Diane Coffee: « With People »

29 avril 2022

Shaun Fleming est de retour sous le nom de Diane Coffee avec son quatrième album WIth People. Comme de nombreux artistes, Fleming a sans doute été affecté et influencé par l’isolement pendant la pandémie de Covid. Le résultat est évident : son album le plus introspectif et le plus personnel à ce jour.

Une fois encore, Fleming change de registre musical, passant du son soulful Synth Pop de son précédent album, Internet Arms, à un Folk Rock jangly, une vibe Dream Pop avec une touche de Glam Rock. « Corrina From Colina », « Hollywood » et « Forever You & I » ont un aspect soyeux et fluide. « Bullied » est une ballade pop rétro des années 1950 qui raconte l’histoire d’une brute dans une cour d’école du point de vue d’un enfant maltraité qui en a assez de partager un « I just can’t take anymore » (Je ne peux plus supporter) qui en dit long.

« Forecast » est de la pure Pop dans la même veine que des icônes de la Power Pop comme Dave Edmunds et Nick Lowe ainsi que des groupes comme The dbs, The La’s, et The Allah-Las. L’éclectisme est toujours un élément essentiel de la musique de Diane Coffe, comme l’ambiance Americana Country de la trépidante « The Great Escape » et le Glam Rocker « Sharks » à la T. Rex.

L’expérience de Fleming en tant qu’acteur de voix-off se prête bien à son phrasé vif, presque enfantin, et à sa gamme vocale qui évoque un mélange d’inflexions de John Lennon, Marc Bolan et David Bowie. Sans oublier ses compétences musicales plus que profondes qui se manifestent sur les multiples instruments dont il joue sur les dix titres. Quelle que soit la voie musicale empruntée par Diane Coffee, c’est toujours une belle aventure et With People en est le dernier et brillant exemple.

***1/2


Hatchie: « Giving the World Away »

23 avril 2022

Dans la musique de Hatchie, la ligne entre l’obsession et la désillusion a toujours été floue. Harriette Pilbeam a développé sa marque d’indie pop infectieuse et fuzzée depuis l’EP Sugar & Spice en 2018, et ses meilleures chansons sont si éblouissantes que vous pourriez oublier les peurs et les insécurités qui les imprègnent – si quelque chose, ils ont prouvé que la nature fugace et destructrice de l’amour est exactement ce qui nous pousse à nous précipiter vers les grands gestes et les clichés séculaires. Obsessed », l’un des nombreux titres phares de son premier album Keepsake, paru en 2019, habille le sentiment d’abandon autour d’une accroche inéluctable, à la hauteur du nom de la chanson. Si ses compositions combinent les textures éthérées du shoegaze avec les structures irrésistibles de la pop, ses paroles trouvent souvent le moyen de pousser au-delà de l’acceptation mélancolique et vers une forme étrange d’assurance. Son deuxième album, Giving the World Away, est son effort le plus dynamique à ce jour, ajoutant du poids aux préoccupations sous-jacentes de la musique sans diluer leur énergie luxuriante et dynamique.

En fait, la production est considérablement plus grande et plus ambitieuse qu’auparavant, mais Hatchie ne l’utilise pas pour se cacher – c’est toujours la concentration retrouvée de son écriture qui brille le plus. Dans une déclaration, elle a souligné que « je ne me contente pas d’écrire des chansons sur le fait d’être amoureuse ou d’avoir le cœur brisé » – et même lorsqu’elle écrit sur une relation, c’est plus comme une perfection de soi que comme l’effet enivrant d’un certain moment. ‘Lights On » ouvre la voie en présentant apparemment une version plus cinématographique de ce que Hatchie a toujours offert – une attirance rapide et illimitée sur une mélodie pop euphorique – mais elle ne tarde pas à jeter un coup d’oeil derrière le rideau : « Tu ne peux pas me dire que ce n’est pas un problème/ Quand tu es coincé dans ta tête ». Sur la chanson titre, une autre question la frappe : « Et si ce qui nous a rapprochés / Déclenche notre perte ? » (You can’t tell me it’s not a problem/ When you’re stuck inside your head.” On the title track, another question strikes her: “What if what drew us together / Triggers our demise?). Elle fait de la place pour de telles inquiétudes tout au long de Giving the World Away, en accordant autant d’attention aux nuances d’une situation qu’aux couches successives de sons qui l’enveloppent.

