Melissa Weikart: « Here, There »

6 juin 2022

Il y a quelque chose de follement libre dans le style musical de Melissa Weikart. La grande majorité de son album Here, There tourne autour de sa voix et du piano, mais personne n’est prêt à déconstruire ses propres chansons comme le fait Weikart.

Presque tous les titres de ce court album ont quelque chose d’étrange ou de mal dosé. C’est comme si Melissa était déterminée à se libérer des carcans d’une mélodie ou d’une signature temporelle standard, et ainsi chaque chanson part en spirale sur son propre axe vers une intrigue chaotique et parfois psychédélique. Les violents accords de piano de cabaret du morceau d’ouverture « Diamond » donnent un aperçu de la direction que prend l’album, avec de courtes pauses pour respirer et s’isoler, qui se terminent délibérément par une note atonale. La chanson titre « Here, There » met en place la paranoïa frénétique qui traverse l’album. Alors que Melissa chante « All I want is to be wrapped in your arms » (Tout ce que je veux, c’est être enveloppé dans tes bras), le riff de piano qui l’accompagne devient de plus en plus désaccordé. Les mots chantent l’amour et le confort, le piano suggère une transition vers des habitudes malsaines.

La paranoïa tourbillonnante et l’incertitude mystique atteignent leur paroxysme avec « High Time ». Alors que Weikart répète « Searching for you makes me tired », la musique passe de tournoiements rapides et paniqués à des moments maladroits au piano qui s’entrechoquent avec une voix dissonante.

« Ocean Song » est probablement le morceau le plus accessible de l’album et aussi notre préféré. Melissa Weikart chante comme une sirène alors que le refrain se fraye un chemin dans une mer de rêves arpégés au piano. Même ici, le pont est un puissant motif de piano qui fait sonner des notes de prudence en balançant volontairement des structures d’accords et de notes inhabituelles.

Non content de mélodies inhabituelles, « Testing » joue fantastiquement avec le tempo et le rythme. La chanson est comme un flot de conscience mentale qui vacille comme un adolescent TDAH ayant une crise existentielle. Le dernier trio de titres voit Melissa Weikart commencer à converger vers un hybride de Mitski et de Fiona Apple en matière d’extraction d’émotions, tout en conservant son propre style. « Shiver » est la ballade apaisante par excellence, bien qu’apaisante soit un peu exagéré ! Il y a plus de flair classique avec « Who Made It » qui semble tout à fait intemporel tandis que Melissa ronronne et purge sur des mélodies délicates. Avec « Happy », plus proche, il y a un plonk mineur ou septième parfaitement placé pour secouer le confort en quelque chose de plus sinistre. « Happy » se transforme en un outro furieux de notes de basse, comme si nous nous libérions d’une fausse prison corporelle.

Here, There se termine après 23 minutes seulement, mais chaque minute est dorée. C’est peut-être un peu trop  » out there  » pour certains – dans ce cas, comment êtes-vous arrivé sur ce site ? Melissa Weikart est à cheval entre une abondance de beauté et de créativité pour réaliser l’un des meilleurs albums de 2022 à ce jour. Si vous êtes à la recherche d’une nouvelle auteure-compositrice-interprète qui possède ses démons et son piano comme personne d’autre, Melissa Weikart est là pour vous.

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Alex Izenberg: »I’m Not Here »

24 mai 2022

Sur ses deux premiers albums, Harlequin (2016) et Caravan Château (2020), le musicien de Los Angeles Alex Izenberg s’est tourné vers l’intérieur, utilisant expressément la musique pour travailler sur les angoisses et la conscience de soi qui ont accompagné un diagnostic de schizophrénie paranoïde quelques années seulement avant ses débuts. Toujours imprégné d’une pop de chambre excentrique évoquant les années 70, son troisième album, I’m Not Here, s’inspire en partie des écrits d’Alan Watts sur les personnalités, notamment de la citation « You’re under no obligation to be the same person you were five minutes ago » (Vous n’êtes pas obligé d’être la même personne qu’il y a cinq minutes). Avec l’image d’un masque sur la pochette, I’m Not Here est également de nature très personnelle. Izenberg y aborde le chagrin d’amour, l’absurdité et le deuil, ce dernier résultant de la mort de son chien chéri, Larks. Larks a été nommé d’après Larks’ Tongues in Aspic, l’album de 1973 de l’une des principales influences de l’auteur-compositeur, King Crimson, dont l’influence s’entend ici aux côtés d’auteurs-compositeurs comme Harry Nilsson et John Lennon, entre autres. Cela dit, la pop idiosyncrasique, rêveuse et essentiellement acoustique d’Izenberg éclipse toute inspiration spécifique, même sur un morceau comme « Broadway », qui incorpore des passages de clavier à la Bach. Ils sont parfois doublés par des cordes, créant ainsi un mouvement pulsé, semblable à une vague, sous des voix fatiguées à double voie.

