KT Turnstall: « Nut »

7 octobre 2022

La douceur et la souplesse de la voix de KT Tunstall n’ont jamais échappé à la communauté musicale. Depuis son interprétation innovante de Black Horse And The Cherry Tree sur l’émission Later… with Jools Holland, l’auteure-compositrice écossaise a maintenu une présence impressionnante en enchaînant les albums et les EP tout au long de son illustre carrière. Aujourd’hui, elle fait à nouveau frémir le monde de la musique avec son dernier album, Nut. Cependant, ce disque ne marche pas tout à fait dans les traces laissées par ses précédents travaux…

Il suffit de quelques secondes pour que le rythme rapide et énergique de « Out Of Touch » ne plante le décor de l’album. Au fur et à mesure que la chanson prend de l’ampleur, des nappes de synthétiseur apparaissent dans le mix, établissant l’aspect plus dancien de ce disque. Le morceau d’ouverture charge vraiment l’album d’une énergie débordante.

Cette énergie se poursuit avec « I Am The Pilot », dont les motifs synthétiques et le rythme entraînant sont sûrs de mettre n’importe quelle pièce en ébullition. Il est passionnant d’entendre la capacité de Tunstall à faire tourner l’auditeur en bourrique dans cet album.

Cependant, le disque renvoie également au style iconique de Tunstall qui lui a valu tant de succès. Three est une ballade décontractée qui nous plonge dans l’émotion, permettant au KT original de briller. Pour ajouter une autre dimension, l’album fait également allusion à un son plus lourd et plus rock avec des morceaux comme Canyons, où l’on entend un riff de guitare qui grogne avec distorsion. Tunstall expérimente également les signatures temporelles sur ce morceau, ajoutant encore plus d’intrigue à un disque déjà très diversifié musicalement.

Alors que la fin de l’album se rapproche, le chanteur termine avec une série de chansons plus dédramatisées et plus émotionnelles. « All The Time », ainsi que le morceau caché « Brain In A Ja »r, plongent dans des gouffres d’émotion ; des vagues de nostalgie viennent nous caresser les oreilles lorsque le disque s’achève.

Dans l’ensemble, cet album est un véritable témoignage de la réussite de Tunstall. Non seulement elle a développé de nouvelles idées et apporté un nouveau style à sa musique, mais elle a également conservé des éléments de son travail antérieur, ce qui a ravi les fans de longue date et fait de cet album le sien. Les auditeurs qui la connaissent depuis sa première apparition à la télévision apprécieront certainement le chemin parcouru.

***1/2


Andrew Bird: « Inside Problems »

4 juin 2022

Alors que le titre peut évoquer une paranoïa induite par une pandémie, le dernier album d’Andrew Bird, Inside Problems, offre un sentiment d’ouverture accueillant alors que la pop indé luxuriante et acoustique coule à travers l’offre solide de cet artiste en constante évolution. 

Aux côtés de Bird, Alan Hampton et Mike Viola (basse/guitare/voix), Abe Rounds (batterie) et Madison Cunningham (voix de soutien) s’associent avec brio à Bird sur le morceau d’ouverture et bien d’autres. Viola a également produit l’album, tandis que le violon, les guitares et le chant de Bird se fondent dans un environnement acoustique riche.

Commençant par l’excellent « Underlands », la chanson s’articule autour des talents de siffleur de Bird, de superbes chants de fond et d’une batterie légèrement funky qui s’inscrit dans un schéma soul, courant et constamment engagé. Le groupe est à l’aise depuis la promenade facile « Faithless Ghost », avec l’invité Jimbo Matthus (Squirrel Nut Zippers) pour les méandres, jusqu’à la chanson « Eight », influencée par le rock LA des années 70 et sifflée, qui se prolonge trop longtemps avec une fin superflue.

Une ambiance jazz sulfureuse s’infiltre dans « Lone Didion », dans le style d’un film noir, alors que Bird nous livre un récit cinématographique, tandis que la guitare folk et les sifflements font place à l’Americana sur « Fixed Positions ». Les nappes de cordes de la chanson titre sont exaltantes alors que Bird chante sur le fait d’être nouvellement né, d’évoluer en tant que personnes, parents et société, tandis que « Make a Picture » utilise des chœurs ooh et aah, une caisse claire percutante, un violon léger et dynamique, et une basse bouillonnante pour créer un effort fort sur un album qui en est rempli.  

Il y a un flair gitan dans « Atomized » et des vibrations très perceptibles de l’école d’art du Velvet Underground dans un trio de chansons. « The Night Before Your Birthday », « Stop n’ Shop » et « Never Fall Apart », qui clôt l’album, montrent tous que Bird chante dans un style Lou Reed distinct, jusqu’à ce qu’il atteigne les notes aiguës que Reed n’a jamais pu atteindre.   

Bird ajuste constamment son son et son style, créant un large éventail de chansons sur diverses sorties et bien qu’il soit probablement déjà passé à d’autres pâturages, Inside Problems est une collection chaleureuse de morceaux excentriques et accrocheurs qui capturent un sens de la distance apaisant les auditeurs en ces temps troublés.

