Black Tape For a Blue Girl: « The Cleft Serpent »

13 octobre 2021

Remerciez qui vous voulez pour Sam Rosenthal. Auteur-compositeur, concepteur de sons et propriétaire de label, il fait tourner son groupe Black Tape For a Blue Girl depuis trente-cinq ans maintenant, connaissant des moments de grande renommée et d’obscurité, mais ne reculant jamais devant sa vision. Bien qu’il ait longtemps été associé à la scène gothique (une désignation qu’il a adoptée, même s’il s’en tient légèrement à l’écart), BTFABG ne s’assoit pas confortablement sur une chaise, sauf celle de « réalisateur ». L’esthétique de Rosenthal est personnelle, tant dans sa conception que dans son contenu. Il trace sa propre voie sans tenir compte des tendances ou de la mode, et il est toujours profondément émotif. Il crée l’une des expressions de soi les plus pures de la planète.

C’est aussi vrai pour son dernier album The Cleft Serpent que pour tous ses autres disques. Rejoint par ses nouveaux compagnons de groupe, Jon DeRosa au chant et Henrik Meierkord au violoncelle (est-ce la première fois qu’il n’a pas de compagnons féminins ?), Rosenthal peint un paysage élégant, quoique sombre, avec des claviers et de l’électronique soigneusement déployés, évitant les percussions. S’inspirant plus – beaucoup plus – des quatuors à cordes, du minimalisme et de la chanson d’art que du rock gothique et de la darkwave auxquels le groupe est associé, les chansons dérivent comme des feuilles à la surface d’un lac – colorées, hypnotiques, et une fois que l’on y prête attention, on ne peut plus s’en détacher jusqu’à ce qu’elles disparaissent. Cela convient parfaitement aux paroles, qui s’attardent sur ce qui semble être un amour contrarié, peut-être même toxique, condamné à être brisé, vie après vie, par l’interférence de forces obscures. « The Trickster » et la chanson titre montrent clairement que quelque chose ou quelqu’un ne laissera pas ces amoureux se reposer, quelle que soit l’époque à laquelle ils se trouvent. Lorsque nous arrivons à « So Tired of Our History » et à « I’m the One Who Loses », un morceau épuisant sur le plan émotionnel, nous sommes presque aussi épuisés spirituellement que les protagonistes.

C’est le genre de musique qui pourrait devenir envahissante entre de mauvaises mains, un voyage lugubre vers nulle part. Mais Rosenthal conduit toujours ses thèmes désespérés avec une véritable puissance émotionnelle, sans jamais tomber dans le mélodrame ou le misérabilisme. Le charme est particulièrement puissant cette fois-ci grâce aux bons collaborateurs – le violoncelle de Meierkord ajoute des textures éthérées qui donnent de la profondeur à la musique, tandis que DeRosa chante tout avec un équilibre parfait entre l’expression du cœur sur la main et une dignité majestueuse. « Pourquoi nous battons-nous, aimons-nous et mourons-nous ? » (Why do we fight and love and die?), chantonne-t-il avec simplicité dans « To Touch the Milky Way », tout en connaissant déjà la réponse. Avec ces partenaires artistiques, Rosenthal a créé, avec The Cleft Serpent, une autre méditation bien pensée et indéniablement sincère sur la recherche futile de l’amour et sur les raisons pour lesquelles il vaut la peine de le poursuivre.

***1/2

 


Zanias: « Unearthed »

4 octobre 2021

Il y a une distance marquée entre le LP Zanias en 2021 d’Alison Lewis et ses autres sorties récentes. Alors que ses deux EPs datant de 2020, Extinction et Harmaline, étaient thématiquement définis par l’anxiété climatique (au point que la pochette de chacun d’entre eux suggérait que Lewis était respectivement submergée et immolée), le premier titre d’Unearthed donne le ton de ce qui va suivre avec un refrain simple mais incroyablement suggestif : « Les choses sont sur le point de changer ». C’est une déclaration qui s’appuie sur la même immédiateté que les sorties de l’année dernière, mais qui ajoute une couche de détermination fataliste, renforcée par la voix intense et contrôlée de Lewis, les basses en chaîne et les textures enveloppantes, et qui sert d’introduction aux endroits qu’Unearthed veut visiter au cours de ses dix morceaux.

