Devin Sarno: « Evocation »

13 mai 2021

Nous avons tendance à associer les musiciens au contexte dans lequel nous les avons entendus pour la première fois. Pour Devin Sarno, il s’agit de ses enregistrements en duo avec Nels Cline, il y a plus de 20 ans. Mais depuis lors, il s’est consacré à l’expérimentation, publiant un flux constant d’albums. Principalement connu comme bassiste, Sarno a récemment exploré d’autres instruments ainsi que différentes techniques de production. Tout cela se retrouve sur son dernier effort, Evocation, un ensemble de morceaux qui ne s’éloignent pas de son travail précédent mais qui prennent quelques mesures inattendues.

En solo, Sarno est crédité d’un séquenceur, d’un Moog, d’une guitare, d’une voix et d’enregistrements de terrain.

Il les mélange dans un son global qui pourrait facilement être classé dans la catégorie dark ambient ou drone. Si vous écoutez attentivement, vous serez peut-être en mesure de distinguer certains de ces éléments constitutifs, mais ils sont surtout superposés dans des tons lents et profonds. Des enregistrements en boucle de bruits d’insectes et parfois des craquements électroacoustiques viennent ponctuer le tout. L’effet global est cinématographique – celui d’une machine extraterrestre ou d’un paysage hanté tout droit sorti d’un film d’horreur. Enregistré l’hiver dernier, au plus fort de la propagation du COVID-19 aux États-Unis, cette impression est loin d’être inappropriée.

Néanmoins, Evocation a toujours la capacité de se tenir seul, hors du temps, en brisant les moules contextuels susmentionnés. Si vous n’avez pas encore entendu le travail de Sarno, ou si vous êtes un fan des mélanges ambient / acousmatiques qui sont devenus prédominants ces derniers temps, l’écoute de cet album est une excellente façon de passer votre temps à la tombée de la nuit.

***1/2


Natura Est: « Real Seasons »

11 mai 2021

Natura Est était un nouveau projet ; celui de deux visages bien connus de la scène électronique et industrielle, le britannique Tony Young d’Autoclav1.1 et Andreas Davids d’Allemagne, connu pour Xotox. Ont mis leurs talents au service d’une trajectoire dark ambient explorant les thèmes de la nature et de la vie sur notre planète. Compte tenu des compositeurs, on peut s’attendre à ce que le matériel soit d’un niveau élevé et c’est le cas.

Les sons et les textures sont chauds, pleins et sains dans les basses fréquences. Le mouvement est assuré par des changements de tonalité plutôt que par un quelconque support rythmique, comme les sons produits par le vent et l’océan, éléments naturels qui évoluent naturellement avec le temps. Les résultats sont donc réconfortants et contemplatifs. Même s’il y a des éléments abrasifs dans le champ sonore, ils reflètent leurs contreparties dans la nature et me suggèrent qu’ils doivent être acceptés comme faisant partie d’un tout inébranlable, éternel et nécessaire. Leur premier album éponyme contienait 5 titres et dait environ 40 minutes était idéal car beaucoup de matériel de ce genre peouvait ainsi atteindre des durées difficiles à consommer en une seule fois, il était ainsi concis mais expansiff, rappelant les moments plus ambiants des premiers albums de Delirium mélangés à la dynamique de quelque chose comme Sleep Research Facility.

Sur Natura Est, Tony Young (Autoclav 1.1) et Andreas Davids (Xotox), poursuivaient leur voyage dans les profondeurs d’un dark ambient envoûtant, aux couches denses et aux atmosphères brumeuses.

Real Seasons, troisième opus du duo, est doté d’effluves vénéneux, traversé par des vocaux lyriques en arrière-plan, conférant à l’ensemble une aura de mystère.

Natura Est nous invite à un sabbat de sorcières et de magiciens, revêtant leurs costumes de ténèbres pour affronter les affres d’un macrocosme tourmenté par les assauts d’une humanité dépravée.

L’album est déchiré entre des forces souterraines et célestes, luttant pour attirer l’autre dans son camp, une lutte charnelle chargée d’énergies flottantes et de glissements venteux entre les strates d’une terre retournée par l’immobilisme. Captivant et, par conséquent, recommandé.

***1/2


Beckahesten: « Vattenhålens Dräpare »

28 janvier 2021

Beckahesten est un nouveau projet suédois mettant en scène Peo Bengtsson, Per Åhlund de Skare et Diskrepant et les voix de Viktoria Rolandsdotter.