***1/2


Paul Kelly: « Paul Kelly’s Christmas Train »

12 décembre 2021

L’album de Noël apossède une réputation très contrastée au Royaume-Uni, mais en Amérique, il fait beaucoup plus partie du cycle culturel annuel, et à travers leur expérience d’enfance, certains albums de Noël ont eu une profonde influence sur certains musiciens modernes surprenants. Le premier album de Noël reconnaissable est probablement celui de Gene Autry, qui a inclus la chanson de 1939 « Rudolph The Red Nose Reindeer » et sa propre composition, « Here Comes Santa Claus », dans son album de Noël pour Columbia, établissant ainsi la norme. Des classiques du genre ont été publiés dans les années 50 et 60 par Elvis, Frank Sinatra, The Beach Boys, Phil Spector, James Brown et, plus tard, par des artistes tels que Willie Nelson, Emmylou Harris, John Prine, Nick Lowe et Bob Dylan.   Si le kitsch est certainement présent en abondance dans certaines chansons de Noël, d’autres montrent les merveilles de traditions séculaires d’écriture de chansons, de formes folkloriques et de chansons dignes du Great American Songbook. L’artiste australien Paul Kelly s’inscrit dans cette tradition avec son Christmas Train. N’oubliez pas que les Australiens ont leur propre vision culturelle de Noël, qui n’est pas simplement dickensienne ou basée sur le chant de « White Christmas ». Paul Kelly a déjà apporté une contribution significative au Noël australien moderne avec son propre classique de Noël éHow To Make Gravyé sur le Noël en prison.  C’est une véritable célébration de Noël dans toutes ses nuances et traditions, il y a un véritable esprit de Noël qui imprègne l’ensemble du disque sans aucun sens évident d’ironie négative ou de satire.

Pour sa célébration de Noël, Paul Kelly a sélectionné 22 titres qui explorent Noël dans le sens musical le plus large. On y trouve des chants de Noël traditionnels, des chansons écrites par lui-même, une reprise de Darlene Love, des chants juifs et islamiques, divers classiques de Noël du XXe siècle, une reprise d’une chanson de Noël du Band et une chanson moderne d’un auteur-compositeur australien. L’accompagnement est assuré par le propre groupe de Kelly et il y a une multitude d’invités, dont divers artistes, auteurs-compositeurs, diffuseurs et acteurs australiens. Au cœur de Noël se trouve une fête religieuse, et Paul Kelly aborde cet aspect dans Christmas Train avec beaucoup de respect et de détails. La version de « Silent Night » de Paul Kelly, avec Alice Keath et Sime Nugent, comprend un couplet en allemand, reconnaissant ainsi ses origines autrichiennes, mais elle a aussi une saveur hawaïenne faisant référence aux îles du Pacifique. La version de « Little Drummer Boy » met en scène la famille de Paul Kelly, ce qui donne une touche très personnelle à la chanson, et il reprend le spiritual « Virgin Mary Had One Son » enregistré par Odetta en 1960 et dans une version avec Emma Donovan. « Tapu Te Lo » avec Marlon Williams et le Dhungala Children’s Choir, est une version Māori de « O Holy Night », « Shalom Aleichem », avec Lior, Alice Keath et Emily Lubitz, n’est peut-être pas une chanson chrétienne, mais elle correspond parfaitement à l’ambiance religieuse d’une partie de l’album, C’est également le cas de « Surah Maryam », qui cite le Coran avec l’invité Waleed Aly, et il y a aussi une version du chant de Noël australien « Three Drover » célébrant le Noël dans l’outback, toujours avec Alice Keath et Sime Nugent.

Avant que quelqu’un ne commence à penser qu’il s’agit d’un disque solennel, Paul Kelly célèbre également les autres aspects plus amusants de Noël.  Les Bellrays seraient fiers de la version de Kelly de leur chanson « Christmas Train » avec Vika Bull, et Darlene Love ne pourrait pas contester cette interprétation de « Christmas (Baby, Please Come Home) « avec Linda Bull. Paul Kelly nous emmène aussi au Brésil avec « In The Hot Sun Of A Christmas Day » de Caetano Veloso. Nous pouvons également entendre un peu de l’amour du vocaliste pour le bluegrass dans sa version de « Swing Around The Sun » de l’Australien Casey Bennetto alors que »Christmas Must Be Tonight » de Robbie Robertson sera transformée en bluegrass dans un morceau enregistré en 2003. « The Oxen » est un poème de Thomas Hardy mis en musique et célèbre le rôle des animaux dans la tradition populaire qui remonte au moins au festival romain des Saturnales. Le thème des animaux est maintenu avec « The Friendly Beasts », enregistré avec Kasey Chambers et Dan Kelly, qui appartient à la tradition folklorique séculaire rappelée par les frères Louvin et célèbre les animaux parlants. Il est inconcevable qu’un album de Noël de Paul Kelly ne contienne pas une version de son propre classique de « How To May Gravy », où, à cet égard, la version présentée ici ne surjoue pas le côté sentimental de cette histoire d’adultère et de vie en prison. Un album de Noël sans le Père Noël n’aurait pas été tout à fait approprié, c’est pourquoi «  Intonent Hodie », un hymne latin du Moyen Âge, est inclus dans une version avec Alice Keath. Christmas Trainarrive enfin à destination avec le classique doo-wop « What Are You Doing New Year’s Eve » en compagnie de Alma et Willie Zygier.

