Breathless: »See Those Colours Fly »

15 septembre 2022

Breathless est un groupe que ne suivons que depuis peu. Nous avions été mis au courant de son existence il y a quelques années, lorsque nous avons entendu de nombreuses personnes parler en termes élogieux de Breathless et de la voix rêveuse du chanteur Dominick Appleton. See Those Colours Fly, sorti enjuillet 2022, est le premier album du groupe depuis dix ans et le troisième dans les années 2000. Le disquea été produit par Kramer, producteur de groupes allant de Bongwater à Galaxie 500 et Low. Breathless a travaillé pour la première fois avec Kramer lorsqu’il a mixé trois chansons sur leur album Green to Blue de 2012. Ce disque a été retardé par un terrible accident qui a frappé le batteur Tristram Latimer Sayer, qui est tombé dans le coma et il n’était pas sûr qu’il s’en sorte. Il n’a pas pu contribuer à ce nouvel enregistrement, laissant le claviériste/chanteur Appleton, le guitariste Gary Mundy et le bassiste Ari Neufeld se charger du travail créatif cette fois-ci. Bien sûr, la pandémie a également apporté son lot de difficultés, mais le groupe a évité les studios d’enregistrement professionnels et a enregistré la plupart de ses parties à la maison, ce qui lui a laissé plus de temps pour les assembler et les monter à loisir.

En écoutant ce disque, on ne peut qu’être frappé par sa beauté chatoyante, son esprit tranquille et son sens de l’espace. C’est exactement le genre d’expérience d’écoute dont j’ai besoin en ces temps terriblement chaotiques. Le morceau d’ouverture « Looking For the Words » est plein de majesté symphonique et donne le ton de toute cette séquence de chansons. Il se fond directement dans  » The Party’s Not Over « , une chanson quelque peu sombre mais qui est un véritable bijou. L’écoute de ses mottes sonores est comme le fait de planer à l’intérieur du meilleur rêve éveillé que vous ayez jamais eu. My Heart and I  » est quelque peu angoissante, sa belle parure mélodique recouvrant les paroles déchirantes comme un pansement. We Should Go Driving  » est une chanson directe et presque austère dans sa présentation, mais elle possède l’une des mélodies les plus fortes de l’album. Tout simplement génial ! « Let Me Down Gently » a un titre qui suggère une rupture, mais c’est à l’auditeur de voir si c’est le cas;que ce soit un connaissance proche ou pas , voilàl’exemple type de la composition qui ne peut que nous parler de pa sa somptueuse mélodie.

« The City Never Sleeps » nous offrira, de son côté, une pop orchestrale sombre, une bande-son miniature qui fait écho aux événements des trois dernières années. La vie ne sera plus jamais la même, mais la musique peut nous garder sains d’esprit et entiers, même si elle reflète ces tristes moments. « Somewhere Out of Reach  » devrait être un succès, c’est à la fois l’une des meilleures chansons que j’ai entendues cette saison et un point d’entrée certain pour l’ensemble du disque. So Far From Love  » est brumeux et multicouches, des brins gazeux de dream pop se mêlant au shoegaze et au psychisme trippant. C’est fantastique ! La dernière chanson,  » I Watch You Sleep « , dure plus de 7 minutes. Je m’imagine assis dans le noir, écoutant quelqu’un respirer pendant que mon esprit tourne à mille à l’heure. La mélodie est de premier ordre, et est un arrêt approprié à ce voyage musical rêveur que vous avez voyagé au cours de cette sortie. Un excellent baume pour les rêveurs du monde entier. Hautement recommandé

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Suburban Living: « How to Be Human »

7 septembre 2022

Les shoegazers de Philadelphie Suburban Living reviennent d’un hiatus de trois ans avec How to Be Human, sorti aujourd’hui sur Egghunt Records. Les obstacles qui ont dû être surmontés pour que cet album voie le jour incluent le retard habituel du COVID – l’album était initialement prévu pour une sortie en mai – mais ce n’est pas tout : le groupe a dû surmonter l’incendie dévastateur d’une maison le soir du Nouvel An, des démos perdues, un accident de voiture presque fatal, et un vagabond de Fishtown en deuil d’un boa constrictor de compagnie récemment décédé (peut-être assassiné). Sérieusement. C’est une histoire folle, mais cela n’aurait pas d’importance si l’album ne valait pas la peine d’attendre. Heureusement, il en vaut la peine.

