Martha Wainwright: « Love Will Be Reborn »

26 août 2021

Martha Wainwright n’a jamais caché qu’elle est issue de l’une des lignées musicales les plus célèbres du Canada. Elle a enregistré des chansons avec son frère Rufus et sa tante Anna McGarrigle, a repris les chansons de son père Loudon et a participé à des concerts d’hommage à sa défunte mère, Kate McGarrigle.

C’est pourquoi il n’est pas surprenant que son dernier album, Love Will Be Reborn, soit un disque à propos de et dédié à la famille – mais pas de la manière typique à laquelle les fans sont habitués. Réalisé par Pierre Marchand (qui a enregistré des albums pour son frère, sa mère et sa tante), l’album montre que Wainwright s’éloigne de ses paroles austères et confessionnelles sur l’amour et la luxure. Au lieu de cela, la musicienne montréalaise aborde les questions liées à la maternité et à la vie domestique dans des morceaux comme le frémissant et tordant « Getting Older » et le squelettique « Report Card ». Mais cela n’enlève rien à la passion de Wainwright, qui pousse sa voix fumeuse au-delà de ses limites sur la chanson-titre aventureuse et sur l’enjoué et optimiste « Hole in My Heart ».

Alors que ses précédents albums faisaient largement appel à des musiciens invités bien sélectionnés (notamment son dernier LP, Goodnight City datant de 2016), Wainwright a enregistré cet album dans le sous-sol de son café montréalais, Ursa, avec un groupe comprenant Josh Cole de l’ensemble de jazz de Vancouver, October Trio, ainsi que Thom Gill et Phil Melanson des indie-poppers torontois Bernice. Cela a permis de donner à des chansons comme la surprenante « Being Right » et la mélancolique « Body and Soul » un aspect plus intime que ses précédents albums. La collaboration avec Marchand a également permis à Wainwright d’obtenir un son plus terreux, comme en témoignent la pulsation de « Middle of the Lake » , qui ouvre l’album, et la chanson «  Rainbow », qui ressemble à celle de Stevie Nicks, et qui s’oriente vers le sens du drame poussiéreux de l’alt-country.

Le morceau de clôture de l’album, « Falaise de Malaise », marque deux premières pour Martha, puisque la chanson est entièrement chantée en français et que l’accompagnement au piano marque la première fois qu’elle joue d’un instrument sur un album, sa voix planante remplissant généralement cette condition. Bien que la fin de l’album traîne en longueur à cause de chansons larmoyantes comme « Justice » et « Sometimes », Love Will Be Reborn n’en reste pas moins un album étonnamment intime et dépouillé de la part d’une personne aussi naturellement théâtrale que Martha Wainwright.

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Esther Rose: « How Many Times »

22 avril 2021

Voici un album qui sait exactement ce qu’il est et d’où il vient. Et pourtant, Esther Rose parvient toujours à rendre un genre séculaire aussi innovant et pertinent qu’il l’a toujours été.

Après avoir enregistré avec Jack White et fait la première partie de Nick Lowe, figure emblématique de la new wave, Esther Rose s’est lancée dans une période d’agitation qui l’a vue partir en tournée sans relâche, déménager non pas une mais trois fois et naviguer entre les écueils d’une relation difficile. Pendant cette période, elle a tout de même réussi à écrire son troisième album studio, How Many Times. Le déplacement du cœur brisé causé par ces quelques années instables a clairement filtré dans l’album et lui donne le genre de mouvement perpétuel inhérent qui est habituellement réservé à des actes plus optimistes et plus pop. Il y a un sentiment sous-jacent de positivité, même lorsque la résonance émotionnelle de la musique vous dit qu’il ne devrait pas y en avoir. Le résultat est un album folk intime et stupéfiant qui vous brisera le cœur et vous fera sourire dans la même mesure.

