Lourd et hypnotique, Devotional est le fruit d’une association inhabituelle entre le pilier du doom metal Greg Anderson et la chanteuse et violoniste Petra Haden. Actif depuis la fin des années 1980, Anderson est une sorte de gourou du metal expérimental, connu pour des projets comme Sunn O))), Goatsnake, Thorr’s Hammer, et pour avoir dirigé Southern Lord Records. Se présentant simplement comme le Lord, il s’est lancé en solo au début de l’année 2022 avec Forest Nocturne, une fusion tendue de bandes sonores instrumentales d’horreur et de death metal scandinave. Haden, fille de l’emblématique bassiste de jazz Charlie Haden, a une discographie beaucoup plus variée qui couvre le rock indépendant, le jazz, l’avant-garde et une pop a cappella ambitieuse. Ce n’est pas non plus sa première collaboration avec Anderson, qui l’a invitée par le passé à collaborer avec Sunn O))) et Goatsnake.
Sur Devotional, les deux artistes explorent des sons lourds à travers le filtre de la musique classique indienne, en se concentrant sur les aspects les plus sombres du culte et de la dévotion. Sur le morceau-titre, Anderson scie un motif répétitif fortement distordu tandis que Haden superpose un chant sans paroles à des crescendos ébouriffants et à des improvisations hurlantes. Largement basés sur le drone, les six longs morceaux passent par une variété de timbres anxieux avec des figures de guitare en boucle ponctuées par des cris étranges soudains et des rayonnements harmoniques occasionnels de la voix sauvage de Haden. Le plus subtil « Ma Anand Sheela », nommé d’après la porte-parole controversée du mouvement Rajneesh, est un point culminant puissant qui exploite vraiment l’attrait intense du culte. La guitare d’Anderson, qui ressemble presque à un sitar avec son hochet résonnant, est posée sur le mixage comme un socle de granit, aidant à ancrer le halo éphémère de la voix de Haden. Devotional est l’une des musiques les plus difficiles et les plus exigeantes que ces deux artistes aient réalisées, mais elle dégage une énergie unique qui ne pouvait provenir que de cette étrange union.
Concealment de Knowledge Through Suffering offre une exécution pénétrante de son extrême distordu, combinant des éléments de blackened death et de doom metal avec un récit épique fortement structuré de manière dissonante.
Dernier né du catalogue de sons extrêmes et expérimentaux du label italien Brucia Records, Concealment met en lumière la férocité brutale et grandiose de la musique de Knowledge Through Suffering. Le groupe représente une combinaison féroce de certains des sons les plus intenses et les plus extrêmes, des atmosphères épiques influencées par le black metal au death metal percutant inspiré des années 90 qui est utilisé dans le cadre d’une aura sombre de doom metal. De plus, avec seulement trois titres pour faire leurs preuves, Knowledge Through Suffering offre une dissonance incroyable et une brutalité injustifiée.
La chanson d’ouverture de ce disque porte le nom le plus épique qui soit, « God Alone Was Exalted That Day ». Tout d’abord, les thèmes des paroles se démarquent massivement sur ce morceau, dans lequel il semble y avoir une sorte de récit épique et biblique avec un sous-entendu apocalyptique, véhiculé par les lignes « la terre était déserte et vide, avec des ténèbres, sur la face de l’abîme et le vent de Dieu planant sur la face des eaux, tout a été détruit en douze heures, comme Dieu dit qu’elle était déserte et vide » (the earth was waste and empty, with darkness, over the face of the abyss and the wind of God hovering over the face of the waters, all was destroyed in twelve hours, as God says it was waste and empty).En outre, ce texte semble confronter la colère de Dieu à la désapprobation et à la détestation de la création de la Terre, ou, comme il est dit plus loin, « des mots saints à travers des sons impies, un langage sacré exprimé par une musique épaisse et suffocante, mais en même temps atmosphériquement enveloppante » (holy words through unholy sounds, a sacred language expressed through music that is thick and suffocating and yet at the same time atmospherically enveloping).
