Mike Doughty: « Stellar Motel »

23 août 2021

Cela fait maintenant plus de deux décennies que l’on écoute Mike Doughty chanter des chansons. D’une certaine manière, cela peut paraître long pour suivre un artiste qui fait ce qu’il fait… mais Doughty semble toujours trouver un moyen de rafraîchir ce qu’il fait, de faire en sorte que quelque chose de vieux semble quelque peu nouveau et vibrant. En fait, c’est probablement le meilleur mot qu’on puisse trouver pour décrire Doughty : Vibrant.

Si vous n’avez jamais entendu parler de Doughty (même si on ne voit pas comment cela pourrait être possible), voici un petit cours de rafraîchissement. Doughty a commencé dans les années 1990 avec son groupe Soul Coughing. Ils ont produit d’étonnants disques acidulés et jazzy, remplis de paroles de poètes aux rythmes accrocheurs et de samples groovy. Puis Doughty s’est lancé en solo, a enregistré un album acoustique et l’a autoédité bien avant qu’Internet ne rende cela plausible. Puis Doughty a enregistré d’autres albums, a signé avec le label de son ami Dave Matthews, a fait d’autres disques, a quitté ledit label, a fait un autre disque, a autoédité un tas de démos via son site Web à ses meilleurs fans, a réenregistré un tas de morceaux de Soul Coughing et en a sorti un disque cool, et tout cela a été fait en maintenant l’une des meilleures présences en tournée de l’histoire du rock and roll moderne. Les « Question Jar Tours », au cours desquels Doughty répond aux questions que les membres du public ou les harceleurs sur Internet lui ont laissées entre les chansons, sont toujours une bonne soirée de plaisir. Il y a beaucoup de détracteurs dans le monde qui prétendent ne pas aimer Doughty pour un certain nombre de raisons, mais je leur ris au nez et je proclame simplement que Doughty, contrairement à tant d’autres, continue à produire de la bonne musique qui est facile à écouter et honnêtement, une tonne de plaisir.

Cela nous amène à Stellar Motel. Sorti à u milieu de ladite tournée « Question Jar », Stellar Motel a un peu beaucoup de choses à faire. Doughty s’essaye à son tour au hip hop, et fait un travail admirable, prenant un genre qui a tendance à manquer de musicalité et tournant dans quelques airs brillants, chargés de grooves accrocheurs et d’un excellent rap. « The Champion » est plus une ballade, luxuriante avec des cordes et des paroles intelligentes jusqu’aux ¾ du chemin quand MC Frontalot intervient et offre un rap doux en invité. « Pretty Wild » est plus ce que l’on pourrait attendre du hip hop, et présente Doughty rappant, rejoint par Clare Bizna$$ et Ash Wednesday. Sur « Let Me Lie », Doughty rappe sur un rythme électronique étrangement cool inspiré d’Atari, qui rappelle plus Kraftwerk que 50Cent, mais lorsque Big Dipper, invité, rappe, les choses deviennent un peu plus urbaines.

Environ la moitié de l’album penche vers ce hip hop expérimental et le reste du disque reste plus dans ce qui serait considéré comme un territoire plus traditionnel de Doughty.

Le premier « single » de l’album est « Light Will Keep Your Heart Beating In The Future » et quelle chanson pour lancer l’album ! Des percussions cradingues et des banjos qui s’entrechoquent portent la quasi-totalité de la chanson, et Doughty crache l’une de ses plus belles poésies depuis quelques albums. « When The Night Is Long » est un hymne, avec des guitares qui carillonnent, des cordes luxuriantes et un rythme endiablé. Cette chanson s’appuie sur le même genre d’esprit que l’un des morceaux les plus populaires de Doughty, « I Hear The Bells », contient également. Cette composition contrastera fortement avec celle qui la suit immédiatement, « Oh My God Yeah Fuck It ». Elle est un exercice de bruit rythmique et de plaisir, avec l’ensemble de jazz ambient de Moon Hooch and Miss Eaves. Il peut être un peu difficile de passer à travers cette chanson, surtout qu’elle suit un morceau de pop si doux, mais une fois que les choses commencent à rouler, le rap de Doughty et les saxophones gémissants de Moon Hooch donnent une vision très agréable, hautement artistique et irrévérencieuse du hip hop. Miss Eaves est géniale, et ses raps sont parfaits.

Après une vingtaine d’années, la plupart des artistes ont tendance à perdre un peu du tranchant de leurs dents, mais pas Doughty. Il continue à explorer la musique d’une manière très artistique et poétique, sans se limiter à un style de musique particulier ou à un instrument. Sa programmation reste intéressante, ses textes restent graphiques et aigus, sa voix est meilleure que jamais car son chant continue de grandir et de mûrir en profondeur. Stellar Motel peut comporter quelques moments difficiles pour les auditeurs occasionnels, mais ceux qui ont suivi Doughty sur le long terme comprennent que c’est son art, et qu’il vaut bien chaque instant.

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Hiss Golden Messenger: « Quietly Blowing It »

27 juin 2021

Il y a une raison pour laquelle Hiss Golden Messenger s’est imposé comme l’un des groupes les plus en vue de ces dernières années. Ce n’est pas seulement dû à leurs prouesses mélodiques, mais aussi à la façon dont ils incorporent le ton et la texture dans leurs chansons et créent ainsi un son si expressif.

Cela n’a jamais été aussi évident que sur leur superbe nouvel album, qu’ils nous ont légué avec Quietly Blowing It, un titre qui dément clairement l’excellence de ce qu’il contient. Il s’agit d’un ensemble de chansons qui parviennent à être à la fois subtiles et affirmées dans la même mesure. Ce n’est pas une tâche facile, bien sûr, mais c’est tout à l’honneur des prouesses du groupe que de réussir non seulement à franchir ce cap délicat, mais aussi à le faire avec efficacité.