Leur son mélange une ambiance sombre avec des sous-entendus rituels, du folklore, de la poésie apaisante et des atmosphères sinistres pleines d’harmonies évocatrices. Le résultat est une expérience crépusculaire rappelant des racines anciennes et des émotions ataviques.

Vattenhålens Dräpare est leur premier opus et c’est une œuvre qui s’inspire des éléments susmentionnés dans une expérience cohésive et captivante. « Förnimmelsen » nous accueille avec son paysage sonore cinématographique sur lequel des voix chuchotées se superposent dans une prise mystérieuse, tandis que des sons inquiétants se développent lentement dans des atmosphères nocturnes.

« Skuggan » est un morceau encore plus sinistre, une collection d’effets subtils sur fond de mouvement rampant où la voix féminine devient une performance d’opéra aux sonorités ritualistes. Le dernier long épisode, Hotet, est une interprétation pleine d’âme qui rappelle Dead Can Dance, en mutant progressivement avec des éléments orchestraux qui n’explosent jamais, maintenant au contraire un motif obsédant.

Œuvre pour les amateurs de sons sombres et évocateurs, Vattenhålens Dräpare propose un voyage pour l’âme et l’esprit à travers des atmosphères lentes et des paysages sonores cinématographiques pleins d’effets sinistre et de mantras ritualistes. Essayez-le !

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Kammarheit: « Thronal »

25 janvier 2021

Extraordinaire producteur de dark ambient, le Suédois Pär Boström s’est certainement tenu très occupé ces derniers temps, avec de multiples sorties des projets Cities Last Broadcast, Hymnambulae et Bonini Bulga (entre autres) qui ont fait leur chemin dans les oreilles de ceux qui ont un penchant pour le drone et le doom. Malgré cette surabondance de travail, il est bon de constater que nous n’avons pas eu à attendre une autre décennie complète entre les nouveaux disques de l’instanciation la plus remarquable de Boström – Kammarheit. Après un long hiatus, Boström a sorti The Nest en 2015, et bien que les cinq années d’attente entre ce disque et le nouveau LP Thronal aient été brèves selon les standards de Kammarheit, cela montre quelques changements subtils mais significatifs dans les sons de Boström.

Malgré le sentiment d’appartenance à un morceau avec les précédents LP de Kammarheit (y compris le filigrane de genre The Starwheel) en termes de présentation monolithique et de dévouement aux pads massifs et soutenus, il y a de nombreuses indications que Boström a laissé une certaine influence de son autre travail dériver vers Thronal. Les textures de roseaux, de poussière et de vent qui composent « The Two Houses » et « In The Dreamer’s Fields » sont inspirées de l’intérêt que porte Hymnambulae aux enregistrements de champs en décomposition. De même, le son des parasites radio de «  Before It Was Known As Sleep » se confond avec celui des coussins balayés par le vent, certains tons étant peut-être destinés à être pris pour les soupirs d’un dormeur agité.

Si The Nest semblait lointain, distant et énigmatique, Thronal est une version beaucoup plus immédiate. Les cordes solitaires qui tournent en rond sur le fond de « Carving The Coordinates » et qui constituent la majorité de « Now Golden, Now Dark » s’annoncent avec un mélange clair et direct. Cela ne veut pas dire qu’il s’agit d’un communiqué facile à approcher ou accrocheur, bien au contraire. Comme le suggère peut-être la couverture, les formes et les figures qui composent Thronal sont tactiles mais inertes, abandonnées et désolées – peut-être les vestiges d’un empire oublié depuis longtemps, si l’on en croit le titre.

Les amateurs de dark ambient se trompent parfois sur l’interprétation du genre, s’efforçant de mettre en valeur la gamme de couleurs, d’humeurs et d’univers qu’un disque exprime. Ce genre d’amélioration ne peut tout simplement pas être appliqué à un disque comme Thronal. Même la résonance austère de The Nest prend un certain lyrisme statuesque sous certains angles, mais Thronal n’offre pas de perspectives aussi confortables. Il s’agit d’une ambiance sombre, monochrome et ininterrompue, dans laquelle les personnes non habituées au genre ne trouveront probablement pas de place. Les initiés chevronnés, cependant, accueilleront le retour d’un des maîtres du domaine.