La musique vise donc à accompagner cette déception nihiliste et misanthrope de la nature bibliquement apocalyptique des paroles. Le carnage pur se déchaîne à travers ces riffs violents et conflictuels qui évoquent la peur et sculptent une atmosphère impitoyable. La complexité de la batterie est également perceptible et contribue à cette atrocité sonore pure, en augmentant la vitesse et en libérant des breaks denses et durs. Le chant, quant à lui, adopte cette qualité épique comme s’il s’agissait de raconter ce décor impie par le biais de grognements graves et perçants et de cris de prêcheurs à la limite du sous-homme.
« Let the Earth Sprout » est le titre suivant et il vous frappe au visage avec une force brute grâce à des riffs de guitare lents et groovy et à des grognements de mort qui englobent le mal. La batterie entreprend également de nombreuses progressions, passant de sections de blast-beat féroces à des rythmes d-beat étonnamment bien incorporés qui accompagnent les échanges vocaux vicieux. Pendant que les voix expérimentent ces cris maléfiques et pratiquement inhumains, la guitare et la basse explorent des atmosphères tendues qui agissent comme un clin d’œil subtil à un black metal Emperor-esque. De plus, alors que la section instrumentale se profile, les riffs denses et l’interprétation effrayante des guitares construisent l’image vivante d’un monde déchu envahi par le carnage humain et l’apathie nihiliste.
Enfin, « Of Flesh » complète ce disque de manière profondément troublante et agressive. On peut presque ressentir une sensation de froid dans les vocaux qui tentent de s’enfoncer dans la peau de l’auditeur et de griffer ses os. Les grognements de la mort ne font qu’accroître la lourdeur en évoquant des tendances violentes et sinistres. La profondeur et l’interaction avec les tempos est un autre point fort de cet album, créant un échange hypnotique entre des sections death metal rapides et menaçantes et ces riffs épiques de doom noirci qui explosent avec tant de puissance et de force. Les sections vocales ressemblant à des prédicateurs reviennent également dans les périodes de doom metal épique du morceau, ajoutant une fois de plus au récit biblique du disque, mais elles semblent avoir apporté plus de colère et de grandeur alors que le courant sous-jacent de black metal prévaut toujours, comme pour confronter le va-et-vient entre les sons et les thèmes lyriques saints et impies.
Si Concealment semble être la direction prise par Knowledge Through Suffering, alors Brucia Records a un joyau de groupe dans ses cartes. Cet opus confronte la nature impitoyable et nihiliste de notre monde à travers des riffs percutants, imprégnés de mort, une narration apocalyptique biblique bien structurée et une expérimentation profondément construite entre divers sous-genres du métal extrême tels que le death metal des années 90, le black metal progressif et le doom metal épique sans compromis. Il est clair que personne n’est à l’abri une fois qu’il a fait l’expérience de la brutalité et de la férocité de Concealment, et Knowledge Through Suffering ne montre aucun signe de vouloir s’arrêter là.
Les albums collaboratifs dans l’underground reviennent tendance ; de l’excellent Thou & Emma Ruth Rundle, l’année dernière à la récente sortie de Bell Witch & Aeria Ruin, la fusion de styles souvent disparates de deux artistes pour créer quelque chose de nouveau a pris une vie propre pendant la pandémie. C’est dans cette optique que s’inscrit le prochain album du quintette de black metal doom Rircal, qui s’est associé à Earthflesh, son bassiste d’origine, pour produire les bruits les plus violents, abrasifs et horrifiants de sa carrière jusqu’à présent.
L’ouverture presque chorale d' »Altars of Nothingness » fait penser à un service religieux, mais cela ne dure pas longtemps. Juste avant les trois minutes, les guitares font leur entrée, un son abrasif qui matraque et soumet avant que des cris surnaturels ne se fassent entendre. Leur placement plus bas dans le mixage permet de s’assurer que, plutôt que de détourner l’attention, ils complètent les coups déjà portés. Cela mène à des moments de larsen tourbillonnants et lugubres avant que le milieu du morceau ne commence à pousser la chanson vers des territoires plus black metal.
Alors que la première chanson « Altars of Nothingness » est plus doom bourdonnant, rampant et volontaire, « Happiness Sucks, So Do You » amplifie le black metal et crache sa haine sans discernement. Les voix rauques sont beaucoup plus présentes ainsi que les guitares trémolos qui sont dissonantes sans être complètement atonales, construisant une cage sonore inéluctable. Les premières minutes, surtout entre les deux premières minutes et les cinq premières minutes environ, sont d’une noirceur furieuse, avec des accalmies occasionnelles dans la tempête. Les blastbeats sont utilisés généreusement, accélérant le tout en un maelström tourbillonnant et glacial.