Après six mois d’isolement pour la plupart d’entre nous, un petit rappel de la façon d’être humain est grandement nécessaire.  L’auteur-compositeur et leader Wesley Bunch propose un cours accéléré à travers ces neuf chansons, abordant le spectre de l’isolement et de la solitude jusqu’à l’unité et l’appartenance. Même si How to Be Human est un disque remarquablement cohérent, il est facile de rester bloqué près les trois premiers titres. Le premier, « Falling Water », établit la palette sonore du groupe, avec une batterie synchronisée avec une basse distordue, des nappes de synthétiseur et des lignes de guitare scintillantes qui s’assemblent d’une manière qui rappelle la période intermédiaire de The Cure. « Falling Water » est une chanson sombre, tant au niveau du son que des paroles : « I’ve gotta get away from here… Take me away from me » (Il faut que je parte d’ici… Emmène-moi loin de moi) chante Bunch.

L’humeur changera rapidement sur l’hymne qu’est « Main Street »,  un morceau qui montre clairement la gamme émotionnelle et sonore de Suburban Living. « Indigo Kids » prendra, lui, le titre de l’album au pied de la lettre en racontant indirectement l’histoire de Boriska Kipriyanovich, un enfant prodige russe qui croyait avoir vécu, lors d’une vie antérieure, sur Mars.

Chaque chanson de Suburban Living peut être vue comme une piscine profonde avec une surface de synthétiseur vitreux et de guitare souvent non déformée, sous laquelle la basse et la batterie grondent et fredonnent. La voix de Bunch, qui fait penser à un Robert Smith plus nasal, sert de pont entre la couche inférieure qui gronde et le niveau de l’eau qui scintille. Cette dynamique est la plus claire sur « Dirt », où la basse porte la mélodie et où Bunch décrit la libération qu’il y a à ne plus se soucier du fait que quelqu’un vous a traité comme une merde dans le passé. À cet égard, les moments les plus excitants du disque seront ceux où les couches s’entrechoqueront, comme c’est le cas sur la fin de « Video Love ».

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Brigitte Bardini: « Stellar Lights »

2 juin 2022

La pochette de l’album est une perle pour cette nouvelle artiste de Melbourne. Il y a les textures art déco, le clin d’œil au héros glam méconnu Jobriath, Goldfrapp, la ressemblance avec Veronica Lake dans les années 40, et le personnage de jeu vidéo Noir Elizabeth de l’extension solo BioShock Infinite : Burial at Sea. Elle s’appelle Brigitte Bardini.

Nous avons découvert la musique de Bardini sur son podcast. Les arrangements qui ont été faits en arrière-plan ne ressemblaient à rien de ce que l’ on avait entendu auparavant.

C’était très différent de ce que faisaient Sigur Ros, Jane Weaver et Alison Goldfrapp. Avec son premier album galactique, Stellar Lights, elle va aussi loin qu’elle peut aller tout en se préparant à faire le saut à la vitesse de la lumière.

Le morceau d’ouverture « Heartbreaker » est un voyage cosmique vers le dancefloor, alors que Brardini pose des rythmes électro avec de magnifiques synthés en morse pour commencer la journée, tout en partant à la campagne pour une atmosphère relaxante de pop symphonique sur ce « Wild Ride ».

Elle élève son esprit en conduisant dans ces différents endroits sans savoir où le prochain chapitre l’emmènera, mais elle fait un atterrissage en douceur dans une respiration « Everyday » en canalisant à la fois le seul début éponyme de Roxy Music et Ultravox. Brigitte a très bien fait ses devoirs en prenant des aspects sur les groupes et artistes qui ont pu l’influencer pendant la réalisation de l’album.