Même le violon regretté de l’ouverture de l’album et de son homonyme « How Many Times » ne suffit pas à entamer l’optimisme. Il y a quelque chose de merveilleusement intrépide dans l’approche de Rose de la douleur d’une rupture. « Je pensais avoir touché le fond mais je retombe vite. Dis-moi pourquoi c’est si difficile de faire durer une bonne chose » (Thought I hit the bottom but I’m falling fast. Tell me why is it so hard to make a good thing last), chante-t-elle, d’une voix qui vous incite à ne pas vous sentir désolé pour elle malgré les paroles. C’est une chanson country classique de chagrin d’amour, mais quelque chose nous dit que, même si elle est sur la corde raide, elle n’est pas encore sortie d’affaire. Les derniers instants de la chanson s’orientent vers un territoire plus triomphant, suggérant qu’il y a de l’espoir à trouver dans tous ces accords mineurs. « Keeps Me Running » accélère un peu le rythme ; un refrain accrocheur et une section rythmique percutante nous assurent, ici, que Rose n’a pas peur de flirter avec les sensibilités pop. Un solo de guitare langoureux et rêveur ajoute au plaisir tandis que la section rythmique le suit avec enthousiasme. Le morceau suivant, « My Bad Mood », est une chanson tellement ancrée dans ses racines country que l’on peut presque sentir les nuages de fumée du bar. « Je suis fatiguée de moi » (I’m getting pretty tired of me”) chante Rose de sa langue bien pendue. 

Avec « Coyote Creek », l’album bascule momentanément dans un territoire plus sombre et plus mélancolique, mais les lumières ne s’éteignent qu’un instant avant l’arrivée d’un refrain folk-pop plus optimiste. Good Time  » fait exactement ce que son titre promet, mais là encore, il y a une tournure tragicomique. « C’est un bon moment. Having a real good time. It’s a real good time for bad timing  » (C’est un bon moment pour un mauvais timing), le refrain ajoute une autre touche douce-amère aux procédures. Les guitares grattent avec vigueur, vous incitant à vous lever et à danser. « Laisse tes problèmes à la porte, chéri. Et laisse ta copine aussi, tu sais qu’elle est tellement chiante» Leave your trouble, honey, right at the door. And leave your girlfriend too, you know she’s such a bore), c’est là que Rose fait preuve de la plus grande ironie lyrique. De plus, l’ouverture façon Temptations sur « When You Go » crée l’ambiance pour une autre chanson anti-amour : « S’il te plaît, emmène-moi avec toi quand tu pars » (Please take me with you when you go) plaide Rose, mais nous avons déjà six pistes et nous connaissons déjà la réponse. Parfois, la chanson donne l’impression d’être à deux doigts du classique des années 50 « Tears on my Pillow »Please take me with you when you go . Alors qu’en temps normal, être aussi dérivé pourrait être un concept négatif, ici ce n’est pas une mauvaise chose du tout. C’est un album qui hérite pleinement d’un lieu différent et qui gagne son droit de s’asseoir à côté de ses prédécesseurs.

Dans un album qui ne contient que peu de compositions superflues, « Songs Remain » parvient à réduire encore le surabondant. C’est un moment où les lumières sont éteintes, où la chanteuse est seule sur scène, ce qui en fait la chanson la plus intime de How Many Times. C’est un exploit en soi, étant donné que nous avons face à nous un album entièrement construit sur des moments intimes. La chanson est touchante et vulnérable, Rose se lamentant : « Mais laisser partir ne signifie pas perdre, car une partie de moi vit en toi. Je suis heureuse que ce soit toi qui m’aies brisé le cœur. Parce qu’il fallait que ce soit toi qui me brises le cœur » (But letting go doesn’t mean you lose, because a part of me lives on in you. I am glad it was you who broke my heart. Because it had to be you who broke my heart ). La chanson se termine brusquement et nous laisse debout sous la pluie, écoutant une voix-mémoire balayée par le vent, enregistrée par Rose au sommet du Mont Philo dans le Vermont. C’est un morceau intelligent de poésie sonore qui prépare le terrain pour le suivant, « Mountaintop ». Ce titre comporte des couplets enjoués complétés par un refrain entraînant. Musicalement, c’est l’un des moments les plus pop. La batterie saute aux côtés des guitares qui traversent la gamme, tandis que Rose nous offre un autre aperçu de ce qui se passe derrière les portes fermées : « L’obscurité s’installe et je veux une nuit de péché de plus. Et n’aimes-tu pas la façon dont je suis. Ne veux-tu pas être mon homme ? » (Darkness settles in and I want one more night of sin. And don’t you like the way I am. Don’t you want to be my man ?). C’est un témoignage d’Esther Rose que ses voix sont toujours retenues, comptant seulement sur l’intimité naturelle de sa voix pour vous attirer.