Ce ne sont que deux morceaux, mais Witch Coven, c’est trente minutes de terreur auditive pure. Chaque morceau dure environ quinze minutes et passe d’une ambiance menaçante à une terreur claustrophobe, et tout ce qui se trouve entre les deux. Il y a des passages de doom rampant comme au milieu d »‘Altars of Nothingness », avec parfois des hurlements désespérés dans le mixage pour créer une atmosphère sombre et oppressante. Ils côtoient une ambiance bourdonnante, notamment au début du morceau et au milieu de « Happiness Sucks, So Do You ».
L’utilisation de la répétition et du bourdon, comme le milieu de la piste susmentionnée, est moins méditative et plus inquiétante. Il y a un sentiment profond et durable de malaise dans le feedback en boucle, les cris douloureux maintenus bas dans le mixage et l’atmosphère profondément troublante. Ce sentiment persiste pendant plusieurs minutes et, au lieu de devenir ennuyeux, il ne fait qu’accentuer la violence qui l’accompagne.
En parlant de violence, des moments de black metal brut et furieux s’infiltrent également, la majeure partie du deuxième morceau « Happiness Sucks.. ». étant constituée d’un mur abrasif de givre et de misanthropie. Il est difficile de dire exactement où se termine Rorcal et où commence Earthflesh ; les deux groupes existent dans une symbiose presque parfaite, se complétant l’un l’autre et ajoutant de la profondeur et des dimensions supplémentaires d’extrémisme à la musique.
Witch Coven est profondément expérimental dans son approche ; les passages répétitifs, les dissonances et le sentiment de claustrophobie qu’il dégage en font quelque chose de tout à fait unique, qui ne plaira certainement pas à tout le monde. Mais ceux qui osent braver les profondeurs profondément troublantes y trouveront certainement une expérience cathartique, à défaut d’être agréable au sens traditionnel du terme.
Les dernières minutes du précédent (et excellent) LP de The Body, I Have Batght Against It, But I Can’t Any Longer (2018), étaient dominées par la voix de baryton d’un homme, récitant un long passage désespéré de Total Fears: Selected Letters to Dubenka de Bohumil Hrabal (1998). Cette voix est de retour, entonnant de façon inquiétante le début du nouveau disque de The Body, I’ve Seen All I Need to See, et les choses ne sont pas devenues beaucoup plus heureuses. Toujours en mode récitation, la voix donne maintenant une interprétation profonde et douloureuse du poème de Douglas Dunn The Kaleidoscope (1985), tiré du cycle d’élégies du poète écossais adressé à sa défunte épouse. La présence de la voix et ses lectures lunatiques du langage littéraire rapprochent les disques, et suggèrent également les ambitions de plus en plus élevées de la manière dont The Body veut que sa musique soit reçue. C’est une démarche risquée. Le metal n’est pas réputé pour son ouverture à un intellectualisme aussi flagrant mais toute objection aux gestes plus érudits du groupe n’aura pas beaucoup d’importance. Et la musique résiste.
Bien sûr, tous ceux qui entendent I’ve seen all I need to see n’entendront pas de la musique. Les disques de The Body ont toujours été traversés par toutes sortes de bruits dérangeants et désorientants. Surtout depuis All the Waters of the Earth Turn to Blood (2010), Chip King et Lee Buford ont élaboré leurs chansons de doom metal, dures et austères, avec des samples, des synthés et des boîtes à rythmes, des voix en choral d’opéra ou en pleurs (parfois l’Assembly of Light Choir, parfois le chant singulier de Kristin Hayter) et d’autres sources non identifiables faites de drones et de feedback et de bruit brutal. Au cours des cinq dernières années, Buford et King ont passé plus de temps avec les boutons, les potentiomètres et les boîtes à effets qu’avec les trappes et les guitares. Ce nouveau LP est moins rempli de sons de synthétiseurs, de clips de radicaux politiques fomentant la violence révolutionnaire ou de la sorte de clameur associée à l’électronique de puissance. Mais cette qualité relativement dépouillée ne signale pas un retour aux sources du métal. Au contraire, The Body s’est intéressé avec encore plus de rigueur aux mécanismes de la production musicale. Le studio lui-même semble fonctionner comme un instrument sur I’ve Seen All I Need to See. Et cette progression de l’intérêt s’est traduite par des sons inquiétants et palpitants.