Mais le désespoir n’existe pas seulement en marge de l’album – c’est ce qui brûle au cœur de certaines de ses chansons les plus mémorables. L’honnêteté d’Hatchie est éclairante : on pourrait rapidement comparer le premier single « This Enchanted » à « Obsessed » en se basant uniquement sur le sujet, mais la perspective de la chanteuse ne pourrait pas être plus différente – lorsqu’elle déclare « Your image is all I see » dans le refrain, elle est bien consciente de la distance entre elle et l’autre personne : « J’essaie de fuir les échos/ Mais ils frappent plus fort à chaque fois ». (I try to run away from the echoes/ But they hit harder every time). La douceur nostalgique de la chanson n’est pas un moyen de s’échapper ; elle amplifie la vague de nostalgie qu’elle ne peut laisser derrière elle. « Quicksand « , qui a été coécrite avec le producteur d’Olivia Rodrigo, Dan Nigro, trouve un équilibre parfait entre les thèmes sombres et la pop brillante et rythmée : « J’avais l’habitude de penser que c’était quelque chose pour laquelle je pouvais mourir/ Je déteste m’avouer à moi-même que je n’ai jamais été sûre » (I used to think that this was something I could die for/ I hate admitting to myself that I was never sure). Même si elle laisse tomber l’obsession pour embrasser l’incertitude, sa musique reste tout aussi envoûtante.

Pour quelqu’un qui était initialement sceptique à l’idée de travailler avec des co-auteurs, Hatchie s’assure qu’ils font plus qu’ajouter un éclat brillant à sa musique déjà polie. La clarté du mixage reflète en fait l’état d’esprit de Pilbeam : « Fais confiance à ce que tu crains, utilise-le à ton avantage, sens sa force », chante-t-elle sur « Take My Head » (Trust what you fear, use it to your advantage, feel its strength). C’est une phrase puissante, mais ce titre est l’un des rares à manquer de la tension qu’elle et ses collaborateurs construisent si habilement ailleurs dans l’album, ce qui diminue sa propre voix. Pilbeam a déclaré qu’elle avait l’impression de ne faire que « gratter la surface » avec cet album, et on se demande parfois si elle n’aurait pas pu creuser un peu plus. Mais avec une complexité émotionnelle qui complète son approche vertigineuse du son, Giving the World Away sonde les possibilités de la dream pop comme mode d’expression, laissant juste assez à l’imagination.

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Sean Carey: « Break Me Open »

22 avril 2022

Quatre ans après son dernier album, Sean Carey est de retour avec son propre travail solo. Vous reconnaissez peut-être sa voix (ou vous la rappelez) de Bon Iver. En fait, lui et le maître d’œuvre Justin Vernon sont responsables de la batterie et des chœurs du groupe depuis le tout début. Et sa contribution au chef-d’œuvre de Sufjan Stevens, Carrie & Lowell, était également très intéressante.

Sans être dans la dythirambe ce nouvel opus frappe fort. Tout comme les artistes mentionnés ci-dessus, Sean parvient à créer une atmosphère très fragile avec un simple piano, qui ne devient que plus puissante lorsque sa voix est ajoutée.

Carey est devenu un célibataire aux multiples émotions. Il s’agit de deuil, de perte, de culpabilité. Des choses auxquelles nous sommes tous confrontés au quotidien. Mais comme il l’a déjà indiqué, il a su transformer ces émotions à connotation négative en espoir. Et l’amour. L’amour pour le passé, le présent et l’avenir

Et, comme vous pourez l’entendre à l’écoute, il n’abandonne pas. Mieux encore, il se sert de la positivité qu’il voit dans l’évolution de ses enfants comme d’une accroche pour faire mieux.