Bien sûr, ils ne le font pas seuls. Un nombre impressionnant d’artistes invités contribuent également à l’album, parmi lesquels Griffin et Taylor Goldsmith de Dawes, Anaïs Mitchell, lauréate d’un Tony Award, Zach Williams de The Lone Bellow, le célèbre leader et guitariste Buddy Miller, et le producteur/musicien Josh Kaufman, membre du super groupe folk Bonny Light Horseman. Le fait que Hiss Golden Messenger soit capable d’attirer un groupe de musiciens aussi prestigieux est une preuve supplémentaire du fait qu’il a atteint un statut sacré.

Bien sûr, ce sont les chansons qui témoignent le plus de leur capacité et de leur agilité. « Way Back in the Way Back » en est l’exemple idéal ; il donne à l’album une introduction étonnamment discrète, puis monte progressivement en puissance avec une détermination tranquille qui lui confère une réelle autorité. On peut dire la même chose de « Hardlytown », un morceau qui se laisse porter par une foulée facile et une caresse apaisante tout en laissant une impression de triomphe dans son sillage. De même, l’allure facile de « Glory Strums » semble en contradiction avec son intention, une intention que M.C. Taylor, chef d’orchestre, auteur-compositeur et chanteur de Hiss Golden Messenger, décrit comme ayant été écrite « au printemps vert chaotique de 2020 comme un hymne à la recherche des lieux et des espaces qui nous rendent humains ».

Cela dit, la plupart des morceaux peuvent être appréciés simplement pour le son qu’ils partagent, qu’il s’agisse du flux tentaculaire de l’idyllique « Painting Houses » et de la rêverie douce de la chanson titre, ou du tic-tac uptempo de « Mighty Dollar » et « The Great Mystifier ». Tous contribuent à une conclusion indéniable. Il est douteux que l’on puisse un jour accuser ce groupe de gâcher quoi que ce soit, discrètement ou non. 

***1/2


Ziggy Alberts: « Searching For Freedom »

7 juin 2021

Dans son Australie natale, Ziggy a été certifié or et platine pour de nombreux « singles » et a même créé son propre label, Commonfolk Records. C’est par le biais de ce label que Ziggy a sorti son huitième album, Searching For Freedom un opus qui mériterait quon l’écoute assis dans le jardin, avec le soleil qui tape et le calme dans l’air, tant c’est dans ce cadre le disque prend tout son sens. Il s’agit de douze morceaux de beauté acoustique qui, s’ils étaient plus décontractés, seraient endormis.

« Keeper » lance l’album avec le genre de chanson d’auteur-compositeur-interprète avec feu de camp sur la plage qui a fait la renommée de Jack Johnson. Bien qu’à première vue, il semble qu’il s’agisse simplement d’un homme et de sa guitare, il y a beaucoup plus que cela. La beauté réside en partie dans les subtilités, qu’il s’agisse des chœurs qui s’harmonisent si bien et contribuent à donner de la profondeur au morceau, du xylophone qui tinte délicatement en arrière-plan ou de la contrebasse qui entre discrètement en scène dans la seconde moitié. Et ce, dès le premier morceau. Tout au long de Searching For Freedom, Ziggy Alberts a clairement une idée de la manière de créer une atmosphère et d’ajouter de la profondeur à chaque morceau sans les submerger

Le deuxième morceau, « Together », s’inspire davantage de groupes tels que Hudson Taylor ou Lumineers, avec un rythme presque imperceptible qui fait avancer le morceau. C’est cet objectif optimiste qui soutient le message d’espoir et d’unité de cette composition. Au fur et à mesure que le morceau se construit et que le refrain « I know where we belong, I know where » (je sais où où est notre place, je sais où) s’impose, on se surprend à croire chaque mot et à chanter avec lui. Dans le prolongement de sa chanson d’unité, « Don’t Get Caught Up » est ici presque comme une songerie anti-establishment/news.

Il est facile de penser qu’un auteur-compositeur-interprète acoustique est là pour chanter sur les relations ratées ou sur le fait d’être amoureux, alors c’est rafraîchissant quand un artiste comme Ziggy Alberts arrive avec ses vibrations de plage et essaie de diffuser des messages qui ne sont pas seulement sur sa propre vie mais plutôt sur quelque chose de beaucoup plus grand. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de chansons sur les relations. « Heartbeat » est une chanson sur la perte, mais avec une deuxième partie que l’on peut déjà entendre chanter par la foule. « Getting Low « , avec ses percussions subtiles et sa belle progression d’accords dans le refrain, est un point fort de Searching From Freedom, même si c’est l’une des chansons les plus tristes de l’album. Jusqu’à la fin incroyable où Ziggy fait appel à une trompette, un violon et quelques amis pour l’aider à chanter et faire passer la chanson de la mélancolie à la joie.

C’est le changement de tonalité et l’utilisation de différents instruments tout au long de Searching For Freedom qui rend l’album intéressant et est l’un de ces albums que vous pourriez mettre dans vos écouteurs à la plage et sentir la marée aller et venir. Ziggy Alberts est clairement talentueux et chaque chanson est unique, ce qui est le cas de beaucoup d’auteurs-compositeurs-interprètes.

***1/2


Daniel Knox: « Won’t You Take Me With You »

19 janvier 2021

L’ouverture discordante du dernier album de Daniel Knox – « Je veux être là où je suis censé être ; je veux tuer tous ceux qui sont proches de moi… » (I wanna be right where I’m supposed to be; I wanna kill everyone close to me…) – établit un record de fascination lyrique. Un titre tiré du The Wizard Of Oz, Won’t You Take Me With You, le cinquième album studio de l’auteur-compositeur-interprète américain, en apporte le déroulé.