Nous avons aussi ressenti des tiraillements entre Steven Wilson et Tim Bowness, combinés en un seul, lorsqu’elle se dirige vers la voie de la berceuse du « Danube Ble »u de Johann Strauss avec « Inside Your Head ». Bardini se dirige une fois de plus vers la piste de danse. Elle se lance dans un groove et donne aux habitants de sa ville natale une chance de se détendre, de s’éloigner de toute la merde qui se passe à la télévision et de se rendre dans son club pour une méditation calme et claire.

Elle sort ensuite sa guitare acoustique pour prendre un peu de repos en réfléchissant au chemin parcouru avec « All My Life ». Made of Gold  » et  » Breathe  » sont une combinaison de Joy Division et de l’a période Pornography de The Cure, et s’enfoncent dans un endroit profond et sombre dont elle ne veut pas que vous vous approchiez.

La section de batterie joue en boucle avec des guitares électriques vives pour une section médiane hypnotique en se dirigeant vers ces tunnels remplis d’images étranges. Pendant ce temps, « Aphrodite » fait un clin d’œil à Bardini qui plonge dans les styles lyriques de Simple Minds et John Foxx avec une musique proche des années « Brat Pack » de John Hughes.

Ensuite, nous nous dirigeons vers un son de type Mellotron provenant d’un orgue de vicomte qui se transforme en carrousel sur « Could’ve Been ». En écoutant les sons de l’orgue, on peut entendre les sons du groupe français méconnu de rock progressif, Ange. Il y a des croisements intéressants avec Caricatures et Au-delà du délire que Bardini canalise.

Stellar Lights n’est pas seulement un de ces albums que l’on emporte dans sa voiture et que l’on passe en boucle sur son lecteur de CD, il vous accompagne jusqu’à la fin des temps. Bardini elle-même a apporté beaucoup d’idées massives à sa table de cuisine. Ces chansons sont comme autant de structures d’histoires qu’elle a écrites. Et ces images visuelles qui sont sur Stellar Lights en sont une présentation hors du commun.

***1/2


Crystal Eyes: »The Sweetness Restorad »

30 mai 2022

La vie a été dure pour ceux d’entre nous qui vivent sur la planète Terre, en proie à une peur existentielle persistante qui bouillonne au plus profond de nos cœurs – aggravée par une pandémie qui ne veut pas lâcher son étouffoir – il est donc important de se délecter des petits moments, l’un d’entre eux étant toutes les nouvelles musiques formidables que nous pouvons découvrir.

L’une d’entre elles nous vient de Crystal Eyes, un projet de dream pop et de shoegaze basé à Calgary, et de son deuxième album The Sweetness Restored. Pour tous les fans de Leonard Cohen (et qui ne l’est pas ?), le titre est tiré d’une de ses dernières chansons « Leaving The Table ».

Bien que Crystal Eyes ne ressemble en rien à la crème de la crème des auteurs-compositeurs canadiens, leur musique a le même esprit ludique, bien qu’au lieu de ballades folk sombres, ils optent pour un psycho-rock lumineux et halcyon à la Alvvays ou Beach House.

L’album compte également quelques talents notables avec Scotty « Monty » Munroe de Preoccupations/Chad Van Gaalen, la puissante chanteuse Basia Bulat aux chœurs, et Eve Parker Finley aux cordes.

« Wishes », le morceau d’ouverture, ressemble à l’intro d’un film de John Hughes sur le passage à l’âge adulte, et ce petit crochet de guitare a une grande force d’attraction. « Like a Movie » a également une qualité cinématographique avec ses paysages sonores luxuriants d’orgue Hammond et de guitare imprégnée de réverbération.