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Shedir: « Finite Infinity »

17 septembre 2020

Deuxième elbum de l’artiste italienne, Shedir, un dique qui reprend où son album précédent, Falling Time, nous a laissés ; à savoir être à nouveau confrontés à d’épaisses étendues de drones flottants et à une utilisation complexe de « field recordings », exposant des techniques de conception sonore très habiles. Chaque objet, chaque lieu, chaque être contient une sorte de solitude inhérente qui est la pure essence de ce qu’il signifie être.

Lorsque l’essence d’une chose, sa solitude féroce et invisible, émerge, nous sommes confrontés au noyau subtil de l’être, solitaire comme la totalité des étoiles. Et l’effet, être ici, sur lnotre planète, accepter le silence, inscrit quelque chose sur les murs froids et brillants de nos âmes, un scintillement fini à travers l’infini.

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Lamia Vox: « Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer »

25 juillet 2020

L’ambiance sombre et richement décorée de Lamia Vox a fait forte impression en 2013 via Sigillum Diaboli, où Alina Antonova a mis en scène des éléments capiteux de rituel et d’industrie martiale. Après une absence de près de sept ans (et un déménagement de la Russie à Prague), le retour d’Antonova avec Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer emmène Lamia Vox dans un nouveau territoire et trouve des instruments adaptés à ses objectifs esthétiques ambitieux.

Si certains passages rythmés rappellent encore le côté martial de Siggilum Diaboli – voir les cordes et timbales austères de « Song Of Destiny » -, beaucoup de choses ont été ajoutées à Lamia Vox dans les années qui ont suivi. Les voix ont beaucoup d’espace, Antonova murmurant alternativement des incantations à l’avant et faisant glisser des gémissements à l’arrière des arrangements. Les hochements de tête à la poésie symboliste et autres signes de la fin du siècle sont faits avec une solennité feutrée et un enthousiasme extatique.

Avec ces intérêts poétiques et thématiques à l’esprit, Alles ist Ufer dérive souvent dans des humeurs cryptiques et secrètes et trouve l’instrumentation qui convient.

Les lignes délicates mais incisives du dulcimer martelé sur « Eternity » et « Dionysios » suggèrent Dead Can Dance ou Judgement Of Paris, et la percussion acoustique sur ce dernier évoque joliment les cultes et rites mystérieux. Cette évolution vers une instrumentation plus néo-classique fait parfois partie du côté bombardé de Lamia Vox, comme dans le tourbillon enthousiaste de « I Call The Stars On High », mais la capacité d’Antonova à livrer ces éléments dans des compositions plus douces laisse autant, sinon plus, d’impression.

Qu’elle soit grandiose ou isolée, Antonova fait preuve d’un grand talent pour sculpter et exécuter ses compositions sur Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer. Aucun élément n’use leur accueil, et bien qu’il y ait une unité thématique dans l’ensemble du dossier (économiquement bref), chaque pièce se développe et se suffit à elle-même. Il est facile d’écrire du dark ambient et tout aussi facile d’écraser du martial industrial, mais en tant qu’entité, Lamia Vox sait comment catalyser au mieux ces sons et sa myriade d’autres successeurs.

***1/2


Roly Porter: «Kistvaen»

9 juin 2020

Peu d’instruments sont capables d’évoquer le niveau d’inspiration et de terreur que peut susciter la voix humaine. La voix du chœur de gospel élève les esprits de la congrégation ; le sifflement du chanteur de black metal évoquant les ténèbres du plus profond de lui-même – ce sont deux manifestations du même genre de crudité émotionnelle, et aucun accord de puissance ou solo de batterie ne peut capturer ce genre de puissance qui fait vibrer l’âme. Pourtant, le compositeur et producteur britannique Roly Porter s’en est assez bien tiré uniquement grâce à ses compositions instrumentales. Son album Third Law, sorti en 2016, a donné l’impression d’être aspiré dans un trou noir – encore plus tendu dans son acharnement que ne l’est généralement la musique dark ambient – et pour être juste, il peut être extrêmement déchirant dans ses plus grands moments.

Le précédent album de Porter a connu des moments qui, parfois, étaient d’une telle gravité insupportable qu’il laissait en suspens la question de savoir où aller ensuite, si ce n’est pour se retirer dans quelque chose de plus humble ou de plus atmosphérique. L’ouverture sereine de « An Open Door », sur le nouvel album de Porter, Kistvaen, laisse penser qu’une direction plus sombre et plus calme est à la fois possible et nouvelle, mais dans l’ensemble, Porter a choisi une voie différente. Pour cette série d’enregistrements, Porter a fait appel à trois chanteurs – Mary-Anne Roberts de Bragod, Ellen Southern de Dead Space Chamber Music et le chanteur et chercheur Phil Owen – pour une recherche conceptuelle sur les sites funéraires en tant que portes du temps. Cela ressemble à un exorcisme.

