All My Faith Lost: « All My Faith Lost « 

10 avril 2021

Le groupe italien néoclassique/néofolk/darkwave All My Faith Lost revient après 7 ans de silence avec un nouvel album sans titre. Le duo composé de Federico Salvador et Viola Roccagli se caractérise par un son éthéré et émotif dans lequel des tonalités classiques majestueuses, des guitares douces et des atmosphères solennelles concourent à un son personnel et passionnant. Le nouveau travail voit l’ajout d’Angelo Roccagli en tant que guitariste, une présence qui agrémente les chansons de quelques nouveaux éléments tout en conservant tous les éléments que le projet a développés au cours des années.

L’intention artistique est forte et bien construite avec un thème précis : ils s’inspirent ici des peintures de certains de leurs artistes préférés liés au mouvement surréaliste tels que João Ruas, Tara McPherson, Nicoletta Ceccoli et Ray Caesar. Les paroles et la musique nous racontent différents aspects de l’existence et même de la mort, de la mythologie, de l’amour, exprimant des sentiments et des émotions inspirés par les peintures de référence.

« Violent Dreams II » est une introduction parfaite, un morceau où l’obscurité néoclassique et les sous-entendus lugubres rencontrent des guitares délicates et la voix soulagée de Viola, qui rappelle les chansons folkloriques médiévales dans son approche lyrique. Des arches accompagnent ce mouvement sombre, guidant l’auditeur dans une expérience onirique.

« We All Die Sometimes » suit un thème similaire, ajoutant lors de son crescendo des notes de piano mélancoliques, des violons, et la voix masculine en duo avec la féminine. La musique utilise un schéma simple mais bien développé dans lequel moins est plus, tirant pleinement parti des sons acoustiques et de la puissance de la voix humaine. Dans sa deuxième moitié, le morceau connaît un point culminant émotif qui couronne le motif principal par une prise puissante mais contrôlée.

« The Inconvenience Of Spirits » commence par des synthés évocateurs et un motif de guitare placide, une ligne mélodique sur laquelle la voix de Viola pose des mots délicats d’amour et de nostalgie. Des violons mélancoliques soulignent le mouvement en enrichissant son fort pathos. La dernière partie de la chanson nous surprend avec un moment cinématographique dans lequel des boucles de guitare et des orchestrations majestueuses conquièrent le paysage sonore. « Awakening The Moon » est une affaire de piano-voix à l’âme dépouillée et minimale, qui brille grâce à la voix de Viola et aux notes obsessionnelles qui soulignent son essence. Les guitares éparses ont leur mot à dire dans un moment très intime mettant en valeur le style du groupe dans ce qu’il a de plus essentiel et de plus soul.

Untitled est une œuvre résumant le son et la poésie de All My Faith Lost, un épisode voulant donner une voix et une narration aux histoires cachées derrière les peintures. Un monde personnel est créé via des éléments néoclassiques, des voix lyriques et l’utilisation d’instruments acoustiques, un monde dans lequel les émotions dominent les atmosphères crépusculaires et les paysages sonores suspendus. C’est une musique pour un voyage de l’esprit et de l’âme, une expérience cathartique avec une touche très humaine.

****1/2


Gazelle Twin & NYX: « Deep England »

23 mars 2021

Écouter Deep England de Gazelle Twin, c’est comme se laisser bercer par un loup-garou déguisé en danseur Morris. Tout au long de sa carrière, la compositrice et productrice Elizabeth Bernholz a fait preuve d’un talent dévastateur pour creuser sous la peau et évoquer une terreur corporelle. Il y a, dans ses paysages sonores fantastiques et luxuriants, quelque chose d’un conte de fées qui aurait mal tourné.

Elle donne à sa musique des contours particulièrement angoissants sur ce morceau qui accompagne Pastoral, enregistré en 2018 avec le chœur de six femmes NYX et qui a fait ses débuts en 2019 en tant que projet de performance live. Le sujet, comme c’est souvent le cas pour Bernholz, est l’Angleterre et les anciennes ténèbres qui s’agitent sous la terre végétale du présent.