La voix brumeuse de la chanteuse Erin Jenkins est également très séduisante sur The Sweetness Restored, vous entraînant dans une transe de danse et de rêverie étoilée. « A Dream I Had » est un autre morceau remarquable avec son utilisation de thérémine de l’ère spatiale et ses lignes de basse succulentes. Il ressemble à The Cure dans tous les bons sens du terme.Crystal Eyes est un groupe qui sait créer une atmosphère, et The Sweetness Restored vous laissera avec un sourire béat et bienheureux sur le visage.

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Ethel Cain: « Preacher’s Daughter »

25 mai 2022

Où serions-nous sans histoires ? Il ne s’agit pas d’une question rhétorique mais plutôt d’une question de fond : en tant qu’individus, serions-nous capables de signifier quelque chose pour quelqu’un sans histoires ? Serions-nous capables de supporter d’être en vie sans les histoires que nous nous racontons, aussi petites ou apparemment insignifiantes soient-elles ? On a du mal à imaginer un monde où les œuvres de fiction ne seraient pas des formes d’évasion trompeuse, où l’imagination ne serait limitée qu’au présent, au concret et au factuel.

On n’est pas sûr que j’on serait quelque part sans la capacité de notre esprit à transformer nos propres expériences en tranches altérées de la réalité ; des souvenirs fictifs comme moyen de traiter des choses qui n’ont pas pu se produire. Quelque part dans la masse noire entre la dissociation et la fabrication, il y a un espace où la destruction omniprésente du traumatisme s’est suffisamment retardée pour permettre finalement d’obtenir une aide professionnelle authentique. Preacher’s Daughter semble également graviter autour de cet espace. Cet opus de 75 minutes raconte l’histoire fictive d’Ethel Cain, mais il s’entrecroise de manière palpable, douloureuse et persistante avec la réalité grâce à des moments constants de beauté obsédante. Son histoire est faite de dévastation, de fausses lueurs d’espoir et d’anéantissement glacé. C’est plus que le reflet des processus les plus sombres d’un esprit brillant : à bien des égards, c’est l’intersection des processus les plus sombres de cet esprit brillant et de sa contrepartie fictive.

Preacher’s Daughter est un disque qui respire l’authenticité tout en recadrant et remodelant les expériences de son créateur, apparemment dans l’espoir de trouver un sens ou un but. Alors que le cerveau Hayden Anhedönia qualifie le personnage d’Ethel Cain de « jumelle maléfique », tout le mal semble être entièrement extérieur : le personnage est en fait la victime américaine par excellence des circonstances américaines les plus étranges. American Teenager », l’un des morceaux les plus directs de l’album, enveloppe son commentaire culturel satirique dans une pop ambiante délavée, tout en plantant le décor morne d’une petite ville au début des années 1990. Ailleurs, « Western Nights » et « Gibson Girl » racontent deux moments distincts d’abus de la part de deux partenaires distincts, mais emballent le tourment dans des paysages sonores complètement différents : de l’éthéré à l’explicite, du rêveur au dansant. Ce contraste prend tout son sens dans le contexte de l’histoire du disque : il illustre la gamme de désespoir que l’on trouve dans Preacher’s Daughter, tout en confrontant subtilement la nature même d’un tel traumatisme. Dans un sens, le fait de présenter Ethel Cain comme une victime de ses circonstances est la chose la plus réjouissante de l’album. Que ce soit intentionnel ou non, le personnage ne semble se blâmer à aucun moment. Même si chaque tournant et chaque choix est enveloppé d’une obscurité totale, il est clair qu’elle n’est pas victime d’elle-même : son esprit résilient est la seule chose qui lui permet d’avoir de rares lueurs d’espoir.