Paul Kelly’s Christmas Train est loin d’être un disque de Noël qui vise à rapporter de l’argent. Il représente le point de vue de Paul Kelly et ses recherches détaillées sur ce qu’est Noël dans le monde moderne, dans toute sa variété de sons et de cultures. D’une certaine manière, c’est un reflet de l’artiste Paul Kelly, qui, tout en étant un Australien influencé par la country et le bluegrass, est aussi l’incarnation d’un véritable artiste mondial. Si vous avez toujours eu une aversion pour les albums de Noël, Christmas Train pourrait être suffisamment bon et différent pour vous faire changer d’avis. D’un autre côté, si vous n’avez jamais écouté les œuvres antérieures de Paul Kelly, cet album donne un excellent aperçu de l’artiste, même s’il est plein d’esprit de Noël. Cependant, nous savons tous combien un bon esprit peut être chaleureux et agréable.

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Mike Doughty: « Stellar Motel »

23 août 2021

Cela fait maintenant plus de deux décennies que l’on écoute Mike Doughty chanter des chansons. D’une certaine manière, cela peut paraître long pour suivre un artiste qui fait ce qu’il fait… mais Doughty semble toujours trouver un moyen de rafraîchir ce qu’il fait, de faire en sorte que quelque chose de vieux semble quelque peu nouveau et vibrant. En fait, c’est probablement le meilleur mot qu’on puisse trouver pour décrire Doughty : Vibrant.

Si vous n’avez jamais entendu parler de Doughty (même si on ne voit pas comment cela pourrait être possible), voici un petit cours de rafraîchissement. Doughty a commencé dans les années 1990 avec son groupe Soul Coughing. Ils ont produit d’étonnants disques acidulés et jazzy, remplis de paroles de poètes aux rythmes accrocheurs et de samples groovy. Puis Doughty s’est lancé en solo, a enregistré un album acoustique et l’a autoédité bien avant qu’Internet ne rende cela plausible. Puis Doughty a enregistré d’autres albums, a signé avec le label de son ami Dave Matthews, a fait d’autres disques, a quitté ledit label, a fait un autre disque, a autoédité un tas de démos via son site Web à ses meilleurs fans, a réenregistré un tas de morceaux de Soul Coughing et en a sorti un disque cool, et tout cela a été fait en maintenant l’une des meilleures présences en tournée de l’histoire du rock and roll moderne. Les « Question Jar Tours », au cours desquels Doughty répond aux questions que les membres du public ou les harceleurs sur Internet lui ont laissées entre les chansons, sont toujours une bonne soirée de plaisir. Il y a beaucoup de détracteurs dans le monde qui prétendent ne pas aimer Doughty pour un certain nombre de raisons, mais je leur ris au nez et je proclame simplement que Doughty, contrairement à tant d’autres, continue à produire de la bonne musique qui est facile à écouter et honnêtement, une tonne de plaisir.

Cela nous amène à Stellar Motel. Sorti à u milieu de ladite tournée « Question Jar », Stellar Motel a un peu beaucoup de choses à faire. Doughty s’essaye à son tour au hip hop, et fait un travail admirable, prenant un genre qui a tendance à manquer de musicalité et tournant dans quelques airs brillants, chargés de grooves accrocheurs et d’un excellent rap. « The Champion » est plus une ballade, luxuriante avec des cordes et des paroles intelligentes jusqu’aux ¾ du chemin quand MC Frontalot intervient et offre un rap doux en invité. « Pretty Wild » est plus ce que l’on pourrait attendre du hip hop, et présente Doughty rappant, rejoint par Clare Bizna$$ et Ash Wednesday. Sur « Let Me Lie », Doughty rappe sur un rythme électronique étrangement cool inspiré d’Atari, qui rappelle plus Kraftwerk que 50Cent, mais lorsque Big Dipper, invité, rappe, les choses deviennent un peu plus urbaines.

Environ la moitié de l’album penche vers ce hip hop expérimental et le reste du disque reste plus dans ce qui serait considéré comme un territoire plus traditionnel de Doughty.

Le premier « single » de l’album est « Light Will Keep Your Heart Beating In The Future » et quelle chanson pour lancer l’album ! Des percussions cradingues et des banjos qui s’entrechoquent portent la quasi-totalité de la chanson, et Doughty crache l’une de ses plus belles poésies depuis quelques albums. « When The Night Is Long » est un hymne, avec des guitares qui carillonnent, des cordes luxuriantes et un rythme endiablé. Cette chanson s’appuie sur le même genre d’esprit que l’un des morceaux les plus populaires de Doughty, « I Hear The Bells », contient également. Cette composition contrastera fortement avec celle qui la suit immédiatement, « Oh My God Yeah Fuck It ». Elle est un exercice de bruit rythmique et de plaisir, avec l’ensemble de jazz ambient de Moon Hooch and Miss Eaves. Il peut être un peu difficile de passer à travers cette chanson, surtout qu’elle suit un morceau de pop si doux, mais une fois que les choses commencent à rouler, le rap de Doughty et les saxophones gémissants de Moon Hooch donnent une vision très agréable, hautement artistique et irrévérencieuse du hip hop. Miss Eaves est géniale, et ses raps sont parfaits.

