Marla Van Horn: « Falling » / « On the Other Side of the Sea »

12 mars 2022

D’après ce que nous savons, l’artiste et musicienne polonaise Marla Van Horn a sorti une douzaine d’albums au cours des deux dernières années. Avant cela, il est beaucoup plus difficile d’identifier ses productions (s’il y en a). Ce regain d’activité coïncide avec la pandémie de COVID-19 et représente l’une des réponses artistiques les plus productives à une crise mondiale, si tel est bien le cas.

Nous partageons ci-dessous quelques mots sur deux de ses albums les plus récents. Ils rappellent tous deux Sunn O))), combinés de manière expérimentale avec des chants liturgiques, et il convient de les écouter à un volume élevé pour en apprécier les détails subtils.

Falling commence par des drones de guitare superposés, fortement distordus et centrés sur certaines structures d’accords. Plusieurs d’entre eux sont présents, chacun explorant un thème minimaliste distinct dans un registre légèrement différent. Il peut aussi y avoir du synthé, mais chaque drone individuel se mélange aux autres à un point tel qu’il est difficile de discerner l’instrumentation (et les notes de pochette sont muettes à cet égard). Au fur et à mesure que l’album progresse, Van Horn introduit des voix éthérées enregistrées sur plusieurs pistes qui utilisent à la fois des chants sans paroles et des vocalisations qui ressemblent à du langage. Mais là où elle excelle encore plus, c’est dans la combinaison de ces caractéristiques – des couches de structures de guitare brutes servant de base à des intonations plaintives. Sur le plan rythmique, des percussions éparses et des pulsations distinctes sont utilisées sur plusieurs des morceaux, ajoutant un mouvement vers l’avant à une offre autrement sombre et ambiante.

Alors que On the Other Side of the Sea explore un son global similaire à celui de Falling, Van Horn fait un usage intensif de percussions minimalistes, et ses guitares grondent de manière encore plus menaçante. Là encore, l’album brille par sa capacité à fusionner de nombreux drones en une masse sonore. Cela dit, étant donné que de nombreuses pistes sont superposées avec des répétitions sous-jacentes, l’album peut aussi être plus ambiant que Falling. Van Horn s’écarte parfois de cette voie avec quelques passages expérimentaux plus chaotiques, présentant des bruits d’animaux, des grondements de basse et des structures plus lâches. La voix soliste au dessus des drones prend également un rôle plus important. En conséquence, On the Other Side of the Sea est le plus varié des deux, plus dérangeant aussi.

***1/2


VÍZ: « Veils »

20 décembre 2021

A la fin de « Veil 1 // source. », on entend un vrombissement comme si des vaisseaux spatiaux atterrissaient, au milieu d’un environnement techniquement inhospitalier. Avec l’album « Veils », on n’atterrit pas sur des planètes étrangères, mais au milieu du corps de la musicienne Réka Csiszér. Sous le pseudonyme de VÍZ, celle-ci publie son premier album solo et explore les concepts de « body horror », d’identité et de dualité avec un certain nombre d’appareils. Motif de pochette monochrome, sons sombres, ambiance pensive et parfois même douloureuse – cette electronica n’a pas grand-chose à voir avec la pop entraînante de Bitter Moon.

Une tentative de dialogue avec les esprits, une enquête sur son propre corps, la dissection de son esprit : Veils arbore un son ambient expérimental, plein de moments effrayants et de phrases qui font réfléchir. Le piano trébuche, apparemment assommé, dans l’abîme (« Veil 3 // jozefina. »), le chant de VÍZ devient une plainte (« Veil 5 // roter berg. »).

En outre, les drones et les surfaces ondulent en arrière-plan, les textures rugueuses et les matières qui grattent forment le corps de la musique. Lorsque les synthétiseurs s’emballent, il ne s’agit pas d’une libération, mais plutôt d’un transfert de forces ( » »eil 6 // reset. »).

Il peut arriver que l’on se sente un peu perdu et seul en écoutant Veils. « Veil 2 // föld. » situe un peu l’action avec la voix dans la réverbération, mais la rencontre avec VÍZ n’est pas préfabriquée. Chaque piste change les bases, un déroulement fixe ne semble pas exister. Ainsi, l’electronica sert de miroir, l’autoréflexion est encouragée. Jusqu’à ce que les sons et les synapses finissent par se rejoindre.

