No BS: Just Rock & Roll!

Liam Gallagher s’est toujours penché sur l’esthétique Britpop, avec une base Beatles-esque sur laquelle l’ancien chanteur d’Oasis et de Beady Eye a construit un héritage depuis des décennies. Si Gallagher s’appuie sur cette formule éprouvée sur C’Mon You Know, son troisième effort studio, cela ne signifie pas qu’il n’y a pas quelques surprises en cours de route.

Gallagher a récemment déclaré qu’il n’avait pas vu son frère depuis plus d’une décennie, mais cela ne signifie pas qu’il fait cavalier seul sur le nouveau disque. Sur son premier album depuis As You Were en 2017, il a recruté des personnes comme Dave Grohl des Foo Fighters et Ezra Koenig de Vampire Weekend. Dans une interview récente avec NME, Gallagher a qualifié le fait d’être un artiste solo d' »ennuyeux », l’une des raisons pour lesquelles il pourrait puiser dans l’esprit de collaboration sur son dernier travail.

Le premier virage à gauche se produit dès les premières notes de « More Power », qui met en vedette une performance de la chorale de l’école de la cathédrale de St Andrew. L’intro mélodique, chantée sur une guitare légèrement grattée, fait écho à la chanson « You Can’t Always Get What You Want » des Rolling Stones, mais les comparaisons s’arrêtent là. Koenig intervient à la basse sur la chanson.

« Les coupures ne guérissent jamais vraiment, juste assez pour arrêter l’hémorragie » (The cuts they never really heal, just enough to stop the bleed), chante Gallagher. Le morceau est introspectif, il donne de l’élan et du blues. « Diamond In the Dark », lui, est un titre blues rock bien ficelé, où la voix de Gallagher occupe une place prépondérante. La chanson se glisse dans un pont rythmique et lisse avec une guitare légère au ton fuzz. La transition se fait naturellement vers « Don’t Go Halfway », qui ressemble beaucoup plus aux Beatles. Sur le plan sonore, elle se situe quelque part entre le rock garage et un sentiment de mur de son spatial. L’intro amusante de cette chanson donne l’impression d’être jouée à l’envers !

La chanson titre est un gospel rocker, avec des claquements de mains qui donnent le rythme et le Music Confectionary Choir qui ajoute les harmonies sacrées au mélange.

La surprenante « Too Good for Giving Up » est une chanson sérieuse au piano qui a tous les ingrédients d’une power ballade. « Regarde jusqu’où tu es allé/ Plus fort que les dégâts causés/ Sors de l’obscurité sans crainte » (Look how far you’ve come/ Stronger than the damage done/ Step out of the darkness unafraid), chante Gallagher.

« It Was Not Meant to Be », quant à lui, tente d’accomplir un certain nombre de choses à la fois. Sur le plan vocal, la mélodie est en accord avec le son de Gallagher, influencé par les Beatles, mais un rythme de batterie haché dans l’espace et une toile de fond acoustique lumineuse se combinent pour créer un certain clash. En fin de compte, les ingrédients se mélangent pour former un ragoût sonore.

« Everything’s Electric » saute immédiatement aux oreilles, avec un caméo de Dave Grohl à la batterie. C’est urgent et demande votre attention. Le travail de Grohl derrière la batterie, associé à la voix directe de Gallagher, constitue l’un des moments les plus efficaces de l’album. L’album s’assouplit sur « World’s In Need », un rocker orchestral auquel se mêle un stomp acoustique aux sonorités americaines. Le cinématique « Moscow Rules » est ensuite complètement dépouillé avec une mélodie de piano inquiétante et une forte dose de cordes – et même un saxophone.

Liam Gallagher revient ensuite à l’essentiel avec « I’m Free », un rock rétro à quatre temps qui devient ensuite un morceau trippant et spatial. Il fait des allers-retours entre les deux mondes avant que Gallagher ne ramène les choses à la maison, en y ajoutant une attitude punk rock et « Tu es une âme prisonnière de la guerre de l’information » (You’re a soul prisoner taking in the info wars), chante-t-il en s’adressant clairement aux téléspectateurs d’Alex Jones.

« Better Days » change à nouveau les choses. Il commence par des cordes superposées à une mélodie de synthétiseur, qui s’estompe rapidement pour laisser place à une mélodie de batterie et de basse de style Madchester. Le morceau est dynamique et planant, et frôle la crise d’identité. « Oh Sweet Children » conclut l’album à peu près là où l’on s’attend à ce que Gallagher le fasse, une ballade audacieuse au piano qui rappelle Oasis.