Cet ensemble de contemplations généralement luxuriantes réunit Izenberg et Greg Hartunian, coproducteur de Caravan Château, et comporte des arrangements de cordes et de bois signés Dave Longstreth, de Dirty Projector. En parlant d’instruments à vent, « Gemini Underwater », plus lumineux et fortement harmonisé, ajoute une flûte et une guitare électrique aux paysages brumeux et étranges de l’album et – dans ce cas, littéralement – aux réflexions fleuries : « Like a wreath of roses wrapped upon the visions of my youth » (Comme une couronne de roses enveloppée sur les visions de ma jeunesse). Ailleurs, il adopte un blues-rock enjoué sur « Egyptian Cadillac » et une ballade théâtrale au piano sur « Juniper & Lamplight », entre autres légers détournements, sans jamais sembler sortir des limites de son propre esprit.

***1/2


Susanna: « Elevation »

31 mars 2022

Après avoir interprété les tableaux du peintre néerlandais Hieronymus Bosch sur son avant-dernier album Garden Of Earthly Delights, Susanna n’a trouvé qu’avec son dernier album – l’œuvre solo, Piano & Baudelaire, une nouvelle source d’inspiration gratifiante – à savoir les poèmes du poète romantique français Charles Baudelaire, traduits en anglais. Et Elevation en est la suite élargie de l’album solo.

D’une part, Susanna a demandé à ses collègues Delphine Dora et Stina Stjern (avec qui elle avait déjà collaboré sur le projet Garden) d’opposer à ses nouvelles compositions une sorte de réalité sonore alternative au moyen de field recordings, d’installations sonores et de samples détournés, tout en reprenant ses activités de pianiste et de chanteuse, et d’autre part, Susanna a choisi cette fois-ci des textes de Baudelaire qui traitent plutôt des aspects maniaques, spirituels et extatiques des relations et scénarios amoureux que des sombres créatures fantomatiques comme dernièrement.

Le fait que certains passages soient interprétés dans un français bancal peut même être dû au sujet choisi. Sur le plan musical, cet album ne se présente plus comme une collection de chansons artistiques, mais se tourne à nouveau vers l’esthétique avant-gardiste que Susanna favorisait à ses débuts en tant qu’artiste solo. De plus, les vignettes chorales liturgiques, les madrigaux ou les bourdons d’orgue apportent la majesté et la révérence musicale nécessaires.

Susanna Wallumrød a participé à au moins 20 publications – soit en tant qu’artiste solo, soit avec son partenaire Morten Qvenild au sein du Magical Orchestre, soit en collaboration avec sa sœur d’esprit Jenny Hval ou la harpiste italienne Ciovanna Pessi, mais aussi avec son fan numéro 1 Bonniee « Prince » Billy ou, tout récemment, avec son cousin, le pianiste classique David Wallumrød. Ce qui est particulièrement intéressant, c’est qu’il n’y a pas de ligne stylistique ou musicale claire dans tout cela, et que chaque projet se tourne vers une approche différente. La curiosité musicale de Susanna semble donc aussi inépuisable qu’intacte – ce que démontre à nouveau de manière impressionnante ce nouvel album qu’est Elevation.

***1/2


The Monochrome Set: « Allhallowtide »

22 mars 2022

Lorsque vous pouvez compter Iggy Pop, Johnny Marr et Jarvis Cocker parmi vos fans, vous savez que vous devez faire quelque chose de bien. Après plus de quarante ans de musique, The Monochrome Set est de retour avec son seizième album studio. 