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Dronny Darko & Phaedrus: « Quasi »

14 décembre 2021

Quasi est une nouvelle proposition façon science-fiction cinématique et dark ambient de la part de Dronny Darko (Oleg Puzan), qui fait cette fois équipe avec Phaedrus (Johan de Reybekill). Des vagues géantes de synthétiseurs s’écrasent sur des rivages extraterrestres, laissant dans leur sillage une électroacoustique bouillonnante. Des bruits mécaniques répétitifs résonnent en arrière-plan, évoquant un sentiment d’isolement et de danger.

Bien sûr, les drones denses et étouffants attendus sont également omniprésents, accompagnés de scintillements et de crépitements. Puzan et de Reybekill collaborent avec d’autres fournisseurs de styles similaires sur quatre des cinq morceaux de Quasi, à savoir Pavlo Storonskyi, Bryan Hilyard, Martin Stürtzer et Pavel Malyshkin. Chacun de ces individus ajoute sa propre couleur et ses propres textures à ses morceaux respectifs.

***1/2


Devin Sarno: « Evocation »

13 mai 2021

Nous avons tendance à associer les musiciens au contexte dans lequel nous les avons entendus pour la première fois. Pour Devin Sarno, il s’agit de ses enregistrements en duo avec Nels Cline, il y a plus de 20 ans. Mais depuis lors, il s’est consacré à l’expérimentation, publiant un flux constant d’albums. Principalement connu comme bassiste, Sarno a récemment exploré d’autres instruments ainsi que différentes techniques de production. Tout cela se retrouve sur son dernier effort, Evocation, un ensemble de morceaux qui ne s’éloignent pas de son travail précédent mais qui prennent quelques mesures inattendues.

En solo, Sarno est crédité d’un séquenceur, d’un Moog, d’une guitare, d’une voix et d’enregistrements de terrain.

Il les mélange dans un son global qui pourrait facilement être classé dans la catégorie dark ambient ou drone. Si vous écoutez attentivement, vous serez peut-être en mesure de distinguer certains de ces éléments constitutifs, mais ils sont surtout superposés dans des tons lents et profonds. Des enregistrements en boucle de bruits d’insectes et parfois des craquements électroacoustiques viennent ponctuer le tout. L’effet global est cinématographique – celui d’une machine extraterrestre ou d’un paysage hanté tout droit sorti d’un film d’horreur. Enregistré l’hiver dernier, au plus fort de la propagation du COVID-19 aux États-Unis, cette impression est loin d’être inappropriée.

Néanmoins, Evocation a toujours la capacité de se tenir seul, hors du temps, en brisant les moules contextuels susmentionnés. Si vous n’avez pas encore entendu le travail de Sarno, ou si vous êtes un fan des mélanges ambient / acousmatiques qui sont devenus prédominants ces derniers temps, l’écoute de cet album est une excellente façon de passer votre temps à la tombée de la nuit.

***1/2


Natura Est: « Real Seasons »

11 mai 2021

Natura Est était un nouveau projet ; celui de deux visages bien connus de la scène électronique et industrielle, le britannique Tony Young d’Autoclav1.1 et Andreas Davids d’Allemagne, connu pour Xotox. Ont mis leurs talents au service d’une trajectoire dark ambient explorant les thèmes de la nature et de la vie sur notre planète. Compte tenu des compositeurs, on peut s’attendre à ce que le matériel soit d’un niveau élevé et c’est le cas.

Les sons et les textures sont chauds, pleins et sains dans les basses fréquences. Le mouvement est assuré par des changements de tonalité plutôt que par un quelconque support rythmique, comme les sons produits par le vent et l’océan, éléments naturels qui évoluent naturellement avec le temps. Les résultats sont donc réconfortants et contemplatifs. Même s’il y a des éléments abrasifs dans le champ sonore, ils reflètent leurs contreparties dans la nature et me suggèrent qu’ils doivent être acceptés comme faisant partie d’un tout inébranlable, éternel et nécessaire. Leur premier album éponyme contienait 5 titres et dait environ 40 minutes était idéal car beaucoup de matériel de ce genre peouvait ainsi atteindre des durées difficiles à consommer en une seule fois, il était ainsi concis mais expansiff, rappelant les moments plus ambiants des premiers albums de Delirium mélangés à la dynamique de quelque chose comme Sleep Research Facility.