Deep England tire son nom d’une souche d’identité diagnostiquée par l’universitaire Patrick Wright comme « ce nationalisme anglais profondément gelé » (this deep-frozen English nationalism). Il se déroule comme les chapitres d’une histoire à dormir debout qui a fait un plongeon dans l’inquiétant, alors que Bernholz déploie une palette changeante d’instruments à vent, de cris texturés, d’effets spéciaux de films d’horreur et de techno déglinguée. Les cloches d’église qui carillonnent annoncent le morceau d’ouverture « Glory », qui se transforme rapidement en une terrible rhapsodie de voix féminines, comme si les fantômes de l’Angleterre, qui n’ont pas encore résolu leur problème, tourbillonnaient en même temps.

La sensibilité dark-folk qui imprègne l’album est reconnue directement sur « Fire Leap » ». Il s’agit d’une interprétation spectrale de la chanson de fertilité « The Wicker Man », qui fait ressembler l’original à une chanson des Teletubbies en comparaison.

Mais ensuite, sur le morceau « Better In My Day », on est dans un champ quelque part à 4 heures du matin, en train de se déhancher sur une bande son de rave diffusée par un système de sonorisation à l’arrière d’une voiture à hayon. C’est passionnant et désorientant : on a l’impression d’être conduit hors des sentiers battus par la figure mythique du bouffon qui orne la couverture de Pastoral et qui, pour Bernholz, incarne les tensions dangereuses et non traitées liées à la psychosphère anglaise.

Le Brexit et les forces funestes qu’il a déclenchées ont suscité une réflexion sans fin sur ce que c’est que d’être anglais. Cependant, Bernholz va au-delà du simple nombrilisme et met sur la table son expérience de déménagement de Brighton vers la campagne lointaine. Elle est partie à la recherche du bonheur rural, pour découvrir, en partie, un pays vert et désagréable, lié au conservatisme réactionnaire et à la méfiance à l’égard des étrangers.

Avec Deep England, elle s’enfonce dans la moelle d’une nation qui, en 2021, ne se connaît pas vraiment et ne veut peut-être pas se connaître. Le résultat est un mélange de rêve fiévreux du Labyrinthe de Pan et d’une beuverie de cidre sous un passage souterrain qui a échappé à tout contrôle et a pris une tournure méchante inattendue.

Elle fait référence aux années 1990 – lorsque l’euroscepticisme anglais est passé d’une obsession marginale à un mouvement politique dominant – sur « Throne », qui est construit autour du sample d’Ennio Morricone Once Upon A Time In America que l’on a retrouvé pour la dernière fois sur « My Kingdom » de The Future Sound of London en 1996. Puis vient l’oubli wagnérien de « Golden Dawn », avec sa promesse non tenue d’un nouveau jour qui se profile à l’horizon. Le message, peut-être, est de ne jamais faire confiance à un joueur de flûte – surtout s’il promet de vous conduire vers des plateaux ensoleillés, ceux où sont déterrés les ossements mortuaires de l’Angleterre profonde.

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Nero Kane: « Tales of Faith and Lunacy »

9 mars 2021

Avec une proposition fascinante et convaincante, Tales of Faith and Lunacy est le dernier album du compositeur italien Nero Kane (de son vrai nom Marco Mezzadri). C’est un disque qui émerge et rayonne de l’obscurité, des ombres chargées de tentations et des paysages cinématographiques s’alignant autour d’un lyrisme psycho-folk sombre et de l’imagination. Il s’agit aussi ici d’une hantise crépusculaire qui nous est tout simplement captivante du début à la fin.

Le son de Nero Kane est une étreinte ténébreuse de blues, de psychisme et de rock sombre dans une toile nourrie par le « desert rock », bien qu’à travers les ballades sombres, la tapisserie se révèle beaucoup plus impliquée dans les styles et les saveurs de l’album. Tales of Faith and Lunacy est un voyage intemporel conçu dans une vision personnelle de la foi entre spiritualité et passion. L’énergie et la tension qui se dégagent de ces deux aspects donnent un drame qui s’imprègne à chaque seconde d’une sortie qui s’élève d’un paysage poussiéreux du Far West pour enlacer et explorer des visions mystiques et intimement coulées. En plus de cette puissante incitation à l’imagination, le disque met également en vedette la remarquable entreprise de la chanteuse/ musicienne Samantha Stella qui fournit également les paroles de trois de ses titres, le violon/les cordes de Nicola Manzan, et le guitariste/claviériste et producteur de l’album Matt Bordin (Thurston Moore, Michael Zerang, Jackie O’ Motherfucker, Delaney Davidson, Squadra Omega).