Après une vingtaine d’années, la plupart des artistes ont tendance à perdre un peu du tranchant de leurs dents, mais pas Doughty. Il continue à explorer la musique d’une manière très artistique et poétique, sans se limiter à un style de musique particulier ou à un instrument. Sa programmation reste intéressante, ses textes restent graphiques et aigus, sa voix est meilleure que jamais car son chant continue de grandir et de mûrir en profondeur. Stellar Motel peut comporter quelques moments difficiles pour les auditeurs occasionnels, mais ceux qui ont suivi Doughty sur le long terme comprennent que c’est son art, et qu’il vaut bien chaque instant.

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Hiss Golden Messenger: « Quietly Blowing It »

27 juin 2021

Il y a une raison pour laquelle Hiss Golden Messenger s’est imposé comme l’un des groupes les plus en vue de ces dernières années. Ce n’est pas seulement dû à leurs prouesses mélodiques, mais aussi à la façon dont ils incorporent le ton et la texture dans leurs chansons et créent ainsi un son si expressif.

Cela n’a jamais été aussi évident que sur leur superbe nouvel album, qu’ils nous ont légué avec Quietly Blowing It, un titre qui dément clairement l’excellence de ce qu’il contient. Il s’agit d’un ensemble de chansons qui parviennent à être à la fois subtiles et affirmées dans la même mesure. Ce n’est pas une tâche facile, bien sûr, mais c’est tout à l’honneur des prouesses du groupe que de réussir non seulement à franchir ce cap délicat, mais aussi à le faire avec efficacité.

Bien sûr, ils ne le font pas seuls. Un nombre impressionnant d’artistes invités contribuent également à l’album, parmi lesquels Griffin et Taylor Goldsmith de Dawes, Anaïs Mitchell, lauréate d’un Tony Award, Zach Williams de The Lone Bellow, le célèbre leader et guitariste Buddy Miller, et le producteur/musicien Josh Kaufman, membre du super groupe folk Bonny Light Horseman. Le fait que Hiss Golden Messenger soit capable d’attirer un groupe de musiciens aussi prestigieux est une preuve supplémentaire du fait qu’il a atteint un statut sacré.

Bien sûr, ce sont les chansons qui témoignent le plus de leur capacité et de leur agilité. « Way Back in the Way Back » en est l’exemple idéal ; il donne à l’album une introduction étonnamment discrète, puis monte progressivement en puissance avec une détermination tranquille qui lui confère une réelle autorité. On peut dire la même chose de « Hardlytown », un morceau qui se laisse porter par une foulée facile et une caresse apaisante tout en laissant une impression de triomphe dans son sillage. De même, l’allure facile de « Glory Strums » semble en contradiction avec son intention, une intention que M.C. Taylor, chef d’orchestre, auteur-compositeur et chanteur de Hiss Golden Messenger, décrit comme ayant été écrite « au printemps vert chaotique de 2020 comme un hymne à la recherche des lieux et des espaces qui nous rendent humains ».

Cela dit, la plupart des morceaux peuvent être appréciés simplement pour le son qu’ils partagent, qu’il s’agisse du flux tentaculaire de l’idyllique « Painting Houses » et de la rêverie douce de la chanson titre, ou du tic-tac uptempo de « Mighty Dollar » et « The Great Mystifier ». Tous contribuent à une conclusion indéniable. Il est douteux que l’on puisse un jour accuser ce groupe de gâcher quoi que ce soit, discrètement ou non. 

***1/2


Ziggy Alberts: « Searching For Freedom »

7 juin 2021

Dans son Australie natale, Ziggy a été certifié or et platine pour de nombreux « singles » et a même créé son propre label, Commonfolk Records. C’est par le biais de ce label que Ziggy a sorti son huitième album, Searching For Freedom un opus qui mériterait quon l’écoute assis dans le jardin, avec le soleil qui tape et le calme dans l’air, tant c’est dans ce cadre le disque prend tout son sens. Il s’agit de douze morceaux de beauté acoustique qui, s’ils étaient plus décontractés, seraient endormis.