C’mon You Know cherche à accomplir beaucoup de choses, et la plupart du temps, il y parvient. L’album s’inspire de plusieurs générations d’histoire musicale. Cela donne souvent lieu à un choc de sons qui fonctionnent ensemble même s’ils n’iraient pas ensemble autrement. Autrement dit : le voyage reste amusant.

***1/2

Avec les bravos venus de Twitter et les opportunités de tournée de nul autre que Liam Gallagher à l’arrière-plan, ce n’est probablement pas le bon moment pour les DMA, acolytes de la pop australienne, d’abandonner l’approche des années 90 qui leur a apporté tant de succès – ou peut-être est-ce le cas ?

En tout cas ça ne semble pas l’être : The Glow, leur troisième album, est un nouvel exercice de nostalgie des années 90, avec des chants plaintifs et doux-amers, des percussions acoustiques ferventes et quelques ravers (la légende britannique Orbital a remixé un des singles avant sa sortie, ce qui est une bonne idée). Et, une fois de plus, tout cela sonne plutôt bien, cette fois-ci avec un supplément de brillance de production grâce à Stuart Price (qui a travaillé avec les Killers) en plus de tout cela.

Les fans devraient savoir à quoi s’attendre et les nouveaux venus auront droit à ce qui est probablement la meilleure itération du groupe : une confection de connaisseurs aux influences d’Oasis, Stone Roses et Lightning Seeds, auxquelles s’ajoutent d’autres influences spécifiques à chaque morceau (Pulp, autour de « Common People », y jette un coup d’œil pendant le refrain entraînant de « Life Is a Game of Changing », par exemple). Cependant, l’analyse sans fin des influences évidentes et moins évidentes ne rend pas justice à l’écriture des chansons du groupe, qui est souvent assez bonne, voire transcendante à certains égards – il est difficile de ne pas se laisser emporter par le refrain endiablé de « Silver », probablement le morceau le plus proche que le groupe ait pu perfectionner à ce jour.

Les non-charitables vont sans aucun doute trouver la formule négative en soi, mais il est difficile de trouver des fautes quand le fait de la suivre donne de si bons résultats. Comme dans certains des meilleurs travaux d’Oasis, le groupe a un don pour les refrains à plusieurs voix et pour se cacher derrière des crochets – quand tout cela est réuni, on se rappelle pourquoi ces groupes étaient si populaires dans les années 90. Pour une formule aussi spécifique, la loi des rendements décroissants se profile à l’horizon, si elle n’est pas déjà arrivée, mais pour l’instant, The Glow est, simplement et à cet égard, une bonne chose.

***1/2

Les vrais gardiens du temple ne sont pas toujours là où nous les attendions. A l’image du bouclé Albert Hammond Jr, qui entretient avec panache la flamme “strokienne” quand son ancien frontman Julian Casablancas a bien du mal à imprimer sa propre marque, le discret Danny Goffey semble ainsi le mieux à même de représenter aujourd’hui les intérêts des défunts Supergrass, dont il était le batteur. Sur son deuxième album solo (le premier sous son nom, après un première tentative sous l’alias Vangoffey en 2015), le garçon nous ramène directement vers les heures de gloire du gang survitaminé d’Oxford. Rejetons tout à fait honorables des increvables « Caught By The Fuzz », « Mansize Rooster » et autre « Pumping On Your Stereo » , les onze titres de Schtick ont été co-produits par Simon Byrt, avec les collaborations de Louis Eliot (leader de Rialto, perdants magnifiques de la vague britpop) et de Marley Mackey des Insecure Men

Schtick, sur lequel l’ami Brett Anderson (Suede) fait également une brève apparition, traite des dérives de nos sociétés modernes (la religion, les addictions ou la télé-réalité) sur un canevas musical qui esquisse le portrait de la grande famille des intrépides de la pop et du rock à la sauce british (des Buzzcocks à Joe Jackson en passant par The Jam ou Ian Dury). Moins cérébral et plus léger sur la forme que les dernières réalisations de Gaz Coombes, son ancien complice au sein de Supergrass, Schtick ne doit toutefois pas être vu comme un album d’“ex” conservateur et anecdotique. Il réaffirme au contraire le talent d’un musicien attachant et depuis trop longtemps cantonné aux seconds rôles.

***1/2