No BS: Just Rock & Roll!

Des boules pétillantes rebondissent pour initier « The Living Space ». Le mouvement de ces boules est comme l’équivalent d’un débordement de particules se déversant dans un champ magnétique. L’écho de leurs chocs amplifie le mouvement aléatoire de ces boules aux sonorités hybrides et dont la masse forme un rythme plus engageant pour le plaisir des oreilles que pour celui des pieds. Cela n’en reste pas moins très céleste. Comme des étoiles qui brillent dans un ciel mélangé par un maelström de couches multicolores. Les ondes synthétiques commencent à pulluler en arrière-plan, tandis que la présence de voix séraphiques appartient davantage au pouvoir de l’imagination qu’à la réalité… Bien que je ne puisse nier leur présence, surtout vers le final. Les billes s’agglutinent en un motif qui s’est séquencé tandis que ce mur d’ondes se déplace aussi lentement qu’un vaisseau musical à la dérive, tons réalistes compris. Les boules étoilées deviennent de plus en plus silencieuses. L’arrière-scène devient l’avant-scène, et vice versa. Nos oreilles sont submergées par la migration et la multiplication des nappes de synthé dont les lamentations bleutées s’enroulent comme d’improbables couples dansant leurs valses éthérées. Ah que l’univers de Steve Roach étonne. Le musicien est passé maître dans l’art de peindre ses mouvements ambiants de couleurs tant rythmiques qu’atmosphériques, s’éloignant ainsi de l’impression que la musique flottante est redondante. Dans cette première longue structure qui initie son nouvel album Zones-Drones & Atmospheres, il crée une texture mélodique avec l’entrelacement de multiples boules pour nous faire plonger dans un état d’hypnose aspiré par la migration de cette phase flottante. Où la membrane des nappes de synthé est huilée d’une couleur bleu acier, tandis que les boules font une dernière apparition sous le bourdonnement des déesses astrales et ce bruit étrange, on dirait un cuicui, qui appelle encore plus notre attention.

Intérêt, curiosité éveillée sont les prémices de l’art de la musique atmosphérique de Steve Roach bien plus que son addiction à nous plonger dans de longues phases méditatives. Ce qui était le cas auparavant ne l’est plus. Depuis sa rencontre avec Robert Logan, les albums Biosonic et Second Nature en 2016, le synthétiseur de La Mesa, en Californie, a élargi sa palette tonale pour la mise en place de ses atmosphères. Et il la partage à juste titre dans son nouvel album sur le label américain Projekt Records. Certes, et comme son titre l’indique assez bien, Zones Drones & Atmospheres nous plonge dans une zone de drones et d’atmosphères où le style dark ambient est le principal atout de cet album. Un peu comme Painting in the Dark où se trouvent les racines de « Neomorphic », mais surtout « Fade To Grey » et sa symphonie de drones et de mouvements en dorme de drones

Ce nouvel album est composé de 7 tableaux musicaux qui montrent sa grande connaissance des sphères méditatives. Le CD, ainsi que l’album téléchargeable, sont accompagnés de deux longs bonus, offrant plus de 183 minutes de musique aux longs murmures bourdonnants dans notre intimité cérébrale où l’ami Steve est passé maître dans le jeu des couleurs et des formes. Prenons « Breathing Light » et ses arabesques qui étirent leurs pointes, aplatissent leurs courbes pour atteindre ces étreintes flottantes tout en rayonnant d’autres couleurs tonales. Après l’éternelle chute de sons de « Neomorphic », « Shadow Realms » propose un chant de drones qui s’effiloche en bancs de brume sonore. Des nappes à la texture orchestrale donnent une seconde teinte à ce mouvement ambient sombre. Les souffles s’hybrident avec des tonalités de cor, comme des murmures bourdonnants, qui agissent comme des vecteurs pour atteindre une forme de sérénité spirituelle. « Immerse Indigo » est plus lourd d’une masse sonore linéaire d’où émergent des filaments à peine moins sombres, nuançant son immense portée atmosphérique. Ceux qui préfèrent une musique ambiante animée par des séquences, Steve Roach a pensé à vous avec « The Living Space » et surtout avec le merveilleux « The Perfection of Solitude ». Ce titre évoluant sur plus de 16 minutes nous ramène aux structures ambient de The Skeleton Keys, comme à la période analogique du synthétiseur américain. Le mouvement s’articule autour d’une palette de touches séquencées dans un spectre caoutchouteux où les boules rebondissent, montent et descendent avec une poussière organique liée à elles. Et tout cela se déroule comme dans un rêve avec cette brume compacte qui amortit le choc des rebonds, sculptant une texture rythmique obsédante. Les couleurs des vents ajoutent une vision intrigante à ce rythme qui est aspiré par ces mêmes vents après la 10e minute. « Holding Light » termine Zones-Drones & Atmosphères comme au bon vieux temps où Steve créait une symphonie à partir d’une brise qui se déplace par ses inflexions, un peu comme pour reprendre son souffle. Le phénomène est exploité à plus grande échelle sur « Submerged » dont les nuances dans les drones sont propices à ces contrastes d’ombre et de lumière qui nous entraînent dans un état d’hypnose somnolente. Et avec 73 minutes, « Submerged, » qui nous rappelle les inédits de l’édition 3CD de Structures from Silence, a le temps de nous endormir.