« Keeper » lance l’album avec le genre de chanson d’auteur-compositeur-interprète avec feu de camp sur la plage qui a fait la renommée de Jack Johnson. Bien qu’à première vue, il semble qu’il s’agisse simplement d’un homme et de sa guitare, il y a beaucoup plus que cela. La beauté réside en partie dans les subtilités, qu’il s’agisse des chœurs qui s’harmonisent si bien et contribuent à donner de la profondeur au morceau, du xylophone qui tinte délicatement en arrière-plan ou de la contrebasse qui entre discrètement en scène dans la seconde moitié. Et ce, dès le premier morceau. Tout au long de Searching For Freedom, Ziggy Alberts a clairement une idée de la manière de créer une atmosphère et d’ajouter de la profondeur à chaque morceau sans les submerger

Le deuxième morceau, « Together », s’inspire davantage de groupes tels que Hudson Taylor ou Lumineers, avec un rythme presque imperceptible qui fait avancer le morceau. C’est cet objectif optimiste qui soutient le message d’espoir et d’unité de cette composition. Au fur et à mesure que le morceau se construit et que le refrain « I know where we belong, I know where » (je sais où où est notre place, je sais où) s’impose, on se surprend à croire chaque mot et à chanter avec lui. Dans le prolongement de sa chanson d’unité, « Don’t Get Caught Up » est ici presque comme une songerie anti-establishment/news.

Il est facile de penser qu’un auteur-compositeur-interprète acoustique est là pour chanter sur les relations ratées ou sur le fait d’être amoureux, alors c’est rafraîchissant quand un artiste comme Ziggy Alberts arrive avec ses vibrations de plage et essaie de diffuser des messages qui ne sont pas seulement sur sa propre vie mais plutôt sur quelque chose de beaucoup plus grand. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de chansons sur les relations. « Heartbeat » est une chanson sur la perte, mais avec une deuxième partie que l’on peut déjà entendre chanter par la foule. « Getting Low « , avec ses percussions subtiles et sa belle progression d’accords dans le refrain, est un point fort de Searching From Freedom, même si c’est l’une des chansons les plus tristes de l’album. Jusqu’à la fin incroyable où Ziggy fait appel à une trompette, un violon et quelques amis pour l’aider à chanter et faire passer la chanson de la mélancolie à la joie.

C’est le changement de tonalité et l’utilisation de différents instruments tout au long de Searching For Freedom qui rend l’album intéressant et est l’un de ces albums que vous pourriez mettre dans vos écouteurs à la plage et sentir la marée aller et venir. Ziggy Alberts est clairement talentueux et chaque chanson est unique, ce qui est le cas de beaucoup d’auteurs-compositeurs-interprètes.

***1/2


Daniel Knox: « Won’t You Take Me With You »

19 janvier 2021

L’ouverture discordante du dernier album de Daniel Knox – « Je veux être là où je suis censé être ; je veux tuer tous ceux qui sont proches de moi… » (I wanna be right where I’m supposed to be; I wanna kill everyone close to me…) – établit un record de fascination lyrique. Un titre tiré du The Wizard Of Oz, Won’t You Take Me With You, le cinquième album studio de l’auteur-compositeur-interprète américain, en apporte le déroulé.

Le piano rebondissant de « King Of The Ball », complété par des instruments à vent jazzy, évoque des images de la Nouvelle-Orléans la nuit. La ligne de basse ambulante donne l’impression que vous pourriez vous promener dans ces rues en voyant tout ce que fait Knox. Cette atmosphère se prolonge dans « Vinegar Hill », qui est un point fort de l’album et qui établit des comparaisons évidentes avec Leonard Cohen, mais aussi avec le travail en solo de Cameron Avery de Tame Impala.

Knox n’attend que le troisième morceau pour changer le ton de l’album et nous proposer une ballade plus douce avec « Fall Apart », comme lFather John Misty l’a fait dans « Just Dumb Enough to Try » sur « God’s Favourite Customer ».

Son style lyrique sera le plus frappant dans « Girl From Carbondale » où sa façon irrésistible d’utiliser les mots demande de l’attention dès les premiers mots chantés. Knox y rend hommage à sa mère, alors qu’il réfléchit à la vie qu’il n’a vue qu’en images – je me demandais à propos de son quartier, à quoi ressemblait sa chambre, si les choses à l’époque étaient tachées de la même couleur qu’elles le sont dans les photos que j’avais vues.

Le piano, doux et plein de sens, a les crochets émotifs qui rendent le disque si captivant. La seconde moitié du disque est particulièrement réfléchissante, et c’est son jeu de piano qui met vraiment cette ambiance sombre au premier plan.

Son dernier album Chasescene a été bien accueilli par la critique, mais Knox a adopté une approche différente dans la façon dont il a écrit cette série de nouveaux morceaux.

« Presque toutes les chansons ont été écrites quatre semaines avant la session d’enregistrement, ce qui est un processus très nouveau pour moi », dit-il, « Je crois fermement qu’il ne faut pas précipiter les choses et qu’il faut tracer un chemin qui suit une vision. Mais ici, rien n’a été précipité. Je doutais moins de moi-même et j’improvisais des solutions là où j’aurais pu trop y penser compte tenu du temps. J’ai appliqué cela à l’écriture et j’ai refusé le volume sur les doutes qui accompagnent habituellement ce processus ».

Daniel Knox est un conteur d’histoires qui brosse un tableau avec ses descriptions familières et sa voix profonde et rauque ajoute une présence autoritaire sur unWon’t You Take Me With You qui mériterait qu’on le garde précieusement chez soi.

