Scorn: « The Only Place »

27 juin 2021

Il est fascinant, lorsqu’on se penche sur l’histoire de la musique underground, de constater à quel point le premier line up de Napalm Death était important. Nicholas Bullen n’a pas seulement contribué au chant et à la basse, il a également produit de la musique dans le cadre de nombreux projets, dont un passage dans Scorn entre 1991 et 1995, et il est connu comme un compositeur d’electronica sombre. Justin Broadrick est sans doute le plus grand nom de la musique industrielle et extrême dont les projets en dehors de Godflesh constituent presque un article en soi, et il y a bien sûr Mick Harris.

Seul homme à avoir joué sur les deux faces du légendaire album Scum de Napalm Death, Harris est synonyme de musique extrême (grindcore en particulier), de blast beats et de réinvention. Après Napalm, il s’est forgé une carrière dans la musique électronique et ambiante, travaillant et côtoyant des noms comme James Plotkin, subvertissant constamment nos attentes en matière d’écoute et chevauchant les genres.

Après avoir passé près d’une décennie en hiatus, Scorn est revenu en 2019 avec le EP Feather et l’album Cafe Mor, sur lequel il a collaboré avec le chanteur des Sleaford Mods, Jason Williamson, mais n’a pas eu la possibilité de partir en tournée car 2020 était un feu de joie mondial.

Cependant, comme beaucoup, ce hiatus forcé a stimulé Harris dans une surmultiplication créative et, à 54 ans, il est toujours aussi passionné et enthousiaste pour la musique et s’est canalisé dans dix nouveaux morceaux qui mêlent le psychédélisme à l’obscurité, l’ambiance légère et aérienne et les rythmes profonds.

S’ouvrant sur la menace mécanique et froide de « Ends », l’album s’insinue insidieusement dans votre conscience, non pas avec un bang et un smash, mais avec un glissement et un sentiment de vertige alors que Harris construit l’introduction du battement de cœur comme le métronome de l’album. Chaque son incident qui s’ajoute couche par couche apporte un sentiment de malaise, ou d’anxiété, qui vous attire dans l’expérience, mais ne vous permet jamais de vous installer vraiment.

Par moments, on a l’impression d’être dans un Rubik’s Cube, où chaque tour fait apparaître une autre couleur côte à côte, et on se délecte presque du manque de déclarations tape-à-l’œil. Même le titre ostentatoire « French Field Middle Of Night » ressemble à un voyage en train solitaire à travers la campagne sombre ; le cliquetis rythmique des rails, les formes noires et vides et le reflet solitaire qui vous regarde. A bien des égards, c’est ce que c’est que d’écouter Scorn et c’est pourquoi cet album n’attire pas l’attention mais s’enfonce dans votre cerveau.

Cette dernière sortie est un rappel opportun de l’influence de Harris, beaucoup d’idées ici rappellent l’expérimentation audacieuse de l’album Evanescence en 1994, où il a établi le plan de sa carrière post Earache, en s’appuyant sur ce son de basse lourde mais en cherchant toujours à changer subtilement à chaque sortie et à faire avancer la musique. Il est difficile de ne pas entendre ces sons et innovations adoptés par des artistes comme Author et Punisher.

Chaque morceau joue avec les mêmes motifs, du presque ludique Mates Corner avec ses notes légères répétées, à la froideur mécanique de « Ends » et à la seconde moitié de « Tick » qui bannit le confort du rythme central de la basse en refusant de le laisser s’installer. Ce n’est pas un album que l’on peut isoler et disséquer, à l’exception de « Distortion », car ils partagent tous le même noyau, simplement tordus et poussés dans des directions différentes.

« At One Point » poursuit cette ambiance feutrée avec une variante différente du rythme de la batterie qui donne l’impression que la tension monte à mesure que le flux et le reflux du rythme s’intensifient ; urgent et quelque peu troublant dans sa simplicité répétitive, ce qui lui confère une expérience surréaliste qui pourrait se perdre dans la nature apparemment discrète de la musique. Le groove dub woozy sur « After Tasting » commence presque sans prétention avec le même battement de cœur, la même basse et les mêmes petits sons et bruits qui semblent apparaître et disparaître au fur et à mesure que le morceau grandit. Chaque aspect de The Only Place semble construit autour du même thème central, mais plus on écoute, plus chaque cycle ajoute des nuances de gris et de nouveaux sons intrusifs, mais subtils.

