Green Lung: « Black Harvest »

9 octobre 2021

En dépit de l’océan absolument stupéfiant de groupes de doom qui se sont succédé ces dernières années, il y a toujours de nouveaux groupes qui sortent du bois dans le monde entier et qui ne font pas que nous surprendre, mais nous captivent. Green Lung en est peut-être l’un des meilleurs exemples, avec un seul EP et un album complet à son actif, mais son nom est devenu culte presque instantanément. Pourtant, c’est avec leur tout nouvel effort que la grandeur de leur réputation ne fera que croître.

C’est toujours avec des groupes comme ceux-ci que beaucoup d’entre nous ne peuvent s’empêcher de craindre le pire, car la pensée se fraie toujours un chemin : et si un successeur digne de ce nom ne pouvait être livré ? Et si le groupe n’était capable que de livrer un travail solide pour ensuite connaître une baisse de qualité immédiate ? Ce sont des pensées sombres qui assaillent toujours les fans, quelle que soit la confiance qu’ils ont, et nous ne pouvons qu’être reconnaissants et extrêmement fiers que Green Lung ne soit pas considéré comme un tel destin malheureux, car tout ce que Black Harvest apporte est tout simplement impressionnant pour le fan moderne de doom.

Dans la continuité de son premier album, Green Lung poursuit son glorieux mélange de doom des premiers jours avec une ferveur moderne que l’on ne peut nier en aucune façon, car nous sommes traités avec une cascade absolue de riffs, de puissance et de véritable esprit qui imprègne chaque moment de l’album. Plonger dans cet album, c’est s’entourer de la chose exacte qui continue à attirer beaucoup d’entre nous vers le paysage sonore moderne d’excellence et d’épopée que les groupes les plus récents de doom ont réussi à se tailler, le succès et la gloire semblant se trouver à chaque coin de rue, et c’est avec une véritable puissance et une promenade enveloppée de fumée à travers les bois détrempés que Green Lung se trouve à l’avant-garde de ce mouvement.

Il y a tellement de choses à disséquer dans cet album qu’il est presque stupéfiant d’en être le témoin la première fois, et chaque nouvelle écoute offre toujours quelque chose de nouveau à découvrir et à dévorer, montrant encore plus la gloire que le groupe est capable d’exécuter avec un défaut apparemment minime. Tout ce qui est mis en avant dans Black Harvest est tout ce qu’un digne successeur devrait être, et à aucun moment il ne manque de tenir cette promesse.

***1/2


James Welburn: « Sleeper In The Void »

26 août 2021

James Welburn évoque certainement un sens de l’épique avec ce nouvel album, Sleeper In The Void. Le plaisir réactif qu’est « Raze » brûle rituellement dans votre esprit comme un fantôme agité, puis est plongé dans un bain corrosif de bruit granuleux, se tordant à la manière de Soliloquy For Lilith sur des paraboles de basse et des scintillements de recul percussif jusqu’à ce que le drame prenne des couleurs divergentes et un mirage serpentin.

Une atmosphère magistrale, le magnifique frottement de « Falling From Time » reprend, tout en prisme et en pivotement, sa techno agrafée mâchée dans une bouilloire tendue et une caisse de résonance en forme de balle, alors que des cinématiques scintillantes s’y faufilent. Là où d’autres plongeraient dans une tempête de neige d’un abandon distordu, ici vous êtes traité avec des vues sculptées qui se fondent dramatiquement dans l’oreille, ajoutant de nouvelles perspectives sur le déroulement.

L‘oasis sombre de frettes et de cloches d’église sur le morceau titre suinte une sensibilité doomique qui n’a pas de place pour le cliché, et qui est soudainement percutée par de très belles percussions lugubres qui brillent par leur physicalité transpirante (grâce au batteur suédois Tomas Järmyr). Des scènes qui s’agitent, se vautrent dans une opacité croissante, puis sont déchirées par Icare, laissées à elles-mêmes pour manger harmonieusement leur miroir.