Le piano rebondissant de « King Of The Ball », complété par des instruments à vent jazzy, évoque des images de la Nouvelle-Orléans la nuit. La ligne de basse ambulante donne l’impression que vous pourriez vous promener dans ces rues en voyant tout ce que fait Knox. Cette atmosphère se prolonge dans « Vinegar Hill », qui est un point fort de l’album et qui établit des comparaisons évidentes avec Leonard Cohen, mais aussi avec le travail en solo de Cameron Avery de Tame Impala.

Knox n’attend que le troisième morceau pour changer le ton de l’album et nous proposer une ballade plus douce avec « Fall Apart », comme lFather John Misty l’a fait dans « Just Dumb Enough to Try » sur « God’s Favourite Customer ».

Son style lyrique sera le plus frappant dans « Girl From Carbondale » où sa façon irrésistible d’utiliser les mots demande de l’attention dès les premiers mots chantés. Knox y rend hommage à sa mère, alors qu’il réfléchit à la vie qu’il n’a vue qu’en images – je me demandais à propos de son quartier, à quoi ressemblait sa chambre, si les choses à l’époque étaient tachées de la même couleur qu’elles le sont dans les photos que j’avais vues.

Le piano, doux et plein de sens, a les crochets émotifs qui rendent le disque si captivant. La seconde moitié du disque est particulièrement réfléchissante, et c’est son jeu de piano qui met vraiment cette ambiance sombre au premier plan.

Son dernier album Chasescene a été bien accueilli par la critique, mais Knox a adopté une approche différente dans la façon dont il a écrit cette série de nouveaux morceaux.

« Presque toutes les chansons ont été écrites quatre semaines avant la session d’enregistrement, ce qui est un processus très nouveau pour moi », dit-il, « Je crois fermement qu’il ne faut pas précipiter les choses et qu’il faut tracer un chemin qui suit une vision. Mais ici, rien n’a été précipité. Je doutais moins de moi-même et j’improvisais des solutions là où j’aurais pu trop y penser compte tenu du temps. J’ai appliqué cela à l’écriture et j’ai refusé le volume sur les doutes qui accompagnent habituellement ce processus ».

Daniel Knox est un conteur d’histoires qui brosse un tableau avec ses descriptions familières et sa voix profonde et rauque ajoute une présence autoritaire sur unWon’t You Take Me With You qui mériterait qu’on le garde précieusement chez soi.

***1/2


Hannah Grace: « Remedy »

29 novembre 2020

Hannah Grace nous accueille de manière éblouissante sur ce « debut album », Remedy un opus composé d’une impressionnante collection de « singles » et de morceaux originaux qui ont déjà été rodés en concert.

Venue du Pays de Galles, Grace est une chanteuse et compositrice qui, non contente d’être charmante, possède un je ne sais quoi de très spécial.

Remedy est, en effet, une joyeuse concoction qui s’illumine de jour en jour d’autant que cela fait plusieurs années que la jeune galloise évolue dans l’industrie musicale. En fait, vu l’état actuel du monde, il parait même indispensable d’avoir quelque chose qui vous apporte de la joie. Ainsi, le disque s’est ouvert sur quelque chose de tout nouveau, « Healing Hands », une belle ballade au piano qui touchait l’âme. Les magnifiques sonorités de Grace sont une bouffée d’air frais, avec des mots avaient été parfaitement écrits sur une mélodie apaisante, le tout donnant z »naissance à un joyau de sérénité. Bien que ce morceau traite de la douleur du cœur, il y a une heureuse résolution alors que Grace réalise sa propre valeur et le fait que quelque chose de beau va lui arriver. Si on devait décrire « Feels Like Home » en un mot, ce serait édifiant. Il s’agit d’une ballade qui réchauffe le cœur dont la prestation vocale frise la perfection. Ses voix enchanteresses sont d’une grande douceur, tandis que la mélodie pure a des relents de gospel. Les paroles décrivent l’appel à un endroit inconnu où l’on se sent chez soi : « Je me sens chez moi, je reviens vers toi/ Une maison que je ne savais même pas que j’avais/ Si familière mais toute neuve/ Je me sens si bien, oh bébé, je l’ai mal » (Feels like home, coming back to you/ A home I never even knew I had/ So familiar but brand new/ Feel so good, oh babe, I’ve got it bad) . Ensuite, vous avez « Different Kind Of Love » qui est une tranche de bonheur à l’état pur. La voix vibrante de Grace est rafraîchissante et ce contenu parfaitement écrit nous fait sourire avec émtion et bénévolence du début à la fin. Bien qu’elle partage un autre type d’amour, la femme mentionnée dans ce titre montre que les opposés s’attirent dans la mesure où la narratrice elle ferait tout pour garder son partenaire près d’elle. SE fera ensuite un double dosage de nouveaux originaux, le premier étant « Break The Pattern », une composition addictive et optimiste. Tout, dans ce morceau, est indiscutablement parfait, la voix vibrante de Grace apportant bouffée d’air frais tandis que les paroles se concentrent sans fausse pudeur sur une relation fracturée. Cependant, au lieu de jeter l’éponge, Hannah se bat pour ce qu’elle veut et obtient finalement la fin heureuse qu’elle recherche. Here We Are Now était une pure épopée qui m’a complètement immergé du début à la fin. J’ai tout adoré sur ce titre, la prestation était délicieuse tandis que le contenu lyrique m’a remonté le moral. En fait, ces paroles aident Grace se mettre en avant et vivre le moment présent : « Je veux juste vivre le moment présent / Sous la surface / Je me suis promis d’être courageuse / Pour la première fois, je n’ai pas besoin d’une personne / Pour me débarrasser de tous mes soucis » (I just wanna live in the moment/ Under the surface/ I promised myself I’d be brave/ For the first time I need no one/ To wash all my troubles away). Écrit aux côtés de Martin Luke Brown, « The Bed You Made est, lui aussi, un morceau phénoménal en matière de magnificence. La voix de Grace se montre d’une grande richesse, les paroles sont incroyablement claires et, dous avons ici un morceau qui respire et conjugue les plus belles vibrations du folk. Normis cela, « The Bed You Made » navigue dans une tristesse inconmensurable puisque Grace y fait le récit de comment elle a trompée par un ex. Elle est, à ce titre, toujours en train d’embrasser cette nouvelle vie de célibataire, car elle a réalisé qu’elle était heureuse toute seule. Avec « You », une autre belle ballade, les parolessont bien écrites, élégantes avec ce souffle qui permet de prendre ces tons vocaux émouvants à même de nous faire frissonner. Nous avons ainsi aussi cette merveilleuse mélodie composée de deux cordes, de cors et d’un piano qui lui donne ce côté jazzy et envoûtant, un titre enchanteur et un refrain qui frappe juste et fort : « Je tiendrai bon, aussi longtemps que tu le voudras/ Suis-moi partout où tu en auras besoin/ Je traverserai tout ce que tu traverses/ Je suis avec toi, je suis avec toi, je suis avec toi » (’ll hold on, as long as you want me to/ Follow wherever you need me to/ I’ll go through whatever you’re going through/ I’m with you, I’m with you, I’m with you). À présent, l »Waster Love » peut , en toute liberté, donner des frissons avec ses deux tonalités/ cordesqui créent créé une ballade atmosphérique, et une prestation vocalequi coupe le souffle tandis que le contenu irrésistible réchauffe le cœur. Même si ce mal de cœur fait un mal de chien, ces mots réconfortants peuvent facilement guérir ce qui a été brisé. « Blue » sera ainsi une tranche de pop mélancolique qui fera des merveilles, avec sa mélodie enjouée et es paroles contagieuses issues d’une voix pétillante. Ces mots parfaitement écrits font imaginer et presque vivre le poids de ce qu’est une relation défaillante et la tentative de repousser l’inévitable parce que tomber dans la dépression n’est pas une option : « Quelque chose me dit que je vais rester debout toute la nuit/ Je ne veux pas perdre un moment avec toi/ Prends-moi dans tes bras, ne me laisse pas partir/ Je ne veux pas sentirle bleu à l’âme» (Something tells me I’ll be up all night/ Don’t wanna waste a moment with you/ Hold me, don’t you let me go/ I just don’t wanna feel Blue). Plus près, il y aura de la pop pure et le résultat fin en sera quelque chose d’extrêmement édifiant/ hypnotique. En plus d’une mélodie majestueuse, vous vous nourrissez alors de paroles qui réchauffent le coeur étoffées qu’elles sont par la voix vibrante de Grace qui surgit comme une énième mais bienvenue bouffée d’air frais.