Il faut reconnaître que c’est l’album que beaucoup attendaient de Zanias en 2018, lorsqu’elle a sorti l’exceptionnel Into the All. Ce disque s’enfonçait dans un design sonore et une structure de chanson beaucoup plus étranges, se délectant d’influences instrumentales qui étaient à la périphérie de son travail depuis des années. À l’inverse, cet album se concentre sur la darkwave électronique majestueuse et intime dont Lewis s’est révélée être une étudiante assidue depuis le premier LP de Linea Aspera, massivement influent. Ceci étant dit, il s’agit de certaines des productions les plus riches et les plus complètes dans ce style que nous ayons jamais entendues de la part de Lewis à travers ses nombreux projets et apparitions. Écoutez la façon dont les voix manipulées et les pads éthérés flottent dans le mixage sur le « single » « Untethered », contrastant avec la percussion électronique bruyante et mettant en place des couches de cordes de synthé et d’harmonies vocales, le morceau devenant de plus en plus orné à chaque instant. Elle utilise une palette comparable sur la ballade saisissante « Unsaid » et sur le thudding bourdonnant sur « Unseen » ; les effets sont différents ; le premier fait ressortir chaque son pour correspondre à la nostalgie des paroles tandis que le second les utilise pour ajouter de la chaleur et de la texture aux rythmes fendus du morceau.

Cette augmentation de la grandeur des instruments de Zanias s’accompagne de certains de ses textes les plus directs à ce jour. Lewis n’a jamais eu peur d’être obscure dans ses références et ses images, et même si Unearthed contient encore beaucoup de ses tournures de phrases mémorables – la phrase « I think I might be everything you’re running from » (Je pense que je suis peut-être tout ce que tu fuis) frappe fort dans le contexte de « Unraveled » – il y a une clarté apparente dans les significations de ces chansons. Il n’y aura aucune ambiguïté dans la chanson « Undreamt », rythmée par la guitare basse : pas besoin d’un anneau décodeur pour comprendre « Always second best to the emptiness » (Toujours au second plan par rapport au vide). L’un des meilleurs morceaux de l’album est le lent « Unturned » dans lequel Lewis demande « Ne veux-tu pas te tourner et me faire face ?» (Won’t you turn and face me ?) encore et encore avec une insistance croissante. Cette sorte de franchise a une intimité particulière, un échange significatif pour l’intrigue de son style plus caché.

Une grande partie de Zanias en tant que projet a été l’exploration de la personnalité magnétique de Lewis en tant que chanteuse, et maintenant en tant que productrice – alors qu’une grande partie de son catalogue a été collaborative, Unearthed est uniquement crédité à elle. À cette fin, elle est absolument incontournable ici, que ce soit dans ses récits de connexion et de réflexion personnelles, sa sensibilité de production évolutive mais distinctive, ou dans les vocalisations sans paroles qui imprègnent chaque piste. Un portrait attachant de l’une des figures les plus remarquables de la musique noire moderne, dans ce qu’elle a de plus univoque.

***1/2


Lore City: « Alchemical Task »

8 novembre 2020

Laura Mariposa Williams et Eric Angelo Bessel sont Lore City, un duo d’art rock de Portland, OR, dont le magnifique troisième lopus, Alchemical Task, vient de sortir, mettant en avant à la fois la solidité de l’écriture et l’évolution du groupe, puisque l’ensemble du disque ressemble à une ferme entreprise créative, tout en étant ouvert à l’interprétation, et apte à marquer différentes sortes d’humeurs. Ce nouvel album a été enregistré à la fin de l’année dernière dans le studio de Lore City, dans leur ville natale, et produit par le groupe.

Composé de six chansons, dont la plupart sont longues et dépassent confortablement les six minutes, Alchemical Task est une représentation appropriée des temps inquiétants que nous traversons et de la pesanteur qui s’installe alors que le mot se rapproche progressivement de l’apocalypse moderne qui, jusqu’à présent, a été plus proche de la fiction que de la réalité.