Ce sont des textures que l’on peut goûter, absorber – ces guitares tronçonnées qui accompagnent les croissants vocaux de Juliana Venter sur « In And Out Of Blue » sont de véritables montagnes russes de prouesses de production, attentives et vacillantes, serpentant la structure avec des accents excitants. Un gambit qui injecte dynamiquement le bourdon lugubre du morceau suivant, « Parallel », dans un contraste saisissant, alors que le bourdon distendu de la trompette de Hilde Marie Holsen se morigène en fractures en forme de sabre et en crevasses murmurantes, une ouverture frottée d’aubépine qui s’enfonce dans votre tête et scintille comme une hallucination léchée par la chaleur.

Ce qui laisse le shuffle techno pourri du dernier morceau pour fournir une épitaphe satisfaisante, fouetté par une rançon dans des métallisations éclaboussantes et des balayages arrière électrocutés, alors qu’une ballade tordue d’un seul mot éclabousse, engorgée d’abstractions vocales. Sleeper In The Void est un voyage audacieux et aventureux qui aboutit à un oubli béat.

***1/2


Jess And The Ancient Ones: « Vertigo »

24 mai 2021

Lorsque l’on parle de rock occulte, le nom du groupe finlandais Jess And The Ancient Ones en est un exemple flagrant. Le combo s’est, en effet, fait un nom en l’exécutant d’une manière qui semble tout droit sortie de la fin des années soixante. Leur précédent album, The Horse & Other Weird Tales, a reçu de nombreux éloges et est rapidement devenu un incontournable de leur catalogue. Ils reviennent aujourd’hui avec Vertigo, le frère autoproclamé de son prédécesseur.

En ouverture de l’album, « Burning Of The Velvet Fires » signale instantanément ce que le groupe a mentionné, à savoir que Vertigo est relatif à The Horse & Other Weird Tales. Il est teinté d’un soupçon de nostalgie de ce qu’ils nous ont servi il y a quatre ans, les riffs et le jeu d’orgue offrant des couches rythmiques excitantes pour que la voix de Jess enivre les auditeurs.

Cette ambiance se poursuit tout au long de l’album, mais sur une note plus profonde et plus sombre par rapport à ce que nous avons l’habitude d’entendre d’eux. Alors que l’orgue est toujours une caractéristique importante, la façon dont Jess travaille avec les sous-entendus chargés de doom que l’on entend dans des morceaux tels que « What’s On Your Mind », apporte ce sentiment sinistre au premier plan de leur son global.

Un effet similaire est entendu dans l’un des « singles » du groupe sortis précédemment, « Love Zombi ». Il y a des notes qui entourent la chanson d’une manière qui conviendrait bien à un film d’horreur des années 70/80. C’est là, une fois de plus, que l’orgue est remarqué comme une caractéristique dominante de la musique, et il ajoute des couches qui constituent cette relation sans effort. Le fait de mettre l’orgue en avant de temps en temps a permis aux chansons d’avoir un peu plus d’impact, contrairement aux albums précédents où il l’emportait parfois sur tout le reste.

La voix de Jess a le don de séduire les auditeurs, et que ce soit ou non parce que les sons dominants ont été légèrement réduits, elle a vraiment eu l’occasion de prendre les choses en main. Sa voix, bien que distincte et immédiatement reconnaissable, a une certaine force sur Vertigo qui devient plus exigeante à entendre à mesure que l’album progresse. Dans le dernier morceau, « Strange Earth Illusion », vous êtes complètement perdu pour elle.

Bien sûr, la voix de Jess n’est pas la seule chose pour laquelle vous êtes tombé amoureux au final. Ce sont les transitions entre des mélodies blues époustouflantes et des riffs à nouveau teintés d’épaisses tonalités doom. Malgré sa longueur de plus de 11 minutes, la façon dont il a été produit et assemblé ne laisse aucune place à l’ennui, seulement à la curiosité de savoir où se trouve le prochain tournant. Entre le chant puissant de Jess et les sons qui créent des frissons sinistres, c’est une façon épique de terminer le voyage dans lequel Vertigo nous a emmenés.