Sur Natura Est, Tony Young (Autoclav 1.1) et Andreas Davids (Xotox), poursuivaient leur voyage dans les profondeurs d’un dark ambient envoûtant, aux couches denses et aux atmosphères brumeuses.

Real Seasons, troisième opus du duo, est doté d’effluves vénéneux, traversé par des vocaux lyriques en arrière-plan, conférant à l’ensemble une aura de mystère.

Natura Est nous invite à un sabbat de sorcières et de magiciens, revêtant leurs costumes de ténèbres pour affronter les affres d’un macrocosme tourmenté par les assauts d’une humanité dépravée.

L’album est déchiré entre des forces souterraines et célestes, luttant pour attirer l’autre dans son camp, une lutte charnelle chargée d’énergies flottantes et de glissements venteux entre les strates d’une terre retournée par l’immobilisme. Captivant et, par conséquent, recommandé.

***1/2


Beckahesten: « Vattenhålens Dräpare »

28 janvier 2021

Beckahesten est un nouveau projet suédois mettant en scène Peo Bengtsson, Per Åhlund de Skare et Diskrepant et les voix de Viktoria Rolandsdotter.

Leur son mélange une ambiance sombre avec des sous-entendus rituels, du folklore, de la poésie apaisante et des atmosphères sinistres pleines d’harmonies évocatrices. Le résultat est une expérience crépusculaire rappelant des racines anciennes et des émotions ataviques.

Vattenhålens Dräpare est leur premier opus et c’est une œuvre qui s’inspire des éléments susmentionnés dans une expérience cohésive et captivante. « Förnimmelsen » nous accueille avec son paysage sonore cinématographique sur lequel des voix chuchotées se superposent dans une prise mystérieuse, tandis que des sons inquiétants se développent lentement dans des atmosphères nocturnes.

« Skuggan » est un morceau encore plus sinistre, une collection d’effets subtils sur fond de mouvement rampant où la voix féminine devient une performance d’opéra aux sonorités ritualistes. Le dernier long épisode, Hotet, est une interprétation pleine d’âme qui rappelle Dead Can Dance, en mutant progressivement avec des éléments orchestraux qui n’explosent jamais, maintenant au contraire un motif obsédant.

Œuvre pour les amateurs de sons sombres et évocateurs, Vattenhålens Dräpare propose un voyage pour l’âme et l’esprit à travers des atmosphères lentes et des paysages sonores cinématographiques pleins d’effets sinistre et de mantras ritualistes. Essayez-le !

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Kammarheit: « Thronal »

25 janvier 2021

Extraordinaire producteur de dark ambient, le Suédois Pär Boström s’est certainement tenu très occupé ces derniers temps, avec de multiples sorties des projets Cities Last Broadcast, Hymnambulae et Bonini Bulga (entre autres) qui ont fait leur chemin dans les oreilles de ceux qui ont un penchant pour le drone et le doom. Malgré cette surabondance de travail, il est bon de constater que nous n’avons pas eu à attendre une autre décennie complète entre les nouveaux disques de l’instanciation la plus remarquable de Boström – Kammarheit. Après un long hiatus, Boström a sorti The Nest en 2015, et bien que les cinq années d’attente entre ce disque et le nouveau LP Thronal aient été brèves selon les standards de Kammarheit, cela montre quelques changements subtils mais significatifs dans les sons de Boström.

Malgré le sentiment d’appartenance à un morceau avec les précédents LP de Kammarheit (y compris le filigrane de genre The Starwheel) en termes de présentation monolithique et de dévouement aux pads massifs et soutenus, il y a de nombreuses indications que Boström a laissé une certaine influence de son autre travail dériver vers Thronal. Les textures de roseaux, de poussière et de vent qui composent « The Two Houses » et « In The Dreamer’s Fields » sont inspirées de l’intérêt que porte Hymnambulae aux enregistrements de champs en décomposition. De même, le son des parasites radio de «  Before It Was Known As Sleep » se confond avec celui des coussins balayés par le vent, certains tons étant peut-être destinés à être pris pour les soupirs d’un dormeur agité.

