Lore City: « Participation Mystique »

29 avril 2022

Sur ce nouvel album de Lore City, le mot qui vient le plus à l’esprit est  « inattendu ». « Inattendu », parce que ce qu’on s’imaginait obtenir, en se basant sur les mots clés « shoegaze » et « dark wave », quelque chose de l’ordre de Slow Crush et My Bloody Valentine. Ce dont on est témoin en réalité était un peu plus proche dans le ton, de l’ambiance trippante, et des chants hypnotiques.

Cela ne veut pas dire que le reste de l’album ne séduit pas, il est au contraire, une œuvre d’art incroyable. Chaque piste est si amoureusement mise ensemble, elle fonctionne comme un tout, pour vous emmener dans une autre dimension, si vous vous permettez de vous asseoir et de tout absorber.

La piste huit, « Original Feeling », est un endroit particulier de l’album où il faut s’abandonner complètement. Quand elle débute, on ne peut que fermer les yeux et se laisser embrasser complètement avec une sensation d’euphorie incroyable,, une expérience qui vous transporte dans un état de rêve complet.

Il est difficile de mettre des mots sur ce que cette œuvre vous fera ressentir, chaque personne qui l’écoute aura une expérience complètement différente, mais, honnêtement, la meilleure façon de l’écouter est de le faire au casque, ou à un niveau approprié, pour vraiment entendre tous les éléments, et de préférence dans une pièce sombre, sans distractions. C’est un album pour lequel vous devez éteindre votre téléphone, la télévision, tout, et vous immerger complètement car vous ne serez pas déçu.

Ce n’est pas pour le fan de death metal moyen et endurci, mais si vous cherchez quelque chose d’illuminé qui vous emporte, Participation Mystique de Lore City doit absolument figurer sur votre liste. Vous serez peut-être époustouflé, peut-être pas, mais une chose est sûre, vous serez capable de reconnaître sa profondeur, sa portée et son cœur. En faisant abstraction de ce qui fait habituellement flotter votre bateau sur le plan musical, cela devrait être la raison même de ce que vous recherchez lorsque vous vous lancez dans de nouvelles aventures musicales, aventures où chaque morceau est si amoureusement assemblé qu’il fonctionne comme un tout, pour vous emmener dans une autre dimension…

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Chiron: « The Sun Goes Down »

21 janvier 2022

D’Australie, nous entendons régulièrement la voix de Michael Aliani, le frontman et inspirateur de Chiron, dans des morceaux sombres et dansants. Le groupe vient de terminer son nouvel album, The Sun Goes Down. Probablement la chose la plus sombre qu’ils aient jamais envoyée à nos oreilles.

Fortement influencés par Joy Division et plus tard par New Order, Chris McCarter, Michael Aliani (alias Carrodus) et Dino Molinaro créent le groupe Death In Dark, qu’ils rebaptisent Ikon en 1991. Michael Carrodus a quitté Ikon en 1997 et a lancé ce projet Chiron. Ce qui a commencé comme un projet d’un seul homme s’est cependant rapidement transformé en un groupe permanent, avec le bassiste Dino Molinaro (Ikon), Shura Bi-2 et Lyova Bi-2, deux membres du groupe de rock russe B2.

Avec des thèmes tels que l’isolement, la solitude et la perte, il s’agit certainement de leur version la plus sombre en termes de contenu. Sur The Sun Goes Down, Michael est à nouveau rejoint par Molinaro à la basse et au violoncelle et pour la première fois par Leanne Coe au saxophone.

Lentement, le rythme se fraye un chemin à travers « Surrender » dans un paysage sonore bruyant avec un synthétiseur tranchant. Sur le fait d’être victime de sa propre captivité, alors que l’on a tout pour s’en sortir. La chanson elle-même ne s’éclate à aucun moment, mais flotte sur une beauté sombre et désolée et nous rappelle les morceaux résignés que Gary Numan pose parfois. La valeur ajoutée des accents chaleureux du saxophone est immédiatement évidente. En effet, dans l’intro de « Rage », il prend un rôle principal profondément menaçant, tandis que des influences folkloriques peuvent également être entendues dans cet intermezzo instrumental.

Des rythmes dansants prennent immédiatement le dessus sur « Sadly », tandis que les voix dégagent une dureté sinistr, stricte et intouchable. Les rythmes de « Darker Days » sont beaucoup plus sensuels et stimulants, bien que les synthés flottants soulignent la menace. La voix de Michael Aliani, telle qu’elle apparaît dans ce morceau, chantant avec douceur et mélancolie, est merveilleusement touchante. Vers la fin, on entend quelques éléments synthétiques surprenants. Une valeur ajoutée ? Pas vraiment. Après quelques secondes, on a l’impression d’écouter un autre morceau – moins bon -. « Let Us Begi »n commence de manière industrielle, avec de fortes percussions et une atmosphère brute et sans fioritures dans le chant.