Separateness commence Alchemical Task d’une manière onirique, en établissant un ton sombre et en rendant limpide le subtil fond de dreampop du disque. Les progressions, l’utilisation intelligente de la répétition et beaucoup d’expérimentation audacieuse deviennent les attributs déterminants du son de Lore City, car le style de composition du groupe offre plus qu’assez d’espace pour que l’auditeur s’immerge dans leur pouvoir créatif presque méditatif et insaisissable.

Le brillant « It’s All Happening » prend une direction plus sombre, suggérant des influences de la période ultérieure de Swans, ainsi que les numéros sombrement éthérés du catalogue de 4AD, avec un virage artistique vers le post-rock et la darkwave. Bien que ce ne soit pas le seul point central, la chanson a l’aura d’un jalon et d’une pièce maîtresse de l’album, et sa plénitude de dix minutes ne se relâche pas.

« Beacon of Light », plus optimiste, est un morceau concis qui se joue comme un interlude, se penchant sur un aspect plus idéalisé de l’existentialisme et semblant lyrique, pour être suivi par « Into Your Blue », un autre point fort poétique qui frappe le post punk, tandis que l’on peut également entrevoir les sensibilités pop directes dans le style d’écriture des chansons du duo. 

« Beyond Done » reviendra sur les territoires plus sombres du post-rock où Lore City excelle, en gardant un rythme régulier et en progressant vers un point culminant qui pourrait ne jamais faire surface, mais cette absence de moment éruptif est compensée par le mélange majestueux d’un excellent lyrisme, d’une voix floue et d’instruments carrément immersifs.

« Don’t Be Afraid », le « closer » du disque, marquera l’incarnation de cet équilibre particulier entre l’obscurité et la lumière que l’ensemble du disque porte, avec une voix élégiaque qui se démarque, ressemblant à une Siouxsie plus audacieuse ou à une Elizabeth Fraser plus douce, et qui est la principale raison pour laquelle la chanson, et par conséquent l’album tout entier, continue à résonner dans l’air même après sa conclusion.

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The Beauty Of Gemina: « Skeleton Dreams »

13 septembre 2020

Deux années se sont écoulées depuis le dernier et révolutionnaire album qu’était Flying With The Owl. Deux années qui ont été caractérisées par de nombreux moments forts, des concerts et des tournées acclamés qui ont emmené le groupe en Amérique du Sud et au Mexique, mais aussi deux années pleines d’expériences incisives. C’est ainsi qu’au printemps 2019, lorsque le cerveau et chef de file du groupe Michael Sele a dû subir une opération cardiaque majeure et compliquée, tout s’est emballé pendant des semaines et des mois, rien ne devrait plus être comme avant…

Tout cela devait prendre du temps et devait être traité, mais l’immobilisme et la reprise épuisante ont été suivis d’une période pleine de productivité et de créativité. Michael Sele a reçu le prix Gonzen de la culture à l’automne 2019 pour son travail de musicien, de compositeur et de chanteur. Au début de cette année, avec la fameuse actrice de théâtre allemande Katharina Thalbach, la célèbre lecture musicale « Schatten über dem Nichts » a été réalisée et présentée en première dans des théâtres suisses renommés.

En même temps, l’auteur-compositeur très occupé a travaillé avec beaucoup d’enthousiasme sur de nouvelles chansons et de nouveaux textes, et presque exactement 18 mois après cette pause soudaine, Michael Sele et son groupe The Beauty Of Gemina présentent maintenant avec Skeleton Dreams leur neuvième album studio dans l’histoire du groupe, qui sortira le 4 septembre 2020. Douze nouvelles chansons, un remix séparé et une des rares reprises de Sele parlent du mélange unique et fascinant de Wave mélancolique, de Blues chaud et hypnotique et d’Indie folk terreux qui a émergé au fil des ans. Des chansons pleines d’énergie et d’intensité, parfois puissantes, parfois sphériques, parfois presque vierges, réduites à un minimum absolu, mais toujours puissantes et toujours poétiques en profondeur. Les chansons sont portées par la voix agréablement sombre et timbrée de Michael Sele et son charisme, qui se fait sentir à chaque note.