C’est quelque chose que Harris a perfectionné avec Scorn et qui est confirmé par ses travaux avec Plotkin et Broadrick, et par leurs propres projets, comme Palesketcher et le vaste portefeuille de remixes de Plotkin.

La patience est récompensée par le point culminant de la fin de l’album, la collaboration avec Keith Kool et Submerged, et le seul morceau à comporter des voix. En partie rap, en partie spoken word, en partie chant chamanique, « Distortion » est occupé et tourne les vis avant de libérer son mantra cathartique. Le chant est le centre d’intérêt évident, mais une fois encore, les rythmes dub sombres masquent une foule de sons accessoires qui accentuent et suivent le chant tout en capturant la peur et l’anxiété de la vie moderne. Venant à la fin de l’album, elle évoque le sentiment vers lequel Harris a essayé de vous orienter et possède une accroche mordante.

The Only Place est un album dans lequel il faut se perdre, sur lequel il faut se concentrer, plutôt que de l’écouter pour une satisfaction immédiate. En surface, cela semble simple, et la distance réelle parcourue au cours des morceaux semble parfois petite, mais comme pour les œuvres de Jesu, c’est dans le calme relatif de ces moments que l’on peut ressentir les détails et les couches de sons qui ont été utilisés dans les compositions.

Harris a toujours été un maître de l’expérimentation, un homme qui s’est toujours intéressé davantage à la création de sons et à l’élaboration d’idées qu’à l’écriture d’une chanson à fredonner sous la douche, et c’est pourquoi il est l’un des artistes les plus durables et les plus influents qui font encore de la musique aujourd’hui. C’est une personne singulière qui peut être créditée d’être l’ancêtre du blast beat et du dub step et par conséquent, un Scorn relancé, avec trois sorties depuis sa relance de 2019, montre que l’homme ne ralentit pas.

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Tangent: « Evolutionary Cycles »

11 juin 2021

Tangent est un duo de musique électronique néerlandais qui combine l’électronique avec des instruments plus traditionnels de manière très contrastée. Ils nous présentent ici Evolutionary Cycles, leur cinquième album de dark ambient.

Avec leur dernier titre, ils créent un monde sonore profondément atmosphérique et clairsemé, parsemé de percussions modulantes et de synthétiseurs étirés. « The Origin Of Structures » capture parfaitement leur son sombre et réfléchi, offrant des rythmes dynamiques et des textures équilibrées.

Leur précédent album, Approaching Complexity, s’appuyait fortement sur des motifs de piano. En revanche,lce nouvel opus met en lumière l’habileté du duo à créer une atmosphère qui se concentre sur des synthés allongés et lunatiques et des expériences de percussions étroitement syncopées.

L’album peut être considéré comme l’un de leurs efforts les plus sombres. Au cours du processus d’écriture, le tandem s’est inspiré de l’impact de la race humaine sur la nature mais, bien qu’il s’agisse d’un sujet troublant et d’actualité, on y trouvera toujours de la légèreté en juxtaposition avec le poids émotionnel d qui met Tangent.

Leur musique emmènera leur public dans un voyage à travers des champs sonores qui semblent infinis. La matière semble se former et s’effondrer simultanément, un peu comme si un nouvel univers était créé sur les cendres d’un précédent. 

Toujours à la recherche de la meilleure qualité de son, le duo composé de Ralph van Reijendam (batterie pour Fire Walk with Us, Rob Klerkx and The Secret) et Robbert Kok (voix pour Disavowed, Synesis Absorption) repousse ici à nouveau à repousser constamment ses propres limites musicales en trouvant de nouvelles façons créatives de travailler avec le son.

***1/2


Natura Est: « Real Seasons »

22 mai 2021

Real Seasons est un opus de dark ambient hardcore avec des drones profonds et des vagues de textures multicouches. Ces murs générés par les synthétiseurs varient en douceur sans pour autant s’approcher de l’irrégularité. Celles qui se situent dans le bas du registre grondent et tremblent avec un mouvement tectonique tout en restant sans battement.

Ces éléments organiques sont combinés avec des patchs de synthé qui ressemblent à des voix torturées ou à des chants dans les derniers morceaux.