Vertigo, c’est Jess And The Ancient Ones à son meilleur. Le groupe nous a offert à la fois son côté lumineux et son côté plus sombre, et bien que leur son soit similaire, la façon dont ils ont défini leur mode et leur ton général est impressionnante. Il rappelle son prédécesseur, comme le groupe l’a déclaré avant sa sortie, c’est comme son  » frère « , et bien qu’il le soit clairement, c’est plutôt le jumeau maléfique de The Horse & Other Weird Tales. Le groupe a toujours eu un sentiment de fraîcheur, bien qu’il ait pris des influences d’il y a des décennies, et Vertigo a, une fois de plus, exactement cela. Le rock occulte est né pour des groupes comme Jess And The Ancient Ones.

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Greet Death: « The Brutal Beauty Of Self-Reflection »

10 mai 2020

Qu’est-ce que l’enfer exactement ? Est-ce un domaine tortueux auquel on est condamné après une vie de péché ? Peut-être l’enfer est-il plutôt un sentiment que l’on ressent dans la vie quotidienne ?

Toujours est-il que, si on est en prise avec les pensées du combo sur leur deuxième album, Saluez la mort aux prises avec ces pensées sur leur deuxième album, The Brutal Beauty Of Self-Reflection, on n’est pas loin de vouloir saluer la mort.

« Circles of Hell » donne le ton de l’album alors que le groupe se fraye un chemin à travers de lourdes distorsions et des tambours qui martèlent. Le guitariste Logan Gaval chante sur les effets paralysants de la dépression, plaidant pour une bouée de sauvetage : « J’ai été laissé derrière / Retourné à la case départ / Si je parlais franchement / Je serais crucifié dans mon propre enfer ». (I’ve been left behind / Returned to the grind / If I spoke my mind / I’d be crucified in my own hell.) La chanson culmine avec une minute de guitare et de basse grinçantes. C’est un moment si lourd que le groupe est obligé de faire une pause pour revenir avec encore plus d’agressivité.

Cette lourdeur est la carte de visite de Greet Death. C’est un groupe qui joue sur ses forces sans être monotone. Le son du trio de Flint, dans le Michigan, est un mélange de shoegaze, de dream pop et d’emo avec juste une touche de doom. La plupart des neuf morceaux sont structurellement identiques : ils commencent en silence et en diminutif et atteignent des sommets fulgurants avant de s’épuiser sous le poids des instruments. Habité et inspiré.

***1/2


Frayle: « 1692 »

24 avril 2020

Frayle, un groupe de doom-rock basé à Cleveland, est assez nouveau sur la scène, puisqu’il a été formé en 2017. Le combo est le fruit de l’imagination du guitariste Sean Bilovecky et du chanteur Gwyn Strang et il pratique un mélange séduisant de doom épais et lourd avec la voix obsédante et franchement magnifique de Strang. En 2018, ils ont sorti leur premier EP, The White Witch, qui a été bien accueilli par la critique et les fans et leur a valu des places en première partie de diverses tournées et un contrat de disque. Le groupe, qui compte désormais cinq membres, a développé et élargi son son et il sort aujourd’hui son nouvel album 1692 . Le groupe décrit lui-même sa musique comme des berceuses sur le chaos, ce qui est une description parfaite de sa musique.

Les paroles de Strang sont intensément personnelles et couvrent le chagrin, la colère, la frustration et la résolution. Sa voix, souvent respirable et douce, a un chatoiement de type pop. La toile de fond est épaisse, multicouche, lourde et stoner-esque fuzz qui fait avancer les morceaux. L’album s’ouvre sur une courte introduction, on entend d’emblée les extrêmes du son du groupe, d’un côté les guitares saturées et déformées et de l’autre le chant obsédant de Strang. Le groupe cite Portishead comme influence et les similitudes avec le style vocal de Beth Gibbons sont très évidentes.

