No BS: Just Rock & Roll!

La dark-wave est une bête versatile, même si on laisse de côté les innombrables variations du style originaire d’Italie et d’Allemagne. Sur son nouvel album The Walls At Dawn, Child Of Night a trouvé une combinaison gagnante de sons propres à la darkwave américaine classique, à la vague actuelle de nouvelles synthés sombres en Amérique du Nord, et peut-être aussi à des influences shoegaze et dreampop. Alternativement sombre et lumineux, clair et étouffé, c’est un disque qui démontre à quel point la musique de cet acabit est façonnée par l’atmosphère.

Le morceau d’ouverture « Aurora » présente le groupe sous son aspect le plus baroque et gothique, bien que sa lenteur, semblable à celle de Lycia, avec ses voix fatalistes, ses guitares carillonnantes et ses grondements de synthétiseurs, indique à quel point la texture va jouer un rôle important dans ce disque. Des morceaux plus riches et plus doux comme « Unafraid » et « Wounded Child » mettent les synthés en avant. Ce dernier en particulier est un cours magistral de composition et d’arrangement darkwave, avec un soupçon de rugosité lo-fi qui met en relief ses mélodies immédiates et donne à l’ensemble du morceau une chaleur rayonnante.

Dès que l’on s’en aperçoit, la production lo-fi de The Walls At Dawn devient l’un de ses traits caractéristiques et presque un creuset pour l’écriture des chansons du groupe. « Indigence » rappelle la synthpop de chambre obscure des décennies passées (en partie Cold Cave, en partie « Figurine »), où la brume boueuse du mixage ajoute de la texture à ses synthés et un certain charme flou à ses mélodies descendantes. La décision de laisser les voix se déformer sur l’hymne « Cult Of Satisfaction » et sur la pièce maîtresse de l’album, « Son », n’a pas été aussi payante, mettant un frein à l’ampleur de ces morceaux.

Dans une dimension parallèle, il existe un mixage plus propre de The Walls At Dawn qui met les talents du groupe en matière d’harmonies et de synthétiseurs sous la lumière d’un projecteur fraîchement poli. Est-ce que cette version alternative du disque fonctionne mieux dans les listes de lecture des boîtes de nuit ou de Spotify ? Probablement, mais elle perd peut-être un peu du grain fatigué et circonspect de cette version.

***1/2

Il y a une distance marquée entre le LP Zanias en 2021 d’Alison Lewis et ses autres sorties récentes. Alors que ses deux EPs datant de 2020, Extinction et Harmaline, étaient thématiquement définis par l’anxiété climatique (au point que la pochette de chacun d’entre eux suggérait que Lewis était respectivement submergée et immolée), le premier titre d’Unearthed donne le ton de ce qui va suivre avec un refrain simple mais incroyablement suggestif : « Les choses sont sur le point de changer ». C’est une déclaration qui s’appuie sur la même immédiateté que les sorties de l’année dernière, mais qui ajoute une couche de détermination fataliste, renforcée par la voix intense et contrôlée de Lewis, les basses en chaîne et les textures enveloppantes, et qui sert d’introduction aux endroits qu’Unearthed veut visiter au cours de ses dix morceaux.

Il faut reconnaître que c’est l’album que beaucoup attendaient de Zanias en 2018, lorsqu’elle a sorti l’exceptionnel Into the All. Ce disque s’enfonçait dans un design sonore et une structure de chanson beaucoup plus étranges, se délectant d’influences instrumentales qui étaient à la périphérie de son travail depuis des années. À l’inverse, cet album se concentre sur la darkwave électronique majestueuse et intime dont Lewis s’est révélée être une étudiante assidue depuis le premier LP de Linea Aspera, massivement influent. Ceci étant dit, il s’agit de certaines des productions les plus riches et les plus complètes dans ce style que nous ayons jamais entendues de la part de Lewis à travers ses nombreux projets et apparitions. Écoutez la façon dont les voix manipulées et les pads éthérés flottent dans le mixage sur le « single » « Untethered », contrastant avec la percussion électronique bruyante et mettant en place des couches de cordes de synthé et d’harmonies vocales, le morceau devenant de plus en plus orné à chaque instant. Elle utilise une palette comparable sur la ballade saisissante « Unsaid » et sur le thudding bourdonnant sur « Unseen » ; les effets sont différents ; le premier fait ressortir chaque son pour correspondre à la nostalgie des paroles tandis que le second les utilise pour ajouter de la chaleur et de la texture aux rythmes fendus du morceau.