Tales of Faith and Lunacy est l’un de ces disques qui évoqueront des réactions et des sentiments individuels tout en suscitant des aventures tout aussi obsédantes dans l’imagination, mais qui ne manqueront pas d’attirer l’attention et de tout déclencher dès les premiers souffles de « Lord Won’t Come ». Une douce caresse des cordes de la guitare attire les oreilles, la répétition apportant une expiration mélancolique sur les sens avant que des soupirs d’origine psychique ne viennent chatoyer derrière les tons tout aussi convaincants de Kane. Ses mots descriptifs et son récit émergent sont tout aussi séduisants que la trame minimaliste mais riche de sons qui les entoure. Il y a une volatilité dans le ventre de la séduction, qui s’intensifie par la suite, une intrusion sonore qui se nourrit de chansons et de sens pour ajouter à la fascination et à la tentation.

Atmosphérique, évocateur et obsédant, c’est un puissant début de libération ; une aube saisissante de captivation qui se poursuit avec Mechthild. Ce titre inspiré de la mystique chrétienne du treizième siècle Mechthild Von Magdeburg, dont les écrits sont cités sur l’album, chante presque à l’oreille avec son chatoiement psychédélique et son ivresse mélodique. La voix de Stella enrichit sa puissance, ses sonorités sont autant une intrusion qu’une beauté sirénique dans un morceau qui ne cesse d’envoûter.

L’écho des saintes femmes se poursuit à travers Marie du silence et Madgalène, la première autre hypnotique dans ses leurres répétitifs et passionnante dans son entreprise tout aussi lancinante et peu délicate mais irrésistible. Une fois de plus, les mots sont aussi puissants que les voix de Kane et de Stella, une combinaison qui dévore doucement mais sombrement les passions tout aussi habilement chez son successeur. La terre sale et suggestive du désert enivre l’air tandis que les guitares en donnent la description, le chant portant l’insinuation et l’indication mystique comme une tache solaire drapée d’ombre.

Pour être honnête, l’expérience ne peut que révéler la force, le magnétisme et la profondeur des chansons de Tales of Faith and Lunacy, dont « Lost Was the Road » est un exemple typique. Nous ne pouvons que faire allusion à sa splendeur glaciale et à sa majesté caligineuse, mais nous pouvons nous faire l’écho de la captivation de son découragement nostalgique et de sa beauté doloureuse.

L’album a complété sa fascination avec le dernier couple de I Believe et Angelene’s Desert. Des touches sépia et des mélodies mélancoliques illuminent le rayonnement du premier, offrant une captivation inéluctable, tandis que le second attire toute l’attention sur le moment le plus sombre, le plus intense et le plus obsédant de l’album. Même dans sa ténébreuse noirceur, l’album a un certain éclat créatif et émotionnel qui attire l’imagination.

C’est une belle fin pour une sortie glorieuse, qui ne cesse de nous envoûter, comme tant d’autres déjà, à chaque écoute.

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Inanis Yoake: « In A Summer’s Silence »

8 février 2021

Vous ne nous entendrez pas proclamer que tout était mieux avant. Bien sûr, c’est une pure absurdité, parce que nous aimons être d’accord avec le pessimiste qui dit qu’il y a toujours quelque chose qui ne va pas. En outre, c’est notre travail de vous guider, vous qui êtes un lecteur avisé de ce qui sort à travers toutes les nouvelles tendances qui se présentent ces jours-ci.

Le même pessimiste fera remarquer que lorsqu’il s’agit des tendances de la scène dark, il s’agit de regarder en arrière plutôt qu’en avant.

Bien sûr, nous avons un bagage musical dans lequel nous pouvons puiser, pour reprendre les termes du thérapeute à la mode : un sac à dos qui fonctionne comme une paire de lunettes avec laquelle nous regardons les choses.

Non, les choses n’étaient pas forcément meilleures autrefois, mais musicalement, elles étaient peut-être moins définies et donc plus simples.

Quiconque est dans le coin depuis un certain temps aura sans doute de nombreux souvenirs de soirées où toutes les branches latérales du grand arbre de la nouvelle vague étaient en vedette un soir.

