Flock Of Dimes: « Head of Roses »

2 mai 2021

Jusqu’à présent, une grande partie de la carrière de Jenn Wasner a été définie par la collaboration : plus connue comme la moitié du duo de rock indé Wye Oak, l’artiste née à Baltimore et basée à Durham a également formé le projet plus pop Dungeonesse avec le musicien Jon Ehrens, et ces dernières années, elle a été membre de tournée de groupes comme Bon Iver et Sylvan Esso. En 2016, elle a publié son premier album solo sous le nom de Flock of Dimes, If You See Me, Say Yes, enregistré en grande partie seule avec l’intention de se concentrer sur sa propre vision artistique. Mais en plein milieu d’une pandémie, et encore en train de traiter la dissolution d’une relation, cette sorte d’isolement créatif ne semblait plus être une perspective séduisante. Son deuxième album – après un EP surprise l’année dernière, Like So Much Desire, sa première sortie chez Sub Pop – a été coproduit par Nick Sanborn, de Sylvan Esso, et enregistré en quarantaine avec une poignée de collaborateurs, dont Meg Duffy, de Hand Habits, à la guitare et Matt McCaughan, de Bon Iver, à la batterie.

Malgré et peut-être à cause de ce changement, Head of Roses représente une étape naturelle dans l’évolution artistique de Wasner. Flock of Dimes a été conçu à l’origine comme un pendant plus direct à la présentation souvent cryptique de Wye Oak, et le fait de voir Wasner continuer à s’ouvrir en tant qu’auteur-compositeur sur son deuxième album en fait une réalisation encore plus directe et honnête, centrée sur le sentiment plutôt que sur le concept ou la narration. Et, plus important encore, il s’agit toujours d’un disque profondément personnel, qui met en évidence ses forces en tant que parolière et musicienne capable d’explorer confortablement de nouveaux territoires sans les utiliser pour se protéger de la vulnérabilité. Les textures synthétiques de Sanborn offrent de riches couches dans lesquelles elle et l’auditeur peuvent nager, mais la production extrait un tout autre type de magie de la voix émotive de Wasner, de loin la présence la plus puissante et la plus attachante de l’album.

Il est donc normal que ce soit la première chose que l’on entende : « Comment puis-je m’expliquer ? « » (How can I explain myself ?) chanté sur le morceau d’ouverture « 2 Heads » nous fasse ouïr une voix est presque méconnaissable alors qu’elle est projetée à travers une foule d’effets et de fioritures électroniques, fracturée et repliée sur elle-même pour évoquer les questions d’identité qui résultent d’un chagrin d’amour et d’un deuil profond et irréconciliable. Tout au long de l’album, elle se confronte à des parties d’elle-même qui lui semblent étrangères ou inaccessibles, se perdant dans des fantaisies lointaines (comme sur le tendre et douloureusement sérieux « Hard Way » ou le glaçant « One More Hour ») mais trouvant des poches de vérité dans le processus.

Ces prises de conscience sont souvent porteuses d’une charge électrique, et elle canalise cette colère à travers un solo de guitare brutal et ardent sur « Price of Blue », où elle se retrouve « seule derrière l’œil de ton regard électrique/ Les reflets de ton miroir, je suis devenue » (lone behind the eye of your electric stare/ Reflections in your mirror I’ve become). Sur l’éthéré « Lightning », la dernière chanson que Wasner a écrite pour le disque, elle reprend la même idée, mais elle le fait depuis un lieu de réflexion et de maturité, sa voix claire au milieu d’une guitare dépouillée et rêveuse : « Quand tu m’as habillée d’une autre peau/ J’ai oublié qui j’étais », admet-elle, avant de conclure avec la plus grande révélation de l’album : « Je veux la foudre/ Mais je ne peux pas l’avoir comme ça. » (When you dressed me in a different skin/ I forgot who I am) avant de terminer sur la prévélation essentielle de l’album : « Je veux la foudre/ Mais je ne peux pas l’avoir comme ça » (I want the lightning/ But I can’t have it like that ).

