Lamia Vox: « Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer »

L’ambiance sombre et richement décorée de Lamia Vox a fait forte impression en 2013 via Sigillum Diaboli, où Alina Antonova a mis en scène des éléments capiteux de rituel et d’industrie martiale. Après une absence de près de sept ans (et un déménagement de la Russie à Prague), le retour d’Antonova avec Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer emmène Lamia Vox dans un nouveau territoire et trouve des instruments adaptés à ses objectifs esthétiques ambitieux.

Si certains passages rythmés rappellent encore le côté martial de Siggilum Diaboli – voir les cordes et timbales austères de « Song Of Destiny » -, beaucoup de choses ont été ajoutées à Lamia Vox dans les années qui ont suivi. Les voix ont beaucoup d’espace, Antonova murmurant alternativement des incantations à l’avant et faisant glisser des gémissements à l’arrière des arrangements. Les hochements de tête à la poésie symboliste et autres signes de la fin du siècle sont faits avec une solennité feutrée et un enthousiasme extatique.

Avec ces intérêts poétiques et thématiques à l’esprit, Alles ist Ufer dérive souvent dans des humeurs cryptiques et secrètes et trouve l’instrumentation qui convient.

Les lignes délicates mais incisives du dulcimer martelé sur « Eternity » et « Dionysios » suggèrent Dead Can Dance ou Judgement Of Paris, et la percussion acoustique sur ce dernier évoque joliment les cultes et rites mystérieux. Cette évolution vers une instrumentation plus néo-classique fait parfois partie du côté bombardé de Lamia Vox, comme dans le tourbillon enthousiaste de « I Call The Stars On High », mais la capacité d’Antonova à livrer ces éléments dans des compositions plus douces laisse autant, sinon plus, d’impression.

Qu’elle soit grandiose ou isolée, Antonova fait preuve d’un grand talent pour sculpter et exécuter ses compositions sur Alles ist Ufer. Ewig ruft das Meer. Aucun élément n’use leur accueil, et bien qu’il y ait une unité thématique dans l’ensemble du dossier (économiquement bref), chaque pièce se développe et se suffit à elle-même. Il est facile d’écrire du dark ambient et tout aussi facile d’écraser du martial industrial, mais en tant qu’entité, Lamia Vox sait comment catalyser au mieux ces sons et sa myriade d’autres successeurs.

***1/2

Roly Porter: «Kistvaen»

Peu d’instruments sont capables d’évoquer le niveau d’inspiration et de terreur que peut susciter la voix humaine. La voix du chœur de gospel élève les esprits de la congrégation ; le sifflement du chanteur de black metal évoquant les ténèbres du plus profond de lui-même – ce sont deux manifestations du même genre de crudité émotionnelle, et aucun accord de puissance ou solo de batterie ne peut capturer ce genre de puissance qui fait vibrer l’âme. Pourtant, le compositeur et producteur britannique Roly Porter s’en est assez bien tiré uniquement grâce à ses compositions instrumentales. Son album Third Law, sorti en 2016, a donné l’impression d’être aspiré dans un trou noir – encore plus tendu dans son acharnement que ne l’est généralement la musique dark ambient – et pour être juste, il peut être extrêmement déchirant dans ses plus grands moments.

Le précédent album de Porter a connu des moments qui, parfois, étaient d’une telle gravité insupportable qu’il laissait en suspens la question de savoir où aller ensuite, si ce n’est pour se retirer dans quelque chose de plus humble ou de plus atmosphérique. L’ouverture sereine de « An Open Door », sur le nouvel album de Porter, Kistvaen, laisse penser qu’une direction plus sombre et plus calme est à la fois possible et nouvelle, mais dans l’ensemble, Porter a choisi une voie différente. Pour cette série d’enregistrements, Porter a fait appel à trois chanteurs – Mary-Anne Roberts de Bragod, Ellen Southern de Dead Space Chamber Music et le chanteur et chercheur Phil Owen – pour une recherche conceptuelle sur les sites funéraires en tant que portes du temps. Cela ressemble à un exorcisme.