Le titre « Eschatological Imperative » est typique du contenu du disque. Il y a un rythme simple, qui est traité musicalement et développé à un degré de résonance gargantuesque ; il y a des couches de thrum qui évoquent parfois les basses absurdement profondes d’une mixtape piège ; il y a le jacassement surnaturel de King ; enfin, Buford attaque sans relâche une cymbale crash. Tous ces éléments sont engraissés et amplifiés. La chanson cherche le point où les sons cessent d’être cohérents comme des sons lisibles, puis elle recule un peu. On peut toujours dire qu’un tambour est un tambour, qu’une voix est une voix, mais la massivité et la distorsion menacent de convertir les formes en quelque chose d’informe. Tout au long du disque, The Body trouve le point de plus grande intensité et s’y attarde, ne laissant jamais les compositions se dégrader en une cacophonie complète, mais n’abandonnant jamais complètement le sentiment qu’elles sont sur le point de le faire.
Les résultats sont assourdissants, oppressants. Vous pouvez vous retrouver nostalgique d’une époque plus simple, où le groupe faisait des chansons comme « Untitled », qui étaient bruyantes et désagréables mais qui avaient beaucoup de sens en tant que chansons. Selon The Body, I’ve Seen All I Need to See est une exploration des « micro-tonalités », dont certaines ont été produites en « alimentant la console en retour sur elle-même ». Ce critique ne dispose pas des langages théorique et technique pour analyser le succès de l’entreprise en ces termes. Tout cela semble très haut placé (et très moderniste). Mais encore une fois : la musique insiste. Il y a peut-être une idée au centre du disque, mais elle est dépassée par la qualité viscérale des chansons. Vous écoutez et vos tripes tremblent. Toute la pièce semble trembler. On se souvient d’une clause que The Body a citée dans les écrits de Hrabal : « Toute ma chambre me fait mal. » Si c’est l’effet que le combo cherche à obtenir, il a réussi.
Pour résumer ; si vous aimez Sunn O))) et les débuts de Tangerine Dream, vous devriez probablement consacrer un moment aux débuts de Lords of the Drift. D’une durée de 30 minutes, The Arecibo Message combine drone et doom metal avec des rythmes et des claviers séquencés pour un voyage lourd, atmosphérique et pénible à travers les confins de l’espace.
Composé des guitaristes Tomo Milicevic et Tim Showalter, du guitariste/claviériste Arjan Miranda et du bassiste David Bason, ce groupe dresse de lourds murs de riffs déformés. En plus de ces éléments écrasants, de courts motifs de guitare et de clavier, ainsi que d’autres accords, voltigent en arrière-plan. Ainsi, l’album se prête à une écoute détaillée à haut volume.
The Arecibo Message est divisé en trois mouvements. Le premier comprend les riffs denses et murés mentionnés ci-dessus. Le deuxième envoie les guitares en arrière-plan et les remplace par des textures de clavier sur un grondement bas. Le troisième introduit des motifs séquencés qui soutiennent des structures d’accords plus spacieuses et variées sur un tempo plus rapide. Compte tenu de ces caractéristiques, si vous aimez les bourdons plus qu’un peu lourds avec quelques pépins de psychédélisme et l’école de Berlin, n’hésitez pas.
Forming the Void ont sorti ici leur quatrième album Reverie juste après un troisième, Rift, qui a été acclamé par la critique et a été classé en tête des Doom Charts. Non seulement le groupe dambitionne de s’appuyer sur cet exploit, mais il le fait suivre d’une pochette qui présente un mammouth sortant d’un volcan !
Pas de pression donc, et sans doute plus important encore, pour que la musique continue à progresser dans une direction ascendante, ils donnent à leur quatrième opus le nom d’un état particulier, celui d’être agréablement perdu dans ses pensées et l’accompagnent d’une couverture extrêmement lumineuse et accrocheuse d’un visage de tigre à l’intérieur d’un cube. Cela vous donne un léger indice, celui qe le combo va s’oienter vers un son rock, un peu plus cosmique et progressif.