Si The Nest semblait lointain, distant et énigmatique, Thronal est une version beaucoup plus immédiate. Les cordes solitaires qui tournent en rond sur le fond de « Carving The Coordinates » et qui constituent la majorité de « Now Golden, Now Dark » s’annoncent avec un mélange clair et direct. Cela ne veut pas dire qu’il s’agit d’un communiqué facile à approcher ou accrocheur, bien au contraire. Comme le suggère peut-être la couverture, les formes et les figures qui composent Thronal sont tactiles mais inertes, abandonnées et désolées – peut-être les vestiges d’un empire oublié depuis longtemps, si l’on en croit le titre.

Les amateurs de dark ambient se trompent parfois sur l’interprétation du genre, s’efforçant de mettre en valeur la gamme de couleurs, d’humeurs et d’univers qu’un disque exprime. Ce genre d’amélioration ne peut tout simplement pas être appliqué à un disque comme Thronal. Même la résonance austère de The Nest prend un certain lyrisme statuesque sous certains angles, mais Thronal n’offre pas de perspectives aussi confortables. Il s’agit d’une ambiance sombre, monochrome et ininterrompue, dans laquelle les personnes non habituées au genre ne trouveront probablement pas de place. Les initiés chevronnés, cependant, accueilleront le retour d’un des maîtres du domaine.

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Shedir: « Finite Infinity »

17 septembre 2020

Deuxième elbum de l’artiste italienne, Shedir, un dique qui reprend où son album précédent, Falling Time, nous a laissés ; à savoir être à nouveau confrontés à d’épaisses étendues de drones flottants et à une utilisation complexe de « field recordings », exposant des techniques de conception sonore très habiles. Chaque objet, chaque lieu, chaque être contient une sorte de solitude inhérente qui est la pure essence de ce qu’il signifie être.

Lorsque l’essence d’une chose, sa solitude féroce et invisible, émerge, nous sommes confrontés au noyau subtil de l’être, solitaire comme la totalité des étoiles. Et l’effet, être ici, sur lnotre planète, accepter le silence, inscrit quelque chose sur les murs froids et brillants de nos âmes, un scintillement fini à travers l’infini.

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Lamia Vox: « Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer »

25 juillet 2020

L’ambiance sombre et richement décorée de Lamia Vox a fait forte impression en 2013 via Sigillum Diaboli, où Alina Antonova a mis en scène des éléments capiteux de rituel et d’industrie martiale. Après une absence de près de sept ans (et un déménagement de la Russie à Prague), le retour d’Antonova avec Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer emmène Lamia Vox dans un nouveau territoire et trouve des instruments adaptés à ses objectifs esthétiques ambitieux.

Si certains passages rythmés rappellent encore le côté martial de Siggilum Diaboli – voir les cordes et timbales austères de « Song Of Destiny » -, beaucoup de choses ont été ajoutées à Lamia Vox dans les années qui ont suivi. Les voix ont beaucoup d’espace, Antonova murmurant alternativement des incantations à l’avant et faisant glisser des gémissements à l’arrière des arrangements. Les hochements de tête à la poésie symboliste et autres signes de la fin du siècle sont faits avec une solennité feutrée et un enthousiasme extatique.

Avec ces intérêts poétiques et thématiques à l’esprit, Alles ist Ufer dérive souvent dans des humeurs cryptiques et secrètes et trouve l’instrumentation qui convient.

Les lignes délicates mais incisives du dulcimer martelé sur « Eternity » et « Dionysios » suggèrent Dead Can Dance ou Judgement Of Paris, et la percussion acoustique sur ce dernier évoque joliment les cultes et rites mystérieux. Cette évolution vers une instrumentation plus néo-classique fait parfois partie du côté bombardé de Lamia Vox, comme dans le tourbillon enthousiaste de « I Call The Stars On High », mais la capacité d’Antonova à livrer ces éléments dans des compositions plus douces laisse autant, sinon plus, d’impression.