Un rêve similaire est immédiatement venu à l’esprit en écoutant In A Summer’s Silence du duo de débutants Inanis Yoake. Simone Skelton (guitare/voix) et Risa Hara (piano, synthétiseurs et voix) ont fondé ce projet à Londres en l’an 2020. Comment se fait-il que ce duo, tout juste sorti de presse, nous mette dans une ambiance nostalgique dès les premières notes de leur premier album, me direz-vous ?

Eh bien, outre ces deux membres réguliers, Inanis Yoake collabore avec de nombreux noms établis. Tony Wakeford et son épouse Renée Rosen (Sol Invictus) et Lloyd James (Naevus) ne sont pas seulement les plus connus de la liste d’invités bien remplie, ils sont aussi très déterminants pour le son de cet album.

Il suffit d’écouter l’écho typique de la batterie darkwave de « Captors », où les riffs de guitare font de leur mieux pour dépasser les limites du genre. Les fans des tout premiers albums de Death In June feront un signe de tête approbateur lorsqu’ils entendront cette chanson. La voix familière de Lloyd James contribue également à ce sentiment de vieille école et Scarlet West, à qui nous confions le rôle de Rose McDowall, se sent comme un poisson dans l’eau sous cette forme.

Les riffs de guitare de « There Is No Hill », également avec James au chant, vous rappellent le ou les empereurs du genre néofolk. Est-ce une coïncidence si nous voyons ici James comme une nouvelle version de Douglas P ?

Et qui dit Death In June et Crisis, dit aussi dans un même souffle Tony Wakeford et son Sol Invictus, comme dit aussi présent sur cet album. Il n’est pas surprenant qu’ils aient choisi ce poids lourd du monde néo-folk, car nous pensons que le timbre de la voix de Skelton est comparable.

Wakeford marque de son empreinte le son d’Inanis Yoake avec sa voix, reconnaissable entre mille, ce qui nous fait penser aux albums de Sol Invictus d’un passé lointain. Eh bien, nous ne le regrettons pas, parce que ce sont des albums que l’on peut appeler des classiques du genre pour une raison. Mais les chansons où le duo doit le faire sans l’aide des étoiles prouvent qu’il a suffisamment de capacités propres pour pouvoir briller. Nous aimerions souligner la chanson « Hikari » dans laquelle les racines japonaises de la moitié féminine d’Inanis Yoake s’épanouissent, grâce aussi à la voix de Yuko Tsubame qui laisse souffler un vent oriental dans la chanson. Une variation assez unique dans le genre néofolk si vous nous demandez, et certainement une qui en veut plus.

Les néofolkistes qui, ces dernières années, ont dû se réfugier dans des fêtes de genre parce qu’ils étaient invariablement laissés à l’écart des fêtes habituelles, peuvent profiter pleinement de In A Summer’s Silence, tout comme les nostalgiques des soirées variées d’autrefois. Pourtant, Inanis Yoake ne sert pas que du vieux vin dans des sacs neufs, que cela soit clair. Le genre néofolk est parfois accusé de stagner, mais ce n’est pas le cas d’Inanis Yoake (même si cette critique peut suggérer le contraire).

Simone m’a fait savoir qu’à l’avenir, ils prévoient de poursuivre leurs expériences avec des chansons en langue japonaise. Nous pensons que vous devriez le faire, car cela ne fera que profiter à l’exclusivité de ce duo londonien multiculturel !

***1/2


Silas J. Dirge: « The Poor Devil »

18 janvier 2021

En ce sombre milieu de l’hiver, à une époque où la mort et le désespoir sont omniprésents, la folie semble être partout et l’ambiance des fêtes de fin d’année s’est presque dissipée. Peut-être est-ce le meilleur moment, mis à part la veille de la Toussaint, pour se plonger dans le côté sombre et instable de la musique country.

Silas J. Dirge est le pseudonyme d’un chanteur et compositeur néerlandais nommé Jan Kooiker, dont la passion singulière en musique est de raviver l’esprit gothique de la country et du folk qui a été capturé pour la première fois dans les passages des chansons de la Carter Family et d’autres, et qui a ensuite influencé certains des plus formidables contributeurs de la country, de Hank Williams à Johnny Cash.