Cette chanson est alléchante et elle aura pour fonction de faire sourire du début à la fin. « Closer » racontera, elle, essentiellement l’histoire d’un amour avec cette personne spéciale qui fera battre votre cœur à tout rompre. Ce magnifique numéro écrit avec Martin Luke Brown, ces vers dégagera une a chaleur bienvenue alors que le refrain nous laissera des légendaires papillons dans le ventre. « Missing The Show » pourra alors traiter des affaires de coeur et, en fait ce sera une montagne russe émotionnelle qui se focalise à nouveau sur une relation qui ne va nulle part. En gros, la vocaliste aime vraiment cson partenaire, elle fait tous ces efforts mais elle n’obtient rien en retour. « Tout cet amour, tout ça pour rien ? / J’ai ce ticket d’or, mais j’ai l’impression qu’on rate le spectacle / J’en ai marre de pleurer, j’en ai fini avec les essais / Mais je n’ai pas envie de te laisser partir, de te laisser partir / Je n’ai pas envie de te laisser partir, de te laisser partir » (Was all this loving, all for nothing?/ Got that golden ticket, but it feels like we’re missing the show/ I’m sick of crying, I’m done with trying/ But I don’t feel like letting you go, like letting you go/ I don’t feel like letting you go, like letting you go). Sentiments sont si fort qu’elle n’est pas prête à jeter l’éponge et à accepter que c’est fini. « How True Is Your Love » est, à cet égard, magique, sur un registre la fois frais et funky, et cette touche disco qui apporte un plus essential. Tout dans ce morceau est impeccable, la mélodie est oyeuse, les vocaux rquasiment désaltérants alors que le contenu captivant tel qu’il est la voit dans sa quête du véritable amour : « J’y pense tout le temps/ L’amour est-il fort ou calme/ Le saurai-je quand il viendra/ L’entendrai-je/ Ou même reconnaîtrai-je le son » (I think about it all the time/ Is love loud or is it quiet/ Will I know it when comes around/ Will I hear it/ Or even recognise the sound”). Ensuite, l’heure sera venue pour un « Bring Me Home » enchanteur ; parfaitement écrit, ce titre engageant est une tendre ballade témoignant du mal du pays : « Ramène-moi à la maisosn/ Mon ancienne âme est si basse / Non, elle ne peut pas grandir toute seule / Ramène-moi à la maison » (Bring me home/ My old soul feels so low/ No, it can’t grow on its own/ Bring me home). C’était un morceau impeccable délivré à la perfection, avc ces belles sonorités d’une élégance soul et ces mots impeccables qui sauront faire, à la fois, mal au cœur et le cicatriser. « Live Like Love » saura être cet hymne majestueux que Grace saura faire passer avec force, avec sa voix rayonnant d’une incroyable richesse tandis que son contenu nous captivera en nous dépaignant une histoire pourtant toute simple, claire et nette, celle de meilleurs amis décidant de risquer leur amitié et de devenir objets. Les choses se termineront par une reprise de Fatboy Slim, « Praise You » ; une ballade au piano obsédante que Grace maîtrise entièrement grâce à un phrasé croustillant et séduisant capable de nous faire dresser les cheveux sur la nuque.

Si vous voulez être présenté à un talent aussi pur et sans effort avec des chansons qui transportent le monde hors de notre temps, alors Hannah Grace et son Remedy seront définitivement une antidote au mal-être qu’il conviendra de saluer et savourer.