L’une de ces lueurs se présente sous la forme de l’incroyable morceau central de neuf minutes « Thoroughfare ». La chanson présente un chapitre de pure évasion dans la courte vie d’Ethel : un charmant étranger lui propose de la conduire dans le refrain de la chanson avec les mots « Hey, do you want to see the west with me ? / ‘Cause love’s out there and I can’t leave it be », chaque répétition ultérieure ajoute une couche de beauté et d’optimisme apparent. Au point culminant de la chanson, la réponse du protagoniste « Honey, love’s never meant much to me » (Chérie, l’amour n’a jamais signifié grand-chose pour moi) est entièrement éclipsée par un sentiment explicite d’espoir et de liberté. Pourtant, au fur et à mesure que Preacher’s Daughter progresse, ces mots exacts persistent de la manière la plus oppressante et la plus destructrice qui soit. C’est un petit moment qui a finalement défini le cours de la vie d’Ethel : une décision apparemment insignifiante qui allait causer tant de douleur, tant de souffrance. Ce n’est pas seulement un moment totalement obsédant à l’écoute répétée : c’est le genre de souvenir à noyer dans un millier de potentiels imaginaires ; le genre de moment qui ne devrait tout simplement pas finir par définir quelqu’un.

Pourtant, en plus de ses moments de tourments expansifs et narrativement imbriqués, Preacher’s Daughter comprend plusieurs chapitres déchirants entièrement explicites. Gibson Girl « , déjà mentionné, crée un refrain addictif à partir de la phrase obsédante  » If it feels good / Then it can’t be bad « , ce que je ne me considérais pas capable d’apprécier avant cet album. Hard Times  » est la chanson la plus dévastatrice de l’album, mais elle ne se perd pas dans la lourdeur de son sujet. Au lieu de cela, le morceau transmet de manière impressionnante la lutte contre l’incapacité de haïr ceux que vous savez que vous devriez haïr, ou plus concrètement, votre agresseur. Comme il serait facile de mépriser cette personne, ou même ses actes. Comme il serait facile de ne pas avoir à transformer cette absence de haine en une concoction de honte et de haine de soi. Comme il serait facile de ne pas avoir à gérer les empreintes de quelqu’un que vous savez que vous devriez détester chaque jour.

On pourrait parler de chaque moment de Preacher’s Daughter. On pourrait s‘étendre sur le pur génie de la traduction de la mort d’Ethel en deux superbes morceaux instrumentaux, sur le hurlement glaçant de l’éclipse dissociative totale de  » Ptolemaea « , sur la façon dont le personnage atteint un sens obsédant de l’objectif dans  » Strangers « , ou écrire trois autres paragraphes sur  » Thoroughfare « . On ne le fera pas. Le premier album d’Ethel Cain est un accomplissement étonnant, aussi douloureux qu’il est constamment baigné dans les arrangements les plus merveilleusement rêveurs. Chaque moment sert à améliorer la transmission de l’histoire du disque, et refuse d’avoir peur du non conventionnel, de l’intense ou du long terme. On aimerait ainsi que Preacher’s Daughter et son histoire n’aient pas à exister, mais on est éternellement reconnaissant qu’ils existent.

****1/2


Diane Coffee: « With People »

29 avril 2022

Shaun Fleming est de retour sous le nom de Diane Coffee avec son quatrième album WIth People. Comme de nombreux artistes, Fleming a sans doute été affecté et influencé par l’isolement pendant la pandémie de Covid. Le résultat est évident : son album le plus introspectif et le plus personnel à ce jour.

Une fois encore, Fleming change de registre musical, passant du son soulful Synth Pop de son précédent album, Internet Arms, à un Folk Rock jangly, une vibe Dream Pop avec une touche de Glam Rock. « Corrina From Colina », « Hollywood » et « Forever You & I » ont un aspect soyeux et fluide. « Bullied » est une ballade pop rétro des années 1950 qui raconte l’histoire d’une brute dans une cour d’école du point de vue d’un enfant maltraité qui en a assez de partager un « I just can’t take anymore » (Je ne peux plus supporter) qui en dit long.

« Forecast » est de la pure Pop dans la même veine que des icônes de la Power Pop comme Dave Edmunds et Nick Lowe ainsi que des groupes comme The dbs, The La’s, et The Allah-Las. L’éclectisme est toujours un élément essentiel de la musique de Diane Coffe, comme l’ambiance Americana Country de la trépidante « The Great Escape » et le Glam Rocker « Sharks » à la T. Rex.