Forming the Void a toujours eu ce potentiel d’ aller dans des endroits plus élevés que ceux dans qlesquels ils se sont aventurés jusqu’à présent. Sur Reverie, ils montent effectivement de plusieurs crans avec leur mélange de heavy doom, de riffs boueux, de métal cosmique teinté de psychédélisme et de touches de rock progressif, mais, cette fois-ci, ils volent et voient encore plus haut avec une touche adroite d’influences orientales. Bien sûr, a batterie déverse toujoursle tonnerre épais et flou de la basse l’encourage tout au long de l’album pour les ingrédients nécessaires au doom tête, mais les guitares offrent de nombreuses textures intrigantes différentes sur l’album, ce qui indique que c’est le son d’un groupe qui évolue admirablement.
C’est sur « Trace the Omens » que ce résultat est le plus efficace, car une ligne de basse roulante est la toile de fond solide, et les léchages de guitare tourbillonnants sont en effet idéaux pour vous emmener dans votre propre espace de tête. Il y a aussi la bonne quantité de fuzz pour ne pas abîmer les textures subtiles de la guitare. Un autre point fort de l’album « Manifest » aura le double effet de vous inviter à vous perdre dans leur orbite musicale alors qu’ils sont capables de maintenir un groove lourd.
Cette capacité de Forming the Void à emmener leur son dans des paysages soniques subtils et délicats pour une dérive auditive est obtenue par des changements de tempo intéressants, décalés par des riffs ciblés. Cela fonctionne comme un régal sur « Ancient Satellite », qui combine la dérive psychédélique avec un puissant hard rocking doom tandis que « Onward through the Haze » juxtapose leurs éléments plus doux avec une tempête de rock tonitruant et de fuzz en charge.
La musique qu’ils ont créée sur Reverie a atteint un nouveau niveau, tandis que la tonalité et la voix sont restées plus ou moins les mêmes. Cela empêche l’album d’atteindre des sommets stratosphériques encore plus élevés. Pourquoi le chant a-t-il été plus important pour moi cette fois-ci ? Il se pourrait qu’ils aient beaucoup écouté le nouvel album remarquable d’Elephant Tree (Habits), où ils obtiennent à la fois un son étonnant et des harmonies vocales qui vous donnent l’impression de flotter. Ou peut-être est-ce la qualité musicale accrue des musiciens sur ce présent opus, où l’ajout d’un délicat saupoudrage de guitare aux influences orientales qui a conduit à l’exigence d’une plus grande variation dans les tonalités et la voix. On pourrait se demander, à cet égard, comment ces morceaux sonneraient s’ils avaient inclus des harmonies plus étendues.
Reverie est leproduit d’un bon groupe qui déploientleurs ailes et emmènentleur son dans une direction très expansive et intéressante ; ce facteur inédit fait de Reverie le meilleur album du groupe à ce jour.
N’essayez surtout pas de parler de la psychédélia lourde au 21e siècle sans mentionner Elder. Issu de l’underground stoner doom, le quatuor de Boston a utilisé des arrangements progressifs et des textures trippantes pour produire certains des meilleurs albums de la dernière décennie. Alors que les fans opposent le Lore de 2015à Reflections of a Floating Worldparu en 2017, le groupe est à nouveau en piste avec son cinquième album. Après une décennie et demie d’arrangements gonflés et de technicité croissante, Omens adopte une approche plus réservée. Les mélodies désespérées d’Elder, les riffs croustillants et la facilité à tout déchiquter avec le bon goût qui caractérise le combo se transforment en paysages sonores pensifs, en jams spacieuses et en chants accessibles. Les puristesdu doom-metal pourront crier au « sold out », même un élitiste endurci ne pourra pas écarter la chanson–titre. Les arpèges de clavier fleurant les années 70 sont accompagnés d’une guitare floue et harmonisée, mais le son plus léger de la six cordes de Michael Risberg prend immédiatement le dessus. Cette sonorité et les synthés chatoyants dégagent une atmosphère classique de prog-rock, tandis que le chant de Nick DiSalvo rappelle le post-hardcore de la vieille école.