Bien qu’il s’agisse d’un album de rupture, ce qui fait résonner Head of Roses est le fait qu’il s’agit d’un opus abordant le thème du besoin de connexion humaine – et sur la façon dont nous essayons de nous accrocher à ces étincelles d’intimité sans perdre notre individualité. Même sur la bouillonnante « Two », la chanson pop la plus proche de l’album, elle ne peut fermer les yeux sur les questions qui envahissent son esprit : « Est-ce que je peux être un ? / Est-ce que nous pouvons être deux ? / Est-ce que je peux être pour moi-même ? / Est-ce que je suis toujours avec toi ? » (Can I be one?/ Can we be two?/ Can I be for myself?/ Still be still with you?) Wasner n’offre pas de réponses directes, et à la fin de l’album, on la retrouve plus ou moins au même endroit qu’au début : toujours dans le désir, toujours dans l’effort pour s’en sortir. Mais la progression musicale vers un indie folk plus doux et mélancolique reflète les changements subtils qui surviennent avec le passage du temps – il y a une lourdeur qui vient avec la prise de conscience des espaces infinis que votre corps peut occuper, de laisser tout cela gonfler dans votre poitrine, et, en cela, cela constitue aussi une liberté.

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London Grammar: « Californian Soil »

25 avril 2021

London Grammar a toujours proposé un contenu musical incroyablement anguleux et apaisant, avec une position émotive et un blues opératique, mais cette fois-ci, avec leur album le plus attendu à ce jour, ils nous offrent un sentiment plus élevé de certitude et de force.

Beau, audacieux et courageux par essence, London Grammar sort ici son troisième album studio, Californian Soil , quatre ans après leurprécédent, Truth is a Beautiful Thing, en 2017.  On dit que la chanteuse Hannah Reid, leader du groupe art rock/art pop, se trouvait dans un endroit sombre et solitaire lorsqu’elle a travaillé sur leur précédent album en 2017, mais les bas qu’elle a endurés ont également été comblés par des hauts euphoriques avec Californian Soil – une création qui reflète son profond besoin d’introspection. Californian Soil reflète une période de passage à l’âge adulte pour London Grammar, avec une profondeur structurelle qui rayonne leur signature de blues oppératique, mais aussi avec un sens du groove et de la confiance dans des morceaux plus parlés comme « Missing », qui a été jugé extrêmement personnel, et quelque peu différent de beaucoup de ses autres morceaux sur cet album et les précédents.

Après quatre ans d’attente, Californian Soil est le plus attendu des trois albums studio. La maturité et l’approche magistrale deviennent encore plus évidentes dans leurs paroles, pour des similitudes avec Lana Del Rey et Annie Lennox dans les voix de « All My Love » et « Lord its a Feeling », et une essence classique de Fleetwood Mac dans des morceaux comme « Talking », London Grammar est dans un voyage émotionnel et purificateur dans une profondeur toujours en développement dans le son et les paroles. Avec la superposition des instruments et la maturité des textes, London Grammar reste dans le domaine de la réflexion et du recul, en particulier avec le premier « single » de l’album, « How Does It Feel ». Reid a toujours eu un talent particulier pour créer un remède isolé avec un objectif extrêmement émotif dans ses messages, mais cette fois-ci, elle et ses autres compagnons de groupe, Dot Major et Dan Rothman, commencent à présenter un son qui reflète leur plus grand sens de la certitude et de l’identité dans leur son et leur histoire jusqu’à présent.

***1/2


Kumi Takahara: « See-Through »

1 avril 2021

Sur « Nostalgia », le troisième morceau du premier album de Takahara, deux mains pianistiques se croisent comme des étrangers dans les escaliers. Elles semblent avoir une conscience périphérique l’une de l’autre, mais sont emportées dans leurs propres trajectoires de rêverie, tandis qu’une main descend et que l’autre monte. La pièce dépeint ce moment et rien d’autre. Les deux lignes mélodiques apparaissent comme les personnages d’une photographie non étiquetée, présentée hors contexte et profondément suggestive d’une histoire et d’un sentiment qui s’étendent bien au-delà du cadre.