Dans un communiqué de presse, il a déclaré : Le changement est une bonne chose. C’est dur, mais c’est bien. Accepter ses erreurs et s’ouvrir de manière fragile. Parce que c’est seulement à ce moment-là que tu vois la beauté.

Et la beauté est très présente dans Break Me Open. Des fragments de Bon Iver, arrosés d’une sauce Julien Baker et de quelques Phoebe Bridgers en guise d’assaisonnement. C’est quelque chose que vous ne pourrez que vouloir goûter.

***1/2


Night Palace: « Diving Rings »

10 avril 2022

La magie de Diving Rings, le premier album de Night Palace, un groupe de dream pop de New York via Athens, en Géorgie, commence par l’écriture des chansons d’Avery Draut. En effet, les chansons de Draut entremêlent des accroches douces et des mélodies intelligentes qui évoluent de manière inattendue. Même si elles étaient réduites à des arrangements plus spartiates, des chansons comme « Jessica Mystic » ou « Nightshade » seraient toujours captivantes pour la façon dont Draut lie sans effort ses lignes vocales flottantes. La douceur distante de « Into the Wake, Mystified » rappelle à la fois la pop indé accrocheuse d’Alvvays et l’aura d’artistes moins terrestres comme Jane Weaver ou Cate Le Bon. Un album de chansons aussi fortes, présentées dans une instrumentation rock simple, serait parfait en soi, mais Diving Rings creuse plus profondément en explorant des arrangements ambitieux de pop de chambre et des virages à gauche dans des moments de sophistication douce. Cela peut prendre la forme de la section de cordes fantastiques qui apparaît dans « Enjoy the Moon ! » (une chanson qui ressemble à un morceau perdu de Pet Sounds joué par Broadcast) ou les solos de saxophone, les sections de bois mystiques et les sons de synthétiseur timides qui apparaissent de nulle part par intermittence tout au long de l’album.

Il y a également une abondance de sons de guitare psychédéliques et de traitements colorés qui se révèlent après plusieurs écoutes attentives. « Stranger Powers » est si accrocheur et entraînant qu’il est facile de manquer les petits changements de tonalités de réverbération sur les harmonies de soutien ou les changements rapides entre les sons de guitare. Diving Rings serait un excellent début même sans ses couches de sons complexes et ses arrangements impeccablement détaillés. Avec toute l’attention supplémentaire portée aux choix subtils de production et un flux en constante évolution qui traverse tout l’album, Draut et ses collaborateurs poussent Diving Rings au-delà d’un simple disque solide pour créer un monde de rêve étrange et excitant qui ne correspond à aucune autre dimension que la sienne.

***1/2


Nicole Faux Naiv: « Moon Rally »

10 avril 2022

Créer une musique que l’on peut véritablement qualifier d' »onirique » est une entreprise risquée. Si l’on s’aventure trop loin dans l’éther, on risque de se retrouver avec le genre de beauté énervée qui tourne rapidement à l’ennui.

De même, les rêves ont l’habitude de se transformer parfois en cauchemars et c’est cette menace immergée qui semble se trouver parfois sous la surface faussement sereine de Moon Rally et qui permet à ce monde onirique particulier de ne jamais devenir ennuyeux.

L’histoire de Nicole Faux Naiv est porteuse d’un potentiel de création musicale qui mélange les cultures, les langues et les genres. Native de Berlin mais s’inspirant de ses racines russes et allemandes plutôt que de son lieu de résidence actuel, elle mélange ses influences formatrices (deux chansons sont en russe) avec le présent et les résultats sont souvent envoûtants. Des écoutes répétées renforcent le sentiment que c’est une artiste qui savoure l’opportunité de révéler quelque chose d’elle-même à travers sa musique, ce qui signifie qu’il y a du style et de la substance.