Des musardages discrets aux solos époustouflants, le travail de guitare n’en est pas moins impressionnant. Le batteur Georg Edert change toujours de signature temporelle sur un dixième de dollar, maintenant une chimie serrée avec le bassiste Jack Donovan. Ce qui distingue vraiment Omens, c’est l’effort d’Elder pour laisser les passages respirer, plutôt que de les encombrer de riffs géniaux.
Si les deux derniers albums d’Elder comportaient pléthore de riffs à la minute, Omens s’occupe davantage de jams lents aux climax saisissants. Les touches de carillon de Risberg percent les riffs harmonieux du début de « In Procession », réalisant l’équilibre caractéristique du groupe entre polyrythmies techniques, groove collant et harmonie euphonique.
La dynamique passe sans heurt de la fusion feutrée aux refrains électrisants, mais la section centrale montre l’incroyable croissance d’Elder en tant qu’arrangeur. Les guitares et les touches de clavier commencent à superposer des motifs distincts, mais imbriqués, tandis que la section rythmique ajoute avec tact des remplissages plus bombassiers et des hits syncopés.
Le fait que DiSalvo puisse encore entremêler des accroches passionnées dans tout cela fait essentiellement de lui la version doom metal du multi-instrumentiste Mike Kinsella. Là où les chansons du passé agrémentaient la lourdeur écrasante d’idées exploratrices, ces nouveaux morceaux font de ces aventures sonores le cœur de l’écriture des chansons. Le plus grand risque était de laisser le claviériste s’occuper de plus de pistes. Beaucoup de metalheads crieront à l’injustice, mais cela renforce la qualité mélodique d’arrangements plus éthérés.
Les quatre minutes de « Halcyon » croisent ainsi les points de vue respectifs de This Will Destroy You et de Talk Talk sur le post-rock. Le rythme modeste, les « guitar licks » dansants et le grondement de basse pulsant s’enfoncent dans un bain sonore magnifique, au point que le passage suivant donne l’impression de se réveiller d’un rêve.
Les riffs de stoner élégiaques offriront également une récompense à couper le souffle. Les mélodies de synthétiseur délicieusement ringardes et les changements de rythmes math-rock rappellent peut-être The Mars Volta, mais le timbre de guitare flou et la progression plus lente font de ce titre l’un des morceaux les plus pessimistes du disque.
Le rythme propulsif, les accords brillants et le chant criard de « Embers » s’éloignent le plus du format d’Elder. Dans ce que l’on pourrait décrire comme Jawbreaker prenant du LSD avec King Crimson, le groupe fournit certains de ses breaks instrumentaux les plus hypnotiques et un chant contagieux. Le solo de clavier envoûtant est assez intense, mais le groupe prend quatre minutes de plus pour développer des mélodies époustouflantes et des progressions d’accords radicales. Ce qui lui manque en termes de lourdeur ordurière, Elder le compense largement par une puissance émotionnelle pure et simple.
« One Light Retreating » termine intelligemment le disque en entremêlant des instruments plus engagés et plus fluides à des riffs de doom qui font trembler la terre. Des drones s’écrasent sur des modulations en mouvement constant, réalisant un équilibre entre l’ancienne et la nouvelle approche du groupe. La construction de l’ambiance synthétique au riff central n’est rien de moins qu’absorbante, ce qui donne une crédibilité finale au sens du mélodisme, de l’atmosphère et de la musique rock qui fait vibrer les os d’Elder.
Il n’est pas facile de s’écarter du chemin avec succès, mais l’indéniable alchimie d’Elder mène le groupe à travers son album le moins « métal » à ce jour. En se débarrassant de ses racines punitives, le groupe apporte une nouvelle dimension à son atout le plus précieux : la musicalité. Omens devrait, sans aucuns doutes, mettre Elder dans toute conversation sur la musique rock qui compte pour cette nouvelle décennie.