****1/2


Laura Fell: « Safe from Me »

25 novembre 2020

Après une dizaine d’années de poésie indépendante, Laura Fell, psychothérapeute basée à Londres, s’est convertie à l’écriture de chansons pour son premier album, Safe from Me. En plus d’être le premier chapitre musical de Laura Fell, Safe from Me est également le produit phare de Balloon Machine Records, un label récemment converti après une année fructueuse en tant que blog de musique indépendante.

Au travers des huit titres del’albume, Fell explore une gamme de sons différents dans les pièges de l’alt-folk contemporain. Les ballades confessionnelles classiques se retrouvent ainsisur « Until Now » et la chanson titre, mais la collection est plus engageante lorsqu’elle s’oriente vers l’expérimentation.

« Cold », par exemple, est un plaidoyer rampant pour la chaleur, qui s’inspire des meilleurs morceaux de Tom Waits. Les cordes en staccato et les percussions domestiques rencontrent l’ascension et la chute de la voix de Fell pour produire un morceau unique et émotionnel qui est certainement le plus fort du disque. Le premier « single », « Bone of Contention », est un véritable assassinat de personnages qui sonne comme une version filtrée de l’époque duThe Bends de Radiohead, et le style americana  sur « Every Time  continue d’avancer grâce à un rythme subtilement mélangé, soutenu par des guitares électriques intrépides à chaque rémission.

Le tout est accompagné d’une belle production – une guitare acoustique douce et le phrasé lyrique de Fell seront les deux fils conducteurs qui relient la collection, et tous deux sont traités avec la plus grande tendresse et le plus grand respect. Safe from Me se targue d’être interprétée par une troupe de musiciens classiques engagés, mais ne parvient pas à brouiller l’intention des chansons au moyen d’un bugle ou d’un saxophone. Au contraire, ces décisions d’arrangement donnent à l’écriture des chansons de Fell un élan intemporel.

Étant donné la carrière de Fell dans l’introspection externalisée, il est naturel que ce disque passe le plus clair de son temps à regarder vers l’intérieur. Les chansons proposées ici évitent généralement la métaphore étendue au profit de vérités directes et tranchantes, les plus retentissantes étant souvent laissées pour conclure chaque chanson. « Cold » parle de l’expérience trop commune d’être incapable de résoudre ses propres problèmes (« je ne peux pas trouver les réponses par moi-même – il est plus facile d’aider quelqu’un d’autre »), tandis que « Every Time » parle de la stagnation intérieure (« et chaque fois qu’une leçon peut être apprise, j’oublie de l’écrire »). Il y a une aptitude à exprimer des sentiments complexes par un langage concis, et c’est un domaine dans lequel Fell excelle.

Le plus grand atout dela chanteuse est sa voix : un contralto riche et distinctif qui manie aussi bien des duos mièvres de twee pop comme « Left Foot Right Foot » que des chansons mélodramatiques de rumination comme « Glad » et » I Didn’t Mean To ». Lorsqu’elle est placée à côté de fredonnements émis par un chœur (« Glad »), d’accroches discrètes (« Until Now ») et de levées orchestrales de style Mellotron (« Bone of Contention »), elle apporte une nuance rare de personnalité à un genre qui manque trop souvent d’individualité. En fin de compte, Safe from Me est un premier album fort et complexe qui brosse un portrait complet des luttes internes de l’artiste comme l’intitulé de ce « debut album » l’illustre à merveille.

***1/2


Elvis Costello: « Hey Clockface »

3 novembre 2020

Hey Clockface, enregistré et mis en scène à Helsinki, Paris et New York, et mixé par Sebastian Krys à Los Angeles, montre que – tout ce que l’on pense être attendu d’Elvis Costello – est faux. C’est un album romantique, déroutant, intime, sinistre – mais surtout, c’est un opus exaltant.

Chaque morceau prend une gamme d’émotions et de dynamiques différentes, et le résultat est quelque chose qui atteint dans sa sonorité la puissance surréaliste de Jean Cocteau, combinée à la riche composition des pionniers du cinéma pas trop éloignés de ceux de Georges Méliès.

C’est pour cette raison qu’il émet un niveau de profondeur qui vous laisse parfois dans l’incapacité de déterminer ce qui est quoi, et d’autres fois, vous vous sentez attiré, comme dans ce « What Is It That I Need That I Don’t Really Have? »ou ce « Byline » qui vous imprègnentde riches tapisseriesfaites de réflexions intimes qui vous font instantanément sentir transporté dans les villes où elles ont été créées.

A l’inverse, « We’re All Cowards Now » est plus insistant et quelque peu colérique dans son comportement. Il s’agit de faire l’expérience de la rage et du manque de raison ; une émotion qui réside dans la plupart d’entre nous mais que nous abordons tous différemment. « Hey Clockface » exprimera un type de conjecture similaire, en adoptant des tropes plus optimistes et en abordant d’une manière presque ironique l’agacement de la rapidité – ou de la lenteur – du temps quand on le veut le moins.

En parlant de la gamme émotionnelle et dynamique du disque, Costello a déclaré : « Je voulais que le disque soit vivant, que les chansons demandent à être jouées de manière forte et déchiquetée ou intime et belle ». C’est exactement ce que livre Hey Clockface – un disque qui, d’un moment à l’autre, est truffé de ricanements imprévisibles, presque comme le monde dans lequel nous nous trouvons tous aujourd’hui.

***1/2


Bruce Hornsby : « Non-Secure Connection »

1 septembre 2020

Si vous cherchez trop la thèse de travail de Bruce Hornsby ces jours-ci, vous passez à côté de l’évidence. Il a écrit une chanson entière, « No Limits », sur la liberté créative dont il a joui en écrivant et en enregistrant son nouvel album, Non-Secure Connection.