Des « murder ballads »s aux chansons de folie et de misère, la country gothique a aussi sa part de propriétaires dans l’ère moderne, notamment les seigneurs du sous-genre comme Those Poor Bastards, Lonesome Wyatt and the Holy Spooks, et les Sons of Perdition, pour n’en citer que quelques-uns. Mais malgré la créativité débordante de ces projets, pour de nombreux spectateurs, cette musique peut être beaucoup trop feyante et sombre à leur goût, à part pour une bande sonore d’Halloween.

Silas J. Dirge et son nouvel album, The Poor Devil,revitalisent avec plus de précision et de respect les traditions gothiques de la musique country, où l’on peut entendre les fantômes des compositions précédentes remonter dans les passages et influencer l’approche, uniquement rendus dans des chansons nouvelles et originales. Ce sont des chansons qui transmettent le sentiment obscur et obsédant que seul le meilleur de la musique country gothique peut transmettre, et d’une manière qui ne se contente pas d’honorer et de préserver ces traditions, mais qui y contribue et aide à les faire progresser.

Sans rien perdre de la traduction, y compris l’ingrédient essentiel de la nuance, Silas J. Dirge propose une poésie imprégnée de racines, réglée sur des arrangements clairsemés, qui transmet habilement la beauté cachée derrière la musique roots sombre et pourquoi elle mérite encore une place dans le régime de la musique moderne, qu’il s’agisse d’une ballade meurtrière mélangée à une histoire de fantômes dans « Flowers on Her Grave » ou du message intemporel de la tentation dans « Devil’s in Town ».

Savoureux, mesuré et intelligent est une bonne façon de décrire comment Silas choisit d’habiller ces compositions, en faisant appel à un groupe de collaborateurs triés sur le volet, et en produisant des sons inhabituels sur des instruments familiers pour ajouter à l’ambiance troublée, sans toutefois demander à l’auditeur de s’aventurer trop loin dans un terrier de lapin.

En fin de compte, ces chansons sont issues d’une guitare acoustique, d’une voix et d’une histoire, tout comme les chansons country primitives d’autrefois. La voix féminine de Nicole Schouten sur l’instrumental « A Land More Kind Than Home », inspiré du Spaghetti Western, et d’autres morceaux contribuent à leur donner vie, tout comme le fait que Silas J. Dirge soit prêt à travailler à l’occasion sur des accords plus brillants au lieu de se fier uniquement à la tonalité mineure comme c’est le cas pour la musique gothique.

Bien que ce ne soit certainement pas le cas pour tout le monde, Silas J. Dirge parvient à un équilibre en défendant de manière authentique une forme de musique plutôt oubliée, tout en transmettant son attrait en mettant l’accent sur sa signature et ses attributs plus accessibles. Il est facile de rejeter cette musique comme étant trop archaïque. Mais ce sont des influences de la musique country souvent oubliées qui sont sans doute en augmentation. Après tout, Taylor Swift a sorti une « murder ballad » sur les ondes de la radio country grand public, pour rejoindre celle déjà existante d’Ashley McBryde dans « Martha Divine ». Peut-être que quelque chose se passe ici dont nous ne parlons pas assez.

Pour savoir où vous allez, vous devez savoir où vous êtes allé. Silas J. Dirge propose une feuille de route qui nous ramène aux influences plus sombres du country et du folk, qui sont de plus en plus utiles aux créateurs, car « les liens qui unissent » (ties that baind) continuent de s’effilocher aux extrémités et menacent de se défaire, et les créateurs cherchent à donner une voix aux humeurs sombres et aux pensées troublées que nous portons tous.

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Twelve Thousand Days: « Field’s End »

7 décembre 2020

On reconnaît généralement un disque de Twelve Thousand Days dès que le chant puissant, ornemental et toujours jeune de Martyn Bates se répand sur les motifs de guitare fluides, mais jamais trop beaux, d’Alan Trench. Sur leur nouvel album Field’s End, sorti récemment, on peut cependant aussi voir à quel point le concept du fondateur d’Eyless in Gaza et de l’instrumentiste connue d’Orchis, de Temple Music et des Black Lesbian Fishermen est diversifié.