Parfois, lorsque vous voyez une pochette, cela vous rappelle quelque chose que vous avez beaucoup écouté en disque. C’est ce ne peut qu’arriver arriver avec Asylum le premier opus de Shrooms Circle combo suisse de doom-metal,qui, dès le premier regard, vous mettra en tête la couverture du « debut album » de Black Sabbath. Que cela vaille la peine d’afficher de telles références est risqué, mais, à l’écoute, ça n’est -, ni usurpé, ni illégitime.Le groupe vaudois s’est entièrement consacré aux sonorités psychédéliques-ocultes des années 70 en combinaison avec du doom metal bizarre et rétro-esthétique. Après la démo intitulée Asylum, Shrooms Circle a pu sortir une version intégrale éponyme après s’être formé autour de la chanteuse Odile Boche et avoir joué inlassablement dans des clubs underground. Avec une introduction comme la chanson-titre, nous avons doit à un album ohérent de bout en bout. En effet, sur les sons d’orgue qui animent le morceau, les Suisses indiquent déjà habilement la direction dans laquelle ils veulent aller : un stoner-doom avec beaucoup de profondeur et des voix féminines sortent des haut-parleurs. On pourrait appeler cela un mélange de grands noms de la scène comme Electric Wizard, Windhand ou Sleep associés à une pincée de Jex Thoth. Pas une production pure, mais plutôt laissée à l’état brut.
Le combo sait comment plaire et « Witches Are There! » s’appuie sur ce désir d’en savoir plus. Shrooms Circle ne se présentent pas de manière trop compliquée et n’ont pas le cerveau bien lavé et c’est peut-être pour cela qu’ils peuvent accumuler des points supplémentaires avec certains adeptes des groupes et styles mentionnés. Il est alors temps de renverser la vapeur tel que le montre un disque continue de belle manière avec « Out From The Grave ». On remarque sans cesse une légère arythmie dans les chansons, ce qui est assez agréable, car ces changements de tempo rafraîchissent un peu l’ensemble. « The Druggist » fait monter le tempo avec ses basses puissantes et peut aussi apporter un vent frais. Alors que « A House Behind The Hills » »fait ressortir le côté psychédélique de Shrooms Circle de manière impressionnante et se sent presque trop rapide dans les parties du refrain, le groupe passe sans problème à des parties plus lentes, au travers d’uen composition comme « Trapped » qui montre les forces du groupe dans sa gestion de passages plus intelligents. À cet égard, « The Island » célèbre clairement la lenteur du Doom Metal et, encore une fois, la production ne semblera pas stérile mêmes’il y a plutôt un peu de flou et de bruit en son timbre.
Un essai réussi pour le groupe suisse. Peut-être pas un chef-d’œuvre comme Black Sabbath, mais un début solide pour un risque pris et un obstacle franchi avec aisance.
Bien que leur catalogue désormais impressionnant soit en grande partie immaculé, le plus grand facteur de la réputation inattaquable de My Dying Bride a été leur mystique impitoyablement soutenue. Ni sensible à l’attrait des circuits de tournée habituels ni à la moindre influence extérieure, le doom metal épique et avant-gardiste des Britanniques semble presque exister hors du temps ou du lieu reconnaissable. En conséquence, The Ghost of Orion ne peut manquer d’être un moment décisif, avec un désir honnêtement exprimé d’augmenter le niveau d’activité et d’obtenir ainsi une reconnaissance qui aurait dû être acquise depuis longtemps.
Tout cela ne compterait pour rien, bien sûr, si The Ghost of Orion était soit plus lugubre, soit une tentative cynique de transformer ce groupe irrévocablement de gauche en une brillante proposition commerciale. Mais My Dying Bride a été un groupe têtu tout au long de ses 30 ans d’existence, et bien que ce soit sans aucun doute la chose la plus polie et la plus accessible que le groupe ait produite, au moins depuis Like Gods of the Sun en1996, elle est aussi impitoyablement sombre, écrasante, d’une beauté sinistre et musicalement extraordinaire que les admirateurs de longue date en rêvent. En prime, le nouveau batteur Jeff Singer (anciennement chez Paradise Lost entre autres) a donné à My Dying Bride un élan rythmique, un groove et un swing qui contribuent énormément à la fraîcheur et à la vitalité de ce disque. S’il ne s’agit pas d’une réinvention totale – et ce n’est certainement pas le cas – c’est la preuve d’un nettoyage de printemps vraiment vigoureux, avec des résultats triomphants et revigorés.