See-Through est construit sur des scènes comme celle-ci. Les mélodies sont modestes et spacieuses – s’installant dans des répétitions de trois notes, s’effondrant dans la résolution avec une luxuriante inévitabilité – mais la nuance et la contradiction sont convoquées par la façon dont ces mélodies sont jouées : comment les cordes se tiennent sur le bord du piano, balançant leurs pieds et buvant la vue devant elles, ou comment les vocalisations sans paroles glissent comme de la soie sur les pentes des gammes majeures mélancoliques. Lors d’un passage particulièrement frappant de « Chime », Takahara joue le carillon de Big Ben, sorti de nulle part : Londres apparaît comme si elle émergeait d’un brouillard, la douce mélancolie de son jeu plongeant la scène dans une bruine de 5 heures du matin.

Le véritable coup de maître de See-Through est la façon dont il se retient. Les indices sont laissés en suspens et l’auditeur ne peut s’empêcher de les dévider. Une brève apothéose sur « Tide » illustre ce qui est intentionnellement absent du reste du disque, remplissant chaque centimètre de l’image avec des voix, des cordes et des effets visuels scintillants, rendant sans équivoque l’océan en panorama. Cette déclaration grandiose ne fait que rendre encore plus riche la retenue qui règne ailleurs ; Takahara comprend le potentiel qu’il y a à n’offrir que des pages de journal intime déchirées, des cartes postales gribouillées et de faibles flashbacks, permettant à l’auditeur d’encadrer ces images partielles avec ses propres souvenirs et désirs.

***1/2


Hachiku: « I’ll Probably Be Asleep »

7 décembre 2020

Venant d’une artiste dont la musique est normalement accompagnée de vagues descripteurs comme « dream pop » et « bedroom pop », le morceau d’ouverture du premier album studio de Hachiku semble prêt à rompre avec ces associations en présentant quelque chose d’étonnamment différent : une grande vague rugissante de distorsion de guitare traverse l’air, le chant rêveur de Hachiku flottant au-dessus : « Peut-être que je serai prête/ Mais je serai probablement endormie » (Maybe I’ll be up for it/ But I’ll probably be asleep), entonne-t-elle, comme si elle était coincée dans une sorte d’état de transe, avant de se fondre dans une vaste tapisserie d’instruments. L’écriture des chansons de Hachiku est d’une ambiguïté unique, à la fois singulière et sincère ; les sonorités psychédéliques ne sont jamais superficielles, mais servent plutôt de passerelle vers une psyché fracturée. « Laisse ta conscience derrière toi et chéris le commencement » (Leave your conscience behind and then cherish the beginning)( chante-t-elle, puis elle élève la voix, « À propos de quelque chose que je ne veux pas développer davantage/ Laisse-le filer » (Of something that I don’t want to further unfold/ Let it go).

C’est une introduction fascinante à un album qui ne cesse de trouver de nouvelles façons d’enchanter l’auditeur. Projet de l’artiste Anika Ostendorf, basée à Melbourne, les excentricités d’Hachiku sont ce qui transparaît sur I’ll Probably Be Asleep, qui reste captivant même lorsqu’il se glisse à nouveau dans des textures moins complexes et ambitieuses que le morceau de tête – également la seule chanson du disque qui a été réalisée avec l’ensemble du groupe Hachiku, dont la guitariste Georgia Smith, la bassiste Jessie L. Warren et le batteur Simon Reynolds. Un charme d’un autre monde se dégage de morceaux comme « You’ll Probably Think This Song is About You » et « Dreams of Galapagos », dont le fond sonore chatoyant apporte une touche tropicale à des arrangements par ailleurs intimes : ‘Dans mon esprit je t’emmène vers tous les androits où tu souhaites aller » (In my mind I take you to all the places you want), chante-t-elle sur le premier, soulignant les fantasmes d’évasion qui imprègnent l’album. Mais il y a aussi un aspect conversationnel – et souvent conflictuel – dans les paroles de Hachiku, qui ancre le projet dans la réalité, faisant allusion au conflit intérieur entre vouloir un changement constant et essayer de trouver du réconfort dans l’immobilité.

