture le sentiment d’espoir et de menace de revoir leur ex dans la rue.

« don’t let my love (bring you down) » montre la grande palette vocale de la chanteuse, tout comme « here », les deux titres montrant qu’une relation est parfois différente à l’extérieur qu’à l’intérieur. « death toll » commence sur un rythme lent, semblable à celui du cœur. La capacité d’Elizabeth à être si ouverte émotionnellement dans ses chansons atteint un point culminant sur « want you ». Cependant, une ligne spécifique ressort le plus, « la colère est un bleu et une fois qu’elle est épanouie, elle est lumineuse » (anger is a bruise and once it’s blooming, it’s bright) la chanson est aussi le point focal de l’album sur le plan émotionnel. Le son et la voix d’Elizabeth entourent l’auditeur comme un nuage d’émotions, ce qui rend la chanson si intime et si spéciale que « meander » en devient presque un choc. Plus fort et plus rapide.

« I’ve been thinking » parle de cette situation bizarre et équivoque avec des amis ; ils sont juste un peu plus que des amis, même s’ils ne devraient pas franchir la ligne. La luxure peut, de ce point de vue qui est le sien,être plus puissante qu’autre chose. « Imagining the changes » commence comme une chanson douce, qui n’a besoin que d’un piano et du chant d’Elizabeth. La première ligne est également assez forte, « falling out of love is wondering if you were ever in ». Plus tard dans la chanson, des chants forts à la guitare interrompent le son paisible et mélancolique du piano. C’est tellement surprenant qu’on a presque peur pendant une seconde, mais cela met merveilleusement en valeur les paroles. « burn it all » fait preuve de force énorme, tant au niveau des paroles que du son, même si elle commence plutôt lentement. C’est un autre morceau de l’album qui est très mérite qu’on s’y attarde. La ligne de force est la suivante : « comment aimer quelqu’un qui a grandi/ tu dis que tu as fait de moi quelqu’un de nouveau. » (how to love someone who you outgrew/ you say you made me into someone new).

Le dernier morceau sur the wonderful world of nature, « take me back », est sombre et d’une émotion troublante. Un sentiment profond d’être déchiré et plein de doutes sur soi-même. Le son est obsédant et soutient parfaitement le chant et les paroles. Ce premier album d’Elizabeth montre magnifiquement les émotions déroutantes qui entourent une rupture. Ce monde n’est pas seulement en noir et blanc, et ses chansons ne le sont pas non plus. Parmi le million de chansons sur les ruptures, les compositions d’Elizabeth se distinguent, de la meilleure façon possible. Même les paroles en sont la preuve, cet album a été écrit par un être humain, qui a un large éventail d’émotions. Préparez-vous à un voyage émotionnel profondément intime.

***1/2

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Publié par rockdecibels

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