« Are You Out There » contient des paroles comme « Sitting home alone on Saturday night Boo-hoo, my candle burning » (Assis seul à la maison le samedi soir Boo-hoo, ma bougie brûle ) et « Who knew? Were you pretending? But I really lost my shit, you know I fell for you. It’s never-ending » ( Qui le savait ? Tu faisais semblant ? Mais j’ai vraiment perdu ma merde, tu sais que je suis tombé amoureux de toi. C’est sans fin).. L’explétif bien placé peut vous prendre au dépourvu, mais pas le solo de violon en mode glissé qui vous plonge plus profondément dans les racines country d’un album qui prend des tonalités ouvertes et magique. « Without You » conclut l’album comme il a commencé : un œil sur l’avenir et un autre sur le passé. La basse est montée à un niveau qui fait claquer les cuisses, mais l’humeur est toujours aussi désespérée. « Tu viens à mon concert ? » » (Are you coming to my show ?) Rose s’interroge sur son amant perdu. Encore une fois, nous connaissons déjà la réponse mais cela n’a pas d’importance, quelque chose nous dit qu’elle va s’en sortir. 

How Many Times est une lettre d’amour pourqui veut se relever, se dépoussiérer et être capable de faire un sourire en coin aux choses qui ont failli vous briser. Il ne cherche pas à réinventer la roue, mais il n’a pas à le faire. C’est un album qui sait exactement ce qu’il est et d’où il vient. Et pourtant, Esther Rose parvient à rendre un genre vieux comme le monde aussi innovant et pertinent qu’il l’a toujours été.

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Palace Winter: « …Keep Dreaming Buddy »

14 novembre 2020

Le son élégant et jeune de Palace Winter est exactement le genre de chose qui calme les nerfs alors que la nuit approche et que la chaleur de l’air se libère pour un temps qui nécessite de se couvrir. Heureusement, le groupe a le bon nom pour correspondre à la musique de son dernier album Keep Dreaming, Buddy, sorti chez Tambourhinoceros en vinyle, CD et téléchargement.

Leur musique capture des morceaux électro trippés, apparemment assemblés de manière habile avec une production propre comme un sifflet, tout en capturant des basses profondes, des refrains colorés et de larges constructions de chansons qui plairont sans aucun doute à l’élite du rock dans la foule. « Monument Phase » se fraye un chemin jusqu’à la première place grâce aux comparaisons de Spacemen 3, alors que des claviers à décalage progressif illuminent le développement de la chanson, « Won’t Be Long » répète l’exploit posé devant lui avec un refrain hypnotique et doux tout en fredonnant des motifs de guitare floue qui ajoutent une couche supplémentaire de sophistication à la piste.

Rembobiner l’horloge avec un morceau intitulé « 1996 » pourrait faire réfléchir à des jours plus vertueux, des jours d’innocence et d’exploration. Il semblerait donc que cette année, le groupe l’ait fait avec un morceau apparemment influencé par les vibrations de l’heure d’été qui impliquent un saxophone soul. « Keep Dreaming Buddy » est un morceau électro-instrumental acoustique aux claviers lisses qui mène joliment au morceau qui tue sur l’album The Deeper End. Sonnant comme un croisement entre Primal Scream, les Spacemen 3 mentionnés ci-dessus et le chant de Jason Lyttle, le morceau se construit doucement en un crescendo de coeur, alors que des cloches d’église peuvent être entendues au milieu du masterblast qui brûle lentement.

L’un des derniers morceaux de l’album, « Rose », semble avoir été influencé par un autre groupe légendaire qui a utilisé des synthèses de moog à son avantage,  « World Of Twist » et leur délicat et mystérieux morceau « The Lights ». Il semblerait que Palace Winter soit en bonne compagnie avec leur première sortie depuis plus de deux ans. Les efforts qu’ils ont déployés pendant de longues années ont été salués par tous, ce qui devrait leur permettre de se faire une place de plus sur la carte rythmique des merveilles mélodiques de haute performance.