***1/2


Hannah Grace: « Remedy »

29 novembre 2020

Hannah Grace nous accueille de manière éblouissante sur ce « debut album », Remedy un opus composé d’une impressionnante collection de « singles » et de morceaux originaux qui ont déjà été rodés en concert.

Venue du Pays de Galles, Grace est une chanteuse et compositrice qui, non contente d’être charmante, possède un je ne sais quoi de très spécial.

Remedy est, en effet, une joyeuse concoction qui s’illumine de jour en jour d’autant que cela fait plusieurs années que la jeune galloise évolue dans l’industrie musicale. En fait, vu l’état actuel du monde, il parait même indispensable d’avoir quelque chose qui vous apporte de la joie. Ainsi, le disque s’est ouvert sur quelque chose de tout nouveau, « Healing Hands », une belle ballade au piano qui touchait l’âme. Les magnifiques sonorités de Grace sont une bouffée d’air frais, avec des mots avaient été parfaitement écrits sur une mélodie apaisante, le tout donnant z »naissance à un joyau de sérénité. Bien que ce morceau traite de la douleur du cœur, il y a une heureuse résolution alors que Grace réalise sa propre valeur et le fait que quelque chose de beau va lui arriver. Si on devait décrire « Feels Like Home » en un mot, ce serait édifiant. Il s’agit d’une ballade qui réchauffe le cœur dont la prestation vocale frise la perfection. Ses voix enchanteresses sont d’une grande douceur, tandis que la mélodie pure a des relents de gospel. Les paroles décrivent l’appel à un endroit inconnu où l’on se sent chez soi : « Je me sens chez moi, je reviens vers toi/ Une maison que je ne savais même pas que j’avais/ Si familière mais toute neuve/ Je me sens si bien, oh bébé, je l’ai mal » (Feels like home, coming back to you/ A home I never even knew I had/ So familiar but brand new/ Feel so good, oh babe, I’ve got it bad) . Ensuite, vous avez « Different Kind Of Love » qui est une tranche de bonheur à l’état pur. La voix vibrante de Grace est rafraîchissante et ce contenu parfaitement écrit nous fait sourire avec émtion et bénévolence du début à la fin. Bien qu’elle partage un autre type d’amour, la femme mentionnée dans ce titre montre que les opposés s’attirent dans la mesure où la narratrice elle ferait tout pour garder son partenaire près d’elle. SE fera ensuite un double dosage de nouveaux originaux, le premier étant « Break The Pattern », une composition addictive et optimiste. Tout, dans ce morceau, est indiscutablement parfait, la voix vibrante de Grace apportant bouffée d’air frais tandis que les paroles se concentrent sans fausse pudeur sur une relation fracturée. Cependant, au lieu de jeter l’éponge, Hannah se bat pour ce qu’elle veut et obtient finalement la fin heureuse qu’elle recherche. Here We Are Now était une pure épopée qui m’a complètement immergé du début à la fin. J’ai tout adoré sur ce titre, la prestation était délicieuse tandis que le contenu lyrique m’a remonté le moral. En fait, ces paroles aident Grace se mettre en avant et vivre le moment présent : « Je veux juste vivre le moment présent / Sous la surface / Je me suis promis d’être courageuse / Pour la première fois, je n’ai pas besoin d’une personne / Pour me débarrasser de tous mes soucis » (I just wanna live in the moment/ Under the surface/ I promised myself I’d be brave/ For the first time I need no one/ To wash all my troubles away). Écrit aux côtés de Martin Luke Brown, « The Bed You Made est, lui aussi, un morceau phénoménal en matière de magnificence. La voix de Grace se montre d’une grande richesse, les paroles sont incroyablement claires et, dous avons ici un morceau qui respire et conjugue les plus belles vibrations du folk. Normis cela, « The Bed You Made » navigue dans une tristesse inconmensurable puisque Grace y fait le récit de comment elle a trompée par un ex. Elle est, à ce titre, toujours en train d’embrasser cette nouvelle vie de célibataire, car elle a réalisé qu’elle était heureuse toute seule. Avec « You », une autre belle ballade, les parolessont bien écrites, élégantes avec ce souffle qui permet de prendre ces tons vocaux émouvants à même de nous faire frissonner. Nous avons ainsi aussi cette merveilleuse mélodie composée de deux cordes, de cors et d’un piano qui lui donne ce côté jazzy et envoûtant, un titre enchanteur et un refrain qui frappe juste et fort : « Je tiendrai bon, aussi longtemps que tu le voudras/ Suis-moi partout où tu en auras besoin/ Je traverserai tout ce que tu traverses/ Je suis avec toi, je suis avec toi, je suis avec toi » (’ll hold on, as long as you want me to/ Follow wherever you need me to/ I’ll go through whatever you’re going through/ I’m with you, I’m with you, I’m with you). À présent, l »Waster Love » peut , en toute liberté, donner des frissons avec ses deux tonalités/ cordesqui créent créé une ballade atmosphérique, et une prestation vocalequi coupe le souffle tandis que le contenu irrésistible réchauffe le cœur. Même si ce mal de cœur fait un mal de chien, ces mots réconfortants peuvent facilement guérir ce qui a été brisé. « Blue » sera ainsi une tranche de pop mélancolique qui fera des merveilles, avec sa mélodie enjouée et es paroles contagieuses issues d’une voix pétillante. Ces mots parfaitement écrits font imaginer et presque vivre le poids de ce qu’est une relation défaillante et la tentative de repousser l’inévitable parce que tomber dans la dépression n’est pas une option : « Quelque chose me dit que je vais rester debout toute la nuit/ Je ne veux pas perdre un moment avec toi/ Prends-moi dans tes bras, ne me laisse pas partir/ Je ne veux pas sentirle bleu à l’âme» (Something tells me I’ll be up all night/ Don’t wanna waste a moment with you/ Hold me, don’t you let me go/ I just don’t wanna feel Blue). Plus près, il y aura de la pop pure et le résultat fin en sera quelque chose d’extrêmement édifiant/ hypnotique. En plus d’une mélodie majestueuse, vous vous nourrissez alors de paroles qui réchauffent le coeur étoffées qu’elles sont par la voix vibrante de Grace qui surgit comme une énième mais bienvenue bouffée d’air frais.