Rarement la voix a été aussi multiforme et présente, les mélodies s’ouvrent, engageantes, mais idiosyncrasiques, pleines de contrastes, les structures et les arrangements des chansons plus familiers, plus accrocheurs sans perdre leur imprévisibilité et leur indépendance. Beaucoup de choses se sont passées au cours des 15 dernières années. Vous pouvez trouver plus de 250 concerts dans 25 pays dans l’histoire du groupe. Le son et les univers sonores, ainsi que le line-up du groupe, ont été modifiés à chaque album, adaptés et la base de fans fidèles, qui ne cesse de croître et de s’étendre, a été mise à l’épreuve à maintes reprises. Tout cela a laissé des traces et, accumulé avec l’expérience limite de l’année passée, a sans aucun doute conduit à « Skeleton Dreams » de Michael Sele, un album extraordinaire. Une œuvre qui occupera une place particulière dans la discographie de The Beauty Of Gemina.

Traditionnellement, Michael Sele enregistrait, mixait et produisait seul dans son studio d’enregistrement dans les catacombes de l’ancien cinéma, un beau petit théâtre dans le quartier tranquille de Mels, au pied de l’imposant Pizol, qui est depuis des années la maison et le lieu de travail créatif du musicien. Le compagnon et ami de longue date, le multi-instrumentiste Philipp Küng, qui a également travaillé pour la première fois comme coproducteur, était en studio avec le vétéran de The Beauty Of Gemina Mac Vinzens à la batterie et le bassiste de longue date Andi Zuber. Avec un premier « single », « The World Is Going On », sorti au printemps cette chanson intime mais puissante, enregistrée au minimum, avec voix et guitare acoustique, on aura d’ailleurs un avant-goût de cette atmosphère réduite et rêveuse dans laquelle toute la puissance poétique de Michael Sele est mise en évidence.

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Linea Aspera: « LP II »

13 septembre 2020

L’absence rend le cœur plus tendre, et c’est certainement le cas avac Linea Aspera. Un an seulement après leur premier album, le duo cold/minimal wave s’est séparé en 2013, et, depuis lors, leurs premiers travaux ont pris la direction plus audacieuse prise par les groupes darkwave et synthés de toutes tendances ces dernières années. Leur culte n’a fait que s’intensifier depuis 2013 : l’annonce de la reformation d’Alison Lewis et de Ryan Ambridge pour des concerts l’année dernière a fait déferler des vagues dans le monde de la musique sombre, et l’attente du LP II est très forte. Mais bien sûr, les deux hommes, en particulier Lewis sous la houlette de Zanias, n’ont pas été très enthousiastes dans l’intervalle, et l’intrigue de ce LP II allait toujours être de savoir comment Linea Aspera allait concilier son travail intermédiaire (si tant est qu’il l’ait fait) avec l’éthique originale du groupe. Une grande partie de l’album semble avoir été consacrée à l’étude des premiers styles de synthétiseurs dont le duo s’est toujours inspiré – en évoquant les sources d’ur de la minimal wave et de la synthpop – et en y ajoutant son propre éclat.

Cette approche « revampée » est très utile à Linea Aspera, car elle permet à l’auditeur d’avoir un aperçu clair et familier de la plupart des morceaux avant de les séduire avec des charmes plus subtils. L’étrange récit d’isolement et d’exploitation qui traverse « Redshift » trouve ses racines dans la bedroom-synth la plus hantée et lea plus dépouillée du début des années 80, mais les légères touches supplémentaires de la programmation ajoutent une brume désorientante, presque tropicale, au cauchemar. « Equilibrium » commence par une programmation de batterie fine et écho qui suggère également la moto NDW, mais alors qu’elle commence à s’étoffer d’arpèges analogiques et du chant de Zanias, rêvassant avec apathie tout en plongeant tête baissée dans l’oubli, ses nobles ambitions disco deviennent apparentes, sur « I Feel Love » par exemple