Ainsi, certaines parties de « Midsummer » sonneront presque comme des chants. Le morceau le plus long, « The Trilogy of Harvest »,sera un paysage d’enfer obsédant de huit minutes, roulant et bouillonnant avec une colère contenue malgré son rythme délibéré. Tout au long de l’album, on sent une noirceur qui ne s’estompe jamais.

Natura Est est le duo de Tony Young et Andreas Davids. Real Seasons propose sa propre version de la nature, entre indifférence et malveillance. Écoutez à haut volume pour en apprécier les détails.

***1/2


Visionist: « A Call To Arms »

9 mai 2021

Quatre ans après son précédent disque,Value, Visionist (alias Louis Carnell), est de retour avec les paysages sonores ambients et les textures abrasives qui ont caractérisé ses précédentes sorties. Cependant, sur A Call To Arms, Carnell ajoute son propre chant, ce qui crée un contraste intéressant entre les paroles douces qui incitent à la réflexion et le ton plus expérimental de la musique.

Le morceau d’ouverturen « By Design », présente deux parties bien différentes, le sample vocal strident et la livraison nerveuse de la première moitié laissant place à quelque chose de plus serein, des échantillons de guitare soulignant une clé majeure et un registre inférieur réconfortant. Les deux parties sont reliées par un son de basse lourd qui, à certains moments, menace de dévorer le morceau, complété par des harmoniques perçantes.

« Allowed To Dream » est un morceau instrumental qui passe également par de nombreuses étapes, utilisant des grondements inquiétants et des boucles de bande distordues qui se superposent pour créer un chaos assez glorieux.

Pendant ce temps, « The Fold », avec Haley Fohr, mélange une séquence de piano sinueuse et des paroles chargées de résignatio : « oublié, trempé par la pluie / une ombre de soi-même, mort en vain / parce que je ne peux pas donner plus » (forgotten, doused in rain / a shadow of oneself, died in vain / ’cause I can’t give no more) avant que, de manière plutôt appropriée, le son du piano ne commence à se décomposer et à se déformer.

Le ton général du disque est inquiétant, car même dans les passages les plus doux, la brutalité et la désolation ne sont pas loin. « Winter Sun » en est l’exemple le plus frappant, ses nappes douces sujettes à des interférences de haut niveau annulant leur qualité méditative, suivies d’une boucle de synthé discordante qui complète la coda. Cast, qui suit directement, est le parfait nettoyeur de palette avec des boucles de piano béates et le genre de conception sonore brumeuse qui évoque de vieilles images et des souvenirs fanés d’une époque plus simple.

Avec A Call To Arms, Carnell a pris un risque qui s’est avéré payant : sa voix complète à merveille des compositions à la fois troublantes et magnifiques.

***1/2


Steve Von Till: « A Deep Voiceless Wilderness »

6 mai 2021

A Deep Voiceless Wilderness, le dernier album solo de Steve von Till, leader de Neurosis, est une œuvre néoclassique profondément éthérée et inquisitrice, faite d’ambiance et d’instrumentations variées. Il y a des cordes. Il y a des synthétiseurs, des pianos et des mellotrons, mais pas de guitares typiques de von Till.

Ce nouveau disque, qui fait suite à l’album No Wilderness Deep Enough (2020) de von Till, reprend les mêmes compositions sans la voix et les mots de von Till. Il permet à l’auditeur de découvrir la musique d’une manière nouvelle, plus méditative. Si la composition de ce disque est soigneusement écrite, les performances sont belles et brutes.

Les synthétiseurs établissent la palette du morceau d’ouverture, « Called From the Wind », qui est surmonté par des cordes, une basse et un piano. C’est un début dynamique et magnifique qui rappelle la musique de chambre. Suivie par des synthés pulsés et flottants dont les rythmes changent avec le morceau, « We’ll Always Have the Sea » est triomphante, gonflant comme les eaux de son homonyme.

La houle caractérise également le troisième morceau « The Emptiness Swallows Us All ». Elle se construit à mesure que les synthétiseurs graves établissent le rythme, tandis que les pianos et les cordes prennent le devant de la scène, changeant l’atmosphère du morceau. Il devient d’une beauté déchirante et douloureuse. Alors que les synthétiseurs analogiques évoquent une décennie antérieure, l’instrumentation néo-classique du piano et du violon rappelle un autre siècle. Une électronique floue vient perturber cette magnifique composition, mêlant le moderne au très ancien.