Le premier « single », « Your Broken Shore », aura calmé tous les irréductibles inquiets : c’est le premier My Dying Bride, mais en quelque sorte plus solide et plus puissant, avec ces lignes de violon irrésistibles qui percent comme des pichenettes persistantes jusqu’aux cordes du cœur. Il n’est pas nécessaire de faire beaucoup de recherches pour savoir que le chanteur Aaron Stainthorpe a vécu des moments difficiles ces dernières années, et bien que la consternation soit depuis longtemps sa marque de fabrique, il y a une couche supplémentaire de vulnérabilité et de fureur réelle dans son interprétation. Quand il chante « J’ai vécu dans les profondeurs du temps… » (I have lived through the depths of time), on sent que c’est vrai. Mais plus que de brouiller les lignes entre les paroles abstraites et les événements de la vie réelle, ces chansons semblent représenter un épanouissement, en fin de carrière, des dons de compositeur de ce groupe.
Le guitariste Andrew Craighan est l’un des grands héros méconnus du métal, et son talent pour enflammer l’âme avec une mélodie biaisée est présenté ici en trois ou peut-être même quatre dimensions sonores éblouissantes. « To Outlive The Gods » en est un bon exemple : aussi énorme et aussi dévastateur que tout ce que My Dying Bride a écrit. C’est une grande chanson, mais aussi une classe de maître dans la production de métal moderne, avec des sons de guitare qui font trembler les murs et, avec Singer derrière le kit, une batterie qui sonne vraiment dédiée à remuer les morts. « Tired Of Tears » est encore plus étonnant. En partie un retour artistique aux malheurs glaciaires des premiers classiques comme The Angel and the Dark River de 1995, en partie une reconstruction euphorique de ces mêmes éléments sous de nouvelles formes grandioses, c’est une musique aussi majestueuse que celle que vous entendrez en 2020.
Bizarrement, elle est surpassée en taille et en somptuosité par les deux colosses de l’album, « The Long Black Lan » » et « The Old Earth ». Aussi intemporel et imparable que le broyage des plaques tectoniques, ce dernier est un tumulte particulièrement captivant de dix minutes, avec toute la dynamique attendue et la majesté du rythme de l’escargot, mais aussi un fort sentiment d’évolution continue, alors que les riffs de Craighan se déforment et serpentent à travers un territoire à la fois étranger et familier. Même sur une courte distance, cette dernière incarnation des icônes les plus obscures du doom britannique déborde de façon audible d’idées et d’enthousiasme. L’élégant et obsédant « The Solace » et le chatoiement élégiaque de la chanson titre indiquent que le plan de la MDB est toujours en pleine effervescence, et il sera fascinant de voir ce qui va se passer ensuite, en particulier si The Ghost of Orion donne à My Dying Bride l’impulsion qu’elle mérite tant. En saisissant de nouvelles opportunités et en déployant leurs muscles créatifs comme jamais auparavant, nos rois du mystère morbide ont réalisé l’un de leurs meilleurs albums à ce jour. La classe, tout comme la mort, est éternelle.
Sur Let It Take Its Course, lun titre comme « Leave » est, à cet agard, remarquable en raison de son style vocal. Adam Easterling fait un travail fantastique grâce à la façon dont il utilise sa voix pour raconter les ténèbres de la chanson. Tout au long du morceau, Easterling parle d’une voix basse et persuasive et vers la fin de la chanson, il commence à chuchoter les paroles et, d’une certaine manière, les chuchotements façonnent le thème du morceau.
Le titre « Let It Take Its Course » est amusant en raison de la façon dont l’instrumentation est composée. Le groupe fait un excellent travail en jouant sur un tempo plus rapide avec un son agressif. D’une certaine manière, il semble que Orthodox prouve qu’il est encore capable de jouer du métal profond et percutant.
D’autre part, « Obsinity » sera un titre exemplaire car il fait office de présentation de la nature sonique du combo, à savoir agressivité doublée de chuchotement. Entre douceur et tonalités grinçantes elle ajoutera ainsi de la puissance et de l’autorité à la folie de ce morceau et elle sera est une excellente introduction à l’album.
Le titre « Wrongs » montre un côté différent du groupe. L’instrument principal en est le piano et il a un son fantastique ; rempli d’émotion et en accord avec le chant de Easterling qui, lui, est malmené par l’angoisse.Orthox n’est orthofdoxe que suand il le veut bien ; à ce titre il fait montre de prestance, d’inventivité et d’intelligence ; c’est un album auquel on ne êput qu’adhérer dans la manière où il poursuit son chemin.
Publié par rockdecibels 
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