La chanson-titre, « 1692, possède un rythme patient, presque lent, les guitares de Bilocecky, fortement saturées et à la limite du larsen, sont à peine retenues. On a l’impression qu’elles peuvent exploser à tout moment, mais le rythme reste constant et discret. « Gods of No Faith » accélère un peu le tempo, les voix de Jason Popson (chanteur de son collègue de Cleveland Mushroomhead) ajoutent une merveilleuse dynamique, ses froncements de sourcils caustiques ajoutent un contraste intéressant et en font un morceau saisissant.

Des riffs boueux et une batterie lente ouvrent « Darker than Black » et le chant de Strang est doux et chantant, on dirait une sorte de cauchemar sur le thème de l’occultisme. Le rythme s’accélère à mi-parcours, mais comme auparavant, le morceau mijote doucement. « Burn » est beaucoup plus épars, avec une batterie syncopée et un morceau de guitare minimaliste pendant les premières minutes, le titre s’épanouit brièvement avec quelques guitares denses et superposées pour le refrain. Les deux guitaristes contrôlent merveilleusement leurs instruments, le feedback est utilisé pour créer de la tension avant les sections plus fortes. « Godless » exsude une sensation similaires, les voix lointaines ajoutent une qualité onirique et le morceau fait un crescendo à plusieurs reprises mais se construit lentement avec des couches supplémentaires. Les titres sont plus révélateurs à l’écoute, certains des premiers morceaux tels que « 1692 » et « Gods of No Faith » captivent l’auditeur dès le début, tandis que les derniers morceaux ont besoin d’un peu de temps pour être appréciés.

Les deux derniers morceaux s’éloignent de la sensation de stoner/doom pour se rapprocher d’un son plus shoegaze/regard noir. « If You Stay » est un peu plus rapide et urgent. Les guitares lourdes sont épurées et le chatoiement et la mélodie sont laissés de côté. « Stab » n’est qu’une guitare et un chant et constitue une diversion intéressante par rapport aux morceaux précédents. Ces deux morceaux mettent le chant de Strang au premier plan, ce qui donne une impression générale un peu plus mélodique et onirique.

1692 est un excellent « debut album »t, le groupe a puisé dans une grande variété d’influences pour créer quelque chose de tout à fait unique. L’alchimie entre Strang et Bilovecky est évidente et, bien qu’il soit à des extrêmes quelque peu différents sur le plan sonore, il fonctionne à merveille. Parfois, on a l’impression que le mélange est un peu plat et que la gamme dynamique n’est pas tout à fait là. C’est une musique dans laquelle il faut se perdre, elle est passionnée mais retenue et il vaut probablement mieux l’écouter dans un château sombre, peut-être hanté, pendant un orage.

***1/2


Bloody Hammers: « The Summoning »

19 juillet 2019

On a pas trop de mal à s’imaginer, en contemplant la pochette de ce cinquième album du duo américain Bloody Hammers, la teneur de ce disque ; un heavy doom bien rétro aux paroles inspirées des films d’horreur eighties. Le côté gothique très prononcé de Bloody Hammers est, toutefois, contrebalancé par une écriture assez pop et accrocheuse, qui garantit à chaque titre une écoute facile et agréable sans ce côté repoussoir qui finit par éclore de la vague revival, aux gimmicks et tics instrumentaux répétitifs.

Ainsi, le « Let Seepings Corpses Lie » qui nous accueille et se situe à la frontière du gothic rock et du heavy gothique, s’avère, malgré son côté un peu pompier (les claviers y jouent un rôle non négligeable), assez rafraîchissant

Le riff de « Now the Screaming Starts » nous rappellera à l’ordre : en effet, si l’accroche est toujours là, la datation au carbone 14 ne trompera personne. Mais, on verra très vite que la magie continuera d’opérer en particulier avec l’accroche mélodique de la chanson-titre. Ce sera, au bout du compte, une raison de vouloir continuer plus loin. Ce voyage durera environ 45 minutes, pas trop longtemps pour ne pas nous lasser et pour que le feeling gothique prenne le pas sur l’outrage et l’affectation qui le duo frôle mais auquel il parvient à échapper.