L’expérience de Fleming en tant qu’acteur de voix-off se prête bien à son phrasé vif, presque enfantin, et à sa gamme vocale qui évoque un mélange d’inflexions de John Lennon, Marc Bolan et David Bowie. Sans oublier ses compétences musicales plus que profondes qui se manifestent sur les multiples instruments dont il joue sur les dix titres. Quelle que soit la voie musicale empruntée par Diane Coffee, c’est toujours une belle aventure et With People en est le dernier et brillant exemple.

***1/2


Hatchie: « Giving the World Away »

23 avril 2022

Dans la musique de Hatchie, la ligne entre l’obsession et la désillusion a toujours été floue. Harriette Pilbeam a développé sa marque d’indie pop infectieuse et fuzzée depuis l’EP Sugar & Spice en 2018, et ses meilleures chansons sont si éblouissantes que vous pourriez oublier les peurs et les insécurités qui les imprègnent – si quelque chose, ils ont prouvé que la nature fugace et destructrice de l’amour est exactement ce qui nous pousse à nous précipiter vers les grands gestes et les clichés séculaires. Obsessed », l’un des nombreux titres phares de son premier album Keepsake, paru en 2019, habille le sentiment d’abandon autour d’une accroche inéluctable, à la hauteur du nom de la chanson. Si ses compositions combinent les textures éthérées du shoegaze avec les structures irrésistibles de la pop, ses paroles trouvent souvent le moyen de pousser au-delà de l’acceptation mélancolique et vers une forme étrange d’assurance. Son deuxième album, Giving the World Away, est son effort le plus dynamique à ce jour, ajoutant du poids aux préoccupations sous-jacentes de la musique sans diluer leur énergie luxuriante et dynamique.

En fait, la production est considérablement plus grande et plus ambitieuse qu’auparavant, mais Hatchie ne l’utilise pas pour se cacher – c’est toujours la concentration retrouvée de son écriture qui brille le plus. Dans une déclaration, elle a souligné que « je ne me contente pas d’écrire des chansons sur le fait d’être amoureuse ou d’avoir le cœur brisé » – et même lorsqu’elle écrit sur une relation, c’est plus comme une perfection de soi que comme l’effet enivrant d’un certain moment. ‘Lights On » ouvre la voie en présentant apparemment une version plus cinématographique de ce que Hatchie a toujours offert – une attirance rapide et illimitée sur une mélodie pop euphorique – mais elle ne tarde pas à jeter un coup d’oeil derrière le rideau : « Tu ne peux pas me dire que ce n’est pas un problème/ Quand tu es coincé dans ta tête ». Sur la chanson titre, une autre question la frappe : « Et si ce qui nous a rapprochés / Déclenche notre perte ? » (You can’t tell me it’s not a problem/ When you’re stuck inside your head.” On the title track, another question strikes her: “What if what drew us together / Triggers our demise?). Elle fait de la place pour de telles inquiétudes tout au long de Giving the World Away, en accordant autant d’attention aux nuances d’une situation qu’aux couches successives de sons qui l’enveloppent.

Mais le désespoir n’existe pas seulement en marge de l’album – c’est ce qui brûle au cœur de certaines de ses chansons les plus mémorables. L’honnêteté d’Hatchie est éclairante : on pourrait rapidement comparer le premier single « This Enchanted » à « Obsessed » en se basant uniquement sur le sujet, mais la perspective de la chanteuse ne pourrait pas être plus différente – lorsqu’elle déclare « Your image is all I see » dans le refrain, elle est bien consciente de la distance entre elle et l’autre personne : « J’essaie de fuir les échos/ Mais ils frappent plus fort à chaque fois ». (I try to run away from the echoes/ But they hit harder every time). La douceur nostalgique de la chanson n’est pas un moyen de s’échapper ; elle amplifie la vague de nostalgie qu’elle ne peut laisser derrière elle. « Quicksand « , qui a été coécrite avec le producteur d’Olivia Rodrigo, Dan Nigro, trouve un équilibre parfait entre les thèmes sombres et la pop brillante et rythmée : « J’avais l’habitude de penser que c’était quelque chose pour laquelle je pouvais mourir/ Je déteste m’avouer à moi-même que je n’ai jamais été sûre » (I used to think that this was something I could die for/ I hate admitting to myself that I was never sure). Même si elle laisse tomber l’obsession pour embrasser l’incertitude, sa musique reste tout aussi envoûtante.

