No BS: Just Rock & Roll!

Dakini, le premier album de Lisa Hammer (Requiem In White, Mors Syphilitica), est sorti en 2009. Il a été décrit comme « une musique pour le rituel, l’introspection et « l’éveil des sens », « un manifeste complet de recherche intérieure dans lequel on retrouve de nombreuses influences de différents genres musicaux », et qu’il a été « conçu pour transporter l’auditeur loin du monde manifeste et dans un espace plus profond ».

Réédité ici sur un vinyle coloré limité, en version étendue avec trois morceaux supplémentaires, il offre une occasion idéale aux fans actuels de se remettre en question et de se réadapter, et aux nouveaux venus de se familiariser avec l’album.

Il se trouve que je fais partie de ce dernier camp, et j’aborde donc l’album avec des oreilles fraîches, et seulement le fait qu’il est présenté comme étant pour les fans de Dead Can Dance et qu’il promet  » des voix sans précédent, parfois angéliques et parfois maudites comme si elles venaient d’une autre période oubliée par le temps « .

On pourrait se demander si, si la version originale était un « manifeste complet », l’inclusion de morceaux supplémentaires n’est pas un gage de réussite. Surtout si l’on considère que « les ragas indiens correspondent aux heures de la journée, l’album représente donc un condensé de 24 heures, ce qui est parfait pour un rituel ou tout voyage émotionnel et spirituel ». Dans ce contexte, la question se pose de savoir comment assimiler le matériel supplémentaire de la manière la plus discrète possible, avec le moins d’impact possible sur le flux qui fait partie intégrante du concept original.

L’ouverture de l’album avec un nouveau morceau de sept minutes, « Alte Clamat Epicurus », fonctionne bien ; c’est une incantation vocale évocatrice sur un fond de bourdonnement clairsemé. Elle ressemble – à vue de nez, et avec un peu d’imagination – à un lever de soleil, à un réveil. Hammer sonne à la fois comme un monde à part et incroyablement terrestre, ce qui n’est pas une mince affaire – mais je trouve que c’est quelque chose de particulier à la musique, en particulier aux vocalisations, qui puisent dans les échos de l’ancienne spiritualité. Tout en exaltant les cieux, on a l’impression qu’il existe une connexion plus profonde avec le sol, les rochers, les arbres, les éléments. Cela ouvre parfaitement la voie à « In Taberna Quando Sumus » ; simple, rythmique, répétitif. Au fur et à mesure que l’album progresse, on s’accorde sur le sens d’un arc, d’un cycle, et Hammer entraîne l’auditeur dans un voyage intérieur. Certains arrangements musicaux sont si minimaux qu’ils sont à peine présents, le son du vent et des réverbérations caverneuses, tandis que d’autres sont centrés sur des percussions hypnotiques et des vocalisations chorales sans paroles, comme sur le puissant « Samsara » et le lilting, éthéré « Vajra ».

Ce flux est quelque peu perturbé par un mixage dance de  » Chant Nr 5 « , déposé comme quatorzième morceau à la fin de la troisième face. Dans le sens où il sert de conclusion à la face qui s’ouvre sur la version originale, cela a un certain sens, mais quand même… c’est incongru, balayant l’encens à la dérive avec un rythme effréné et un son d’orgue chevrotant. C’est peut-être pour cette raison que j’hésite toujours à utiliser le terme « musique du monde » : il s’agit d’une vision occidentalo-centrée du globe, où le « monde » est vaste et où l’Occident n’en occupe qu’une infime partie, tant sur le plan géographique que culturel. En Occident, l’Occident est le monde et perçoit sa domination culturelle comme telle. C’est une perspective très faussée.

Alors que Dakini incorpore des éléments de ce qui serait communément décrit comme de la musique « mondiale », c’est vraiment de la musique « mondiale » dans le sens où elle embrasse vraiment la musique du monde dans toute son ampleur, avec le chant délicat de « Lullaby » qui doit peut-être plus aux traditions occidentales et qui montre que pour Hammer, toutes les sources sont égales, et cela donne une expérience d’écoute riche et émouvante.

La quatrième face se termine, et clôt l’album, avec le troisième et dernier morceau bonus,  » Hurdy Gurdy Gavotte « . Et là, tout est parfaitement assumé.