Dès les premiers refrains de la chanson titre « Allhallowtide« , le ton de la chamber pop pour le reste de l’album a été fixé assez haut, avec la voix baroque du frontman Brid, à cheval entre Scott Walker et Neil Hannon de The Divine Comedy. Des morceaux comme  » »My Deep Shoreline  » ont une touche folk délicate et des harmonies apaisantes, comme de l’americana cosmique de la banlieue londonienne, avec un soupçon de Glenn Campbell pour faire bonne mesure, tandis que « Hello, Save Me » est de la pure pop orchestrale avec des arrangements de cordes luxuriants et un grand refrain par-dessus le marché.

The Monochrome Set n’a cessé de sortir d’excellents disques au fil des ans, qui s’inspirent d’éléments de la pop indie classique à guitare et de la new wave, mélangés à un style vocal facile à écouter et à une touche country. C’est l’un de ces groupes qui semblent toujours mériter une plus grande audience, mais qui semblent également satisfaits de continuer malgré tout et qui savent que leurs chansons signifient beaucoup pour ceux qui leur donnent du temps. Allhallowtide est un autre album brillant de ces titans du genre, et un exemple brillant de la raison pour laquelle The Monochrome Set est toujours, et à juste titre, apprécié aujourd’hui.

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Claud: « Super Monster »

1 mars 2021

Comment faire passer votre musique à un niveau supérieur sans perdre ce qui la rendait spéciale au départ ? C’est le dilemme auquel est confronté tout artiste après son premier coup de pinceau réussi.

Par définition, les musiciens de chamber-pop- une collection d’artistes aux yeux remplis d’étoiles qui font de l’art intime selon leurs propres termes – devraient être l’anathème de ce genre d’ascension. Pourtant, Billie Eilish a fait exploser l’esthétique du style pour en faire une superproduction, faisant passer les artistes les plus visibles du genre des marges de l’Internet vers le grand public. Aujourd’hui, la bedroom pop décrit de plus en plus une esthétique musicale – calme, chaleureuse, intime – plutôt que ses moyens de production et de nombreux artistes (et types d’industrie) cherchent à capter ne serait-ce qu’une fraction de l’attention que Eilish a générée. Mais que se passe-t-il lorsque vous dépensez des milliers de dollars pour faire de la musique qui est censée coûter quelques centimes ?

Claud Mintz est assise dans le vortex de cette dichotomie. Mintz s’est d’abord fait connaître en jouant la moitié de Toast, et a été brièvement engagée par Chris Taylor de Grizzly Bear et Terrible Records, qui a sorti le premier album de Toast enregistré dans une chambre d’université en 2018. Depuis lors, Mintz a maintenu un flux constant de singles et d’EPs sous le nom de Claud, construisant une fanbase attirée par leurs histoires d’amour moderne et de recherche de communauté. Ils ont construit des ponts avec des artistes partageant les mêmes idées, dont Clairo, avec qui ils ont récemment formé un side-project appelé Shelly, et ont attiré l’attention de Phoebe Bridgers, qui sort Super Monster, le premier album de Claud, comme premier disque sur son nouveau label, Saddest Factory Records.

Le buzz autour des débuts de Claud serait fort basé sur son seul pedigree, mais Claud semble regarder au-delà de la chambre à coucher. Super Monster a été enregistré dans nul autre que les studios Electric Lady, où des artistes allant de Led Zeppelin à Lady Gaga, en passant par les Soulquarians et Kanye West ont réalisé des disques défiant toute concurrence. C’est le genre d’endroit que les home studios basés sur DAW, comme ceux avec lesquels Claud et ses pairs pop de chambre se sont fait un nom, étaient censés mettre en faillite. Claud n’est pas la première artiste de chambre à passer à la hi-fi – Clairo a enregistré ses débuts avec Danielle Haim, Rostam et Dave Fridmann – mais choisir un studio aussi sacré est une déclaration d’intention. 

Mais le choix d’un studio aussi sacré est une déclaration d’intention. Il est certain que Super Monster contient tous les signifiants habituels de la pop de chambrechamber-pop son cercle étroit de collaborateurs (dont Clairo, Josh Mehling, ancien membre du groupe Toast, Nick Hakim et Jake Portrait du Unknown Mortal Orchestra) y parviennent sans succomber à ses pièges, à savoir le son fin et délavé qui peut rendre chaque chanson identique.