Pour quelqu’un qui était initialement sceptique à l’idée de travailler avec des co-auteurs, Hatchie s’assure qu’ils font plus qu’ajouter un éclat brillant à sa musique déjà polie. La clarté du mixage reflète en fait l’état d’esprit de Pilbeam : « Fais confiance à ce que tu crains, utilise-le à ton avantage, sens sa force », chante-t-elle sur « Take My Head » (Trust what you fear, use it to your advantage, feel its strength). C’est une phrase puissante, mais ce titre est l’un des rares à manquer de la tension qu’elle et ses collaborateurs construisent si habilement ailleurs dans l’album, ce qui diminue sa propre voix. Pilbeam a déclaré qu’elle avait l’impression de ne faire que « gratter la surface » avec cet album, et on se demande parfois si elle n’aurait pas pu creuser un peu plus. Mais avec une complexité émotionnelle qui complète son approche vertigineuse du son, Giving the World Away sonde les possibilités de la dream pop comme mode d’expression, laissant juste assez à l’imagination.

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Sean Carey: « Break Me Open »

22 avril 2022

Quatre ans après son dernier album, Sean Carey est de retour avec son propre travail solo. Vous reconnaissez peut-être sa voix (ou vous la rappelez) de Bon Iver. En fait, lui et le maître d’œuvre Justin Vernon sont responsables de la batterie et des chœurs du groupe depuis le tout début. Et sa contribution au chef-d’œuvre de Sufjan Stevens, Carrie & Lowell, était également très intéressante.

Sans être dans la dythirambe ce nouvel opus frappe fort. Tout comme les artistes mentionnés ci-dessus, Sean parvient à créer une atmosphère très fragile avec un simple piano, qui ne devient que plus puissante lorsque sa voix est ajoutée.

Carey est devenu un célibataire aux multiples émotions. Il s’agit de deuil, de perte, de culpabilité. Des choses auxquelles nous sommes tous confrontés au quotidien. Mais comme il l’a déjà indiqué, il a su transformer ces émotions à connotation négative en espoir. Et l’amour. L’amour pour le passé, le présent et l’avenir

Et, comme vous pourez l’entendre à l’écoute, il n’abandonne pas. Mieux encore, il se sert de la positivité qu’il voit dans l’évolution de ses enfants comme d’une accroche pour faire mieux.

Dans un communiqué de presse, il a déclaré : Le changement est une bonne chose. C’est dur, mais c’est bien. Accepter ses erreurs et s’ouvrir de manière fragile. Parce que c’est seulement à ce moment-là que tu vois la beauté.

Et la beauté est très présente dans Break Me Open. Des fragments de Bon Iver, arrosés d’une sauce Julien Baker et de quelques Phoebe Bridgers en guise d’assaisonnement. C’est quelque chose que vous ne pourrez que vouloir goûter.