Un trope de la musique ambiant qui est évitée sur cet album est qu’aucune des pistes ne se croise. Ce sont des morceaux de musique autonomes qui se différencient les uns des autres tout en faisant appel à des thèmes similaires. « Shelter in Surrender » se concentre sur deux accords de piano tandis que des sons ambients brillants et statiques tourbillonnent autour d’eux.

Bien qu’il soit rafraîchissant qu’aucun des morceaux ne s’enchaînent, il n’y a pas beaucoup de développement dans chaque morceau sans les voix. C’est vaste mais moins dynamique que les morceaux avec voix. Chaque morceau reste à un rythme relativement constant et se termine assez rapidement pour les genres qu’il habite.

Enfin, « The Spiraling Away » clôt l’ensemble de façon agréable. Des cordes entrecroisées viennent remplir l’espace qui les sépare, tandis que des sons aigus bricolés apparaissent en arrière-plan. Il est à nouveau représentatif de la composition simple et de la vision de ce disque, avec des mélodies subtiles et des synthés graves pulsés en arrière-plan. Cela reste constant mais l’ajout constant de nouveaux instruments rend la piste émouvante et introspective. La simplicité et la beauté des sons invitent l’auditeur à respirer et à s’en imprégner.

***1/2


Sonologyst: « Dust Of Human Race »

22 mars 2021

Sonologyst c’est Raffaele Pezzella, conservateur de Eighth Tower Records et de son label parent Unexplained Sounds Group. Il nous présente ici un enregistrement qui pourrait être considéré comme appartenant à la catégorie des bruits, mais qui explore en fait les limites de cet espace.

Le thème de Dust Of Human Race est celui des vestiges en décomposition de l’humanité, ce qui n’est en aucun cas une pensée heureuse. La musique s’inscrit dans ce thème lugubre et glaçant avec un mélange de drones synthétiques, de styles dark ambient, de bruits électroacoustiques et de bruits de murs, d’orgue, de pseudo-vocalisations, de vocalisations réelles et de rythmes synthétiques. Ces composants se combinent dans un paysage post-industriel de sons, souvent de nature mécanique ou électronique. Le statique, les enregistrements de mots parlés et les gémissements abondent.

Mais ce qui distingue cet effort, c’est sa créativité et son imprévisibilité. En s’appuyant sur une large palette, Pezzella assemble un ensemble de collages bizarres et durs. Le point culminant de l’album est « Chiangimuerti, » un morceau de 13 minutes où l’on retrouve des cloches, des drones pulsés et une contrebasse traitée. C’est un morceau lent, moins dissonant que ses prédécesseurs, mais qui conserve un sentiment général de pressentiment et de calamité. Une grande partie est consacrée à des chants sur des drones superposés, où les chants finissent par se transformer en cris.

Dust Of Human Race offre un écho de l’humanité perdue à travers ses machines, son architecture, ses écrits et ses enregistrements. Ces sons sont ce qu’un hypothétique archéologue extraterrestre du futur pourrait utiliser pour représenter le côté sombre de notre culture si on lui présentait des ruines post-apocalyptiques. Bien fait et fortement recommandé.

***1/2


Nihil Impvlse: « Stasis »

6 mars 2021

Parfois on est juste d’humeurà entendre quelque chose qui soit sombre, bruyant et agressif comme l’enfer… et pour les jours comme ceux-là, un album comme Stasis de Nihil Impvlse est exactement ce dont on abesoin.

Stasis est, en effet, une exploration, en sept chapitres, des schémas des mécanismes de pouvoir qui nous enferment dans une prison invisible : la civilisation…, et au cours de l’album, nous sommes confrontés à une série de bruits durs / drones / industriels, pleins de bruits de choc, de martèlement, de fendillement de crâne, provenant des profondeurs de l’enfer. C’est sombre et inconfortable, mais c’est le but.

Chaque morceau est également complété par un échantillon vocal utilisé avec parcimonie, qui fournit un contexte supplémentaire et un exemple des luttes de pouvoir politiques et personnelles qui nous lient tous dans la cellule de la prison à vie. Le résultat final est un album impressionnant qui défie et récompense à parts égales – et où chaque morceau offre quelque chose de différent, tout en conservant l’impression générale de l’album.