Il n’y aura peut-être pas de musique enregistrée en 2020 qui soit aussi terrifiante que le morceau d’ouverture de l’album, « Assembly ». Il s’étend et se dénoue lentement à partir d’un éther marécageux, devenant plus explosif et volcanique sous des gémissements vocaux déchirants d’horreur et d’angoisse. C’est le genre de choses qui vous empêcheront certainement de dormir la nuit. En fait, une grande partie de Kistvaen est – c’est essentiellement ce que Porter fait le mieux, des hantises sonores à vous glacer le sang avec des doses occasionnelles de puissance de feu auditive. Mais ici, la source de cette terreur s’est transformée en un degré – la capacité de Porter à tirer la menace et la violence même de paysages sonores relativement calmes est une qualité sous-estimée de sa part, et la façon dont un morceau comme « Passag » » suinte lentement vers une sortie climatique ne fait que rendre l’explosion du chœur de bruits d’autant plus percutante. Une chose similaire se produit sur « An Open Door », qui est une composition apparemment apprivoisée au premier abord, mais l’introduction de son élément choral donne l’impression d’une communication venant d’au-delà de ce monde.

Ce serait une erreur de négliger la beauté de Kistvaen, car il y a une musique véritablement émouvante et émotionnelle – qui s’inspire de choses effrayantes et mystérieuses, un peu comme la partition de Bobby Krlic pour Midsommar a suscité une terreur viscérale dans le cadre apparemment paisible et bucolique de ce film. Il s’agit d’une terreur surnaturelle plutôt que d’une terreur plus viscérale, en chair et en os, et le morceau de titre qui clôt le film lui donne une tournure spirituelle supplémentaire, révélant une grâce qui bouge malgré l’obscurité qui l’entoure. Qu’il arrive à l’aube de l’été peut sembler curieux, mais si un milieu d’année a besoin d’une évacuation spirituelle, c’est bien de celui-ci qu’il est question.

***1/2


Lesa Listvy: « Unheard Of »

20 mai 2020

En théorie, on pourrait imaginer que le dark ambient appartient à cette catégorie qui vise à l’évasion pure. Souvent abstraitement inhumain ou tellement axé sur des thèmes métaphysiques qu’il semble déconnecté de la réalité quotidienne, le genre semble répondre de loin aux événements contemporains à un rythme glacial. Mais l’éthique du quatuor russe Lesa Listvy trouve un lien fortuit avec les angoisses actuelles, tout en offrant un certain répit à ces dernières grâce au drone.

Le concept d’Unheard Of est audacieux : un dirigeable abandonné dérivant au-dessus de déserts en ruines, jouant les histoires enregistrées et les drones liturgiques de sa civilisation aujourd’hui disparue dans l’espoir de faire renaître un jour ce qui a été perdu. Comme vous avez beaucoup réfléchi à A Canticle For Liebowitz ces derniers temps, ce genre de catastrophisme post-apocalyptique vous touche de près, mais l’esthétique de Jules Venes mâtinée de Mad Max est assortie à la chaleur des tons de Lesa Listvy, et l’expérience qui en résulte est beaucoup plus lumineuse et amusante que ce que le discours du combo pourrait laisser croire.

Il y a un ensemble d’harmoniques simples et claires pour introduire l’inouï sur « Wastelands », beaucoup de pulsations caoutchouteuses et même un rythme de conduite sur « Shadows », et quelques boucles de machines broyeuses sur « Flying Ship ». En bref, le premier tiers du disque est tellement chargé par rapport aux attentes habituelles pour ce genre de musique que l’oreille a été préparée à prêter attention à toutes les subtilités de texture qui composent le tiers central, avec la lente procession orchestrale de « For Those Who Were Destroyed » qui gagne en résonance. Au moment où l’avant-dernière « Machine Waltz » se déroule – oui, sur un rythme de valse réel (bien que lent, il est vrai) – la quantité de couleurs que Lesa Listvy travaille dans chacune de ses compositions est encore apparente.