Pour ceux qui sont au courant du catalogue de Hornsby, l’approche expansive n’est pas une surprise. En 2019, il a sorti Absolute Zero, son premier album solo en 11 ans, qui n’a pas du tout répondu aux attentes. Après avoir passé des années à écrire des musiques de film pour Spike Lee, à jouer avec The Grateful Dead et à s’aventurer personnellement dans des genres allant du bluegrass au jazz, l’auteur-compositeur lauréat d’un Grammy a défié toutes les attentes avec une collection de chansons disparates d’une quasi-avant-garde.

Non-Secure Connection est plus qu’une suite à Absolute Zero ; c’est plutôt un flux continu d’inspiration sans limite qui commence et se termine dans des endroits complètement inattendus.

Plusieurs des chansons présentes sur Non-Secure Connection ont commencé comme des répliques cinématographiques d’un Spike Lee que Hornsby a ensuite décidé de garder et de transformer en une composition expérimentale. D’autres sont soutenues par un large éventail d’invités, de James Mercer (The Shins) et Leon Bridges à Justin Vernon (Bon Iver) et Jamila Woods.   

Quelque chose a cliqué, cliqué en haut/Si je savais ce qui s’est passé là/Un teaser synaptique, connectif/Je pouvais attraper et ne pas relâcher », chante-t-il sur « No Limits » (Something clicked, clicked upstairs/Wish I knew what happened there/Sharp synaptic, connective tease/I could catch and not release)», en tirant le rideau pour révéler la tournure des engrenages mentaux de Hornsby. Le premier « single », « My Resolve », avec Mercer, nous emmène plus loin dans l’esprit artistique en nous faisant envisager une carrière dans les arts. « Et personne ne sait pourquoi j’ai été attiré par cette vie. Je suis sous le vent et sur une ligne de survie » (And no one knows why I’ve been drawn to this life/I’m downwind and high on a survival line). A partir de là, les sujets de Hornsby font des allers et retours sous des angles aléatoires, tout comme les compositions qui les contiennent, des droits civils au basket-ball de l’AAU en passant par l’innovation des producteurs de pornographie.    

Le piano chaotique de « Porn Hou » », le groove subtil de « Anything Can Happen », la beauté plaintive de « The Rat King » » les jams électriques dissonants de « Shit’s Crazy Out Here » – tout cela fait en quelque sorte partie du même ensemble sonore. Hornsby est un homme à l’aise dans presque tous les contextes musicaux, et sa grande expérience lui permet d’évoluer confortablement dans tout cela – il est originaire de toutes ces countrées musicales.

***1/2


Alanis Morissette: « Such Pretty Forks In The Road »

3 août 2020

Les fans d’Alanis Morissette sont un groupe de personnes patientes. Il y a presque exactement huit ans que son dernier album Havoc & Bright Lights est sorti et il n’a pas été des plus populaire parmi lesdits fans. On peut même dire qu’elle est au mieux de sa forme quand elle a à se défouler de ses propres démons à se défouler. Si on prend son album révolutionnaire Jagged Little Pill on ne trouvera nulle part un album aussi chargé d’angoisse. Cela a bien sûr joué en sa faveur, se vendant à plus de trente millions d’exemplaires dans le monde entier. Puis il y a eu Flavours of Entanglement, un album triste de chutes post-rupture qui ferait honte à des gens comme Adele et Swifty.

Havoc & Bright Lights a vu un son beaucoup plus doux sans le contenu lyrique de son précédent travail. L’époque où l’on s’en prenait aux gens dans les théâtres est révolue, remplacée par des chansons sur la spiritualité et la maternité. Il y avait quelques belles chansons, mais elles étaient loin d’être aussi satisfaisantes que son travail précédent. 

Le premier « single » extrait de cet album, « The Reasons I Drink », marque un retour triomphal à la forme, qui semble être sorti de nulle part à la fin de l’année dernière, offrant à ses fans un cadeau de Noël anticipé. Depuis lors, elle n’a cessé de laisser tomber des morceaux ici et là jusqu’à la sortie éventuelle cette semaine de Such Pretty Forks In The Road.

L’album démarre avec « Smiling » un morceau où les plus observateurs remarqueront que, comme c’est souvent le cas, le titre de l’album est tiré des paroles d’une des chansons, qui est en l’occurrence ce morceau d’ouverture. « Smiling » est une toute nouvelle chanson écrite pour la production scénique, basée sur la musique de Jagged Little Pill. Bien que la composition s’inscrive parfaitement dans cette ère de la carrière de Morissette, cet album n’est pas pour autant un autre Jagged Little Pill. Il s’agit d’une collection de chansons beaucoup plus poignantes, réfléchies et discrètes. Jamais autant que sur « Diagnosis », une ballade piano/voix qui met en vedette des paroles de pochette parmi les plus émouvantes depuis Flavours of Entanglement. La chanson aborde les thèmes de la maladie mentale et évoque le genre de réaction émotionnelle pour laquelle elle est connue lorsqu’elle est au mieux de sa forme. Je suis sûr que tous ceux qui ont vécu ce genre de choses pourront s’identifier aux paroles. Le thème émotionnel se poursuit à travers un certain nombre de morceaux comme « Missing The Miracle » et « Her ».

Plus édifiantes dans leur production, des chansons comme « Sandbox Love » et « Ablaze » montrent que Morissette est tout aussi capable de produire un excellent morceau pop, qui résiste à ceux des albums précédents « So Called Chaos » et « Under Rug Swept ».

Morissette est à jamais la conteuse, avec l’amour de fourrer plus de mots que nécessaire dans ses phrases. Rien n’a changé sur cet album. Il a toujours le son qui lui est propre, mais il a évolué par rapport à ses précédents travaux. Alors qu’une grande partie de son travail résume une certaine époque de sa vie, Such Pretty Forks In The Road se lit davantage comme l’histoire d’une vie, couvrant un plus large éventail d’émotions qu’elle ne l’a fait à un seul endroit auparavant. Peut-être est-ce dû au fait qu’il s’est écoulé tellement de temps depuis la sortie de son dernier album.