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Evi Vine: « Black Light White Dark »

3 mars 2019

Le curriculum vitae de la Londonienne Evi Vine témoigne d’une reconnaissance des pairs, une reconnaissance qui s’est affermie au fil des ans. Engagée depuis plusieurs années dans une carrière solo, Vine est apparue aux côtés des grands, et ce dans plusieurs cadres : en studio par exemple avec les gens de The Eden House (projet de Stephen Carey et du bassiste de Fields Of The Nephilim, Tony Pettitt, mettant en valeur les voix féminines dans un cadre musical planant et éthéré) ; mais sur scène aussi : aux chœurs notamment pour les dernières dates live de The Mission, qu’elle servit en studio pour le bel Another Fall From Grace (2016). Début février 2019, elle ouvrait pour Brendan Perry (Dead Can Dance). C’était à Paris, au Petit Bain.
Son nouvel album solo, Black Light White Dark, comprend son lot de surprises et de gens aguerris : Simon Gallup (The Cure), Peter Yates (guitares – membre de la mouture originelle de Fields Of The Nephilim), Martyn Barker (Shriekback, Marianne Faithfull, Goldfrapp), Geraldine Swayne (Faust). Fruit de cette conjonction des forces : un ensemble subtilement puissant et noir, constituant certainement ce que Vine a fait de plus immersif et émouvant depuis ses tout débuts.

Entourée de ses compères Steven Hill, Matt Tye et David ‘GB’ Smith, Evi délivre une collection d’ambiances hypnotiques, porteuses de la même délicatesse que ses précédentes productions : deux albums (… And So The Morning Comes [2011] et Give Your Heart To The Hawks [2015]), faits d’une mystérieuse harmonie.
Mais Evi et son groupe actuel, rénové dans sa section rythmique, trouvent supplément de chair et ouvrent profondeur de champ inédite avec ce troisième volet studio. Une profondeur de champ voulue, résultat d’une chimie atteinte par ces musiciens au fil des jams ayant précédé l’enregistrement. Arrivant en studio, ils étaient prêts à jouer en conditions live, à envoyer à la table de mix la source qu’ils produisent sur scène… ce qui ne fut pas le cas des deux enregistrements précédents, enregistrés à la maison en mode DIY.

Black Light White Dark comprend six morceaux pour presque quarante minutes de musique. Deux pièces imposantes (« Sabbath », neuf minutes, et le final « Sad Song n°9 », presque douze), le reste se tenant dans des formats plus courts sans que pour autant, vous puissiez vous attendre à de classiques « chansons ». Vine et ses musiciens sont dans un registre de texturation progressive et d’exposés fantomatiques. Les références afflueront forcément (4AD, Cocteau Twins, Portishead, Marissa Nadler, This Mortal Coil) mais les faire apparaître n’est que mettre en appétit, et certainement pas dire ce qu’est cette musique. Qu’est-elle, d’ailleurs ? Un voyage, une intériorité : les climats sont noirs et sensuels, ce dont témoigne justement « Sabbath », premier extrait choisi pour présenter l’album. Sur ce morceau est intervenu Simon Gallup (The Cure) pour des basses linéaires et pesantes, et qui rappelleront foule de souvenirs aux amateurs du son des premiers albums de Smith & co. Peter Yates est là aussi.

Ce titre est à l’image du reste : un mélange paradoxal de spatialité dans le son et d’intimisme dans l’intention. C’est une musique de l’intérieur. Evi ne craint d’ailleurs pas d’aborder la douleur personnelle, l’absence de perspective et la fragilité ultime. Le suicide fait partie du voyage, et c’est « My Only Son ». Un fruit est à tirer de la douleur, et Evi ne projette en l’occurrence ni un fantasme ni ne conte fiction : réalité personnelle est sous-bassement du titre, qui trouve ses origines dans la disparition d’un proche – et la culpabilité, parfois, de ceux qui restent après. Une présence flotte dans l’air.