Il est clair que l’expérience personnelle d’Ostendorf a influencé les idées qui se cachent derrière l’album : elle est née dans le Michigan, a grandi en Allemagne, a étudié à Londres, puis s’est installée à Melbourne, en Australie, où elle a signé sur le disque Milk ! de Courtney Barnett. Records de Courtney Barnett. Les chansons ont été écrites entre deux endroits, et bien que leur structure solide implique un sens de l’anticipation, I’ll Probably Be Asleep continue d’osciller entre détermination et doute de soi. « Busy Being Boring » remonte à 2018, alors qu’Ostendorf demandait un visa de partenaire pour rester deux ans de plus en Australie, et bien que l’instrument soit rêveur et serein, il est rapidement éclipsé par la performance de Hachiku qui donne à réfléchir. « Bridging Visa B », dont le son luxuriant met en valeur la croissance artistique d’Hachiku, est l’une des pièces les plus propulsives du disque, mais elle sert également de commentaire sur le caractère intrusif du processus de demande de visa et, par extension, sur la manière dont notre liberté et notre capacité à progresser sont limitées par des structures sociales qui échappent à notre contrôle.

Même lorsque Hachiku aborde des sujets sérieux, il y a une bizarrerie caractéristique dans son approche, qu’elle se manifeste dans certains choix de production hors normes ou dans ses paroles souvent équivoques. « Si vous êtes comme mon amie Tushara, vous pourriez penser que cette chanson parle de sexe oral », a déclaré Ostendorf à propos de « Shark Attack », qui parle en fait de son chien atteint d’un cancer de la gorge. Mais même avec certaines répliques plus étranges de la chanson (« Tu lèches mes doigts/La salive/ Dure-t’elle »(You lick my fingers/ Saliva, does it last ? »), sa dévastation émotionnelle résonne encore lorsque sa voix tremblante crie « Please don’t leave me. » (S’il vous plaît, ne me quittez pas). Plus proche, « Murray’s Lullaby » est marqué par une honnêteté émotionnelle similaire, Hachiku s’efforçant de rassurer son partenaire dans une relation à distance. Ailleurs, elle cherche à inculquer un état d’esprit plus positif sur elle-même : « Accrochez-vous à la vérité que vous connaissez/ Un jour vous verrez que vous l’aurez compris » (Hold on to the truth that you know/ One day you’ll see you’ll have it figured out), chante-t-elle dans « A Portrait of the Artist as a Woman ». Avec une durée de 34 minutes, I’ll Probably Be Asleep est un peu trop court pour explorer pleinement ce parcours personnel, mais c’est néanmoins un début attachant et prometteur pour une artiste déterminée à rester fidèle à elle-même au milieu de l’incertitude.

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Yore: « Yore »

6 décembre 2020

Yore sort son premier album éponyme, un opus qui capture l’essence de la dream-pop mais ne nous donne qu’un petit avant-goût de ce qu’il est capable de produire.

Avec des textures délicates et des voix hautes, cet album réussit certainement à nous fournir une atmosphère brumeuse et aérée. Yore fait équipe avec divers artistes pour produire une collection céleste de morceaux qui arrêtent le temps pour un court instant mais, il faut le dire, il a certainement plus à offrir.

« Sally Out (avec Mellah et Nuha Ruby Ra) » donne le ton pour le reste de l’album avec son son brillant, son flottement et son atmosphère estivale. La basse est douce, s’accorde bien avec l’écho vocal et, dans l’ensemble, vous fait sentir en paix avec son interlude éthéré. Shade (avec Black Gold Buffalo) suit un schéma similaire avec des riffs de guitare doux et des motifs d’accords intéressants. On est facilement transporté à l’écoute lorsque le chant glisse au-dessus du reste de l’instrumentation.