Plus caverneux et vibrant avec ses murmures le long des parois lisses de son immense grotte tonale, « Isolation Station » possède également ces vertus, sauf que son panorama subtilement changeant le rend un peu plus excitant à écouter.

Bien sûr, il y a des longueurs ! Mais n’est-ce pas précisément ce qui rend la musique de Steve Roach si belle ? Hypnotique, magnétisante et propulsée par ces impulsions à peine perceptibles, on entend les phases évoluées par des séquences qui laissent une infime ouverture pour modifier la texture, les formes et ses couleurs. C’est précisément là que Steve Roach capte notre intérêt. Mais cela, on le sait depuis longtemps. Laissons-nous simplement absorber par les beautés de ce Zones-Drones & Atmospheres. Un bel album pour qui a besoin de s’évader…

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Teahouse Radio est le dernier projet de Pär Boström. Ces dernières années, Boström a connu un véritable tourbillon de créativité. En ce qui concerne la qualité de cet élan d’inventivité, la musique parle d’elle-même à chaque fois. Nous avons vu de nouveaux Kammarheit et Cities Last Broadcast depuis 2015, deux albums qui valent bien l’attente considérable depuis leurs prédécesseurs. Mais l’aspect le plus intéressant du « réveil » de Boström réside dans les nouveaux projets qu’il a lancés.

Nous avons déjà pu constater l’idéologie de son jeune label Hypnagoga Press, qui privilégie la qualité à la quantité, avec des albums magnifiquement conçus par Hymnambulae (avec sa sœur Åsa), Altarmang (avec Kenneth Hansson) et Bonini Bulga. Mais cette dernière sortie doit être la plus ambitieuse des tentatives de Pär Boström (tentatives réussies, je pourrais ajouter !) de créer quelque chose qui soit à la fois profondément personnel et nouveau pour la communauté dark ambient. De l’illustration de la pochette au choix des instruments acoustiques en passant par l’atmosphère générale, Teahouse Radio est en effet un album intéressant et unique.

Il ne s’agit pas d’un album de dark ambient cinématique dans le même sens que celui de Cryo Chamber (ex. Cities Last Broadcast et The Humming Tapes). Au lieu de cela, Her Quiet Garden se concentre sur les atmosphères et les émotions. Il y a des quantités massives d’émotions cathartiques et léthargiques qui coulent à travers chaque moment de Her Quiet Garden. La musique elle-même a une sorte de vibration d’après-midi d’été paresseux. Elle demande à être écoutée en lisant un livre à l’ombre d’un vieil arbre noueux, ou en étant allongé dans son lit par une chaude nuit d’été, trop près du sommeil pour être productif, mais trop loin pour être totalement détendu. Des morceaux comme « Death would find my halls and flood them » et « Snow falling on black water » ont un aspect incroyablement léthargique et dépressif.

Alors que l’album est indubitablement imprégné decatalepsie et d’un sentiment généralisé de dépression, il y a des moments absolument magnifiques qui scintillent à travers la brume. « Unable » est une belle combinaison des deux côtés qui se mêlent. Le drone/atmosphérique sous-jacent est assez sombre, donnant une ambiance très inquiétante au morceau. Mais la section de piano qui se trouve au-dessus du morceau est plus légère. Les deux côtés se combinent pour nous donner un sentiment de répit de la dépression, ces beaux moments entre les souvenirs de perte, et pourtant, même dans ces moments, nous nous accrochons toujours au pire, même si ce n’est qu’inconsciemment.