Il n’y aura peut-être pas de musique enregistrée en 2020 qui soit aussi terrifiante que le morceau d’ouverture de l’album, « Assembly ». Il s’étend et se dénoue lentement à partir d’un éther marécageux, devenant plus explosif et volcanique sous des gémissements vocaux déchirants d’horreur et d’angoisse. C’est le genre de choses qui vous empêcheront certainement de dormir la nuit. En fait, une grande partie de Kistvaen est – c’est essentiellement ce que Porter fait le mieux, des hantises sonores à vous glacer le sang avec des doses occasionnelles de puissance de feu auditive. Mais ici, la source de cette terreur s’est transformée en un degré – la capacité de Porter à tirer la menace et la violence même de paysages sonores relativement calmes est une qualité sous-estimée de sa part, et la façon dont un morceau comme « Passag » » suinte lentement vers une sortie climatique ne fait que rendre l’explosion du chœur de bruits d’autant plus percutante. Une chose similaire se produit sur « An Open Door », qui est une composition apparemment apprivoisée au premier abord, mais l’introduction de son élément choral donne l’impression d’une communication venant d’au-delà de ce monde.

Ce serait une erreur de négliger la beauté de Kistvaen, car il y a une musique véritablement émouvante et émotionnelle – qui s’inspire de choses effrayantes et mystérieuses, un peu comme la partition de Bobby Krlic pour Midsommar a suscité une terreur viscérale dans le cadre apparemment paisible et bucolique de ce film. Il s’agit d’une terreur surnaturelle plutôt que d’une terreur plus viscérale, en chair et en os, et le morceau de titre qui clôt le film lui donne une tournure spirituelle supplémentaire, révélant une grâce qui bouge malgré l’obscurité qui l’entoure. Qu’il arrive à l’aube de l’été peut sembler curieux, mais si un milieu d’année a besoin d’une évacuation spirituelle, c’est bien de celui-ci qu’il est question.

***1/2

Lesa Listvy: « Unheard Of »

En théorie, on pourrait imaginer que le dark ambient appartient à cette catégorie qui vise à l’évasion pure. Souvent abstraitement inhumain ou tellement axé sur des thèmes métaphysiques qu’il semble déconnecté de la réalité quotidienne, le genre semble répondre de loin aux événements contemporains à un rythme glacial. Mais l’éthique du quatuor russe Lesa Listvy trouve un lien fortuit avec les angoisses actuelles, tout en offrant un certain répit à ces dernières grâce au drone.

Le concept d’Unheard Of est audacieux : un dirigeable abandonné dérivant au-dessus de déserts en ruines, jouant les histoires enregistrées et les drones liturgiques de sa civilisation aujourd’hui disparue dans l’espoir de faire renaître un jour ce qui a été perdu. Comme vous avez beaucoup réfléchi à A Canticle For Liebowitz ces derniers temps, ce genre de catastrophisme post-apocalyptique vous touche de près, mais l’esthétique de Jules Venes mâtinée de Mad Max est assortie à la chaleur des tons de Lesa Listvy, et l’expérience qui en résulte est beaucoup plus lumineuse et amusante que ce que le discours du combo pourrait laisser croire.

Il y a un ensemble d’harmoniques simples et claires pour introduire l’inouï sur « Wastelands », beaucoup de pulsations caoutchouteuses et même un rythme de conduite sur « Shadows », et quelques boucles de machines broyeuses sur « Flying Ship ». En bref, le premier tiers du disque est tellement chargé par rapport aux attentes habituelles pour ce genre de musique que l’oreille a été préparée à prêter attention à toutes les subtilités de texture qui composent le tiers central, avec la lente procession orchestrale de « For Those Who Were Destroyed » qui gagne en résonance. Au moment où l’avant-dernière « Machine Waltz » se déroule – oui, sur un rythme de valse réel (bien que lent, il est vrai) – la quantité de couleurs que Lesa Listvy travaille dans chacune de ses compositions est encore apparente.

Comme dans beaucoup de développements dark ambient, la question de savoir si les thèmes d’Unheard Of seraient apparents sans le texte qui les accompagne est ouverte. Mais cette question mise à part, l’album est porteur de beaucoup plus d’énergie et de dynamisme que la majorité des disques du genre, peut-être grâce aux contributions simultanées de quatre producteurs, un conglomérat presque inconnu dans le dark ambient. Quelle que soit la raison ou l’impulsion narrative, Unheard Of devrait rafraîchir et réveiller ceux qui ont un goût pour un dark ambient dont le groupe s’est si bien emparé.