La preuve de ce potentiel est rapidement apportée par une tension lynchienne sous-jacente qui se fraye un chemin à travers le morceau titre, aux notes de basse résonnantes et profondes, avec ce qui ressemble à un clavecin encadrant une chanson sur le Rallye de la Lune qui semble de plus en plus sinistre à mesure qu’elle progresse.

Ailleurs, il y a une ambiance de fête foraine hantée dans des chansons comme le titre sinistre « Tomorrow Was a Summer Day in 2001 ». Alors que l’emphatique « Empty Summer » canalise des éléments de l’ère Cure de « Lullaby » comme s’il était remixé par Air, dessinant avec succès une image vivante de l’ennui saisonnier un jour où l’ennui semble s’étendre à l’infini.

Naiv réalise tout cela grâce à un mélange harmonieux d’instruments synthétiques et acoustiques qui contribue à sortir son premier album, plus que prometteur, des rangs de la bedroom dream pop compétente, mais souvent fade, qui encombre les coins de Bandcamp. Habitant une galerie des glaces similaire à celle de 5:55, de Charlotte Gainsbourg sorti en 2006, Moon Rally est cette chose souvent insaisissable : un rêve qui vaut la peine d’être vécu.

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Beach House: « Once Twice Melody »

21 février 2022

Au milieu du XIXe siècle, l’écrivain français Jean-Baptiste Alphonse Karr a inventé l’expression « plus ça change, plus c’est la même chose » ou, pour les anglophiles, « the more things change, the more things remain the same ». Il semble que nous ne comprendrons jamais comment ce Parisien plutôt ordinaire a pu voir venir Beach House. Mais lorsqu’il s’agit d’expliquer la trajectoire de Victoria Legrand et Alex Scally jusqu’à ce jour, il n’y a tout simplement pas de phrase plus précise à utiliser.

L’intégralité du « back catalogue » de Beach House existe comme un ensemble de sculptures immaculées légèrement différentes, chacune taillée dans la même pierre, avec les mêmes outils, par les mêmes personnes. Les ingrédients qui entrent dans la composition de chacun de leurs disques sont restés assez constants tout au long de leur carrière. En termes de création d’un paysage sonore unique et identifiable, le duo est devenu un maître moderne. 

Ce qu’ils ont continué à améliorer au fil de leurs nombreux disques, c’est leur capacité à introduire des changements notables sans jamais perturber leur identité sonore. Sur 7 en 2018, des morceaux comme « Lemon Glow » représentaient, du moins en termes de Beach House, de grands écarts par rapport à ce qu’ils avaient produit jusqu’alors, avec son identité texturale rejetant fermement l’émerveillement space-age qui définit une grande partie de leur production.

Ainsi, sur leur nouvel album Once Twice Melody, le duo a réussi cet exploit avec encore plus de ferveur. Le style acoustique – oui, vous avez bien entendu, « acoustique » – de la pièce maîtresse « Sunset », sur le papier, semble être quelque chose de tout à fait hors de la timonerie du groupe. Pourtant, en tombant au milieu de ce double album – le premier que le couple a sorti – cela ne pourrait pas être plus naturel. Avec d’excellents ajouts au catalogue de Beach House de part et d’autre de son émergence – « Superstar », « ESP » et « Over and Over » au début, « Only You Know », « Masquerade » et « Modern Love Stories » à la fin – le disque a un but, accueillant dans une nouvelle décennie l’un des groupes musicaux les plus complets du 21e siècle. 

Ce n’est toujours pas un disque qui fera tomber les œillères des négationnistes de Beach House, mais il serait naïf de s’attendre à ce que cela arrive à ce stade. En réalité, ce disque, pour la plupart, ressemble à Beach House dans sa forme la plus extrême et expérimentale, ce dont un album de cette longueur a sans doute besoin. Il met en contraste des compositions chaudes avec des voix froides tout au long de l’album, et offre aux fans une exposition de près de 90 minutes sur le pouvoir cathartique de la dream pop et du shoegaze. 