Cela fait vingt-cinq ans que Jagged Little Pill est sorti et on se souvient encore du buzz qui a entouré cette jeune artiste. Depuis lors, elle a tellement ajouté à son incroyable travail. Such Pretty Forks In The Road s’inscrit parfaitement dans le cadre de son catalogue déjà très étoffé et montre que, toutes ces années, elle est toujours une artiste pertinente. Mais cela valait-il la peine d’attendre huit ans ? Oui sans doute mais mais mieux vaudrait ne pas attendre aussi longtemps la prochaine fois.

***1/2


Bob Dylan: « Rough And Rowdy Ways »

27 juin 2020

A ce stade, il n’est vraiment pas facile d’expliquer la place unique que Bob Dylan s’est taillée au panthéon de la musique rock à ceux qui se sont mis hors de portée de son influence artistique. En 2016, lorsque Dylan a reçu le prix Nobel de littérature, huit ans après avoir reçu un prix Pulitzer en tant que citation spéciale pour son « impact profond sur la musique populaire et la culture américaine, marqué par des compositions lyriques d’une puissance poétique extraordinaire », ce fait est devenu plus qu’évident. Certes, il avait écrit suffisamment de tubes classiques de folk et de rock – « Blowin’ In the Wind », « The Times They Are a-Changing » et « Like a Rolling Stone » – et vendu suffisamment de disques pour remporter des prix dans toutes les catégories habituelles – Grammy’s, Golden Globes, Academy of Motion Pictures, et être intronisé dans divers Halls of Fame – Rock and Roll & Songwriter, mais un Pulitzer, un Nobel de littérature, se sont dits les cyniques !

Il n’y a tout simplement pas de réponse qui ait un sens pour quelqu’un qui n’a jamais usé les sillons du microsllon de l’époque sur Blonde On Blonde pour devoir acheter un nouvel exemplaire, ou qui s’est accroché à chaque mot chanté sur Blood on the Tracks, espérant des réponses au sens de la vie et de l’amour, ou qui a lutté avec les énigmes de Love and Theft, à la recherche d’un aperçu et d’un sens. Si vous n’avez pas déjà pris conscience et apprécié l’œuvre elle-même, il y a peu de choses à dire qui pourraient expliquer le lien majestueux entre le poète chantant avec cette voix, pas moins, et ses fans qui se penchent toujours vers l’avant lors de ses spectacles, espérant qu’il se mettra à jouer « Masters of War » ou » »My Back Pages », et laissez-lui livrer « Tangled Up in Blue » sans en déformer la mélodie ou en marmonner les mots en quelque chose de totalement méconnaissable. Après 35 albums de matériel original au cours des 50 années entre 1962 et 2012, qui contiennent des dizaines et des dizaines de chansons que ses fans ont pris à cœur, il est impossible d’imaginer un autre artiste qui a maintenu autant de mystère et d’influence pendant si longtemps, tout en donnant plus de 100 spectacles par an lors de sa désormais, longue de plusieurs décennies, de son « never ending tour ». Tout cela pour dire que si vous ne comprenez toujours pas, eh bien, rien de ce que vous entendez à ce stade ne changera cela ou ne changera rien du tout.

Tempest, sorti en 2012, a semblé à beaucoup comme le dernier album de Dylan, en raison de ses paroles plus sombres et du fait que les cinq disques sortis depuis, dont Triplicate, ont été tirés du Great American Songbook, souvent avec des versions remarquables chantées par de grands chanteurs comme Frank Sinatra et Ella Fitzgerald. Ainsi, lorsque Dylan a sorti le premier « single » de cet album fin mars 2020, la médiation de près de 17 minutes sur l’assassinat du président John F. Kennedy, « un jour qui vivra dans l’infamie » (a day that will live on in infamy), s’est combinée à une longue série de références culturelles qui décrivent les années 60 comme un moment définitif pour une génération. Sur un lit instrumental de piano, de cordes et de percussions, Dylan offre un courant de conscience qui saute de l’événement réel qui a bouleversé l’histoire américaine, une tragédie déterminante qui a marqué un tournant dans l’esprit de beaucoup de gens avec des références à Tommy des Who, une playlist de Wolfman Jack qui semble à la fois aléatoire et en quelque sorte intentionnelle en même temps. Dans une litanie colorée, le nom de Dylan laisse tomber des classiques tels que « St James Infirmary », et un coup de chapeau à Etta James et John Lee Hooker, The Eagles, des hymnes et des grands noms du jazz comme Oscar Peterson, Stan Getz, Thelonious Monk, et le « Blue Sky » de Dickey Betts, des Allman Brothers, puis des stars du cinéma muet comme Buster Keaton, des gangsters comme Pretty Boy Floyd, etc. Est-ce le blagueur Dylan qui développe son mythe en dressant une liste insignifiante de ses anciens favoris, sachant que ses disciples fanatiques s’accrocheront à chaque nuance, analyseront chaque référence, écouteront toute la playlist, pensant qu’elle porte en elle un sens profond et caché, ou est-ce qu’il marque un point avec tout cela ? Le titre est bien sûr tiré du Hamlet de Shakespeare, mais le reste, soit 16 minutes et 55 secondes, vient de l’esprit poétique ee celui qui est le poète officiel de la musique pop de ce qui constitue  notre monde.