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Neraterrae: « Scenes From the Sublime »

Il est des peintures et des visions étrange comme celles de Bekinski et Mariusz Lewandowski qui nous donnent toujours un aspect unique dans des mondes uniques que seuls des gens comme eux peuvent créer. Ce genre d’art visuel a longtemps influencé la musique de toutes sortes, que ce soit dans une matière subtile ou quelque chose de beaucoup plus évident. Dans la foulée de son récent très solide album, Neraterræ revient pour rendre un hommage très flagrant à de nombreux artistes visuels avec dix titres qui font de leur mieux pour donner vie et créer des bandes sonores pour leurs visages cérébraux respectifs.

Ce n’est pas la première fois que l’on peut trouver un morceau d’ambiance qui leur rend hommage de cette manière, mais cela ne signifie pas que ce qui nous est donné ici tout au long de Scenes From the Sublime est autre chose que remarquable, car Neraterræ a un contrôle total sur son art pour faire vivre ces peintures d’une manière obsédante qui est plus que convenable pour leurs existences macabres.

Des artistes tels que Francisco Goya, Salvador Dali, Arnold Böcklin et bien d’autres encore ont laissé leur marque tout au long de cet album, que Neraterræ interprète comme des expériences sonores dans lesquelles nous pouvons nous replonger, et dire autre chose que ce qui a été très bien fait serait minimiser l’intérêt du travail que Scenes From the Sublime donne comme résultat.

Il offre, en effet,un autre regard unique sur des visages déjà uniques dans une large mesure, car nous pouvons vraiment voir la vénération que Neraterræ porte à ces créateurs exaltés, qu’ils soient plus conventionnels ou carrément dérangeants dans leurs métiers légendaires. L’ambiance joue sur les forces de chaque œuvre de façon extraordinaire, car Neraterræ ne fait que nous guider dans les couloirs alors qu’il nous reste à remplir les blancs de ce que notre esprit nous permet.

Tout cela donne une écoute incroyablement colorée et stratifiée qui offre bien plus que ce que certains pourraient attendre, mais l’expertise de Neraterræ transparaît pour permettre à Scenes From the Sublime de devenir une pièce d’ambiance de plus à passer. Il est certain qu’il y a des pléthore d’autres artistes qui essaient de faire le même concept avec la même qualité, sinon plus, mais on ne peut s’empêcher de penser que Neraterræ est, dans ce concept, aussi proche du sublime que ce que l’on peut prétendre atteindre.

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ANJA: « Lucid Intrusion »

Le précédent album de AJNA, Lucid Intrusion, était un ajout louable au catalogue dark ambient, un genre qui ne cesse de s’étendre. Oracular ne s’écarte pas trop de cette voie, mais présente quelques rebondissements inédits.

Le modus operandi comprend des drones sombres et profonds, des paysages sonores balayés par le vent et des sons manipulés qui se cachent en arrière-plan et sautent parfois au premier plan. Ces derniers éléments semblent parfois être d’origine vocale ou animale, mais non identifiables. À d’autres moments, ils sont de nature mécanique – grincement de métal et de machines géantes ou bruit blanc sculpté.

Les drones sont superposés, chacun ayant une hauteur de son et un motif d’onde différents, et se chevauchent au fur et à mesure de leur flux et de leur reflux. Il en résulte une tension palpable, car les bourdons – bien que de mauvais augure – ont tendance à bercer l’auditeur jusqu’à ce qu’un ensemble d’acoustique traitée et discordante soulève sa tête hideuse. Comme dans une scène de cauchemar, il n’y a nulle part où se détendre ou courir.

Le point culminant de l’album est l’utilisation par AJNA de sa palette d’outils de composition pour créer des paysages sonores extraterrestres à la texture rude mais à l’oscillation lente – idéal pour l’écoute dans une salle obscure. C’est plus qu’assez pour mériter à Oracular une mention qui ne serait pas qu’en passant.