Huit albums studio après le début de leur carrière, il est difficile d’imaginer comment Once Twice Melody aurait pu mieux atterrir qu’il ne le fait. Constamment intéressant, voire excitant à de nombreux endroits, il réaffirme le consensus de longue date selon lequel ces deux musiciens ont de la poussière d’étoile au bout des doigts. Leur capacité à incarner leur son tout en trouvant de nouvelles voies pour le faire voyager reste inégalée. Et même s’il n’est pas immédiatement identifié comme leur meilleur disque, plus on s’y attarde, plus il mérite ce titre.

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Palm Ghosts: « Lost Frequency »

6 décembre 2021

Palm Ghosts de Nashville, TN, viennent de sortir son nouvel album The Lost Frequency. La signature sonore du combo mêle post punk lunatique et dream pop d’une manière qui rappelle des légendes telles que The Cure, Joy Division et Echo and the Bunnymen. Leur suivi de Lifeboat Candidate, le groupe a développé une sortie régulière de musique depuis 2014 qui inclut The Lost Frequency comme leur cinquième LP.

Avec des paroles fantaisistes et ludiques, le groupe joue avec des thèmes juxtaposés de confrontation et de calme. Ce qui émerge est un son qui a un pied fermement planté dans l’arène de leurs prédécesseurs, tandis que l’autre évoque une imagerie moderne et expose les sujets d’aujourd’hui.

Oui, vous pouvez donc écouter cet opus comme un voyage nostalgique avec une oreille qui pense à certains groupes du passé. Mais cela ne rend pas service à ce groupe du Tennessee. S’ils n’ont pas peur de leurs racines, ils font aussi de la musique pour le présent. Et on adore ça. Si nous devions choisir un morceau favori de l’album, ce serait sans aucun doute « John Carpenter, » du nom de la légende du cinéma et de la musique à l’origine de certaines des plus grandes musiques de l’histoire du cinéma (voir Halloween, The Thing, The Fog, etc.). Ce morceau ressemble à un rêve fiévreux habillé de synthétiseurs dignes deu réalisateur et c‘est vraiment le sommet de ce LP.

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The Album Leaf: « One Day XX »

18 octobre 2021

One Day XX est une édition spéciale 20e anniversaire et une reprise de One Day I’ll Be On Time de The Album Leaf, alias Jimmy LaValle. Sorti à l’origine en 2001 cet opus a changé la donne pour The Album Leaf. Presque du jour au lendemain, il est passé d’un projet solo à temps partiel à un groupe complet. Des tournées avec Sigur Rós et la fondation du groupe de rock instrumental Tristeza ont également suivi.

Les mélodies sont placées sur les plus hauts sommets, les ailes douces et planantes s’étirant vers l’extérieur dans des mouvements méditatifs et des rythmes balayés. Plus c’est calme, plus c’est puissant.

LaValle a fait appel à un collaborateur de longue date, James McAlister (Sufjan Stevens, The National, David Bazan), et à des membres de son groupe pour réimaginer la musique de l’album qui a lancé sa carrière, en travaillant sur les compositions avec un regard neuf et des années d’expérience. Les chansons ont été vues sous des angles différents et présentent heureusement une « clarté émotionnelle » renouvelée, ce qui n’était pas possible au moment de l’enregistrement original – seules les années écoulées peuvent le faire.

LaValle n’a pas repris la musique dans le but de l’élever ou de la nettoyer. Au contraire, il donne aux jeunes mélodies le respect et l’espace nécessaires pour se dresser à nouveau. L’authenticité de l’original n’a pas été entamée, mais elle a été revisitée par des mains plus âgées et plus sûres, et les sons sont maintenant influencés et façonnés par vingt ans d’expérience. La musicalité peut changer, se déplacer et évoluer au fil des ans, mais la compétence demeure, voire s’accroît.