Comme dans beaucoup de développements dark ambient, la question de savoir si les thèmes d’Unheard Of seraient apparents sans le texte qui les accompagne est ouverte. Mais cette question mise à part, l’album est porteur de beaucoup plus d’énergie et de dynamisme que la majorité des disques du genre, peut-être grâce aux contributions simultanées de quatre producteurs, un conglomérat presque inconnu dans le dark ambient. Quelle que soit la raison ou l’impulsion narrative, Unheard Of devrait rafraîchir et réveiller ceux qui ont un goût pour un dark ambient dont le groupe s’est si bien emparé.

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Neraterrae: « Scenes From the Sublime »

20 avril 2020

Il est des peintures et des visions étrange comme celles de Bekinski et Mariusz Lewandowski qui nous donnent toujours un aspect unique dans des mondes uniques que seuls des gens comme eux peuvent créer. Ce genre d’art visuel a longtemps influencé la musique de toutes sortes, que ce soit dans une matière subtile ou quelque chose de beaucoup plus évident. Dans la foulée de son récent très solide album, Neraterræ revient pour rendre un hommage très flagrant à de nombreux artistes visuels avec dix titres qui font de leur mieux pour donner vie et créer des bandes sonores pour leurs visages cérébraux respectifs.

Ce n’est pas la première fois que l’on peut trouver un morceau d’ambiance qui leur rend hommage de cette manière, mais cela ne signifie pas que ce qui nous est donné ici tout au long de Scenes From the Sublime est autre chose que remarquable, car Neraterræ a un contrôle total sur son art pour faire vivre ces peintures d’une manière obsédante qui est plus que convenable pour leurs existences macabres.

Des artistes tels que Francisco Goya, Salvador Dali, Arnold Böcklin et bien d’autres encore ont laissé leur marque tout au long de cet album, que Neraterræ interprète comme des expériences sonores dans lesquelles nous pouvons nous replonger, et dire autre chose que ce qui a été très bien fait serait minimiser l’intérêt du travail que Scenes From the Sublime donne comme résultat.

Il offre, en effet,un autre regard unique sur des visages déjà uniques dans une large mesure, car nous pouvons vraiment voir la vénération que Neraterræ porte à ces créateurs exaltés, qu’ils soient plus conventionnels ou carrément dérangeants dans leurs métiers légendaires. L’ambiance joue sur les forces de chaque œuvre de façon extraordinaire, car Neraterræ ne fait que nous guider dans les couloirs alors qu’il nous reste à remplir les blancs de ce que notre esprit nous permet.

Tout cela donne une écoute incroyablement colorée et stratifiée qui offre bien plus que ce que certains pourraient attendre, mais l’expertise de Neraterræ transparaît pour permettre à Scenes From the Sublime de devenir une pièce d’ambiance de plus à passer. Il est certain qu’il y a des pléthore d’autres artistes qui essaient de faire le même concept avec la même qualité, sinon plus, mais on ne peut s’empêcher de penser que Neraterræ est, dans ce concept, aussi proche du sublime que ce que l’on peut prétendre atteindre.

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ANJA: « Lucid Intrusion »

12 avril 2020

Le précédent album de AJNA, Lucid Intrusion, était un ajout louable au catalogue dark ambient, un genre qui ne cesse de s’étendre. Oracular ne s’écarte pas trop de cette voie, mais présente quelques rebondissements inédits.

Le modus operandi comprend des drones sombres et profonds, des paysages sonores balayés par le vent et des sons manipulés qui se cachent en arrière-plan et sautent parfois au premier plan. Ces derniers éléments semblent parfois être d’origine vocale ou animale, mais non identifiables. À d’autres moments, ils sont de nature mécanique – grincement de métal et de machines géantes ou bruit blanc sculpté.

Les drones sont superposés, chacun ayant une hauteur de son et un motif d’onde différents, et se chevauchent au fur et à mesure de leur flux et de leur reflux. Il en résulte une tension palpable, car les bourdons – bien que de mauvais augure – ont tendance à bercer l’auditeur jusqu’à ce qu’un ensemble d’acoustique traitée et discordante soulève sa tête hideuse. Comme dans une scène de cauchemar, il n’y a nulle part où se détendre ou courir.

Le point culminant de l’album est l’utilisation par AJNA de sa palette d’outils de composition pour créer des paysages sonores extraterrestres à la texture rude mais à l’oscillation lente – idéal pour l’écoute dans une salle obscure. C’est plus qu’assez pour mériter à Oracular une mention qui ne serait pas qu’en passant.

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