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Deau Eyes: « Let It Leave »

13 mai 2020

Deau Eyes, alias Ali Thibodeau, auteure-compositrice interprète basée en Virginie, pourrait suivre le même chemin que Lucy Dacus – originaire de Richmond, en Virginie elle aussi. Comme avec Lilly Hyatt, les yeux de sa musique sont ancrés dans l’Americana, mais avec un mélange parfait d’indie qui lui donne un petit grain de selptopre à gratter là où om fait.

Coproduit par Jacob Blizard (Lucy Dacus) et Collin Pastore (illuminati hotties), cet album est plein à craquer de refrains propres à chatouiller les oreilles. En ouverture, « Some Do » est comme unrendez-vous impromptu des temps modernes si le protagoniste dit « fuck this », la seule réponse est de suivre ses rêves. « Miner and Raven » est titre à retenir sur l’album, porté par un obsédant riff cryptique à la guitare.

On appréciera le séquencement de l’album, ou un rocker est suivi par un «  Parallel Time » acoustique, un morceau où le chant de Thibodeau ne eput vous empêcher de la remarquer. « The Bow » est le morceau de clôture parfaitrant, à certains moments, on a l’impression que le titre est sur le point de s’effondrer avant que Thibodeau ne le reprenne dans un grand final. Avec un tel talent, aucune pandémie n’arrêtera son ascension.

***1/2


Mapache: « From Liberty Street »

24 mars 2020

From Liberty Street, le dernier album du duo de country californien Mapache permet d’écouter 14 chansons bien conçues et interprétées avec goût dans un genre où, indépendamment des grands espaces dans lequel il propspère et qu’il professe, sait aussi révéler une part d’intimité.

Ce nouvel opus n’est pas tant une progression ou une évolution du style que Mapache a dévoilé lors de ses débuts en 2017, mais une continuation de celui-ci. Le morceau d’ouverture « Life on Fire » est un morceau de country-folk, sa mélodie et les harmonies de Sam Blasucci et de Clay Finch capturent le sentiment et le son de The Grateful Dead autour de American Beauty.

Mapache s’installe dans un groove confortable sur l’ensemble de l’album qui rassemble des morceaux du son de Bakersfield des années 50, des chansons country, du folk mexicain et des chansons de feu de camp, une musique qui semble juste destinée à être jouée et écoutée par des gens itinérants qui se promènent autour d’un feu la nuit. Cette ambiance est parfaitement illustrée par la reprise du boléro mexicain « Me Voy Pa’l Pueblo ». Son arrangement simple et sans fioritures est magnifique, les voix sont excellentes et l’ensemble de la performance fait référence à ses origines culturelles.

Un sentiment de chaleur omniprésent se dégage de From Liberty Street. Que ce soit sur une chanson comme la « Cactus Flower », ou sur la ballade country classique « I Just Steal Away and Pray » »qui clôt le LP, Mapache présente ses chansons avec sérieux et compassion.

Et en ces temps où la distance sociale est une nécessité et où notre vie acquiert unenouvelle normalité, nous pourrions tous avoir besoin d’un peu plus de chaleur, de sérieux et de compassion.

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Puss N Boots: « Sister »

14 février 2020

Le trio Puss N Boots semble avoir les bottes refaites à neuf pour marcher : on croyait son No Fools, No Fun de 2004 être une simple récréation dans le parcours pas linéaire de Norah Jones, mais non, tout est possible pour Norah lespiègle. On a d’elle des albums dissemblables et insaisissables exprès, on a eu plusieurs disques en tant que Little Willies, et puis un hommage aux Everly Brothers avec Billie Joe Armstrong, ainsi que le projet ROME avec Danger Mouse et Daniel Luppi, et la revoilà en compagnie des copines Sasha Dobson et Catherine Popper à s’échanger le micro et les instruments (toutes trois jouent guitare, basse et batterie, Norah pianote en sus).

C’est très minimal, plein d’espace et panoramique : qu’il s’agisse de leurs créations ou de reprises de Tom Petty, de Dolly Parton et cie, on ne trouvera pas d’Americana plus twangy, délinquant, libre et irrésistible. Parfait pour partir en auto nulle part sans savoir quand (et si) on va revenir.