« Deep Inside » exhibe des rythmes mécaniques dans un paysage sonore sombre sur lequel les mots parlés sonnent gris, jusqu’à ce qu’ils se glissent dans une atmosphère douce et hypnotique, avec des cordes chaudes. Un morceau intelligemment construit avec beaucoup de contraste, mais qui ne sort pourtant pas de cette obscurité.

Amère et mauvaise, « Frantic » sera la piste de l’âme brisée. Désolée et grise, avec une ligne de saxophone solitaire qui surgit de temps en temps. Alors que le vent hurle avec les sons du saxophone, la ligne de synthétiseur prend un caractère rétro dans « Forsaken ». Les sons grinçants et abrasifs, ainsi que la voix gémissante, transforment cette chanson plutôt minimaliste en un morceau mystérieux et menaçant. Cela s’adoucit sur « Decline », avec ses paysages sonores et ses rythmes arqués, comme s’il s’agissait d’enregistrements de terrain provenant de quelque endroit exotique. Après une minute et demie, nous entendons des mots parlés. Très rudes et en fait très laids, mais après quelques secondes, ils se déforment en voix douces et fines que nous aimons et qui étaient en fait trop peu présentes sur cet album. Malheureusement, cela se répète à plusieurs reprises. Il est incompréhensible que ce type de contraste ait été choisi, car il n’a aucune valeur esthétique ; elle a seulement un effet.

« That Feeling » s’ouvre sur des sons cauchemardesques, qui s’étirent et s’enflamment dans un chaos de scintillements, un bois, une batterie menaçante en arrière-plan ou un rythme de bleeping. Un instrumental très cinématographique !

« Torn » présente, lui, quelques éléments industriels sur un tourbillon électronique intéressant. Un titre qui nous plaît énormément, mais qui nous laisse en même temps un sentiment de déchirement à l’écoute, à cause du ton menaçant et de la déception presque palpable dans la voix émotionnelle de Michael.

Chiron se termine par une contribution belge, puisque nous avons droit à un remix de « Darker Days » par Jean Marc Lederman, qui a adouci le titre de manière vulnérable dans un arrangement au piano et a ajouté des rythmes pétillants et des détails exceptionnellement beaux au son, comme lui seul sait le faire.

Pour les fans de post-punk qui aiment le son typique de Joy Division, mais aussi les premiers travaux de Clock DVA (nous avons pensé à leur premier album Thirst à plusieurs reprises). Un bon son gothique et new wave.

***1/2


Flowers for Bodysnatchers: « Infernal Beyond »

31 décembre 2020

Infernal Beyond est, peu ou prou, le dixième album de Flowers for Bodysnatchers, un projet solo de Duncan Ritchie. Amalgame de dark ambient, d’enregistrements sur le terrain et de manipulations électroacoustiques, l’album raconte l’histoire d’un incendie tragique dans le fictif Ravenfield Asylum de Fairhaven, Massachusetts – et son éventuelle origine surnaturelle.

Ceci mis à part, Infernal Beyond explore les thèmes jumeaux de la folie et de l’occultisme, comment ils se rejoignent et se croisent. De la même manière, la musique mélange plusieurs voix distinctes, englobant des murs bas, des éléments de percussion, des ondes oscillantes et divers autres effets traités.

Ces derniers, en particulier, sont une source de changement constant et de focalisation changeante, et comprennent des sons statiques, animaux, des bruits de pas, des bruits mécaniques, etc.

Par conséquent, cette forme d’ambiance ne se calme pas et ne se détend pas, mais maintient plutôt un sentiment de tension accrue. En d’autres termes, l’album contient une approche nouvelle, si ce n’est dans ses sons sous-jacents, du moins dans les combinaisons de ceux-ci.

Il va sans dire que ce n’est pas un album facile, car un sentiment de malheur et de malaise se dégage de l’ensemble. Mais même sans ce clin d’œil à l’horreur lovecraftienne, Infernal Beyond serait toujours une exploration stimulante des sons organiques et synthétiques. Les terreurs inconnues et inconnaissables ne sont que la cerise sur le gâteau.

***1/2


PlanetDamage: « Relapse Protocol »

20 novembre 2020

Le premier album de Planetdamage, Relapse Protocol, suit en grande partie une formule électro-cyberpunk qui est, du moins en apparence, très familière. Des lignes de synthétiseurs et des motifs de batterie pulsés sont le lit sur lequel sont posés des monologues angoissants, à demi criés et légèrement déformés sur la politique et l’état du monde, infusés de frustration et de détermination. Ce sont les paroles qui sont placées au centre de la scène, tandis que l’électronique est surtout là pour fournir un cadre et un sentiment d’urgence.