Des éléments relaxants et positifs apparaissent de temps en temps sur Her Quiet Garden. Avec « Dreaming splendid spaces », Boström incorpore plusieurs éléments de piano légers qui donnent au morceau une sensation de chaleur très agréable. Boström fredonne en arrière-plan, se fondant tranquillement et sans effort dans le mix. Tout cela sert de répit à la nature autrement morne de Her Quiet Garden. Mais c’est là le but. Le jardin imaginé dans la vision de Boström est un lieu où l’on rend visite à ces êtres chers disparus auxquels on tient toujours autant. Des émotions profondément négatives ne manqueront pas de remonter à la surface, mais les souvenirs de bonheur et de satisfaction aideront certainement à trouver un équilibre, et peut-être une compréhension personnelle, un chemin pour aller de l’avant.

Her Quiet Garden n’a pas pour but de trouver une échappatoire à la tristesse, à la perte ou à la dépression. Il s’agit de voir les choses telles qu’elles sont, tous les durs souvenirs attristants combinés à tous ces merveilleux jours et nuits passés dans un contentement ignorant de la jeunesse. La perte d’un véritable être cher, ou même d’une maison ou de connaissances passées, tous viennent avec leur part de bon et de mauvais. Her Quiet Garden laisse toutes ces émotions se fondre les unes dans les autres, offrant aux auditeurs un album profondément émouvant, qui établira probablement une connexion personnelle bien plus grande avec chaque auditeur que la majorité de la musique issue de la scène post-industrielle. C’est ce qui a incité les auditeurs à revenir à la musique de Boström au fil des ans ; sa capacité à puiser directement dans l’esprit de l’auditeur, jouant de nos souvenirs et de nos émotions comme d’un instrument de plus dans sa collection.

Her Quiet Garden est sorti sur Hypnagoga Press dans une édition CD de 100 exemplaires (il n’en reste qu’une douzaine). L’album est aussi, bien sûr, disponible en ligne. Vous trouverez dans la pochette de l’album des éléments très particuliers. Boström a utilisé une technique très différente pour sa création, qui peut être vue et expliquée plus en détail dans les vidéos qu’il a mises en ligne sur le processus. On a dit que Her Quiet Garden était le meilleur album de Pär Boström à ce jour. On préfère ne pas porter ce jugement tant on aime beaucoup trop son travail précédent pour en diminuer l’importance de quelque façon que ce soit. Mais, ceci dit, il s’agit d’un album incroyablement puissant, tant sur le plan technique que sur le plan émotionnel. Du point de vue technique, le fait que Simon Heath (Atrium Carceri, Cryo Chamber) ait réalisé l’édition finale et le mastering de l’album n’est pas un mal non plus.

On recommandera donc vivement Her Quiet Garden à tous ceux qui aiment entendre des instruments variés se mêler audacieusement à des éléments d’ambiance sombre. Mais aussi à tous ceux qui ont besoin d’un coup de pouce pour faire face à une perte. Vous trouverez probablement autant de réconfort dans ces chansons que Boström. Alors procurez-vous des écouteurs et emportez cet album dans votre propre jardin tranquille, quel que soit l’endroit où il se trouve.

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Au cours de la dernière décennie, Scott Lawlor s’est imposé comme un membre talentueux et respecté de la communauté ambient, publiant plus de 300 albums de musique ambient, dark ambient, piano et drone de première qualité. Son dernier album, Life Passes Slowly Unto Death, est un album dark-ambient cérébrall et sincère qui, comme le suggère le titre, est une réflexion sur la vie et la mort, et le voyage de l’une à l’autre.

Le morceau d’ouverture « Life Passes Slowly Unto Death » donne le ton pour l’ensemble de l’album – des drones sombres et oppressants sont combinés de manière experte avec des synthés planants, équilibrant parfaitement l’obscurité et la lumière. Le résultat final est un morceau incroyable qui, malgré son côté menaçant, laisse à l’auditeur un sentiment d’introspection et d’espoir.

« As the Dying Process Begins, Comprehension of Mortality is Realized » est considérablement plus troublant. Un paysage sonore sombre et inquiétant est accompagné de ce qui ressemble à des enregistrements de terrain provenant d’une autre planète, où l’on entend le murmure et le gazouillis de formes de vie extraterrestres. « Drifting Through Unsequenced Memories » poursuit dans la même veine, mais les formes de vie extraterrestres sont remplacées par les sons de conversations indistinctes. Et au fur et à mesure que le morceau se déroule, des synthés envolés sont ajoutés au mélange, ajoutant une certaine légèreté au morceau et faisant passer les choses de l’inquiétant à l’intrigant.