LaValle a enregistré cet album alors qu’il avait une vingtaine d’années, et le temps lui a permis de mieux comprendre sa progression en tant que musicien. Il s’agit d’une rétrospective dans laquelle le renouvellement est embrassé et l’original du passé est respecté. Les fans adoreront ce remaniement, car il reste fidèle à l’original tout en recevant un look rafraîchi ; c’est le même corps dans une nouvelle tenue. One Day XX est une musique pour l’ici et le maintenant, mais elle est issue du passé.

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Galán / Vogt: « The Sweet Wait »

2 octobre 2021

On dit que la patience est une vertu, mais en période d’attente, elle peut donner l’impression d’être tout sauf cela. The Sweet Wait est le titre de la collaboration entre le compositeur espagnol d’ambient/expérimental Pepo Galán et la chanteuse australienne de dreampop Karen Vogt. Lorsqu’ils s’unissent, leur musique devient élégante et émotionnelle. Comme l’indique son intitulé, The Sweet Wait explore les thèmes de la patience, de l’abandon de l’ego et de l’abandon ultime, ce qui, dans un monde où le contrôle est tout, est recherché, est valorisé par-dessus tout, peut être un concept difficile à saisir.

Avec des éléments d’ambient sombre, de dreampop, de shoegaze, de néo-classique et d’ambient, leur premier disque est un doux mélange, avec de l’affection et de l’amour qui s’échappent de son son, traçant des lignes de rivière à travers sa géographie ambiante obsédante, qui contient une guitare faisant écho au désir, un piano âgé, un ensemble plus jeune de voix tourbillonnantes, aspirant toujours à recevoir et traînant derrière dans le courant ambiant, et un violoncelle grinçant. Il s’agit d’absence et de doute, parce que pendant une saison d’attente, les choses peuvent ressembler à une impasse, comme si tout espoir avait été perdu. Mais c’est aussi un album d’acceptation dans la capitulation (ce qui n’est pas la même chose que la résignation), et d’humilité profonde pour envisager de se rendre.

Écrite et enregistrée entre Paris et Malaga, la musique offre ici un magnifique mélange entre les paysages sonores ambiants de Galán, élégants, vastes et profondément texturés, et la voix de Vogt, qui scintille entre les deux, creusant discrètement un espace dans le son ambiant, parfois océanique, et le complétant avec délicatesse et humilité. Karen a cofondé le groupe de dreampop Heligoland, et sa voix a toujours été un élément essentiel de la production du groupe ; il en va de même ici et une ambiance onirique et lyrique est rendue réelle, tant les mots nagent dans l’air…

Dans une société qui place la gratification instantanée sur un piédestal, l’attente peut être considérée comme une chose difficile. Mais il y a également une douceur et une innocence dans ladite attente, un esprit patient qui cultive le calme et la confiance, ainsi qu’une connaissance profonde que les choses finiront par se révéler, avec le temps. Il n’est pas nécessaire que tout soit sombre, ni que ce soit difficile. Si l’on ne peut pas contrôler les influences et les événements extérieurs, on peut en revanche contrôler sa réaction.

The Sweet Wait présente deux photographies étonnantes de la photographe française Aurélie Scouarnec, qui capture l’obscurité, les ombres et la vie entre les voiles. Le sacré, le respect, la nature extrêmement précieuse de la vie et la délicatesse d’un seul instant, où le caché est aussi important que le révélé, se déploient dans chaque photographie. Il en va de même pour les choses cachées dans l’attente et la patience. Une forte volonté est nécessaire. Pour chaque chose il y a une saison ; le fruit a, ici,mûri.