****1/2

D’après ce que nous savons, l’artiste et musicienne polonaise Marla Van Horn a sorti une douzaine d’albums au cours des deux dernières années. Avant cela, il est beaucoup plus difficile d’identifier ses productions (s’il y en a). Ce regain d’activité coïncide avec la pandémie de COVID-19 et représente l’une des réponses artistiques les plus productives à une crise mondiale, si tel est bien le cas.

Nous partageons ci-dessous quelques mots sur deux de ses albums les plus récents. Ils rappellent tous deux Sunn O))), combinés de manière expérimentale avec des chants liturgiques, et il convient de les écouter à un volume élevé pour en apprécier les détails subtils.

Falling commence par des drones de guitare superposés, fortement distordus et centrés sur certaines structures d’accords. Plusieurs d’entre eux sont présents, chacun explorant un thème minimaliste distinct dans un registre légèrement différent. Il peut aussi y avoir du synthé, mais chaque drone individuel se mélange aux autres à un point tel qu’il est difficile de discerner l’instrumentation (et les notes de pochette sont muettes à cet égard). Au fur et à mesure que l’album progresse, Van Horn introduit des voix éthérées enregistrées sur plusieurs pistes qui utilisent à la fois des chants sans paroles et des vocalisations qui ressemblent à du langage. Mais là où elle excelle encore plus, c’est dans la combinaison de ces caractéristiques – des couches de structures de guitare brutes servant de base à des intonations plaintives. Sur le plan rythmique, des percussions éparses et des pulsations distinctes sont utilisées sur plusieurs des morceaux, ajoutant un mouvement vers l’avant à une offre autrement sombre et ambiante.

Alors que On the Other Side of the Sea explore un son global similaire à celui de Falling, Van Horn fait un usage intensif de percussions minimalistes, et ses guitares grondent de manière encore plus menaçante. Là encore, l’album brille par sa capacité à fusionner de nombreux drones en une masse sonore. Cela dit, étant donné que de nombreuses pistes sont superposées avec des répétitions sous-jacentes, l’album peut aussi être plus ambiant que Falling. Van Horn s’écarte parfois de cette voie avec quelques passages expérimentaux plus chaotiques, présentant des bruits d’animaux, des grondements de basse et des structures plus lâches. La voix soliste au dessus des drones prend également un rôle plus important. En conséquence, On the Other Side of the Sea est le plus varié des deux, plus dérangeant aussi.

***1/2

Nous avons tendance à associer les musiciens au contexte dans lequel nous les avons entendus pour la première fois. Pour Devin Sarno, il s’agit de ses enregistrements en duo avec Nels Cline, il y a plus de 20 ans. Mais depuis lors, il s’est consacré à l’expérimentation, publiant un flux constant d’albums. Principalement connu comme bassiste, Sarno a récemment exploré d’autres instruments ainsi que différentes techniques de production. Tout cela se retrouve sur son dernier effort, Evocation, un ensemble de morceaux qui ne s’éloignent pas de son travail précédent mais qui prennent quelques mesures inattendues.

En solo, Sarno est crédité d’un séquenceur, d’un Moog, d’une guitare, d’une voix et d’enregistrements de terrain.

Il les mélange dans un son global qui pourrait facilement être classé dans la catégorie dark ambient ou drone. Si vous écoutez attentivement, vous serez peut-être en mesure de distinguer certains de ces éléments constitutifs, mais ils sont surtout superposés dans des tons lents et profonds. Des enregistrements en boucle de bruits d’insectes et parfois des craquements électroacoustiques viennent ponctuer le tout. L’effet global est cinématographique – celui d’une machine extraterrestre ou d’un paysage hanté tout droit sorti d’un film d’horreur. Enregistré l’hiver dernier, au plus fort de la propagation du COVID-19 aux États-Unis, cette impression est loin d’être inappropriée.

Néanmoins, Evocation a toujours la capacité de se tenir seul, hors du temps, en brisant les moules contextuels susmentionnés. Si vous n’avez pas encore entendu le travail de Sarno, ou si vous êtes un fan des mélanges ambient / acousmatiques qui sont devenus prédominants ces derniers temps, l’écoute de cet album est une excellente façon de passer votre temps à la tombée de la nuit.