Les ballades folk pastorales et accrocheuses, pour lesquelles le style du duo semble être fait, ne sont qu’une partie des morceaux, et même ceux-ci livrent de manière fiable des réfractions de la seule belle :sur « Coral », qui résonne avec une atmosphère particulière, les voix de Bates nagent dans un lac profond et plongent à la surface par intervalles. L’impression qui prévaut toujours est que l’on chante ici de manière particulièrement douce, de sorte que l’on peut se faufiler dans la conscience de l’auditeur par les entrées arrière cachées. Sur certains morceaux comme « Drakestones », le travail vocal semble moins existant et surtout plus profond que d’habitude, la mise en scène le fait paraître moins « préraphaélite », mais ce sont les échantillons d’aspect abstrait qui ne font pas passer le morceau trop facilement. Les moments les moins accessibles de cette musique, en particulier, constituent un ancrage dans la mémoire et créent ce que l’on appelle souvent la valeur de reconnaissance. De même, des numéros folkloriques comme « Black Mountain Side », chanté par Alan et accompagné d’une jolie boîte à musique, et la chanson titre qui ressemble à une épreuve de force, sont ambivalents dans le meilleur sens du terme.

Souvent, c’est un grondement mystérieux en arrière-plan qui donne aux chansons une certaine rudesse et les déforme pour les rendre reconnaissables. Le grondement du bourdon sous les doux coups de corde dans « Wistman’s Wood » semble similaire au mystérieux grattage dans les couches inférieures de « Adam and the Beasts ». La reprise d’Alasdair Clayre (Vashti Bunyan et Bob Pegg ont également été interprétés par Mr. Fox !) est bien plus mélancolique que l’original presque pugnace. Les paroles sur les premiers humains, qui s’interrogent sur leur place dans la création et apprennent les côtés les moins inoffensifs de leur espèce, peuvent convenir aux deux. D’autres morceaux comme « More » augmentent, eux,le couvert de ce bruit sans faille.

Si on n’a pas mentionné l’ouverture, la reprise de Black Sabbath « Planet Carava » comme étant la première, ce sera que pour garder le terme très tendu de psychédélique un peu bas, mais il se prête, bien sûr, et le morceau est immédiatement l’un des points forts de Field’s End : en gardant le tempo tranquille de l’original ethno-lacé détendu, certainement en partie à cause des battements de marteau très fins, un moment d’urgence a été ajouté, ce qui fait du voyage évoqué dans les paroles une entreprise beaucoup plus urgente. Une version de plusieurs heures, telle que créée par un fan passionné de l’original, serait ici un véritable défi, et c’est exactement ce que Field’s End représente dans son intégralité, aussi doux que ses sons, dont il s’incruste, s’avèrent être à première vue.

***1/2


Emma Ruth Rundle & Thou: « May Our Chambers Be Full »

5 novembre 2020

Emma Ruth Rundle s’est taillée une place de choix en tant qu’artiste dark-folk préférée de tous les metalheads avertis. Son parcours professionnel a inclus des passages dans les merveilles du slowcore The Nocturnes, la formation post-rock Red Sparowes, ainsi que le rock expérimental de Marriages. Sa production en solo, à commencer par l’auto-produitElectric Guitar : One, a réussi à mélanger le travail de ses précédents groupes tout en mettant en avant sa voix vulnérable et plaintive, avec un objectif et une confiance croissants à chaque nouvelle sortie. Alors que Electric Guitar : One était un travail de guitare expérimental. Son dernier album solo, On Dark Horses, d’une beauté obsédante, avait mis en évidence sa capacité à produire des chansons plus traditionnellement structurées, lourdes d’atmosphères claustrophobes et d’ennui tempéré.

Thou, originaire de Baton Rouge, représente l’incarnation même du sludge metal anarchiste, et le combo n’est pas étranger aux sorties en collaboration, après avoir travaillé avec The Body sur quelques merveilleux disques et avoir eu plus de sorties en split dans leur catalogue qu’il n’est probablement sain. Leur attaque brutale de bruit, associée à l’honnêteté douloureuse de la voix d’ERR, fait de May Our Chambers Be Full une écoute étonnamment puissante. Les talents exposés s’entremêlent de manière ludique, aucun des éléments et influences principaux n’étant plus dominant que l’autre sur de vastes pans de la durée de vie du disque. C’est un hybride parfait, un amalgame d’aspects apparemment différents du spectre musical alternatif, réunis de façon magistrale par la retenue, l’écriture habile des chansons et l’arrangement assuré.