Cette augmentation de la grandeur des instruments de Zanias s’accompagne de certains de ses textes les plus directs à ce jour. Lewis n’a jamais eu peur d’être obscure dans ses références et ses images, et même si Unearthed contient encore beaucoup de ses tournures de phrases mémorables – la phrase « I think I might be everything you’re running from » (Je pense que je suis peut-être tout ce que tu fuis) frappe fort dans le contexte de « Unraveled » – il y a une clarté apparente dans les significations de ces chansons. Il n’y aura aucune ambiguïté dans la chanson « Undreamt », rythmée par la guitare basse : pas besoin d’un anneau décodeur pour comprendre « Always second best to the emptiness » (Toujours au second plan par rapport au vide). L’un des meilleurs morceaux de l’album est le lent « Unturned » dans lequel Lewis demande « Ne veux-tu pas te tourner et me faire face ?» (Won’t you turn and face me ?) encore et encore avec une insistance croissante. Cette sorte de franchise a une intimité particulière, un échange significatif pour l’intrigue de son style plus caché.

Une grande partie de Zanias en tant que projet a été l’exploration de la personnalité magnétique de Lewis en tant que chanteuse, et maintenant en tant que productrice – alors qu’une grande partie de son catalogue a été collaborative, Unearthed est uniquement crédité à elle. À cette fin, elle est absolument incontournable ici, que ce soit dans ses récits de connexion et de réflexion personnelles, sa sensibilité de production évolutive mais distinctive, ou dans les vocalisations sans paroles qui imprègnent chaque piste. Un portrait attachant de l’une des figures les plus remarquables de la musique noire moderne, dans ce qu’elle a de plus univoque.

***1/2

Le duo darkwave synthétique basé à Houston, au Texas, est basé sur l’alchimie vibrante et irrésistible entre les vocalises poétiques obsédantes et sensuelles de Sky Lesco et les synthés hypnotiques et les rythmes mécaniques austères de Manuel Lozano, qui viennent de sortir leur troisième et plus mature album à ce jour, intitulé « Under The Red Veil ». Il est absolument vrai que le nouvel album de Tearful Moon est leur travail le plus mature à ce jour, et, on pourrait ajouter également, leur plus sombre et profond dans lesreprésentations de Tearful Moon. La vie elle-même a coloré leur obscurité minimaliste et Manuel Lozano s’est révélé être un compositeur en pleine évolution, tout comme Sky Lesco, qui s’est ravaré être l’un des paroliers les plus convaincants de la darkwave en général, tandis qu’en tant que chanteuse, apparaît maintenant beaucoup plus précise que dans leurs deux albums précédents.

Après la sortie de leur précédent album Evocation, le duo texan a effectué une tournée en Amérique du Sud et du Nord, ainsi qu’une tournée réussie dans l’Union européenne. Ils ont rencontré d’autres groupes, d’autres tribus, se sont fait de nouveaux amis, ont échangé des idées sur la manière de faire de la darkwave et sont retournés à leur base de Houston pour commencer à écrire de nouveaux morceaux. Et à ce moment, la vie a mis à l’épreuve la force de Lesco et les moments difficiles pour elle. Mais c’est son art et son amour mutuel pour Manuel qui ont canalisé sa psyché dans de nouvelles rêveries à travers une sérénité et une introspection nécessaires. C’est le titre phare de l’album avec la vidéo officielle créée par la formation gothique Scary Black de Louisville.

« Les mensonges font trébucher vos sourires/ La vérité coule dans vos larmes/ Les ombres vous suivent sur des kilomètres/ Et vous traquent à travers les années… Vos rêves brisés. » (Lies trip up your smiles/ Truth drips down in your tears/ Shadows follow for miles/ And stalk you through the years…Your shattered dreams)

L’album Under The Red Veil comprend dix morceaux similaires et propres à vous omprégner, « Fatherless » et « Buried In My Left Breast » en sont les exemples les plus frappants et les plus émouvants. L’album est un pur manifeste de darkwave électronique mélangé à quelques touches un peu plus lumineuses. Le duo n’a jamais caché son appétance pour les flux de synthés minimaux qui ont affecté leur musique. Il suffira d’essayer « Bar In Barcelona » et d’y retrouver un goût similaire à celui de « Pollution And Poison ». On pourra tout autant choisir « Set Me Free » comme chanson phare de l’album, avec l’ enchantement qu’apporte son mid-tempo exigeant. Maintenant que nous est donné le paysage sonore général du troisième album de Tearful Moon, ne nous restera plus qu’à plonger dans le brouillard qu’il véhicule.