***1/2


Ian & Sylvia: « The Lost Tapes »

27 septembre 2019

L’extraordinaire série documentaire Country Music de Ken Burns aura fait la part belle aux pairages de la scène et de la vie : amours, trahisons, pardons, ruptures, tout se vit dans les refrains partagés par les Tammy Wynette-George Jones et autres tourtereaux chantants. C’était pareil de notre bord de la frontière : un double album de performances inédites d’Ian et Sylvia Tyson, couple royal du folksong canadien, les inscrit au même hôtel des cœurs brisés.

Au-delà de leur immortelle Four Strong Winds et leurs morceaux traditionnels, le répertoire du tandem était très, très country, constate-t-on : de Jimmie Rodgers (« Jimmie’s Texas Blues) à Buck Owens (« Together Again »), de Ray Price (« Heartaches by the Number ») à Lefty Frizzell (« That’s the Way Love Goes »), leurs trémolos se prêtaient idéalement à ces flots de joies et de peines. Notez : la légendaire Lucille Starr (oui, celle du fameux album The French Song) se joint au couple pour deux chansons ; une très agréable cerise sur le gâteau.

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Rhiannon Giddens: « There Is No Other »

11 mai 2019

Il n’y en a pas d’autre… qu’elle. Rhiannon Giddens est non seulement la plus grande interprète de notre monde, elle gagne en pertinence et en audace à chaque extraordinaire projet. Après avoir brandi avec d’autres auteures-compositrices de nouvelles chansons folk pour dénoncer les iniquités d’hier et d’aujourd’hui,  la voilà forte d’une autre alliance qui permet à la chanteuse d’opéra (qu’elle est encore) de pousser son gospel-blues avec une puissance inouïe.

À son cher banjo s’ajoute la multitude des instruments que joue l’improvisateur jazz Francesco Turrisi, et si le résultat nous souffle, rien n’est déraciné. Bien au contraire : tous poumons dehors, Rhiannon fait voyager dans le monde entier son héritage. Ses relectures des traditionnelles « Wayfaring Stranger » et « Ten Thousand Voices » qui devient une sorte d’opéra africain) sont plus qu’épatantes : elles donnent du courage pour changer le cours des choses.

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Loretta Lynn: « Full Circle »

12 juin 2016
Full Circle est le premier album de Loretta Lynn depuis une bonne dizaine d’années et, comme l’indique son titre, il présente la chanteuse faisant le un point sur sa vie et sa carrière avec des versions de certains classiques,« Fist City » ou «  Everybody Wants To Go To Heaven », quelques reprises et des duos avec Willie Nelson et Elvis Costello.

La voix de Lynn demeure étonnamment sonore si on considère son âge (plus de 80 ans) et elle est encore capable d’atteindre des notes haut-perchées et ces tonalités vertueuses à même d’évoquer les douleurs les plus intimes. À cet titre, il s’agit ici d’un exercice dans lequel elle tire sa révérence et d’une manière on ne peut plus gracieuse de dire au revoir à ses fans et à la musique country.

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Ashley Monroe: « The Blade »

26 juillet 2015

Il existe toute une pléthore de musiciennes qui on renouvelé la country mainstream en portant leur focus sur ses racines et en s’efforçant de la nourrir de textes plus ptofonds qu’à l’origine.

Après Like A Rose, ce deuxième album de Ashley Monroe prouve qu’elle est capable de générer des melodies variées et néanmoins une musique qui soit honnête. Elle est aidée pour cela par une voix bien cadencée mais c’est avant tout son écriture farouche et indépendante qui la rend si différente avec sa peinture de personnages vivaces et forts un répertoire qui va du bluegrass à des tonalités plus contemporaines.

La chanson titre s’empare de la tradition sonique au moyen d’un violon, elle s’en échappe sur « Sixie » ou le honlie-tonk nostalgique de « If The Devil Don’t Want Me » et le merveilleusement léger « Wildflowers ».

On pourrait apparenter Monroe à Dolly Parton ; elle reprend sa vivacité et son excentricité et aux côtés de Angaleena Presley elle revivifie une country qui sort enfin de son moule conventionnel.