Le poids émotionnel et l’âpreté avec lesquels Lewis s’est fait connaître comme l’une des (sinon la) première chanteuse de n’importe quel monde adjacent à une vague que l’on voudrait nommer est visible, notamment dans les titres « Solar Flare » et « Wave Function Collapse ». Ces thèmes lourds et capiteux étaient présents dans le travail de Linea Aspera dès le départ, mais ici Lewis ne ramène qu’un soupçon des paroxysmes vocaux primordiaux qu’elle a apportés à « Into The All. » En pliant les dernières notes alors qu’elle chante « I know what you’re capable of / I saw it on the shores of Ithaca » sur « Solar Flare », il est impossible de dire quel acte de dépravation, de bravoure, ou les deux (le meurtre des prétendants de Pénélope vu du point de vue de Télémaque ?) est référencé, mais sa gravité est indéniable.

Les sons avec lesquels Linea Aspera travaille ont toujours bénéficié d’une implication plutôt que d’une indulgence. Lewis et Ambridge sont plus expérimentés ici, et apportent beaucoup de nouveaux trucs et de nouveaux sons à un modèle qui a maintenant quarante ans, mais ils ne donnent jamais le jeu. Recommandé.

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Mannaquin: « From A Distance »

6 juin 2020

Venant des collines de San Diego, duo coldwave et dark wave, Mannequin a sorti ici son premier album, From A Distance sur le label indépendant belge Sentimental Records, également berceau de la dark wave américaine en compagnie de Second Still.

Mannequin est composé de David San German et Taylor Allen. Leurs premières sorties datent de 2017, intitulées « Singles/Fraction »présentant leur son froid et sombre. En été 2019, le duo a sorti le EP Nocere, annonçant From A Distance. Mannequin a déjà partagé la scène avec certains des plus grands groupes de dark wave, cold wave et post-punk, comme She Past Away, Twin Tribes, Wingtips, Ritual Veil et Kontravoid, faisant connaître leur son au public et recueillant les expériences des apparitions en direct. Le momentétait donc venu de porter à la connaissance ce « debut album ».

Celui-ci commence avec « Modern Light », une composition qui marque comme un prélude à l’album avec les synthés dans une mélodie lente et une voix émotionnelle. « Cities » permet de se faire une idée précise des paysages sonores et de l’ambiance de la musique du duo. Des influences se font sentir avec des synthés froids et des beats post-punk qui rappellent le son de Das Kabinette. Une chanson qui vous fait ressentir la froide innocence d’une nuit sombre des années 80.

La chanson-titre a déjà été publiée en tant que « single » vidéo officiel, et c’est un pas en avant sur le son et l’ambiance par rapport à « Cities ». Avec la vidéo, sont, en fait, rendus visuels, tous ces sentiments froids des années 80 et un tempo post-punk accrocheur. Une voix profonde et émotionnelle qui suit les lignes du synthétiseur. « Memories » est un morceau lent et sombre qui commence par une ligne de basse et construit les images d’une histoire sentimentale. « Radio » reviendra sur un tempo plus élevé et tendu en matière de e lyrisme et de tonalités nostalgiques véhiculées par les synthés et la batterie.

« Self-Portrait » est un morceau de synthétiseur instrumental avec une mélodie mélancolique arrangée, comme si un autoportrait était créé en utilisant uniquement le son d’une mélodie du synthé et un oscillateur de lumière. « Can we Go » pourrait être un hit potentiel de coldwave ou de post-punk, avec une basse et un beat forts, et des voix au ton triste et sombre qui peuvent donner une impression d’influence de Frozen Autumn ou du Clan Of Xymox du début. « Late Night » conservera le même paysage sonore avec le tempo dark wave et l’arrangement nostalgique et émotionnel sur les synthés, les beats et la voix.

Mannequin sort ici un premier album vraiment convaincant, incluant tout le romantisme, la nostalgie et la froideur mélancolique des nuits dark wave, qui pourrait vous guider vers les nouveaux sons romantiques des années 80. Avec des influences qui rappellent Das Kabinette, Clan of Xymox, The Frozen Autumn ou même le son minimaliste de Iron Curtain, le duo californien parvient à construire l’atmosphère froide et sombre d’une histoire moderne de coldwave et de post-punk, interprétée avec ce ton profond et triste au niveau du chant qui convient parfaitement au registre qui est le leur.