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Sufjan Stevens & Angelo De Augustine: « A Beginner’s Mind »

26 septembre 2021

A Beginner’s Mind de Sufjan Stevens et Angelo De Augustine est aussi brillant dans son exécution que dans sa conception. Stevens et Angelo De Augustine, qui a la même voix, se sont installés dans le nord de l’État de New York et ont écrit des chansons inspirées de films qu’ils ont regardés la veille. Les films allaient des premiers classiques hollywoodiens (All About Eve) aux films d’horreur de série B (Night of the Living Dead), en passant par un film de surfeur et de braquage (Point Break). Le matériel source des chansons, associé à l’approche à cœur ouvert des artistes, qui rappelle le plus sérieux des chants de Noël de Stevens, donne lieu à un mélange génial de paroles aussi sincères qu’hilarantes. L’exemple le plus frappant est « Fix it all, Jonathan Demme », au milieu de la superbe « Cimmerian Shade », qui utilise Silence of the Lambs comme point de départ.

En tant qu’auditeur, c’est à vous de décider si vous essayez de comprendre les références cinématographiques ou si vous vous contentez de flotter le long d’une douzaine de chansons de folklore de chambre impeccablement conçues. Sur le papier, la perspective de deux voix plus aiguës (celle de Stevens a un micron de raucité en plus) peut sembler une proposition à haut risque, mais comme le duo l’a prouvé sur « Blue » et « Santa Barbara » de De Augustine il y a quelques années, cela fonctionne étonnamment bien. Garfunkel & Garfunkel si vous voulez. Il n’y a pas si longtemps, De Augustine enregistrait des albums dans sa salle de bains (de bons albums, d’ailleurs), alors le voir se produire comme un pair aux côtés du fondateur et doyen de son label, sur un album complet, est pour le moins encourageant.

A Beginner’s Mind bénéficie de l’approche brevetée de Stevens pour structurer des compositions apparemment simples, mais aux couches infinies. Le morceau d’ouvertur, « Reach Out », présente l’approche vocale de l’artiste, qui consiste à couvrir de près le public, et s’épanouit musicalement dans une multitude d’endroits. De la même manière, la beauté auditive des dons de ces artistes est mise à profit dans des joyaux de l’album tels que le doux murmure de « Murder & Crime », la délicatesse du piano et des cordes martelées de « (This Is) The Thing », et le chœur aux cordes de nylon de « Lacrimae ». Mais en plus de ces moments plus doux, il y a des prises plus rapides tout aussi efficaces, comme la puissance de la batterie sur « Back to Oz ». Les répliques enfouies qui s’accordent parfaitement avec les films dont elles sont tirées ne sont que la cerise sur le gâteau. Dans « Lady Macbeth in Chains », Stevens révoquera lle personnage de Bette Davis sur All About Eve : « juste une opportuniste dans l’âme » (just an opportunist at heart). Les zombies de l The Night of the Living Dead prenndront, eux, quelques coups dans le titre ironique dqu’est « You Give Death a Bad Name », tandis que le personnage principal de Hellraiser III bénéféciera d’un rare avant-goût d’empathie dans « The Pillar of Souls » : « ma peau est ablatée avec des incisions saignantes » (my skin is ablated with bleeding incisions ).

À l’instar de la tentative de Stevens d’enregistrer un album pour chacun des 50 États, l’exercice d’écriture de chansons dans lequel lui et De Augustine se sont lancés sur A Beginner’s Mind pourrait facilement donner lieu à plusieurs albums de matériel prometteur. Avec un peu de temps et l’accès à un abonnement à la chaîne Criterion, une multitude infinie de résultats sont évidents. Un « pourquoi as-tu fait ça » au Travis Bickle de Robert DeNiro ou un conseil de voyage opportun à Janet Leigh de Psycho ne seraient que la partie émergée de l’iceberg du Titanic. Comme l’art engendre l’art, A Beginner’s Mind est à la fois une véritable source d’inspiration et un témoignage de ce que l’on peut obtenir en faisant son shopping musical avec des artistes de premier plan.

***1/2