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Martina Bertoni: « All The Ghosts Are Gone »

All The Ghosts Are Gone est un disque sombre, expérimental, chargé d’une profonde mélancolie. Premier opus de Martina Bertoni, violoncelliste basée à Berlin, il s’impose par son charme vénéneux, propageant sa douce tristesse le long de huit plages hypnotiques.
Il se démarque aussi par son background, l’histoire mouvementée de sa composition. En effet, la musicienne faisait face à un épisode dépressif majeur. Écrire cette musique, décrire ses émotions, lui ont permis de progressivement sortir de cette torpeur handicapante.
Une démarche qui nous rappelle celle en son temps du compositeur italien Giacinto Scelsi. Le violoncelle sert ici d’instrument vibrant, au son déconstruit. Les harmonies et mélodies sont absentes, ce qui compte c’est les textures. Si quelques trames subsistent de-ci de-là, nous sommes immergés dans un univers sonore dense où drones, nappes macabres et noises flottants nous accueillent. Une balade éprouvante, l’écho instrumental d’un mal-être pleinement perceptible. Les schémas dark abondent, particulièrement sur « Transparent:Closeness », « Impossible Routines » et « Invisible Crack ».

La force de cette œuvre réside dans cet impressionnisme brumeux, les cordes nous étreignent au même titre que l’électronique qui s’impose petit à petit, car la vie n’est pas absente non plus. Des pulsations apparaissent sur « Stuck out of Lifetime », s’épanouissent sur « Blu », créant alors une phase rythmique bienvenue, avant de revenir sur « Notes at the End of the World », seul morceau lumineux d’un album sur lequel on entend une voix masculine déclamant un texte.
Ce qui caractérise aussi
All The Ghosts Are Gone est son aspect cinématique : il s’agit d’une véritable bande originale imaginaire, ou disons-le, autobiographique. D’ailleurs, la musique de Bertoni se retrouve dans plusieurs films ou séries. L’ensemble est pleinement cohérent, élégant, porté par une foi sincère dans l’art d’émouvoir.

***1/2

Peter Bjärgö: « Structures And Downfall »

Le Suédois Peter Bjärgö – bien connu des amateurs de darkwave neo-classique en tant que tête pensante de la formation Arcana (sous le nom de Peter Pettersson) – mais également du projet plus industriel Sophia, propose un nouvel album solo : le troisième à paraître sur le label allemand spécialisé en musiques ambiantes Cyclic Law.
Cet album, intégralement écrit, mixé et masterisé par Peter Bjärgö est une œuvre d’une grande sensibilité. Dès la première écoute, et cette sensation est confirmée lors des suivantes, un sentiment d’apaisement saisit l’auditeur. Les amateurs d’Arcana vont évidemment être comblés par cette nouvelle sortie, mais il n’en paraît pas moins impératif que les non initiés tentent l’aventure.
Peter nous emmène avec lui dans un monde parallèle, fait de quiétude et de sérénité. Le chemin quasi sacré qu’il nous fait emprunter n’est pas pour autant apathique. Certes, l’ensemble est extrêmement retenu et les rares apports percussifs ne viennent guère troubler la quiétude de ces quarante minutes de pureté.


Le chant de Bjärgö est lui aussi parcimonieux et distillé par bribes. Beaucoup de réserve. Cela ne signifie en rien qu’il soit mal assumé ou assuré et que son utilité soit relative : le chant est définitivement vecteur d’émotion supplémentaire et la voix sereine et profonde de Peter convainc pleinement.
Beaucoup de clarté, de spiritualité dans cet album même si les textes, certes peu abondants, apportent des nuances sombres : il est ici question de la beauté des mondes intérieurs, de victoires sur la médiocrité mais aussi de trahison, d’effondrement de l’esprit. L’intention générale diaphane vient cependant, in fine, clôturer l’album
arguant du fait que les plaies sont cicatrisées.
Il est des œuvres dont la modération cache le manque d’inspiration, la pauvreté dans le propos.
Structures And Downfall reflète tout l’inverse : puissance en filigrane, intensité contenue, acmé d’une expression artistique pour un embrasement émotionnel assuré.

***1/2

Kevin Martin: « Sirens »

Sirens est un album hautement introspectif dont l’ambiance générale est malaisante, voire carrément malfaisante. Cette collection de climats sonores parfois horrifique s’articule sur quatorze pistes. Dont il sera impossible de ne pas ressentir les atmosphères opressives qu’elle génèrent.C’est très sombre, très contemplatif, profond. Ça peut évoquer littérature de Lovecraft et tout ce qui a trait à cette même palette d’émotions. Dans cet univers gris foncé, on à quand même pensé  à mettre un peu de lumière, certaine pistes s’eforceront de susciter une aube fugace, comme un moment de répit dans un cauchemar d’une heure.