Super Monster est différent. Sur ses 13 chansons, les rythmes sont nets, les refrains prononcés et les riffs aiguisés. « Soft Spot » s’mmisce fermement aux oreilles et « In or In Betwee » est presque funky, ce qui n’est pas vraiment ce que l’on peut dire de la plupart des pops de chambre. Pendant la coda de « Guard Down », un plaidoyer pour la vulnérabilité émotionnelle, toute l’instrumentation est coupée, ne laissant qu’un enregistrement brut de Mintz et une guitare acoustique, exposant à quel point la production de ces chansons est stratifiée tout en exposant simultanément les solides os à la base de chacune.

Le plus remarquable est peut-être la mutabilité du son de Mintz, qu’ils adaptent à tout, des les « torch songs » (« Rocks at Your Window ») au pop-punk (« That’s Mr. Bitch to You »). Plus proche et plus remarquable, « Falling with the Rain » – avec Clairo, Mehling et Noa Getzug, ce qui en fait essentiellement un morceau de Shelly – est un indie rock mid-tempo très intense. Pourtant, les empreintes indélébiles de Mintz sont partout sur eux.

Il est douteux que même ses créateurs puissent dire quelle part de Super Monster peut être attribuée à l’environnement hi-fi dans lequel il a été créé – la plupart des chansons ont déjà été écrites avant que Claud ne mette les pieds dans le studio. Et si de nombreux artistes comptent sur leur chambre à coucher par nécessité financière, l’album est une feuille de route pour tous ceux qui espèrent continuer à ouvrir la porte de leur chambre à coucher sur le monde extérieur sans perdre le confort feutré de la maison.

***1/2


Hachiku: « I’ll Probably Be Asleep »

7 décembre 2020

Venant d’une artiste dont la musique est normalement accompagnée de vagues descripteurs comme « dream pop » et « bedroom pop », le morceau d’ouverture du premier album studio de Hachiku semble prêt à rompre avec ces associations en présentant quelque chose d’étonnamment différent : une grande vague rugissante de distorsion de guitare traverse l’air, le chant rêveur de Hachiku flottant au-dessus : « Peut-être que je serai prête/ Mais je serai probablement endormie » (Maybe I’ll be up for it/ But I’ll probably be asleep), entonne-t-elle, comme si elle était coincée dans une sorte d’état de transe, avant de se fondre dans une vaste tapisserie d’instruments. L’écriture des chansons de Hachiku est d’une ambiguïté unique, à la fois singulière et sincère ; les sonorités psychédéliques ne sont jamais superficielles, mais servent plutôt de passerelle vers une psyché fracturée. « Laisse ta conscience derrière toi et chéris le commencement » (Leave your conscience behind and then cherish the beginning)( chante-t-elle, puis elle élève la voix, « À propos de quelque chose que je ne veux pas développer davantage/ Laisse-le filer » (Of something that I don’t want to further unfold/ Let it go).

C’est une introduction fascinante à un album qui ne cesse de trouver de nouvelles façons d’enchanter l’auditeur. Projet de l’artiste Anika Ostendorf, basée à Melbourne, les excentricités d’Hachiku sont ce qui transparaît sur I’ll Probably Be Asleep, qui reste captivant même lorsqu’il se glisse à nouveau dans des textures moins complexes et ambitieuses que le morceau de tête – également la seule chanson du disque qui a été réalisée avec l’ensemble du groupe Hachiku, dont la guitariste Georgia Smith, la bassiste Jessie L. Warren et le batteur Simon Reynolds. Un charme d’un autre monde se dégage de morceaux comme « You’ll Probably Think This Song is About You » et « Dreams of Galapagos », dont le fond sonore chatoyant apporte une touche tropicale à des arrangements par ailleurs intimes : ‘Dans mon esprit je t’emmène vers tous les androits où tu souhaites aller » (In my mind I take you to all the places you want), chante-t-elle sur le premier, soulignant les fantasmes d’évasion qui imprègnent l’album. Mais il y a aussi un aspect conversationnel – et souvent conflictuel – dans les paroles de Hachiku, qui ancre le projet dans la réalité, faisant allusion au conflit intérieur entre vouloir un changement constant et essayer de trouver du réconfort dans l’immobilité.