***1/2


Tearful Moon: « Under The Red Veil »

9 mai 2020

Le duo darkwave synthétique basé à Houston, au Texas, est basé sur l’alchimie vibrante et irrésistible entre les vocalises poétiques obsédantes et sensuelles de Sky Lesco et les synthés hypnotiques et les rythmes mécaniques austères de Manuel Lozano, qui viennent de sortir leur troisième et plus mature album à ce jour, intitulé « Under The Red Veil ». Il est absolument vrai que le nouvel album de Tearful Moon est leur travail le plus mature à ce jour, et, on pourrait ajouter également, leur plus sombre et profond dans lesreprésentations de Tearful Moon. La vie elle-même a coloré leur obscurité minimaliste et Manuel Lozano s’est révélé être un compositeur en pleine évolution, tout comme Sky Lesco, qui s’est ravaré être l’un des paroliers les plus convaincants de la darkwave en général, tandis qu’en tant que chanteuse, apparaît maintenant beaucoup plus précise que dans leurs deux albums précédents.

Après la sortie de leur précédent album Evocation, le duo texan a effectué une tournée en Amérique du Sud et du Nord, ainsi qu’une tournée réussie dans l’Union européenne. Ils ont rencontré d’autres groupes, d’autres tribus, se sont fait de nouveaux amis, ont échangé des idées sur la manière de faire de la darkwave et sont retournés à leur base de Houston pour commencer à écrire de nouveaux morceaux. Et à ce moment, la vie a mis à l’épreuve la force de Lesco et les moments difficiles pour elle. Mais c’est son art et son amour mutuel pour Manuel qui ont canalisé sa psyché dans de nouvelles rêveries à travers une sérénité et une introspection nécessaires. C’est le titre phare de l’album avec la vidéo officielle créée par la formation gothique Scary Black de Louisville.

« Les mensonges font trébucher vos sourires/ La vérité coule dans vos larmes/ Les ombres vous suivent sur des kilomètres/ Et vous traquent à travers les années… Vos rêves brisés. » (Lies trip up your smiles/ Truth drips down in your tears/ Shadows follow for miles/ And stalk you through the years…Your shattered dreams)

L’album Under The Red Veil comprend dix morceaux similaires et propres à vous omprégner, « Fatherless » et « Buried In My Left Breast » en sont les exemples les plus frappants et les plus émouvants. L’album est un pur manifeste de darkwave électronique mélangé à quelques touches un peu plus lumineuses. Le duo n’a jamais caché son appétance pour les flux de synthés minimaux qui ont affecté leur musique. Il suffira d’essayer « Bar In Barcelona » et d’y retrouver un goût similaire à celui de « Pollution And Poison ». On pourra tout autant choisir « Set Me Free » comme chanson phare de l’album, avec l’ enchantement qu’apporte son mid-tempo exigeant. Maintenant que nous est donné le paysage sonore général du troisième album de Tearful Moon, ne nous restera plus qu’à plonger dans le brouillard qu’il véhicule.

***1/2


Fearing: « Shadow »

4 mai 2020

Shadow et le premier album de Fearing, groupe post-punk/darkwave d’Oakland, en Californie, combo qui a aussi sorti deux précédents EP, A Life of None, et Black Sand en 2017 et 2018 respectivement. Le groupe combine des mélodies sombres, des synthés et une atmosphère pour créer un disque ténébreux, parfois très énergique et infectieux, et globalement agréable à écouter. En écoutant Fearing, des groupes tels que Sisters of Mercy du passé et Soft Kill du présent viennent à l’esprit. Le vocaliste James Rogers est un chanteur à la réverbération et à la distorsion qui résonne sinistrement sous la panoplie d’instruments que le groupe utilise, tout comme la bande démo de ses projets parallèles pour The Dissonant et, en son ensemble, Shadow est une suite de morceaux accrocheurs et d’ondes sombres qui ne manqueront pas de divertir.

