Dynfari: « Myrkurs er Þörf »

14 janvier 2021

L’Islande est un pays d’une beauté époustouflante qui se trouve dans un environnement naturel épouvantable. L’obscurité et le froid, les tempêtes et la mer démontée font partie de la vie quotidienne normale en Islande. Ainsi, beaucoup d’Islandais se tournent vers leur intériorité, dans la maison, dans le cercle familial ou aussi en soi-même. Ce tournant vers les éléments intérieurs de la vie peut entraîner une sorte de repli sur soi et d’introspection où l’on doit faire face à ses propres démons, parfois même seul. Il est évident que ce mode de vie introverti n’est pas toujours pour le mieux, même s’il ne faut pas sous-estimer la dureté des gens qui vivent sur cette roche volcanique au milieu de l’Atlantique Nord, à un bruit de corbeau de l’Arctique. 

La musique islandaise est donc très variée, même si, pour être honnête, la plupart de ce que nous entendons de l’île est plutôt sombre, Múm, Minus, Gavon Portland du côté alternatif, et MisÞyrming, Almyrkvi, Svartidaudi du côté métal, tandis que Sigur Ros, Björk et For a Minor Reflection servent les post-rock-aficionados. Et puis il y a des groupes comme Dynfari qui marchent sur le fil du rasoir en combinant post-rock et black metal, non pas à parts égales mais avec plus qu’un soupçon. C’est ce que montre également leur dernier opus Myrkurs er Þörf.

Musicalement, le disque offre tout ce que l’on peut attendre de la combinaison de genres susmentionnée, il est plein d’espoir à certains endroits et dépressif à d’autres, ces derniers dominant un peu à première vue. Néanmoins, le premier morceau que l’on entend « Dauðans dimmu dagar » est un pur morceau post-rock avec un crescendo un peu noirci, la batterie dégageant une atmosphère de black metal. Lorsque le deuxième morceau « Langar Nætur » démarre avec le pied clairement un pas plus dur sur le gaz, il devient évident que ce groupe ne sera pas à sens unique. Nous avons ici un groupe qui, avec quatre longs métrages précédents à son actif, sait comment capturer l’auditeur et le guider dans le labyrinthe en spirale vers le bas et vers le haut.

Le chant du bassiste Jóhann Örn, qui joue également de l’accordéon et des synthés sur ce disque, est noirci, mais pas seulement par des cris et des hurlements, mais, chose intéressante, un peu plus clair que d’habitude pour le genre – si l’on peut comprendre le langage ! Il devient évident que sa voix est plus claire que dans la plupart des cas quand on écoute les passages en anglais, par exemple dans le dernier morceau « Of Suicide Redemption ». Ici, il montre également que le texte de la promo du disque pourrait être vrai lorsqu’il dit que Dynfari se concentre sur les côtés les plus sombres de la vie – le suicide et la tristesse, la dépression et la mort. La musicalité n’est pas unique, mais elle est remarquable. Il semble que tout sur ce disque soit à sa place parfaite et comme tout sonne parfaitement équilibré, il faut également reconnaître la production et le mastering de « Myrkurs er Þörf ». 

Si vous aimez votre post-rock un peu moins lumineux et avec des ombres et des ténèbres, ce groupe mérite certainement votre attention. Les puristes (des deux genres) feraient mieux de s’en éloigner, tandis que les autres restent assis et profitent d’un disque aux multiples facettes et aux dimensions multiples, rempli de chansons atmosphériques fantastiques qui vous mèneront facilement sur une route vers ce rock sombre du nord, à l’intérieur d’une des maisons, dans les profondeurs de l’âme en claustrophobie.

***1/2


Botanist: « Photosynthesis »

6 janvier 2021

La photosynthèse – sans elle, nous ne serions pas vivants, car elle est l’élément clé de la production d’oxygène, est un processus très compliqué à expliquer, même si, il est juste naturel. Et voilà qu’arrive un groupe de métal d’avant-garde qui l’explique à sa manière, par analogie avec la vie humaine, avec la régénération comme l’un de ses motifs majeurs !