« Hawing » est probablement le morceau le plus marquant de l’album, avec la voix planante de l’Islandaise Rakel Leifsdóttir qui occupe le devant de la scène et transperce les synthétiseurs, Voici ce que dit Yore à propos du morceau :  « Nous avons voyagé en Suisse pendant l’été et … j’ai été inspiré par le paysage et le sentiment de liberté que procure le voyage », et il capture certainement cet état d’esprit dans la chanson. Les mélodies aériennes se poursuivent dans Bon Mot (avec White Flowers) avec une instrumentation un peu plus élaborée qui ajoute un peu plus de substance à l’album,cela donne un morceau qui est certainement plus optimiste que le précédent.

« Open Lights » (avec Milan Monk) a un ton nostalgique, mais c’est à ce moment de l’album que la répétition commence à se faire sentir, car le tempo et la structure sont en grande partie les mêmes que sur les autres morceaux. Cependant, le facteur rédempteur est l’intermède final, à la sonorité nostalgique, qui semble tout à fait approprié.

« Sol » (avec Panacea) introduit des percussions pétillantes et des lignes de basse optimistes, ce qui permet au morceau de continuer à avancer pendant ce qui serait autrement une lente période de trois minutes et demie. Mais on ne peut pas en dire autant de « Zig Zag » (avec Oscar Browne) qui, bien que doux, frise nous lasser

L’introduction d’une percussion et d’un piano plus jazzy dans « Inside » (avec Této Parvanov) accélère un peu le rythme, tandis que 40/40, avec Milan Monk, le fait redescendre, en se fondant dans les autres morceaux et sans rien de notable. La dernière chanson,  « Fever Dreams » (avec Rusalka), apporte un peu plus de mélodie mais continue finalement dans la même veine, à l’exception de la reprise juste à la fin.

En fin de compte, Yore permet une écoute agréable, mais ne met pas encore en valeur tout le potentiel de Yore. Bien qu’aucun des morceaux ne soit désagréable à écouter, ils risquent de se confondre et pourraient peut-être bénéficier d’un peu plus de variété. Néanmoins, le son jusqu’à présent est agréable et il sera intéressant de voir comment Yore se développera à l’avenir.

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Babeheaven: « Home For Now »

24 novembre 2020

Plus de quatre ans après avoir présenté un premier projet musical plein d’âme et flirtant entre trip-hop et dream-pop sous la forme du « single »  « Friday Sky », Babeheaven nous présente enfin un « debut album »,Home For Now,foncièrement honnête et personnel.

Après avoir vu leur tournée américaine reportée au début de l’année en raison de la pandémie de coronavirus, le duo de l’ouest de Londres, composé de Nancy Andersen au chant et de Jamie Travis aux instruments et à la production, s’est recentré et s’est retrouvé à consacrer son énergie à l’enregistrement et au perfectionnement de son premier album très attendu. Après nous avoir taquinés avec des « singles » tels que « Craziest Things » et « Cassette Beat » pendant l’été et l’automne, le duo a continué à nous présenter une palette musicale à la fois variée et cohérente dont le but avoué était de nous tenir en haleine

Bien qu’il ait été terminé à un moment où beaucoup d’entre nous étaient plus ou moins confinés chez eux dans un avenir prévisible, Home For Now n’est pas, selon les propres termes de Nancy Andersen, « un album entier sur le fait que nous sommes restés coincés à l’intérieur pendant quatre mois ». Ayant été conçu pour quatre ans plutôt que pour quatre mois, l’album est très vivant et peut être décrit comme un patchwork des relations, bonnes ou mauvaises, qui sont entrées, ont accompagné, sont sorties et ont façonné la vie de Nancy Andersen et de Jamie Travis.

Les cordes d’introduction du morceau d’ouverture « November » peignent des couches qui capturent l’auditeur dans un paysage sonore chaleureux et accueillant. Le morceau, initialement sorti en 2019 sur le EP Circles du duo, semblera familier aux fans, mais accueillera aussi avec gentillesse toute personne qui pourrait se mettre en travers de son chemin. Poursuivant le voyage musical avec « Human Nature », une chanson sur les luttes personnelles de Nancy Andersen avec la comparaison Instagram, vient l’introduction de la combinaison caractéristique du groupe de battements de batterie doux mais proéminents, de guitares mélodiques et de voix brumeuses. Combiné à des thèmes lyriques francs et réfléchis du début à la fin de l’album, Home For Now est un équilibre parfait, tant au niveau des paroles que de la sonorité, entre le personnel et la relation.