Le morceau « Intro » crée ainsi une atmosphère effrayante avec moultes formes de sons ambiants qui débouchent sur « Catacombs », l’une des chansons les plus accrocheuses de l’album. L’utilisation d’un groove profond de basse et de batterie, mélangé à une ambiance post-punk/dark/cold wave caractéristique, est le moyen idéal d’apporter de l’énergie. C’est rapide et complexe, et une fois que le chant commence, c’est là que le disque prend sa varie ampleur. « Picture Perfect » démarre, quant à lui, lentement, puis les guitares éclatent dans un style shoegaze qui ouvre le morceau et change parfois de tonalité et d’intensité, passant de la dorce et l’abrasion à la douceur. « Still Working Hard » utilise un rythme similaire, mais ce qui ressort, c’est le jeu de batterie de Mike Fenton, qui solidifie et donne l’épine dorsale dont le morceau a besoin pour avancer. « Sherbert » est mélodique, comme « Catacombs », mais en mode plus joyeux et plus fluide, comme une chanson qui pourrait être jouée dans un club de danse. Il est intense et ferme la face A de l’album d’une manière puissante.

La face B commence avec « The Push », un morceau qui utilise de vastes tonalités sombres et des paysages sonores à la fois étranges et mystérieux. Les guitares font écho et créent quelque chose de spécial. Elles sont associées à la piste vocale. « Good Talks », qui a également servi de premier « single » de l’album, est sombre mais aussi optimiste et voit le groupe joue sur les forces de chacun pour créer un morceau véritablement grandiose. « Trail of Grief » est très différent des autres titres précédents ; le ton y est plus proche de celui de certains morceaux plus optimistes et nerveux, mais une octave plus haut. Le groupe fonctionne à plein régime, les guitares retentissent au sommet d’une section rythmique qui apporte l’énergie et une piste vocale sinistre. « Glow » poursuivra cette tendance à la hausse avec un morceau plus pop de rêve. Il conserve le son de Fearing mais ajoute des sonorités plus vives qui sont agréables à l’oreille et se fondent bien avec le reste du groupe avec, en particuleir un très beau travail à la guitare et au synthé. « Nothing New » est le morceau le plus proche et se concentre sur la création d’une atmosphère globalement sombre. L’utilisation de la voix et des synthés permet de terminer le morceau avec un lent déclin. 

Le premier album de Fearing est un must pour les fans de ce genre. Le groupe est capable de capturer une ambiance que la plupart des groupes aimeraient pouvoir, et ils le font parfaitement. De l’ouverture à la fin, chaque chanson est plus addictive que la précédente. Ce que fait Fearing, c’est créer une atmosphère qui aspire l’auditeur, et chaque chanson se fond sans effort dans l’autre. Elles combinent tellement d’éléments différents comme le post punk/dark & cold wave et le shoegazing qu’il y a vraiment quelque chose pour tout le monde sur ce « debut album »

***1/2


Forever Grey: « Departed »

17 avril 2020

Le groupe darkwave Forever Grey, basé à Los Angeles, vient de sortir son nouveau disque sur un label allemand. Kevin Czarnik et Samantha Kubiak reviennent sur le projet pour apporter plus d’influence dark wave/cold wave dans ce LP de huit chansons. Les membres ont travaillé sur d’autres projets tels que Milliken Chamber, Prudence et Belladonna Grave. Cet opus est plus que bienvenu dans le genre darkwave dans la mesure où il tente vraiment de mettre le projet en place avec tous les grands artistes actuels du genre et réussit sans poser de questions. Chaque morceau, avec son instrumentation sombre, sa voix sombre et son atmosphère générale, peut être apprécié par des vétérans chevronnés du genre, mais aussi par quelqu’un qui cherche à élargir sa palette musicale. 

Forever Grey a un son qui s’inspire de la musique gothique et post punk des années 80. Ils combinent des boîtes à rythmes, des paroles vraiment sombres et introspectives, et aussi une basse entraînante. Le suo présente une image que des artistes comme Joy Division et The Sisters of Mercy ont réussi à capturer dans les années 80, cependant, le groupe est capable de faire sien ce son, et de le faire sonner frais et contemporain. Il n’y a pas non plus de pistes filtres sur cet album, chaque chanson est tout aussi irrésistible que la précédente. 