Avec Stasis, Nihil Impvlse a fait un travail incroyable en exprimant la frustration et la futilité de la vie moderne ; d’être pris au piège comme un rouage dans les meules de la civilisation.

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Kreng & Svarte Greiner: « The Night Hag »

13 février 2021

The Night Hag est une longue composition, et elle a été spécialement conçue pour induire le sommeil. Les efforts conjugués de Kreng et Svarte Greiner ont permis d’envoyer l’auditeur au pays des rêves, mais au plus profond du sommeil, on peut rencontrer des cauchemars aussi bien que les rêves les plus doux. La musique du sommeil est souvent relaxante, apaisante et dépourvue de drame, mais Kreng et Svarte Greiner ne sont pas vraiment des créateurs de berceuses.

La paralysie du sommeil est à l’origine de The Night Hag, et la pensée met immédiatement l’esprit dans un état de pressentiment. La sieste de trente-trois minutes commence par un silence, alors qu’un corps fatigué glisse hors du plan physique. Entraîné par une onde sonore brumeuse, à peine perceptible, l’auditeur est porté doucement, se balançant comme sur une rivière, s’endormant en spirale. Mais The Night Hag change bientôt de cap, et le disque est l’incarnation même de l’inquiétude.

Comme les terreurs de la paralysie, on ne peut pas échapper à ses griffes, on ne peut rien faire pour s’en sortir, si ce n’est la chevaucher. Des textures plus sombres surgissent lentement, mais le son reste mince, reflétant un rêve capable de changer de scène et de situation en un instant. Ces textures plus sombres ressemblent à un état de sommeil de plus en plus profond, un nouveau monde inhabituel où tout est possible et où tout peut se cacher au détour d’un virage. Le paysage semble aussi sombre et aussi encapuchonné que la nuit, où, chez nous et loin de la terre lointaine, se trouve notre dormeur nocturne. La musique se déplace avec subtilité, ajoutant à l’atmosphère hallucinatoire du disque.

L’incapacité de bouger instille une peur intense et immédiate. Les yeux se fixent vers le haut, scrutant aveuglément le plafond sombre tandis que le rêve nous envahit, se glissant dans la pièce et se faisant passer pour une silhouette mince et menaçante. En fait, l’un des principaux symptômes de la paralysie du sommeil est l’expérience d’une telle vision, de voir une personne ou une figure ressemblant à un démon dans la pièce. Si cela n’est pas assez effrayant, des voix imaginaires se mêlent à l’hallucination visuelle pour tourmenter la victime. Les expériences hors du corps sont également courantes, ainsi qu’un sentiment d’étouffement. Les démons, les sorcières de nuit et les enlèvements par des extraterrestres ont tous été intégrés dans le tissu de la paralysie du sommeil, mais il existe une explication scientifique et rationnelle à cet état. Il en va de même pour la musique de The Night Hag, qui ne divertit pas le surnaturel, mais présente la condition de manière réaliste (et d’autant plus effrayante), en mettant davantage l’accent sur la subtilité et la menace rampante.

Les « auditeurs » devront donc se méfier…

***1/2


Withering of Light: « Reliquary »

7 janvier 2021

Il fut un temps où l’expression « concept album était une sorte de plaisanterie, un terme qui indiquait un certain égocentrique, trop souvent de persuasion prog rock, avec des connotations de pompeux et de grandiose, sans parler de l’excessive et immensément indulgente. Les temps ont changé, les choses ont évolué, et il n’est plus jugé prétentieux de parler d’art, du moins dans de nombreux milieux, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. En dehors du courant dominant, au moins, le mouvement contre l’intellectualisme et la guerre contre l’intelligence s’est ralenti.