En studio, Vine & co. n’ont que très peu recouru aux overdubs. Ainsi qu’ils le disent eux-mêmes (en substance), « ce que tu écoutes est ce que nous avons joué ensemble, réellement ». C’est là, sans doute, l’une des clefs de voûte de ces charpentes sinueuses.
La voix de Vine pleinement mise en valeur, ère dans des paysages nocturnes. Elle ne ment pas (« My Only Son »). Le groupe est minimal dans son approche, maximaliste dans son effet : construisant à partir de peu d’éléments, il échafaude avec précaution une grande musique ne nuit. C’est immersif, cinématographique, pénétrant. La lenteur et l’économie des percussions (la section rythmique, quoique incorporée depuis seulement deux ans, est d’une saisissante maturité) sont plateforme sur laquelle s’étale le mystère, jusqu’à s’éparpiller en bulles cosmiques (« I am the Waves »).
Enregistré aux studios EchoZoo (Eastbourne, Londres) par by Phill Brown (déjà à l’œuvre sur le cru 2015, et par ailleurs ancien collaborateur de Led Zeppelin, David Bowie ou Talk Talk) et produit par David Izumi (Ed Harcourt), Black Light White Dark n’est, pas plus que les précédents, un travail à catégoriser. C’est une musique émotionnelle, délicate, capable d’épaississements et de bruit sourd. Une musique sans format et pour laquelle le temps est un espace à occuper. À l’instinct.


Mansion: « First Death of the Lutheran »

12 janvier 2019

Le « revival » est chose cyclique et, sine de la versatilité des temps, le doom-rock est, lui aussi, atteint par ce phénomène. En l’occurrence ici il s’agit de Mansion, un combo finlandais qui mélange rock gothique, doom et heavy rock dans une atmosphère, comme il se doit, lugubre et menaçante.

Il faut dire que le sujet dont s’inspire Mansion est particulier ; celui d’une secte chrétienne (le Katarnoïsme) attendant une apocalypse proche, usant de transes et autres expériences de conscience altérée, s’interdisant toute forme de sexualité et utilisant des enfants prédicateurs.

Il suffit d’écouter « Lutheran », la perle de cet album, pour vous s’en sentir imprégné : sept minutes 15 dont le metal est totalement exclu, mais qui s’avèrent plus flippantes et sombres que le reste de l’album. « Wretched hope » débute par une mise en condition : quarante secondes d’intro horrifique, et continue avec un riff doom bien troussé répété à l’envi. Un titre classique et efficace, sans grande surprise mais qui nous fait pénétrer l’univers de Mansion en douceur.

« Lutheran » sera, par conséquent, l’apothéose. De discrètes touches électro, un chant rampant et maléfique, des cordes lancinantes, un piano glacial, bref une chanson à la magie noire contagieuse. Sur « The eternal », c’est le chant masculin qui l’emporte, pour une mélopée tout aussi maussade et répétitive mais ô combien réussie. « 1933 » débute par une sorte de sabbat délicieusement folk et tribal, puis poursuit et termine de façon chorale et plus doom. Enfin « First death » est le titre le plus progressif et long de l’album, accueillant un saxophone et alternant parties doom metal ou plus atmosphériques, pour un final chaotique et « spatial ».Un premier album qui parvient à marquer l’auditeur par sa personnalité unique et un potentiel qui n’est pas encore pleinement exploité. A suivre, donc.