L’album se poursuit d’une manière qui donne l’impression de flotter à travers des couches de coton pelucheux, il vous fait avancer et reculer doucement et vous berce parfois d’un côté à l’autre. Les 14 titres qui composent l’album s’assemblent et se fondent les uns dans les autres, avec des éléments contrastants d’une clarté pure qui brillent parfois, comme les harmonies vocales du titre « How Deep (Love) » ou la production optimiste Massive Attack sur « Jalisco ».

En ces temps de turbulence et d’incertitude, le premier album de Babeheaven, Home For Now, offre un sentiment de calme et de chaleur bien nécessaire. Le groupe a déclaré qu’il « voulait vraiment que l’auditeur puisse ressentir le monde qui l’entoure, même s’il n’était que dans son salon », et en écoutant le disque au travers de haut-parleurs, on ne peut que souligner que la missions est accomple.

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The Jacques: « The Four Five Three »

6 novembre 2020

Après la mort tragique de Will J Hicks qui, depuis longtemps, était leur bassiste ainsi que quelques changements de personnel, les Jacques se sont installés sur un line up stable comprenant Finn O’Brien (voix, guitare), Elliot O’Brien (batterie), Harry Thomas (claviers) et James Lay (basse). Venant de Bristol et de Londres (le guitariste, et chanteur/compositeur, Finn O’Brien et son frère Elliot O’Brien aux percussions) sont tous deux nés dans la capitale anglaise et ont été élevés et scolarisés à Bristol, avant de revenir à Londres. Leur premier album, The Four Five Three, oscille entre des influences punk abrasives et déformées, une instrumentation chaotique et une luxuriante dream-pop.

L’album s’ouvre sur « Born Sore », un morceau de musique assez sombre sur la naissance, la fertilité et le péché originel. Une batterie, des synthés déformés et une ligne de basse lancinante nous mettent sur la voie avant que la voix discrète de Finn O’Brien ne donne à ce morceau un air plutôt menaçant. Les chansons se construisent au fur et à mesure de leur progression avant de se terminer presque abruptement. « Kiss the Pharaoh » était une proposition intéressante qui semblait parfois avoir un léger accent égyptie, mais, une fois de plus, c’e sera une composition intense et sombre, avec un chant plus profond presque obscurci tout au long.

« Swift Martin » arborera un vrai rythme électronique avec des accords de guitare qui s’écrasent et une batterie qui suit le rythme. C’est une autre chanson qui encourage l’interprétation religieuse, car le chant de Finn O’Brien semble se dissimuler dans la cacophonie du bruit et qui rappelle par moments Gang Of Four. « Do Me For A Fool », lui, évoquera The Libertines à première écoute ; un air joyeux qui semble être un éloge de l’amour et qui est très différent de ce qui s’est passé auparavant sur le plan musical.

« The Ugliest Look » se moque des cercles sociaux prétentieux qui entouraient l’époque de Finn au Goldsmiths College et où les paroles complexes sont partagées rapidement sur une toile de fond musicale merveilleusement animée. « Count On Me Pt 1 » et « Count On Me Pt 2 » bien que séparés sur le disque sont presque des images miroir l’un de l’autre, toutes deux des compositions floues, grunge et décontractées avec une voix déformée et des paroles indéchiffrables.

« Tiny Fuzzy Parasite » et « Cradle My Heart » sont pris en sandwich entre les deux parties de « Count On Me » et « Tiny » était censé être écrit comme une parodie assez effrayante, mais véhiculant un charme doux et sirupeux. Le sujet concerne le fait que nous avons chacun notre propre version de Dieu. Bien qu’il ne soit pas un prêcheur, on peut lui trouver un attrait sous-jacent et une vibe musicale plus lourde.