Il est clair que l’expérience personnelle d’Ostendorf a influencé les idées qui se cachent derrière l’album : elle est née dans le Michigan, a grandi en Allemagne, a étudié à Londres, puis s’est installée à Melbourne, en Australie, où elle a signé sur le disque Milk ! de Courtney Barnett. Records de Courtney Barnett. Les chansons ont été écrites entre deux endroits, et bien que leur structure solide implique un sens de l’anticipation, I’ll Probably Be Asleep continue d’osciller entre détermination et doute de soi. « Busy Being Boring » remonte à 2018, alors qu’Ostendorf demandait un visa de partenaire pour rester deux ans de plus en Australie, et bien que l’instrument soit rêveur et serein, il est rapidement éclipsé par la performance de Hachiku qui donne à réfléchir. « Bridging Visa B », dont le son luxuriant met en valeur la croissance artistique d’Hachiku, est l’une des pièces les plus propulsives du disque, mais elle sert également de commentaire sur le caractère intrusif du processus de demande de visa et, par extension, sur la manière dont notre liberté et notre capacité à progresser sont limitées par des structures sociales qui échappent à notre contrôle.

Même lorsque Hachiku aborde des sujets sérieux, il y a une bizarrerie caractéristique dans son approche, qu’elle se manifeste dans certains choix de production hors normes ou dans ses paroles souvent équivoques. « Si vous êtes comme mon amie Tushara, vous pourriez penser que cette chanson parle de sexe oral », a déclaré Ostendorf à propos de « Shark Attack », qui parle en fait de son chien atteint d’un cancer de la gorge. Mais même avec certaines répliques plus étranges de la chanson (« Tu lèches mes doigts/La salive/ Dure-t’elle »(You lick my fingers/ Saliva, does it last ? »), sa dévastation émotionnelle résonne encore lorsque sa voix tremblante crie « Please don’t leave me. » (S’il vous plaît, ne me quittez pas). Plus proche, « Murray’s Lullaby » est marqué par une honnêteté émotionnelle similaire, Hachiku s’efforçant de rassurer son partenaire dans une relation à distance. Ailleurs, elle cherche à inculquer un état d’esprit plus positif sur elle-même : « Accrochez-vous à la vérité que vous connaissez/ Un jour vous verrez que vous l’aurez compris » (Hold on to the truth that you know/ One day you’ll see you’ll have it figured out), chante-t-elle dans « A Portrait of the Artist as a Woman ». Avec une durée de 34 minutes, I’ll Probably Be Asleep est un peu trop court pour explorer pleinement ce parcours personnel, mais c’est néanmoins un début attachant et prometteur pour une artiste déterminée à rester fidèle à elle-même au milieu de l’incertitude.

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Keaton Henson: « Monument »

5 décembre 2020

Keaton Henson écrit de la musique qui vous fait culpabiliser de l’avoir écoutée. C’est presque trop personnel, comme si vous lisiez une page de son journal intime laissée ouverte sur le comptoir. Et vous vous sentez encore plus mal si vous savez à quel point il est timide dans la vie réelle, se tenant à l’écart des médias sociaux, acceptant rarement des interviews et semblant viscéralement anxieux lorsqu’il se produit devant des foules. Pourtant, sa musique est d’une franchise étonnante. Totalement ouvert dans ses explorations de la maladie mentale, du doute de soi et de la perte, Keaton Henson a une capacité d’humilité totale que peu d’auteurs de chansons peuvent atteindre. Et son dernier album, Monument, est peut-être son œuvre la plus déchirante à ce jour.

Douloureux et tendre, Monument s’attaque à la maladie et à la mort de son père, qui durent depuis dix ans. La pièce maîtresse de l’album, « Prayer », sert d’éloge funèbre en deux mouvements. « La première partie est une méditation sur la préparation à la perte », note Keaton, « et la prise de conscience que nous ne pouvons rien dire, même si nous savons que quelqu’un part, pour que cela soit moins douloureux quand il part, il n’y a pas de conversation magique qui rend son absence du monde acceptable, même si elle semble devoir l’être ». S’ouvrant sur un ton mineur, sa voix tremble et se brise sur le piano et, après un refrain chuchoté déchirant (« Parle plus fort, je te perds » (Speak up, I’m losing you), la chanson se transforme en un mouvement orchestral de grande envergure, avec un arrangement complet pour cordes du 12e Ensemble de Londres et des bribes d’images granuleuses des débuts de Keaton. « Prayer » est peut-être la chanson qui se rapproche le plus de la complexité du deuil – l’anticipation, le choc lorsqu’il frappe enfin, la nostalgie douce-amère et la douleur aiguë et indescriptible. La chanson se termine par un clip du père de Keaton qui roucoulait vers lui quand il était bébé ; un « Keaton ! Fais un signe à papa » (Keaton! Wave to daddy!) dont on peut dire que, si vous ne pleurez pas déjà à ce stade, sera l’élément catalyseur pour que vous le fassiez.