Il va sans dire qu’il y aurait un concept derrière une exploration tentaculaire de quarante-trois minutes de l’obscurité lunatique, qui est la dernière offre (brûlée) de Todd Janeczek via son véhicule d’ambiance sombre, le flétrissement de la lumière, au nom évocateur. Comme l’explique Janeczek, « Le concept derrière cet album est devenu la façon dont chacun des mots qui constituent les titres m’a sorti du quotidien et a mis mon esprit dans un état quelque peu différent… Par exemple, le reliquaire est un récipient qui contient une relique sacrée ou sainte d’une certaine sorte. En tant qu’humains, nous fétichions les objets, les moments, les souvenirs. Même votre esprit peut devenir un reliquaire abritant le sacré, le profane ou autre. Chacun de ces mots trouvés ici avait une sorte de poids, une résonance spectrale (d’où ce titre) et les sons ici en sont l’incarnation sonore.

Le milieu ambient « dark » a toujours fonctionné dans le domaine de l’évocation, et bien que les pièces naissent des processus de pensée et des réflexions internes de l’artiste, la plupart des réactions à de telles œuvres sont dictées par la mentalité, l’état d’esprit et l’expérience de chacun. La question est donc moins « que dit cet album » que « que me dit cet album ».

Il poursuit: « Je suis resté longtemps coincé à la maison avec seulement ma famille proche – femme, enfant de neuf ans, chat domestique dément – et beaucoup de musique pour la compagnie. Je ne suis donc pas particulièrement attentif aux nuances de la signification des titres des chansons, et je suis plus à même de ressentir la physicalité des grondements et des tensions des sombres courants sous-jacents qui parcourent les six compositions qui composent Reliquary. Pour l’essentiel, elle suscite un sentiment de malaise et une morosité sépulcrale qui correspond à mon désir inné d’hiberner. L’atmosphère est sombre et lourde et elle plane, s’attardant dans l’air épais. Et pourtant… qu’est-ce que ça dit ? Votre dos s’incline, et vous voulez vous éloigner. Vous voulez la paix. Mais tout comme cela n’a pas de mots, vous n’avez pas de mots.« 

« Hive » voit l’arrivée des percussions sous la forme de cymbales qui s’écrasent lentement et se distingue ainsi de l’épais brouillard sonore du reste de l’album. À part cela, rien ne se passe, il n’y a pas de ponctuation ni d’autre décalage qui ajoute à l’attrait ou attire l’auditeur.

Reliquary n’offre guère plus qu’une obscurité humide et dégoulinante, une condensation de morosité qui s’accroche à toutes les surfaces de l’esprit. Il n’offre que peu d’attrait, si ce n’est la possibilité de s’asseoir dans l’obscurité et de fixer le mur. Et parfois, c’est la bande-son dont nous avons besoin et ce mur peut parfois nous convenir.

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Kat de Ville: « Four Plus »

29 octobre 2020

L’automne, surtout la fin de l’automne, qui se transforme en premier crépuscule glacial, exige une bande sonore pour toutes les douleurs et les peines, l’anxiété et le désespoir, tout ce qu’on appelle maintenant tristement et de façon neutre la mélancolie. En tout cas, l’album Four Plus, une autre incarnation créative deK at de Ville, sort juste à temps.

La descente vers les tunnels du dark ambient commence avec « Ice Cold ». Le percement des clés ici se dissout dans l’atmosphère, l’humeur et les pensées désordonnées. Détachement, froideur et rien d’autre, de rares débordements et carillons dans l’esprit d’horreur des bandes sons de films. Le thème mystique se développe évidemment sur « Between the Shadow and the Soul » et avec « Underworld », qui est plus vivant dans sa « non vie ». Des morceaux extrêmement contemplatifs, imprégnés d’un certain pressentiment de quelque chose d’imminent, de fatal et donc capable de faire prendre conscience de son impuissance, de son insignifiance et de sa solitude.

« Mankind Solution » fera la transition vers des domaines plus compréhensibles, plus proche de la lumière qui résonne, « Aurora » , en sa grande échelle frappe l’auditeur avec des tonnes de tristesse. Et puis viendra le contraste – le laconique « Sleepless », qui forme un ornement sonore cyclique et sans fin, suivi d’un « Rethinking », qui sera l’aboutissement logique de tout.

Avec l’attention nécessaire, Four Plus pourra être relié à d’autres œuvres de Kat dans différents projets. Mais ce qui est captivant, c’est que dans ce cas, l’écriture ne recoupe pas l’intention artistique générale et le contexte émotionnel de l’album. Nous avons donc obtenu une œuvre complète et holistique qui correspond pleinement au concept déclaré.

***1/2