Mamacita est un mot utilisé pour désigner ou décrire une belle femme ou une belle fille et « Holy Mamacita » est une chanson d’amour avec une petite pirouette où il sera question de laisser tomber quelqu’un. C’est un titre qui transmet doucement le message, avec des voix délicatement partagées. « Hendrik » est le plus ancien morceau de l’album et a été renommé pour célébrer l’un des amis les plus proches de Finn qui avait toujours aimé cette chanson avant sa mort. L’interprétation y assez rapide, jouée de façon complexe, verbeuse mais extrêmement agréable.

« Taste The Mexican Sun » est tiré d’une légende apparemment dénuée de sens que Finn et Will ont remarqué sur un gobelet en plastique alors qu’ils traînaient dans un festival de musique. Il s’agit d’une autre balle courbe avec une légère touche mexicaine due à ce qui semble être une trompette jouée tout au long du numéro. La voix de Finn se fond presque dans le mixage, ce qui lui donne un charme envoûtant.

L’album se termine avec « God’s Lick » qui évoque des souvenirs doux-amers de sessions de jam sans fin lorsque Will était dans le groupe. C’est un morceau partagé en toute tranquillité qui semble flâner avec peu de direction ; un choix intéressant pour clore l’album.

Le groupe a été décrit comme granuleux, déformé, luxuriant, rêveur, discordant, infectieux, inventif, évocateur, romantique et ridicule. Une évaluation juste et la plupart de ces descriptions sont reprises dans The Four Five Three. Il y a, certes, beaucoup à apprécier avec cet album, mais jil donne parfois l’impressiond’avoir été réalisé pour plaire à toute le monde. Il sera, par conséquent, intéressant de voir comment et vers où le groupe va s’acheminer.

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Loma: « Don’t Shy Away »

27 octobre 2020

Ce deuxième album de Loma poursuit son incursion dans le son indie rock impressionniste et spectral qu’ils ont d’abord défini sur leur premier album éponyme de 2018 – un son approuvé par le seul et unique Brian Eno. Il s’avère qu’un ami a informé la chanteuse Emily Cross qu’Eno avait été entendu sur la radio de la BBC faire l’éloge de « Black Willow » sur son « debut album », le groupe a donc décidé de l’inviter à participer à un nouveau titre plus proche, « Homing », auquel Eno a répondu.

« Homing », ainsi que les 11morceaux qui le précèdent, sont une excursion à travers diverses itérations de rock indé mystique, qui s’écoule avec un ventre luxuriant de sons intrigants et la belle voix de Cross. Les pierres de touche sonores comprennent la pop fraîche et texturée de Karen O et Danger Mouse et le rock indie ornemental et lunatique de Bat For Lashes et Goldfrapp.

Si « Homing » porte les empreintes méditatives d’Eno, ce sont les morceaux les plus entraînants qui rendent Don’t Shy Away si agréable. Les rythmes glissants et les battements trippants de chansons telles que « Ocotillo », « Half Silences » et « Given a Sign » sont les points forts de l’album qui transforment des paysages sonores rêveurs en chansons space-pop luxueuses et glissantes. D’autres titres comme « I Fix My Gaze », « Thorn » et « Jenny » changent de vitesse et se promènent dans une direction moins captivante avec des arrangements plus durs.

Utilisant une panoplie d’instruments et de styles musicaux, et une approche particulière de l’écriture de chansons, Loma colle ensemble des fragments mélodiques avec une mystérieuse vapeur de sons intrigants. Mais ce qui les distingue et leur donne une certaine originalité, c’est le style vocal cabaretier de Cross. Sa poésie sensuelle ajoute un étrange savoir faire qui rappelle Twin Peaks (la série télévisée, pas le groupe). Le groupe comprend également Dan Duszynski et le chanteur de Shearwater, Jonathan Meiburg.  

Don’t Shy Away est peut-être un peu moins enchanteur que le premier album hypnotique de Loma, mais il s’avère être un disque agréable à la première écoute et mérite d’être joué à plusieurs reprises malgré ses quelques défauts mineurs.

***1/2