Cette chanson est alléchante et elle aura pour fonction de faire sourire du début à la fin. « Closer » racontera, elle, essentiellement l’histoire d’un amour avec cette personne spéciale qui fera battre votre cœur à tout rompre. Ce magnifique numéro écrit avec Martin Luke Brown, ces vers dégagera une a chaleur bienvenue alors que le refrain nous laissera des légendaires papillons dans le ventre. « Missing The Show » pourra alors traiter des affaires de coeur et, en fait ce sera une montagne russe émotionnelle qui se focalise à nouveau sur une relation qui ne va nulle part. En gros, la vocaliste aime vraiment cson partenaire, elle fait tous ces efforts mais elle n’obtient rien en retour. « Tout cet amour, tout ça pour rien ? / J’ai ce ticket d’or, mais j’ai l’impression qu’on rate le spectacle / J’en ai marre de pleurer, j’en ai fini avec les essais / Mais je n’ai pas envie de te laisser partir, de te laisser partir / Je n’ai pas envie de te laisser partir, de te laisser partir » (Was all this loving, all for nothing?/ Got that golden ticket, but it feels like we’re missing the show/ I’m sick of crying, I’m done with trying/ But I don’t feel like letting you go, like letting you go/ I don’t feel like letting you go, like letting you go). Sentiments sont si fort qu’elle n’est pas prête à jeter l’éponge et à accepter que c’est fini. « How True Is Your Love » est, à cet égard, magique, sur un registre la fois frais et funky, et cette touche disco qui apporte un plus essential. Tout dans ce morceau est impeccable, la mélodie est oyeuse, les vocaux rquasiment désaltérants alors que le contenu captivant tel qu’il est la voit dans sa quête du véritable amour : « J’y pense tout le temps/ L’amour est-il fort ou calme/ Le saurai-je quand il viendra/ L’entendrai-je/ Ou même reconnaîtrai-je le son » (I think about it all the time/ Is love loud or is it quiet/ Will I know it when comes around/ Will I hear it/ Or even recognise the sound”). Ensuite, l’heure sera venue pour un « Bring Me Home » enchanteur ; parfaitement écrit, ce titre engageant est une tendre ballade témoignant du mal du pays : « Ramène-moi à la maisosn/ Mon ancienne âme est si basse / Non, elle ne peut pas grandir toute seule / Ramène-moi à la maison » (Bring me home/ My old soul feels so low/ No, it can’t grow on its own/ Bring me home). C’était un morceau impeccable délivré à la perfection, avc ces belles sonorités d’une élégance soul et ces mots impeccables qui sauront faire, à la fois, mal au cœur et le cicatriser. « Live Like Love » saura être cet hymne majestueux que Grace saura faire passer avec force, avec sa voix rayonnant d’une incroyable richesse tandis que son contenu nous captivera en nous dépaignant une histoire pourtant toute simple, claire et nette, celle de meilleurs amis décidant de risquer leur amitié et de devenir objets. Les choses se termineront par une reprise de Fatboy Slim, « Praise You » ; une ballade au piano obsédante que Grace maîtrise entièrement grâce à un phrasé croustillant et séduisant capable de nous faire dresser les cheveux sur la nuque.

Si vous voulez être présenté à un talent aussi pur et sans effort avec des chansons qui transportent le monde hors de notre temps, alors Hannah Grace et son Remedy seront définitivement une antidote au mal-être qu’il conviendra de saluer et savourer.

****1/2


Laura Fell: « Safe from Me »

25 novembre 2020

Après une dizaine d’années de poésie indépendante, Laura Fell, psychothérapeute basée à Londres, s’est convertie à l’écriture de chansons pour son premier album, Safe from Me. En plus d’être le premier chapitre musical de Laura Fell, Safe from Me est également le produit phare de Balloon Machine Records, un label récemment converti après une année fructueuse en tant que blog de musique indépendante.