***1/2


Night Palace: « Diving Rings »

10 avril 2022

La magie de Diving Rings, le premier album de Night Palace, un groupe de dream pop de New York via Athens, en Géorgie, commence par l’écriture des chansons d’Avery Draut. En effet, les chansons de Draut entremêlent des accroches douces et des mélodies intelligentes qui évoluent de manière inattendue. Même si elles étaient réduites à des arrangements plus spartiates, des chansons comme « Jessica Mystic » ou « Nightshade » seraient toujours captivantes pour la façon dont Draut lie sans effort ses lignes vocales flottantes. La douceur distante de « Into the Wake, Mystified » rappelle à la fois la pop indé accrocheuse d’Alvvays et l’aura d’artistes moins terrestres comme Jane Weaver ou Cate Le Bon. Un album de chansons aussi fortes, présentées dans une instrumentation rock simple, serait parfait en soi, mais Diving Rings creuse plus profondément en explorant des arrangements ambitieux de pop de chambre et des virages à gauche dans des moments de sophistication douce. Cela peut prendre la forme de la section de cordes fantastiques qui apparaît dans « Enjoy the Moon ! » (une chanson qui ressemble à un morceau perdu de Pet Sounds joué par Broadcast) ou les solos de saxophone, les sections de bois mystiques et les sons de synthétiseur timides qui apparaissent de nulle part par intermittence tout au long de l’album.

Il y a également une abondance de sons de guitare psychédéliques et de traitements colorés qui se révèlent après plusieurs écoutes attentives. « Stranger Powers » est si accrocheur et entraînant qu’il est facile de manquer les petits changements de tonalités de réverbération sur les harmonies de soutien ou les changements rapides entre les sons de guitare. Diving Rings serait un excellent début même sans ses couches de sons complexes et ses arrangements impeccablement détaillés. Avec toute l’attention supplémentaire portée aux choix subtils de production et un flux en constante évolution qui traverse tout l’album, Draut et ses collaborateurs poussent Diving Rings au-delà d’un simple disque solide pour créer un monde de rêve étrange et excitant qui ne correspond à aucune autre dimension que la sienne.

***1/2


Nicole Faux Naiv: « Moon Rally »

10 avril 2022

Créer une musique que l’on peut véritablement qualifier d' »onirique » est une entreprise risquée. Si l’on s’aventure trop loin dans l’éther, on risque de se retrouver avec le genre de beauté énervée qui tourne rapidement à l’ennui.

De même, les rêves ont l’habitude de se transformer parfois en cauchemars et c’est cette menace immergée qui semble se trouver parfois sous la surface faussement sereine de Moon Rally et qui permet à ce monde onirique particulier de ne jamais devenir ennuyeux.

L’histoire de Nicole Faux Naiv est porteuse d’un potentiel de création musicale qui mélange les cultures, les langues et les genres. Native de Berlin mais s’inspirant de ses racines russes et allemandes plutôt que de son lieu de résidence actuel, elle mélange ses influences formatrices (deux chansons sont en russe) avec le présent et les résultats sont souvent envoûtants. Des écoutes répétées renforcent le sentiment que c’est une artiste qui savoure l’opportunité de révéler quelque chose d’elle-même à travers sa musique, ce qui signifie qu’il y a du style et de la substance.

La preuve de ce potentiel est rapidement apportée par une tension lynchienne sous-jacente qui se fraye un chemin à travers le morceau titre, aux notes de basse résonnantes et profondes, avec ce qui ressemble à un clavecin encadrant une chanson sur le Rallye de la Lune qui semble de plus en plus sinistre à mesure qu’elle progresse.

Ailleurs, il y a une ambiance de fête foraine hantée dans des chansons comme le titre sinistre « Tomorrow Was a Summer Day in 2001 ». Alors que l’emphatique « Empty Summer » canalise des éléments de l’ère Cure de « Lullaby » comme s’il était remixé par Air, dessinant avec succès une image vivante de l’ennui saisonnier un jour où l’ennui semble s’étendre à l’infini.

Naiv réalise tout cela grâce à un mélange harmonieux d’instruments synthétiques et acoustiques qui contribue à sortir son premier album, plus que prometteur, des rangs de la bedroom dream pop compétente, mais souvent fade, qui encombre les coins de Bandcamp. Habitant une galerie des glaces similaire à celle de 5:55, de Charlotte Gainsbourg sorti en 2006, Moon Rally est cette chose souvent insaisissable : un rêve qui vaut la peine d’être vécu.

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