Le travail du piano sur « Your Worst Fear is Dying Without Being Remembered » est subtil mais puissant, créant un sentiment de mélancolie presque accablant. L’écoute de ce morceau est une expérience stimulante et enrichissante, et il est impossible de ne pas se retrouver à faire le point sur sa vie et son héritage probable. « Whisperings From Beyond The Veil Call You Home » est un titre plus minimaliste, dans lequel un subtil paysage sonore ambiant sombre et un chuchotement sous-jacent inintelligible se fondent en une hallucination audio obsédante mais apaisante.

La chanson-titre est le morceau le plus sombre et le plus « dark-ambient » de l’album. Des drones inquiétants et des synthés discordants sont complétés par des échos étranges et des sons éthérés. C’est impressionnant et en l’écoutant, on peut presque se sentir tiré à travers le rideau et dans l’au-delà.

Enfin, le dernier morceau, « The Touching is a Bridge Between the Afterlife and the World Which You Left Behind », est une composition émouvante, avec son piano mélancolique et son chant qui fait vibrer l’âme, qui conclut parfaitement l’album – laissant l’auditeur se sentir touché par quelque chose de très spécial. Life Passes Slowly Unto Death est une oeuvre incroyable, dans laquelle le thème de la mort est habilement exploré, démontrant une fois de plus à quel point Scott Lawlor est un musicien doué.

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Hauntology d’Abiura est une étude approfondie et immersive de l’obscurité, de la morosité et de la beauté, formant un monde à part entière au moyen de drones obsédants et d’ambiances pesantes. L’album est un concept faisant référence au retour ou à la persistance d’éléments du passé, un néologisme qui a été inventé par le philosophe français Jacques Derrida dans Spectres de Marx, 1993. La notion a depuis été appliquée à des domaines tels que les arts visuels, la philosophie, la musique électronique, la politique, la fiction et la critique littéraire. Derrida a utilisé ce terme pour faire référence à la nature atemporelle du marxisme et à la façon dont il hante, selon lui, la société occidentale depuis l’au-delà. Dans le contexte original, cependant, l’idée manque de sens strict et, bien qu’elle soit le thème principal du livre, elle n’est pas suffisamment expliquée ou élaborée pour avoir une fonction singulière. C’est très probablement en raison de cette ambiguïté que le terme a été adopté par d’autres schémas et arts contemporains. Il a été utilisé pour la première fois dans un contexte musical par les théoriciens Simon Reynolds et Mark Fisher dans les années 2000, explorant l’idée d’un passé persistant au moyen de la disjonction temporelle, du rétrofuturisme et de la mémoire culturelle. De même, le terme est utilisé dans une optique critique, pour faire référence à la paradoxalité du postmodernisme, par exemple.

Si et quand vous retirez quelque chose de cette explication, c’est probablement l’impression qu’une fois de plus nous sommes face à un terme dont la fonction dépend entièrement de sa source et de son intention, évitant toute signification universelle acceptée, malgré l’esthétique centrale tournante et répétitive. Aujourd’hui, le projet musical Abiura, originaire de Turin, en Italie, propose sa propre explication au travers de son premier album intitulé – vous l’aurez deviné – Hauntology. Formé par et composé uniquement de Daniele Vergine de Noise Trail Immersion, l’album s’inspire des travaux philosophiques de Mark Fisher et est caractérisé par l’artiste comme étant une œuvre de « sons bourdonnants et d’échos de futurs perdus qui nous hantent depuis le passé ». Vous avez déjà des vertiges ? Parfait.

Ce penchant auditif particulier est souvent synonyme de musique concrète, un style dans lequel le matériel source utilisé pour créer le produit final est composé d’enregistrements bruts, et le résultat final est obtenu par le biais de traitements numériques, de manipulations de bandes et d’autres manigances d’effets sonores. On pourrait dire que c’est le pendant musical de l’art du collage dans le monde visuel. Le fait de pouvoir créer des œuvres fascinantes de cette manière est un excellent exemple, mais il a aussi un côté négatif, car certaines personnes considèrent ce type de recyclage créatif comme un inconvénient, ou le détestent carrément en raison de sa nature. C’est alors qu’il est important de souligner le travail d’artistes tels qu’Abiura, qui musicalement peuvent parfois entrer dans cette catégorie, mais dont tout ce que vous entendez est toujours entièrement produit par l’artiste. J’ai trouvé cet aspect fascinant en soi en écoutant Hauntology, car il y a en quelque sorte un sentiment sous-jacent de circulation et de représailles, même si c’est complètement nouveau et original.