Au travers des huit titres del’albume, Fell explore une gamme de sons différents dans les pièges de l’alt-folk contemporain. Les ballades confessionnelles classiques se retrouvent ainsisur « Until Now » et la chanson titre, mais la collection est plus engageante lorsqu’elle s’oriente vers l’expérimentation.

« Cold », par exemple, est un plaidoyer rampant pour la chaleur, qui s’inspire des meilleurs morceaux de Tom Waits. Les cordes en staccato et les percussions domestiques rencontrent l’ascension et la chute de la voix de Fell pour produire un morceau unique et émotionnel qui est certainement le plus fort du disque. Le premier « single », « Bone of Contention », est un véritable assassinat de personnages qui sonne comme une version filtrée de l’époque duThe Bends de Radiohead, et le style americana  sur « Every Time  continue d’avancer grâce à un rythme subtilement mélangé, soutenu par des guitares électriques intrépides à chaque rémission.

Le tout est accompagné d’une belle production – une guitare acoustique douce et le phrasé lyrique de Fell seront les deux fils conducteurs qui relient la collection, et tous deux sont traités avec la plus grande tendresse et le plus grand respect. Safe from Me se targue d’être interprétée par une troupe de musiciens classiques engagés, mais ne parvient pas à brouiller l’intention des chansons au moyen d’un bugle ou d’un saxophone. Au contraire, ces décisions d’arrangement donnent à l’écriture des chansons de Fell un élan intemporel.

Étant donné la carrière de Fell dans l’introspection externalisée, il est naturel que ce disque passe le plus clair de son temps à regarder vers l’intérieur. Les chansons proposées ici évitent généralement la métaphore étendue au profit de vérités directes et tranchantes, les plus retentissantes étant souvent laissées pour conclure chaque chanson. « Cold » parle de l’expérience trop commune d’être incapable de résoudre ses propres problèmes (« je ne peux pas trouver les réponses par moi-même – il est plus facile d’aider quelqu’un d’autre »), tandis que « Every Time » parle de la stagnation intérieure (« et chaque fois qu’une leçon peut être apprise, j’oublie de l’écrire »). Il y a une aptitude à exprimer des sentiments complexes par un langage concis, et c’est un domaine dans lequel Fell excelle.

Le plus grand atout dela chanteuse est sa voix : un contralto riche et distinctif qui manie aussi bien des duos mièvres de twee pop comme « Left Foot Right Foot » que des chansons mélodramatiques de rumination comme « Glad » et » I Didn’t Mean To ». Lorsqu’elle est placée à côté de fredonnements émis par un chœur (« Glad »), d’accroches discrètes (« Until Now ») et de levées orchestrales de style Mellotron (« Bone of Contention »), elle apporte une nuance rare de personnalité à un genre qui manque trop souvent d’individualité. En fin de compte, Safe from Me est un premier album fort et complexe qui brosse un portrait complet des luttes internes de l’artiste comme l’intitulé de ce « debut album » l’illustre à merveille.

***1/2


Elvis Costello: « Hey Clockface »

3 novembre 2020

Hey Clockface, enregistré et mis en scène à Helsinki, Paris et New York, et mixé par Sebastian Krys à Los Angeles, montre que – tout ce que l’on pense être attendu d’Elvis Costello – est faux. C’est un album romantique, déroutant, intime, sinistre – mais surtout, c’est un opus exaltant.

Chaque morceau prend une gamme d’émotions et de dynamiques différentes, et le résultat est quelque chose qui atteint dans sa sonorité la puissance surréaliste de Jean Cocteau, combinée à la riche composition des pionniers du cinéma pas trop éloignés de ceux de Georges Méliès.

C’est pour cette raison qu’il émet un niveau de profondeur qui vous laisse parfois dans l’incapacité de déterminer ce qui est quoi, et d’autres fois, vous vous sentez attiré, comme dans ce « What Is It That I Need That I Don’t Really Have? »ou ce « Byline » qui vous imprègnentde riches tapisseriesfaites de réflexions intimes qui vous font instantanément sentir transporté dans les villes où elles ont été créées.

A l’inverse, « We’re All Cowards Now » est plus insistant et quelque peu colérique dans son comportement. Il s’agit de faire l’expérience de la rage et du manque de raison ; une émotion qui réside dans la plupart d’entre nous mais que nous abordons tous différemment. « Hey Clockface » exprimera un type de conjecture similaire, en adoptant des tropes plus optimistes et en abordant d’une manière presque ironique l’agacement de la rapidité – ou de la lenteur – du temps quand on le veut le moins.

En parlant de la gamme émotionnelle et dynamique du disque, Costello a déclaré : « Je voulais que le disque soit vivant, que les chansons demandent à être jouées de manière forte et déchiquetée ou intime et belle ». C’est exactement ce que livre Hey Clockface – un disque qui, d’un moment à l’autre, est truffé de ricanements imprévisibles, presque comme le monde dans lequel nous nous trouvons tous aujourd’hui.

***1/2