« Killing Floor », qui ouvre l’album, permet à Thou de briller comme jamais auparavant, et à Emma Ruth Rundle de devenir plus menaçante que nous ne l’avons entendue. Le ton est donné très tôt pour un album qui ne se contente pas de reprendre des éléments de la production particulière de chaque artiste, mais qui les fusionne pour produire un ensemble d’œuvres qui ressemble aux deux mais ne ressemble à aucune des deux. La distorsion brumeuse permet à la voix de Rundle de scintiller au sommet, tandis que les cris de black metal de Bryan Funck sont placés plus bas dans le mixage, répétant les lignes vocales à sa manière inimitable. L’interaction entre les instruments et la voix est d’abord étrange, car les deux sons distinctifs sont disséqués par l’auditeur, mais avec plus d’écoute, le disque se révèle avoir une uniformité, une cohérence dans l’union qui fait que les morceaux sont toujours plus forts ou répétés.  

« Monolith » marque un clin d’œil aux sensibilités grunge et punk des années 90 et apaise momentanément l’ambiance sombre et studieuse du premier morceau. La morosité redescend sur « Out of Existence », qui place la voix de Rundle au premier plan jusqu’à ce que d’énormes riffs et la voix sauvage de Funck prennent le dessus. Là où « Killing Floor » a permis aux collaborateurs de mélanger leurs sons, ici ils sont tour à tour au centre du morceau – on a presque l’impression d’une approche travail en équipe dans l’écriture, car le morceau passe continuellement du dark-folk éthéré au sludge metal intense. Inutile de dire que c’est un morceau d’anthologie, et, après l’écoute de trois titres, il fait preuve d’une approche sauvagement rafraîchissante si on conidère l’entreprise en jeu ici.

Une brume post-rock donnera vie à « Magickal Coast », avant de ralentir au rythme d’un escargot tandis que les carillons retentissent doucement, avant qu’un tsunami de guitares ne submerge l’auditeur. C’est la formule classique « Loud-quiet-loud », où l’on pourrait presque voir les pédales de distorsion qui sont enfoncées. Il y a ensuite une ruée vers ldes pcibles concurrentes, Rundle s’éloignant tandis que Funck semble lacérer ses propres cordes vocales pour son plus grand plaisir personnel. C’est un morceau qui défie toute attente, avec des influences et des performances disparates qui vous entraînent dans tous les sens.  

Le « closer » de l‘album, « The Valley » est le morceau le plus long de l’album, et ressemble plus à une chanson d’Emma Ruth Rundle qu’à n’importe quelle autre orceaude May Our Chambers Be Full. Il frémit d’un pur découragement sentimental et romantique alors que son volume et son urgence augmentent. Juste après la moitié du morceau, la piste s’effondre, il ne reste plus qu’une grosse caisse, quelques bruits se concentrent et s’éloignent et vous attendez le crash tout puissant que vous sentez venir – le bruit annoncé par le calme avant la tempête… mais alors l’évidence ne se matérialise jamais et la piste continue sur sa voie mélancolique et double simplement sa beauté plutôt que de changer de vitesse. Un mur de bruit est atteint avant que Funck ne revienne dans la mêlée, sa voix faisant à nouveau écho à celle de Rundle, avant que le morceau ne se fraye un chemin à travers quelques cordes celtiques au dénouement du disque. C’est une fin pleine de beauté, un sentiment presque nostalgique qui plane dans l’air, alors que les attentes de l’auditeur s’éloignent dans le lointain, sans aucune réponse.

May Our Chambers Be Full est un opus d’une impressionnante rare – un ensemble d’œuvres qui combine mais ne cherche pas à masquer les fortes voix artistiques individuelles des collaborateurs. C’est le document de deux mondes de métaux précieux qui s’affrontent avec un effet de frisson ; un disque d’une intensité qui écrase le crâne par endroits, avec des riffs impitoyables évoqués du plus profond des abysses, qui sont contrebalancés par une introspection sombre, silencieuse et éthérée – un mélange qui , en théorie, ne devrait pas vraiment fonctionner mais qui, pourtant,sedéplacera sans aspérités.

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