***1/2


Mark Lanegan & Duke Garwood : « With Animals »

1 janvier 2019

Le tandem Mark Lanegan et Duke Garwood est un des duos qui possèdent une alchimie indéniable, complémentarité qui dure depuis 2013 et Black Puddin . C’est ce que l’on a pensé en 2013 lorsque le duo a publié un premier album intitulé Black Pudding. Cinq ans plus tard, le couple anglo-américain refait des siennes avec leur successeur intitulé With Animals.

Après Gargoyle en 2017, Mark Lanegan avait repris du service un an plus tard avec son fidèle collaborateur. Voici donc douze nouveaux morceaux sombres et minimalistes que le tandem Lanegan/Garwood nous concocte avec en ligne de mire des titres bien lancinants comme « Save Me », « Feast To Mine » et le plus douloureux « My Shadow Life ».

Sur With Animals, on assiste à une cérémonie solennelle où les deux complices nous entraînent dans leur univers bien brumeux. Malgré quelques éclaircies que sont « Upon Doing Something Wrong », Mark Lanegan et Duke Garwood brisent les frontières entre folk et ambient sur la majorité des morceaux comme « Ghost Stories » tout en restant mélancoliques avec par exemple « Desert Song » en guise de conclusion.

Une fois de plus, le couple anglo-américain prouve qu’ils font la paire avec ce nouvel opus torturé et mélancolique. With Animals est ce genre de disque à écouter religieusement en raison de sa mysticité prononcée digne d’artistes comme Leonard Cohen ou Nick Caven.

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Uncle Acid And The Deadbeats : « Wasteland »

24 décembre 2018

En l’espace de quelques années, Uncle Acid And The Deadbeats est devenu un groupe iconique de la scène stoner / doom / psyché grâce à la qualité constante de ses productions. Wasteland, le cinquième effort de la formation de Cambridge, prolonge ses innovations stylistiques empruntées aux années 70, plongeant l’auditeur dans un paysage brumeux où seuls les élans mélodiques réussissent à percer la morosité ambiante.

De prime abord, La production peut paraitre perturbante par sa dimension « lo-fi » assumée, et, grésillant de toutes parts, c’est sur le malaisant « I See Through You » que débute la découverte de ce nouvel effort. Ouverture à grand coups de butoirs, sur des guitares qui semblent déclencher des arcs électriques jusqu’aux amplis Orange, Uncle Acid And The Deadbeats assène un véritable mur de son cradingue dont les chœurs illuminent le refrain. L’orgue renforce le ressenti d’une mélodie à la spiritualité décadente, alors que tout le reste ne semble qu’abrasion. Wasteland est un album qui s’écoute fort, très fort.

Plus le son crépite, plus on apprécie l’âpreté des morceaux. Les envolées à la six cordes de « Shockwave City », inscrivent le single directement dans la lignée d’un Black Sabbath survitaminé et corrosif. Il faut dire que la formation emmenée par Kevin Starrs a tendance à jouer plus rapidement que sur les opus précédents, à l’instar de « Blood Runner », un morceau cadencé par une batterie binaire, ou du sulfureux « Stranger Tonight », aux lignes de chants caustiques.

Pour un bref instant, Uncle Acid And The Deadbeats débranche les amplis, pour nous submerger dans une étrange mélancolie, en s’improvisant sur un jam progressif le morceau qui donne son titre à l’album). Plus surprenant encore, on notera des arrangements audacieux, que ce soit avec des claviers qui s’immiscent subtilement, où mieux encore des cuivres, comme sur l’étonnant « Bedouin », véritable ovni dans la discographie des anglais, à l’opposé de titres tels que « No Return » ou « Exodus », qui nous enterrent à coups de pioche, dans un doom-rock d’une morbidité absolue, où semble régner un futur sans espoir de lendemain, si ce n’est celui d’un ultime solo de six cordes qui s’éteindra dans le déraillement d’une ligne d’orgue, ponctuée d’une marche militaire.

Avec brio, Uncle Acid And The Deadbeats met en harmonie une musique profondément contrastée, entre lumière et noirceur, entre crasse et élégance, et cela s’appelle une terre en friches nommée Wasteland.

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