No BS: Just Rock & Roll!

Lorsque le travail de l’auteur-compositeur-interprète et producteur américain Ernest Greene est entré dans le monde de la musique sous son alias Washed Out, avec son premier EP (officiel) Life Of Leisure en 2009, l’artiste s’est retrouvé au milieu d’un genre émergent populaire, alors que les producteurs de lo-fi beats et de bedroom-pop commençaient à se faire reconnaître davantage par le public pour leur vision distincte de la musique électronique « chill-out ». 

Les rythmes alternatifs de chillwave, souvent inspirés du trip-hop, ont émergé et, suite à son développement au fil des ans, peuvent maintenant être considérés comme un terme générique du genre en soi, Washed Out étant connu comme l’un des artistes pionniers de l’époque.

Au fil des ans, Ernest Greene s’est fait un nom sous le nom de Washed Out sans se concentrer sur des sorties incessantes ; au contraire, le musicien aborde chaque sortie avec une vision claire et un coup de projecteur sur la progression en tant qu’artiste, avec son incorporation d’éléments visuels qui accompagnent les récits des albums tout aussi importants dans la représentation de ses œuvres.

Avec la sortie de son dernier album Purple Noon, sorti via Sub-Pop : Greene explore des thèmes plus personnels et mélancoliques que les précédents. Bien que l’artiste conserve sa personnalité propre inspirée par la chillwave, qui a évolué au fil des ans, l’inspiration citée derrière Purple Noon en dit long sur la nature de l’album.

Le titre est tiré du film français romantique de René Clément de 1960, lui-même basé sur le thriller psychologique The Talented Mister Ripley, un roman de Patricia Highsmith. Le romantisme, le charme, la passion et les thèmes de la perte sont profondément présents dans l’album, mais ils sont décrits de manière délicate et complexe, l’album conservant un côté facile à écouter et des visuels tranquilles, inspirés des côtes de la Méditerranée et de la culture de l’île.

L’un des aspects les plus remarquables de Purple Noon est la prédominance du chant de Greene dans la majorité des morceaux, par opposition aux lointains lavages de voix réverbérantes généralement associés à l’artiste. Par exemple, des morceaux tels que « Time To Walk Away » et « Paralyzed » sont très harmonieux, la technique vocale douce et mélancolique de Greene et ses paroles introspectives étant à l’honneur.

La disposition ensoleillée de « Time To Walk Away », chatoyante avec une atmosphère légère et aérée qui rappelle les jours calmes et détendus à la plage et l’électronique minimaliste et pourtant flottante, juxtapose « Paralyzed » à la fois dans le ton et le thème tout en conservant une douce fluidité. » Paralyzed » rappelle une ballade d’amour passionnée mais pleine de charme, avec un tempo plus lent et plus graduel qui permet un bonheur texturé étincelant dans le royaume contemplatif et rêveur.

« Game Of Chance », « Don’t Go » et « Haunt » sont des titres qui se démarquent sur l’album, car ils montrent un côté différent de la composition de Greene, en particulier dans le cadre de Purple Noon qui est centré sur la sérénité plus tranquille d’une île, s’étendant avec des grains de sable comme des étoiles réfléchissantes et des vagues émotionnelles qui clapotent tranquillement sur le rivage. 

« Game Of Chance » met l’accent sur la voix de velours de Greene et les mélodies compatissantes d’une guitare acoustique. Alors que des houles atmosphériques parsèment le morceau, l’accent est davantage mis sur les rêveries amoureuses de Greene en tant qu’auteur-compositeur-interprète que sur celles d’un producteur de musique électronique – ce qui était assez rafraîchissant dans son sens plus ambiant de vulnérabilité et d’absence de beats lo-fi. Dans « Don’t Go », Greene s’inspire de Phil Collins ; les percussions, graduelles mais puissantes et dévouées, sont une touche intrigante, qui accompagne une électronique scintillante et une tristesse qui fait écho.

Plus près, « Haunt » rappellera un des premiers travaux de Greene dans Washed Out ; bien que l’atmosphère insulaire de Purple Noon soit toujours présente, sa voix n’est pas nécessairement le moteur de l’ensemble du morceau. La relation harmonieuse entre les années 70 et 80, qui a inspiré les timbres traditionnels et les percussions à la Phil Collins, ainsi que le crescendo des textures superposées permettent de faire ressortir un sens audacieux de l’expérimentation, ce qui, dans un album qui semble s’écouler sans effort, est un changement apprécié.

***1/2