L’affirmation de « Kompromat » selon laquelle l’histoire est truquée, « Hi Rez Lo Life » qui s’intéresse à l’Internet et aux médias sociaux, parle de « pay per click » ou « Vex » qui a recours à la désignation d’une sélection de multinationales à considérer avec suspicion en sont des exemples alors que ‘The Mark » utilise le chant de questionner l’autorité, un message qui atteindra que ceux qui le font déjà. On n’est pas forcément en désaccord avec de telles affirmations mais on les voudrait moins maniérées.

Aussi, bien qu’il soit relativement court (40 minutes), l’album finit par être un peu dramatique et d’une seule ntonalité. Le fait que les pistes soient enchaînées de manière fluide crée parfois un mouvement intéressant mais il ne sert malheureusement qu’à mettre en évidence les similitudes excessives de ton et de rythme entre chacune des plages. La voix y est, en outre, toujours la même, a tendance à banaliser le message qu’elle tente de transmettre. Ajoutons un manque flagrant de drame dans le discours, tant au niveau des paroles que de la musique : les synthés sont légèrement agressifs mais n’ont jamais vraiment fait parler d’eux, et les remplissages et les chutes sont clairsemés, secs et simples. Ainsi, l‘ouverture de « Regret Gunner » est prometteuse, puis s’aplatit très vite. Sans vouloir se plier à la culture populaire dominante, quelques riffs plus forts n’auraient pas été de trop, en particulier quand des bribes de techno sont à l’honneur (« Firewalls »ou les tons légèrement acides de « The Mark »)qui manquent trop caractère distinct et perspicacité lyrique pour pouvoir gagner en écoute et popularité..

**1/2


Lebanon Hanover: « Sci-Fi Sky »

6 novembre 2020

Lebanon Hanover ont toujours suivi une ligne en termes de genres, s’adonnant à la fois à la richesse de la darkwave et à l’austérité de la vague minimale selon leurs caprices. Le sixième album de Larissa Georgiou et William Maybelline, Sci-Fi Sky, ne s’écarte pas de ce modèle, même s’il s’agit de loin de leur disque le plus riche sur le plan sonore, avec une grande partie de la tempérance de leurs albums précédents, subsumée dans une indulgence veloutée et puissante.

En effet, les synthés rugueux, les coups de pieds sourds et les vagues de distorsion qui introduisent le morceau d’ouverture « Living on the Edge » font que le morceau est déjà un classique de la darkwave bien avant que la ligne de basse et le chant profond et mesuré de Larissa n’entrent dans le mix. « Garden Gnome » s’enfonce dans la basse électrique et la guitare, alternativement retardée et floue, qui rappellent un certain nombre de groupes de rock gothique classique, bien qu’avec quelques breaks mesurés qui rappellent leurs compositions plus sobres. Ils donnent même un coup de pied bien ciblé à l’éthéré sur le morceau « Angel Face », une chanson qui aurait facilement pu figurer sur un certain nombre de sorties de Projekt Records dans les années 90.

Le fait que le duo puisse aborder autant de styles de chansons différents dans son dernier album est également l’une des caractéristiques les plus remarquables du LP. J’ai du mal à imaginer qu’ils puissent enregistrer « Digital Ocean », un titre aussi salace et chaotique, à un autre moment de leur carrière. Maybelline a une voix emphatique et rythmée sur ce morceau qui rappelle son récent travail en solo dans le projet industriel Qual, mais avec un ton plus dramatique pour s’adapter aux tendances gothiques de la chanson. Tout aussi inattendue est l’approche en couches de « Come Kali Come », où les percussions et les couches de synthés, de guitare et de chant s’entrechoquent pour atteindre une conclusion démesurée. Il s’agit simplement d’une chanson beaucoup plus grande que ce que leur catalogue permettait normalement, à la fois en termes de portée et de sentiment brut.

Même ceux qui ont suivi de près le développement de Lebanon Hanover en tant que projet pourraient ne pas anticiper l’excès et la grandeur de Sci-Fi Sky. Sans renoncer complètement aux repères sonores de leur célèbre catalogue, Maybelline et Georgiou ont émergé dans une sphère musicale beaucoup plus vaste. Parfois enivrant, parfois même ébouriffant, c’est un moment qui n’est pas dans notre zone de confort, mais qui fait partie de l’évolution musicale d’un groupe bien établi.

***1/2