Otrebor, le cerveau derrière et seul membre constant de Botanist, a divisé son nouveau disque en huit « étapes » de la photosynthèse – « Light », « Water », « Chlorophyll », « Dehydration », « Bacteria », « Stroma », « Palisade » a et « Oxygen » permettant, en regardant cette liste, de comprendre le processus biologique à l’oeuvre plus facilement !) Bien sûr, cela semble être une analogie avec d’autres groupes, qui ont un énorme concept de fond derrière leurs disques comme The Ocean. Cependant, il n’y a rien de trop logique dans cet album, il s’écoule bien et, oui, naturellement. 

Dire cela d’un disque avec des mélodies aussi dures, des moments aussi bruts (nous parlons toujours d’un groupe de black metal, en gros) en dit long sur la qualité de la musique. Cela peut aussi être lié au collectif qu’il a réuni pour l’aider à enregistrer. Otrebor lui-même joue principalement du dulcimer martelé, un instrument médiéval qu’il manie comme s’il s’agissait d’une guitare et son compagnon de tous les instants, Daturus, a une fois de plus contribué à la batterie et, nouveauté sur ce disque, Tony Thomas à la basse. Thomas et Daturus ont également fait appel à Chelsea Rocha-Murphy qui est leur compagne dans le groupe de métal extrême progressif Dawn of Ouroboros, basé à Oakland, et qui chante sur « Dehydration ». 

C’est, en outre, une composition très exemplaire : elle commence par une intro acoustique dont la note unique à la fin est un peu plus aiguë que les précédentes, puis la chanson se transforme en un morceau de black metal presque classique où l’on sent seulement par réflexion l’absence de guitare, car les sons dulcimer sont toujours un peu plus aigus, un peu moins déformés. Le passage intéressant de « Dehydration » est sa partie centrale, où le groupe ralentit facilement et se remet à jouer sans effort avec des blastbeats qui font peur. Chelsea elle-même fournit quelques paroles de fond et se joint également à Otrebor dans sa mélodie, de sorte que leurs voix se complètent très bien. 

« Verdant Realm » est le « refuge »d’Otrebor qu’il ne quitte jamais pour le monde extérieur, même sur les photos on peut le voir porter un masque sur le visage qui ressemble à un assemblage de brindilles. L’un de ses principaux intérêts est de rester anonyme et de prendre du recul par rapport à une personnalité humaine pour donner autant d’espace à sa philosophie du « Verdant Realm ». Cela montre également une profonde compréhension de sa philosophie sur la nature elle-même, car il n’y a pas d’arbre ou de plante qui tente d’éclipser l’autre, il n’y a pas de rôle principal – chaque plante contribue à l’écosystème et au processus de donner la vie par le biais de la photosynthèse. 

Face à un un tel registre, il est évident que cette œuvre est l’une des plus belles de 2020. En écoutant la musique, il devient évident que c’est l’une des sorties de black metal les plus intrigantes et les plus polyvalentes de cette année. Pour des raisons peu claires, Botanist est encore un de ces groupes sous-estimés – cela doit changer avec ce magnifique opus !

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Mörk Gryning: « Hinsides Vrede »

2 janvier 2021

La deuxième vague de black metal est communément considérée comme un phénomène norvégien étant donné l’infamie qui entourait certains acteurs clés dans ce lieu au début des années 1990, mais il est juste de dire que du point de vue de la production musicale, leurs voisins suédois avaient un léger avantage. Si l’on se souvient des premiers travaux de Necrophobic et Marduk, qui ont contribué à établir la scène et à injecter un peu plus de death metal dans l’équation par rapport à leurs homologues norvégiens, un certain nombre d’artistes moins prolifiques ont également joué un rôle dans la mise en valeur d’un contrepoint mélodique au son principal, comme en témoignent les œuvres fondatrices de Dissection et Unanimated. Mork Gryning, de Stockholm, était un acteur un peu moins connu mais extrêmement compétent dans cette famille étendue de cohortes noircies. Il a offert un terrain d’entente intéressant aux deux sous-ensembles susmentionnés lors de leur première tournée de 1993 à 2005, qui a culminé avec 5 LPs de studio bien conçus.