A l’image de la dernière et  éloquente plage,un  « A Bright Future » qui se permet de porter  à la fois un peu d’espoir et en même temps le doute sur l’existence d’une telle chose et nous renvoie à nos vanités et nos leurres de croire aux chants des sirènes.

Le talent du compositeur sera alors de faire partager c’est cette sensation qu’au bout d’une heure, on n’a pas vu le temps passer, qu’on le ré écouterait volontiers et ce malgré cette angoisse qui semble toujours à la frontière du tangible.

***1/2

Bobby Krlic: « Midsommar »

Après avoir confié son premier long-métrage d’épouvante, le remarqué Hereditary, aux bons soins du saxophoniste multi-bricoleur Colin Stetson, Ari Aster a choisi un autre jeune crack, qu’il a invité à s’impliquer jusque dans le tournage de Midsommar, film où la musique tient à certains moments clefs une place privilégiée. Bobby Krlic est un compositeur britannique que l’on connait à travers le fascinant projet de dark ambient The Haxan Cloak, mais aussi pour sa collaboration avec Björk sur l’album Vulnicura. Sa mission ici était d’épouser une cinématographie surréaliste, inondée de couleurs florales et de lumière aveuglante ; une symphonie du trompe l’œil agrégeant la blancheur inquiétante des garde-robes et la douceur hors du temps du soleil de minuit. A cet effet, la zone de confort définie par les deux albums de The Haxan Cloak se dilate par le renoncement, pour l’essentiel, aux effets d’angoisse et à l’électronique. À la manière de certains travaux pour l’écran du regretté Jóhann Jóhannsson, Krlic s’appuie sur un éventail d’instruments à cordes qu’il habille d’ouvrages atmosphériques. Cela lui permet d’explorer le contexte médiéval/scandinave prescrit par le film, tout en jouant d’une échelle d’émotions contemporaine ‒ quoique brillamment déroutante.


Après un très court éveil du printemps en mode Disney d’avant-guerre, l’ambiance se voile instantanément pour introduire la première tragédie. Elle est annoncée par les pleurs de Dani, l’héroïne, et révélée par une progression de cordes grinçantes, rejointes au bout de quelques minutes par les sourdes pulsations d’un tambourin qu’on devine annonciateur des rituels à venir. S’ensuit « Hålsingland », seule pièce complètement ambient de cette B.O., puis Krlic nous plonge dans le décor pastoral qui sera à la fois éblouissement, transe, ambiguïté et bascule. Ses compositions, bâties sur des harmonies de cordes très simples et envoûtantes, s’étirent à la façon d’un brouillard, qui parfois se rétracte violemment lorsque s’insinue une dissonance, signal qu’il est l’heure de perdre pied. Sans voir d’où vient le danger ni comprendre sa nature profonde, réservée aux cultistes, l’on est réduit à des peurs animales, jusqu’au point du rituel  ‒ à l’écran, une double-scène pour le moins insolite qui a alimenté bon nombre de discussions ‒ où les dernières digues raccrochant les protagonistes à la normalité se rompent, et où s’accomplit la transition vers leurs (in)fortunes respectives.
« Fire Temple », belle apathie à cinq temps, parachève le voyage en forme de travelling arrière, où l’œil découvre, comme dans les soleils de J.M.W. Turner, une dissolution des formes et des sens au cœur d’une commotion de lumière. Au-delà des excentricités néo-païennes du protocole, la véritable tentation de Midsommar se révèle alors : la joie communiée de se confier corps et âme à un usage rassurant car immuable et imperméable au monde extérieur. Retourner à la source de tout jusqu’à, un jour, n’en plus revenir.

***1/2

World War Two: « The Dead End »

Avec un tel patronyme et un album dont le titre évolue dans un registre similaire, la bande-son d’un tel opus ne pouvait qu’évoluer dans un registre anxoigène. L’atmosphère y est étouffante à souhait ou à loisir avec des étendues désolées parcourues par des drones ambient.

Climat propre aux méditations introspectives et dystopiques résumées par cette sensation d’impasse qui justifié allègrement l’intitulé de cet opus. L’écoute de cette album sera dérangeante mais on se devra de lui concéder une certaine beauté.

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