Qu’elle soit grandiose ou isolée, Antonova fait preuve d’un grand talent pour sculpter et exécuter ses compositions sur Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer. Aucun élément n’use leur accueil, et bien qu’il y ait une unité thématique dans l’ensemble du dossier (économiquement bref), chaque pièce se développe et se suffit à elle-même. Il est facile d’écrire du dark ambient et tout aussi facile d’écraser du martial industrial, mais en tant qu’entité, Lamia Vox sait comment catalyser au mieux ces sons et sa myriade d’autres successeurs.

***1/2


Roly Porter: «Kistvaen»

9 juin 2020

Peu d’instruments sont capables d’évoquer le niveau d’inspiration et de terreur que peut susciter la voix humaine. La voix du chœur de gospel élève les esprits de la congrégation ; le sifflement du chanteur de black metal évoquant les ténèbres du plus profond de lui-même – ce sont deux manifestations du même genre de crudité émotionnelle, et aucun accord de puissance ou solo de batterie ne peut capturer ce genre de puissance qui fait vibrer l’âme. Pourtant, le compositeur et producteur britannique Roly Porter s’en est assez bien tiré uniquement grâce à ses compositions instrumentales. Son album Third Law, sorti en 2016, a donné l’impression d’être aspiré dans un trou noir – encore plus tendu dans son acharnement que ne l’est généralement la musique dark ambient – et pour être juste, il peut être extrêmement déchirant dans ses plus grands moments.

Le précédent album de Porter a connu des moments qui, parfois, étaient d’une telle gravité insupportable qu’il laissait en suspens la question de savoir où aller ensuite, si ce n’est pour se retirer dans quelque chose de plus humble ou de plus atmosphérique. L’ouverture sereine de « An Open Door », sur le nouvel album de Porter, Kistvaen, laisse penser qu’une direction plus sombre et plus calme est à la fois possible et nouvelle, mais dans l’ensemble, Porter a choisi une voie différente. Pour cette série d’enregistrements, Porter a fait appel à trois chanteurs – Mary-Anne Roberts de Bragod, Ellen Southern de Dead Space Chamber Music et le chanteur et chercheur Phil Owen – pour une recherche conceptuelle sur les sites funéraires en tant que portes du temps. Cela ressemble à un exorcisme.

Il n’y aura peut-être pas de musique enregistrée en 2020 qui soit aussi terrifiante que le morceau d’ouverture de l’album, « Assembly ». Il s’étend et se dénoue lentement à partir d’un éther marécageux, devenant plus explosif et volcanique sous des gémissements vocaux déchirants d’horreur et d’angoisse. C’est le genre de choses qui vous empêcheront certainement de dormir la nuit. En fait, une grande partie de Kistvaen est – c’est essentiellement ce que Porter fait le mieux, des hantises sonores à vous glacer le sang avec des doses occasionnelles de puissance de feu auditive. Mais ici, la source de cette terreur s’est transformée en un degré – la capacité de Porter à tirer la menace et la violence même de paysages sonores relativement calmes est une qualité sous-estimée de sa part, et la façon dont un morceau comme « Passag » » suinte lentement vers une sortie climatique ne fait que rendre l’explosion du chœur de bruits d’autant plus percutante. Une chose similaire se produit sur « An Open Door », qui est une composition apparemment apprivoisée au premier abord, mais l’introduction de son élément choral donne l’impression d’une communication venant d’au-delà de ce monde.

Ce serait une erreur de négliger la beauté de Kistvaen, car il y a une musique véritablement émouvante et émotionnelle – qui s’inspire de choses effrayantes et mystérieuses, un peu comme la partition de Bobby Krlic pour Midsommar a suscité une terreur viscérale dans le cadre apparemment paisible et bucolique de ce film. Il s’agit d’une terreur surnaturelle plutôt que d’une terreur plus viscérale, en chair et en os, et le morceau de titre qui clôt le film lui donne une tournure spirituelle supplémentaire, révélant une grâce qui bouge malgré l’obscurité qui l’entoure. Qu’il arrive à l’aube de l’été peut sembler curieux, mais si un milieu d’année a besoin d’une évacuation spirituelle, c’est bien de celui-ci qu’il est question.

***1/2