***1/2

Beckahesten est un nouveau projet suédois mettant en scène Peo Bengtsson, Per Åhlund de Skare et Diskrepant et les voix de Viktoria Rolandsdotter.

Leur son mélange une ambiance sombre avec des sous-entendus rituels, du folklore, de la poésie apaisante et des atmosphères sinistres pleines d’harmonies évocatrices. Le résultat est une expérience crépusculaire rappelant des racines anciennes et des émotions ataviques.

Vattenhålens Dräpare est leur premier opus et c’est une œuvre qui s’inspire des éléments susmentionnés dans une expérience cohésive et captivante. « Förnimmelsen » nous accueille avec son paysage sonore cinématographique sur lequel des voix chuchotées se superposent dans une prise mystérieuse, tandis que des sons inquiétants se développent lentement dans des atmosphères nocturnes.

« Skuggan » est un morceau encore plus sinistre, une collection d’effets subtils sur fond de mouvement rampant où la voix féminine devient une performance d’opéra aux sonorités ritualistes. Le dernier long épisode, Hotet, est une interprétation pleine d’âme qui rappelle Dead Can Dance, en mutant progressivement avec des éléments orchestraux qui n’explosent jamais, maintenant au contraire un motif obsédant.

Œuvre pour les amateurs de sons sombres et évocateurs, Vattenhålens Dräpare propose un voyage pour l’âme et l’esprit à travers des atmosphères lentes et des paysages sonores cinématographiques pleins d’effets sinistre et de mantras ritualistes. Essayez-le !

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Extraordinaire producteur de dark ambient, le Suédois Pär Boström s’est certainement tenu très occupé ces derniers temps, avec de multiples sorties des projets Cities Last Broadcast, Hymnambulae et Bonini Bulga (entre autres) qui ont fait leur chemin dans les oreilles de ceux qui ont un penchant pour le drone et le doom. Malgré cette surabondance de travail, il est bon de constater que nous n’avons pas eu à attendre une autre décennie complète entre les nouveaux disques de l’instanciation la plus remarquable de Boström – Kammarheit. Après un long hiatus, Boström a sorti The Nest en 2015, et bien que les cinq années d’attente entre ce disque et le nouveau LP Thronal aient été brèves selon les standards de Kammarheit, cela montre quelques changements subtils mais significatifs dans les sons de Boström.

Malgré le sentiment d’appartenance à un morceau avec les précédents LP de Kammarheit (y compris le filigrane de genre The Starwheel) en termes de présentation monolithique et de dévouement aux pads massifs et soutenus, il y a de nombreuses indications que Boström a laissé une certaine influence de son autre travail dériver vers Thronal. Les textures de roseaux, de poussière et de vent qui composent « The Two Houses » et « In The Dreamer’s Fields » sont inspirées de l’intérêt que porte Hymnambulae aux enregistrements de champs en décomposition. De même, le son des parasites radio de «  Before It Was Known As Sleep » se confond avec celui des coussins balayés par le vent, certains tons étant peut-être destinés à être pris pour les soupirs d’un dormeur agité.

Si The Nest semblait lointain, distant et énigmatique, Thronal est une version beaucoup plus immédiate. Les cordes solitaires qui tournent en rond sur le fond de « Carving The Coordinates » et qui constituent la majorité de « Now Golden, Now Dark » s’annoncent avec un mélange clair et direct. Cela ne veut pas dire qu’il s’agit d’un communiqué facile à approcher ou accrocheur, bien au contraire. Comme le suggère peut-être la couverture, les formes et les figures qui composent Thronal sont tactiles mais inertes, abandonnées et désolées – peut-être les vestiges d’un empire oublié depuis longtemps, si l’on en croit le titre.

Les amateurs de dark ambient se trompent parfois sur l’interprétation du genre, s’efforçant de mettre en valeur la gamme de couleurs, d’humeurs et d’univers qu’un disque exprime. Ce genre d’amélioration ne peut tout simplement pas être appliqué à un disque comme Thronal. Même la résonance austère de The Nest prend un certain lyrisme statuesque sous certains angles, mais Thronal n’offre pas de perspectives aussi confortables. Il s’agit d’une ambiance sombre, monochrome et ininterrompue, dans laquelle les personnes non habituées au genre ne trouveront probablement pas de place. Les initiés chevronnés, cependant, accueilleront le retour d’un des maîtres du domaine.

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