***1/2

Le groupe darkwave Forever Grey, basé à Los Angeles, vient de sortir son nouveau disque sur un label allemand. Kevin Czarnik et Samantha Kubiak reviennent sur le projet pour apporter plus d’influence dark wave/cold wave dans ce LP de huit chansons. Les membres ont travaillé sur d’autres projets tels que Milliken Chamber, Prudence et Belladonna Grave. Cet opus est plus que bienvenu dans le genre darkwave dans la mesure où il tente vraiment de mettre le projet en place avec tous les grands artistes actuels du genre et réussit sans poser de questions. Chaque morceau, avec son instrumentation sombre, sa voix sombre et son atmosphère générale, peut être apprécié par des vétérans chevronnés du genre, mais aussi par quelqu’un qui cherche à élargir sa palette musicale. 

Forever Grey a un son qui s’inspire de la musique gothique et post punk des années 80. Ils combinent des boîtes à rythmes, des paroles vraiment sombres et introspectives, et aussi une basse entraînante. Le suo présente une image que des artistes comme Joy Division et The Sisters of Mercy ont réussi à capturer dans les années 80, cependant, le groupe est capable de faire sien ce son, et de le faire sonner frais et contemporain. Il n’y a pas non plus de pistes filtres sur cet album, chaque chanson est tout aussi irrésistible que la précédente. 

« Alone » s’ouvre sur une boîte à rythmes optimiste et une ligne de basse vraiment grosse qui sonne froide et désolée mais qui est capable de capturer une ambiance vraiment sombre qui est fixée pour l’ensemble du disque. Le chant est dramatique, mais aussi incroyablement grandiose. Le tout se fonde dans le mixage pour créer une expérience dans laquelle l’auditeur peut être aspiré. Plus grave et plus sombre, « Labor of Death » combine des éléments similaires, mais fait descendre l’ambiance jusqu’à une impasse. Il est agréable dans la mesure où il conserve un bon rythme tout au long du morceau, mais n’est pas aussi joyeux et dynamique que le morceau suivant, » »Common Coffin ». Avec une combinaison de batterie et de synthétiseur qui crée un rythme de danse et d’autres types d’instrumentation en direct, ce morceau va réveiller l’auditeur. « Downpour » est plutôt un amalgame des morceaux précédents. Il est sombre, lugubre et grave, mais il a un back beat contagieux, agréable et profond. En même temps. 

« Seasons » apporte comme un élément de vague de froid qui est à la fois bienvenu et aide le groupe à explorer différents sons et à commencer à expérimenter avec le ton et l’atmosphère. Les meilleurs aspects sont les différentes chansons aux influences électroniques et industrielles qui aident à faire ressortir les basses et le chant. « Nothing », avec son instrumentation vraiment aventureuse, et sa boîte à rythmes entraînante qui maintient l’énergie. « Lost in the Moment » est la première chanson chantée par Kubiak, qui partage son temps avec Czarnik au chant. Cela crée une belle diversité avec les changements de voix tout au long de la chanson. Kubiak crée des sonorités vocales si riches qu’elles sont très agréables sur fond d’instrumentation sombre. « Open Grave » conclut le disque de la manière la plus appropriée possible.Un titre qui se consume lentement, lourd d’atmosphère, une caisse claire à fort écho, et aussi un maillage de guitare et de basse qui complémente l’esthétique dark wave. 

Forever Grey a réussi à composer huit morceaux de musique darkwave pure qui sont à la fois agréables et addictifs. Ils combinent une atmosphère parfaite, une belle instrumentation et des chansons accrocheuses qui s’intègrent si bien ensemble. Les plus lents sont agréables à entendre et donnent une ambiance différente qui se transforme parfaitement en chansons plus optimistes et inspirées par la danse qui peuvent être jouées dans un club ou n’importe où. L’aspect le plus agréable de ce disque est cependant le fait qu’il ne se soucie pas de porter son influence sur sa pochette, mais en même temps ne copie pas les vieilles idées. Il s’inspire des groupes goth/post punk classiques des années 80, mais les transforme en pistes nouvelles et créatives. Ce disque est un must, et un très bon choix pour la playlist darkwave de n’importe qui.

***1/2