Bien que l’ont soit personnellement mal équipée pour vivre et appréhender la nostalgie de la même manière que la plupart des gens, le sentiment de familiarité est ce qui attire dans cet album. Le morceau de trente minutes est une somme de ses parties, à savoir ses six sections, qui va et vient de manière fluide, engageant l’auditeur pendant toute sa durée. La nature obsédante de l’ambiance tonale de l’album est à la fois chaleureuse et frissonnante, très accessible et effrayante, minimale mais en quelque sorte écrasante. Et malgré la base assez lugubre qui consiste à revivre des choses qui ne sont jamais arrivées – ou plutôt qui n’arriveront jamais – il y a énormément de beauté à trouver dans les coins de Hauntology, le plus souvent cachée à la vue de tous. Répétons-le pour insister sur le fait que Hauntology n’est en fait qu’une seule chanson, mais traitera chaque section comme un morceau individuel pour donner un sens à l’ensemble.

« Abjection » prend son temps pour présenter le récit de l’album à l’auditeur, se dévoilant lentement au moyen de drones subtils et agréables à l’oreille. L’ambiance maussade a quelque chose d’extraterrestre qui s’accentue avec le deuxième segment, « Blurred Memories of a Lost Identity », qui introduit une mélodie sinistre chargée de delay pour renforcer le cadre musical établi. L’un des aspects les plus attrayants de Hauntology, et ce littéralement, est son caractère immersif, et la capacité apparemment innée d’Abiura à produire quelque chose d’aussi envoûtant, et pour ses débuts, rien de moins. L’atmosphère repose en grande partie sur la mélodie, qui passe sans effort de la mélancolie à la tristesse et vice-versa, en n’utilisant que des notes simples et longues. Les voix calmes mais réverbérantes s’infiltrent très lentement pour ajouter des nuances à la texture générale, et nous sommes ainsi indiscutablement déplacés vers « The Cage of Precorporation », la partie individuelle la plus courte de l’album, portée par des coups de batterie clairsemés mais frappants, accordés bas, que l’on souhaiterait voir durer des jours entiers, mais qui, pour une raison quelconque, ne le font pas.

Le titre contradictoire « Desperate Aim for Momentum » est le moment où l’album commence à prendre de l’élan. L’ambiance se transforme en un passage post-rock prolongé qui débouche sur « Perpetual Waves Between States of Anxiet » », qui suit le même chemin, mais d’une manière plus positive. Ici, l’accent est mis sur la psychoacoustique de l’album et l’importance de la conception sonore comme élément clé de Hauntology. La partie se poursuit par une sorte de crescendo et revient à l’esthétique lugubre mentionnée précédemment, laissant place au morceau final « The Slow Cancellation of Future ». Ce dernier segment est facilement le plus tangible des six, avec une instrumentation moins aérienne et un département d’effets moins rond. Sans devenir insupportables à aucun moment, les dernières minutes donnent lieu à une cacophonie à la limite de l’acuité, à laquelle on ne se serait peut-être pas attendu au vu de l’agréable point de départ. La fin n’est en aucun cas épouvantable, mais elle se réjouit des bords aigus et des répétitions.

Vergine a clairement une vision qu’il poursuit avec Abiura, et avec Hauntology par extension. Il n’y a pas grand-chose à redire, car l’écriture et l’instrumentation sont à la fois passionnantes et bien exécutées, la production est impeccable, et la longueur de l’album permet de le digérer et de l’apprécier d’une traite, sans la moindre tendance à la paresse. En fait, c’est probablement le seul défaut dont souffre le disque : il est trop court. Avec seulement un peu plus de trente minutes de matériel, et étant aussi fascinant qu’il l’est, il est dommage que tout s’achève si rapidement. L’arche dramatique construite non seulement sur les dynamiques individuelles, mais aussi sur l’album dans son ensemble, fait des merveilles et combat l’idée qu’il ne reste que des miettes d’une expérience totalement satisfaisante. Cependant, il y a aussi un effet secondaire positif à cela : puisque Hauntology ne s’éternise pas, mais excelle comme il le fait, nous avons tout simplement hâte d’entendre la suite de ce projet.

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