Peu de temps après la sortie de ce lourd « single », une deuxième chanson est sortie à la mi-avril, « I Contain Multitudes », puis en mai, l’album complet a été annoncé avec une date de sortie en juin, un troisième single, « False Prophet ». Pris dans son ensemble, Rough and Rowdy Ways est une entreprise remarquable, quelque chose de frais et d’inattendu de la part d’un artiste dont la longue carrière a été un exercice de réinvention, brisant toute idée préconçue de ce que l’on attendait de lui. Après tout, c’est le chanteur folk qui a refusé de porter l’étendard de « voix d’une génération » ou de « militant politique », s’électrisant au point d’être qualifié de Judas !, réalisant plusieurs albums chrétiens dans la tradition du gospel alors que personne ne trouvait cela cool, puis se penchant sur le blues et élargissant encore une fois la tradition lyrique, insistant à chaque tournant de sa longue et riche carrière pour ne pas être limité par ce qui l’a précédé. À 79 ans et 39 albums, Bob Dylan est toujours en vie et le monde s’en porte mieux.

Certains ont suggéré que le but des deux derniers albums était d’utiliser l’écriture de compositions bien conçues d’une époque révolue, afin que Dylan puisse développer ses cordes vocales vieillissantes et usées pour en faire un instrument plus capable et plus expressif que le croassement de grenouille entendu lorsqu’il a chanté « Things Have Changed » en direct par satellite d’Australie aux Oscars en 2001, avant de remporter l’Oscar de la meilleure chanson originale. Mais plus que sa voix et son articulation plus assurée, ce qui constitue une amélioration notable, la caractéristique la plus frappante de ces 10 nouveaux morceaux est son lyrisme enjoué et sa fascination continue pour les rimes, ainsi que sa préoccupation curieuse, parfois inattendue, pour les œuvres et les artistes de la culture pop.

Musicalement, Dylan a tendance à s’appuyer sur les formules traditionnelles d’auteur-compositeur, rendues d’autant plus spéciales par la présence constante de son groupe habituel en tournée, s’appuyant principalement sur le jeu de guitare de Charlie Sexton. L’équipe actuelle comprend le batteur Matt Chamberlain, Tony Garnier à la basse, Donnie Herron à la steel guitar, au violon et à l’accordéon, Bob Britt à la deuxième guitare avec Alan Pasqua au piano, Heartbreaker Benmont Tench à l’orgue Hammond, Blake Mills à la guitare et à l’harmonium, plus Fiona Apple qui ajoute quelques chœurs. Alors que « Murder Most Foul » et « I Contain Multitudes » fournissent des bases musicales subtiles pour soutenir la mélodie et la poésie de Dylan, des morceaux comme « False Prophet » et « Goodbye Jimmy Reed » sont ancrés dans le blues traditionnel. Le groupe joue souvent avec retenue, leur présence étant minimisée car ces chansons sont conçues pour mettre en valeur le chant assuré et les commentaires poignants de Dylan.

Dans « I Contain Multitudes », Dylan reconnaît les diverses personnalités derrière lesquelles il se cache, empruntant le titre au poème de Walt Whitman, « Song of Myself », mais comme beaucoup de choses ici, il parvient à parler de lui-même, se comparant à d’autres personnes célèbres, qu’il emprunte à la poésie d’Edgar Allen Poe ou de William Blake, suggérant même « Je suis comme Anne Frank, comme Indiana Jones/et ces bad boys britanniques, les Rolling Stones » (I’m just like Anne Frank, like Indiana Jones/And them British bad boys, The Rolling Stones). C’est une tactique qui semble révéler tout en détournant toute révélation significative. Mais au fil des puzzles et des jeux de mots, elle tiendra les fans de Dylan occupés au moins jusqu’à ce que nous obtenions un vaccin contre le coronavirus. C’est peut-être la reconnaissance du fait que « je suis un homme de contradictions / je suis un homme d’humeurs diverses », ( I’m a man of contradictions/I’m a man of many moods) et la réalité pressante de sa propre mortalité, « je dors avec la vie et la mort dans le même lit » (I sleep with life and death in the same bed), qui se rapproche le plus de la vérité.

Dans le bluesy « False Prophet », Dylan n’est pas au-dessus des fanfaronnades d’un quelconque rappeur, « Je suis le premier parmi les égaux/Sans égal/Le dernier parmi les meilleurs/Vous pouvez enterrer le reste » (I’m first among equals/Second to none/The last of the best/You can bury the rest), tandis que dans « My Version of You », il joue comme s’il était capable de donner vie à quelqu’un de sa propre création, comme le créateur de Frankenstein. C’est là qu’il puise les qualités et les forces qui impressionnent : « Je vais prendre le Scarface Pacino et le Parrain de Brando/Mélanger le tout dans un tank et obtenir un commando de robots » (I’ll take the Scarface Pacino and the Godfather Brando/Mix it up in a tank and get a robot commando), mais plus tard, il s’en prend aux « ennemis les plus connus de l’humanité » (best known enemies of mankind), traquant en enfer « M. Freud avec ses rêves, M. Marx avec sa hache » (Mr. Freud with his dreams, Mr. Marx with his ax). « J’ai décidé de me Donner à Toi » (I’ve Made Up My Mind to Give Myself to You),­ montre le protagoniste résolu à laisser derrière lui la solitude et le désespoir pour se consacrer à une relation, alors qu’il est encore hanté par la persistance pressante du « Black Rider ». Et ainsi va le poète qui lutte contre la mort et l’illusion dans l’espoir d’atteindre la clarté et la connexion, une chanson après l’autre. C’est le but du grand art, de la grande littérature, de chaque poète, et ici, Dylan révèle une fois de plus que peu, voire aucun, n’a sa place sur ce fil d’acier comme lui, car c’est là qu’il continue à nous montrer comment le faire au mieux. Ou peut-être qu’il nous trompe encore une fois, le philosophe pirate de « Key West », mais dans tous les cas, le voyage en vaut la peine. Dans « Mother of Muses », il reconnaît : « j’ai déjà largement survécu à ma vie » (I’ve already outlived my life by far) , mais on ne peut qu’être humble même si on suggérait que c’est une sorte de déclaration finale de ce barde singulier du rock & roll ; et, s’il s’avère que c’est le cas, il est difficile d’imaginer une déclaration plus forte et plus définitive.

****1/2