Aussi déchirant que soit Monument, il a pourtant de brefs moments de légèreté. Dans le ralenti électronique « Ontario », nous avons ainsi un aperçu du processus de guérison de Keaton, enfermé dans la province canadienne glaciale : « J’aime le froid arrogant / Je suis déséquilibrée mais je sens mon âme » ( love the arrogant cold / I’m off balance but I feel my soul). Et, de la même manière, sur « Like I Can », naîtront des moments d’euphorie. La joie jaillit de chaque coup de trompette alors que Keaton se lance dans un jubilé inhabituel : « Je veux t’aimer tant que je le pourrai ! » (I want to love you while I can!) sur ce qui est ici une célébration de l’amour et de la vie dans toute sa gloire éphémère . Cette composition offre un réconfort au deuil : une perspective nouvelle et une profonde gratitude pour l’amour que nous sommes capables de donner pendant que nous sommes encore ici.

Ce n’est pas, je l’espère, un disque sombre et boueux sur le deuil et la perte, mais un disque sur la façon dont le deuil et la perte colorent le reste de nos vies, ce sont tous les hauts et les bas de nos dernières années vus à travers le prisme de la perte de personnes, un opus dont on ne peut pas dire qu’il n’a pas sa part de noircur mais au bout duquel on trouvera la lumièere et l’espoir.

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Loma: « Don’t Shy Away »

27 octobre 2020

Ce deuxième album de Loma poursuit son incursion dans le son indie rock impressionniste et spectral qu’ils ont d’abord défini sur leur premier album éponyme de 2018 – un son approuvé par le seul et unique Brian Eno. Il s’avère qu’un ami a informé la chanteuse Emily Cross qu’Eno avait été entendu sur la radio de la BBC faire l’éloge de « Black Willow » sur son « debut album », le groupe a donc décidé de l’inviter à participer à un nouveau titre plus proche, « Homing », auquel Eno a répondu.

« Homing », ainsi que les 11morceaux qui le précèdent, sont une excursion à travers diverses itérations de rock indé mystique, qui s’écoule avec un ventre luxuriant de sons intrigants et la belle voix de Cross. Les pierres de touche sonores comprennent la pop fraîche et texturée de Karen O et Danger Mouse et le rock indie ornemental et lunatique de Bat For Lashes et Goldfrapp.

Si « Homing » porte les empreintes méditatives d’Eno, ce sont les morceaux les plus entraînants qui rendent Don’t Shy Away si agréable. Les rythmes glissants et les battements trippants de chansons telles que « Ocotillo », « Half Silences » et « Given a Sign » sont les points forts de l’album qui transforment des paysages sonores rêveurs en chansons space-pop luxueuses et glissantes. D’autres titres comme « I Fix My Gaze », « Thorn » et « Jenny » changent de vitesse et se promènent dans une direction moins captivante avec des arrangements plus durs.

Utilisant une panoplie d’instruments et de styles musicaux, et une approche particulière de l’écriture de chansons, Loma colle ensemble des fragments mélodiques avec une mystérieuse vapeur de sons intrigants. Mais ce qui les distingue et leur donne une certaine originalité, c’est le style vocal cabaretier de Cross. Sa poésie sensuelle ajoute un étrange savoir faire qui rappelle Twin Peaks (la série télévisée, pas le groupe). Le groupe comprend également Dan Duszynski et le chanteur de Shearwater, Jonathan Meiburg.  

Don’t Shy Away est peut-être un peu moins enchanteur que le premier album hypnotique de Loma, mais il s’avère être un disque agréable à la première écoute et mérite d’être joué à plusieurs reprises malgré ses quelques défauts mineurs.

***1/2