« Alone » s’ouvre sur une boîte à rythmes optimiste et une ligne de basse vraiment grosse qui sonne froide et désolée mais qui est capable de capturer une ambiance vraiment sombre qui est fixée pour l’ensemble du disque. Le chant est dramatique, mais aussi incroyablement grandiose. Le tout se fonde dans le mixage pour créer une expérience dans laquelle l’auditeur peut être aspiré. Plus grave et plus sombre, « Labor of Death » combine des éléments similaires, mais fait descendre l’ambiance jusqu’à une impasse. Il est agréable dans la mesure où il conserve un bon rythme tout au long du morceau, mais n’est pas aussi joyeux et dynamique que le morceau suivant, » »Common Coffin ». Avec une combinaison de batterie et de synthétiseur qui crée un rythme de danse et d’autres types d’instrumentation en direct, ce morceau va réveiller l’auditeur. « Downpour » est plutôt un amalgame des morceaux précédents. Il est sombre, lugubre et grave, mais il a un back beat contagieux, agréable et profond. En même temps. 

« Seasons » apporte comme un élément de vague de froid qui est à la fois bienvenu et aide le groupe à explorer différents sons et à commencer à expérimenter avec le ton et l’atmosphère. Les meilleurs aspects sont les différentes chansons aux influences électroniques et industrielles qui aident à faire ressortir les basses et le chant. « Nothing », avec son instrumentation vraiment aventureuse, et sa boîte à rythmes entraînante qui maintient l’énergie. « Lost in the Moment » est la première chanson chantée par Kubiak, qui partage son temps avec Czarnik au chant. Cela crée une belle diversité avec les changements de voix tout au long de la chanson. Kubiak crée des sonorités vocales si riches qu’elles sont très agréables sur fond d’instrumentation sombre. « Open Grave » conclut le disque de la manière la plus appropriée possible.Un titre qui se consume lentement, lourd d’atmosphère, une caisse claire à fort écho, et aussi un maillage de guitare et de basse qui complémente l’esthétique dark wave. 

Forever Grey a réussi à composer huit morceaux de musique darkwave pure qui sont à la fois agréables et addictifs. Ils combinent une atmosphère parfaite, une belle instrumentation et des chansons accrocheuses qui s’intègrent si bien ensemble. Les plus lents sont agréables à entendre et donnent une ambiance différente qui se transforme parfaitement en chansons plus optimistes et inspirées par la danse qui peuvent être jouées dans un club ou n’importe où. L’aspect le plus agréable de ce disque est cependant le fait qu’il ne se soucie pas de porter son influence sur sa pochette, mais en même temps ne copie pas les vieilles idées. Il s’inspire des groupes goth/post punk classiques des années 80, mais les transforme en pistes nouvelles et créatives. Ce disque est un must, et un très bon choix pour la playlist darkwave de n’importe qui.

***1/2


Velvet Kills: « Bodhi Labyrinth »

9 avril 2020

Le nouveau mini-album Bodhi Labyrinth des darkwavers Velvet Kills, duo basé à Lisbonne, arrive avec le soutien d’un véritable who’s who des labels darkwave underground actuels : Unknown Pleasures, Icy Cold et Manic Depression ont tous leur nom sur la version LP. C’est peut-être l’exhaustivité du coffret Velvet Kills présent qui suscite l’intérêt de tant d’entités différentes. En écoutant les six titres de l’album, vous aurez un aperçu des styles darkwave modernes, de la guitare rock gothique qui se déroule sur « In the Gold Mine » aux synthés étincelants et aux pads aériens de « Bitch Face » et aux vagues sons de clavier exotiques de « Hangover Calling ».

Tous les morceaux sont présentés comme des options raisonnables pour les pistes de danse, selon l’heure de la nuit et le style de musique que vous avez joué. La production est de bon goût et reste à l’écart des chansons. Bien que rien ici ne soit absolument époustouflant en termes de mélodie ou d’accroche, les voix jumelées sombres et menaçantes et les tempos enjoués donnent à la musique une personnalité et un peps suffisants pour s’engager. Les Velvet Kills comprennent clairement ce qu’ils veulent faire et le font avec beaucoup de souffle à défaut d’inspiration.

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