Il y a environ 15 ans, jour pour jour, que ce quintette s’est dissous immédiatement après leur 5e album éponyme, apparemment en raison du déclin de l’intérêt du leader Goth Gorgon pour ce style. Cette partie presque oubliée de l’explosion du black metal des années 90 est revenue en force, offrant l’une des entrées les plus puissantes entendues dans le style cette année. Intitulé à juste titre Hinsides Vrede (traduit approximativement par « Colère de l’au-delà »), leur sixième album studio, le résultat musical est un barrage implacable d’une noirceur extrême qui pourrait infliger une seconde cécité à ceux qui sont nés sans yeux. Le caractère du son s’adapte parfaitement à la qualité frénétique et militariste du son séminal de Marduk avec la même production modernisée, des accroches mélodiques et des idiomes qui rendent le style plus accessible à ceux qui ne cherchent pas à revivre le son ultra-brut des années 90. Des intermèdes intercalaires dans des répits sereins et atmosphériques entre des assauts auditifs largement compacts vont même jusqu’à donner à cet album un caractère de livre d’histoire.

Bien que l’idée d’inclure des éléments atmosphériques ambiants et minimalistes dans le modèle de black metal ne soit pas nouvelle, il y a un caractère résolument cinématographique à cette entrée en studio sous le nom de Mork Gryning qui semble refléter celui qui figurait à l’origine sur leur premier album Tusen Ar Har Gatt en 1995, avec la mise en garde supplémentaire que le travail de post-production est naturellement beaucoup plus avancé, ce qui donne une expérience beaucoup plus vivante. Les premiers sons de « The Depths Of Chinnereth » donnent le ton avec un sentiment d’effroi imminent alors que la sonnerie d’un puissant gong et quelques fragments d’un chant font place à un crescendo sonore croissant avant d’exploser en la puissante bête qu’est « Faltherren », une explosion heureuse de folie sans limite avec des relents occasionnels de consonance mélodique derrière la tempête. La dichotomie qui s’ensuit entre l’intermède acoustique serein et l’intensité métallique bouleversante qui s’établit sur leurs deux premières pistes forme une synchronisation parfaite qui finit par informer de ce qui va suivre.

La seule chose qui définit peut-être davantage cet album que ses niveaux d’intensité discordants est la cohérence dont il fait preuve du début à la fin. La combinaison de la brièveté et d’une brillante sélection d’idées efficaces, bien qu’un peu fugaces, contribue à rendre chaque chanson de cet album très mémorable, ce qui est impressionnant compte tenu de la véritable cacophonie de notes qu’est l’écrasante « Existence In A Dream » et de sa tempête mélodique de notes rivalisant avec « The Night ». D’une manière générale, toute la première moitié de cet album est un exercice de matraquage unidimensionnel de l’esprit ou de brèves retraites dans une période opposée de ballade sereine. Ce n’est qu’à l’entrée de « Sleeping In The Embers » que la vitesse ralentit un peu, comme une offrande à mi-chemin, et le résultat sonne un peu comme une offrande plus lente d’Immortal, alors que l’énergie dissonante de « Without Crown » a un peu plus la grandeur d’un empereur. De manière surprenante, le moment le plus mémorable et le plus captivant se produit à la fin avec le « Black Spirit », plus proche du Moyen-Orient, qui apporte les pièges mélodiques comme un fou et clôt les choses sur une note très épique.

Bien que cette formation ait parfois été considérée comme un milieu de groupe de route qui semblait fuir le flair technique de Necrophobic, la brutalité pure de Marduk, et même s’engager pleinement dans les pièges mélodiques de plusieurs autres en faveur d’un équilibre de tous, ce que l’on entend ici est tout sauf un album de black metal classique. La réalité est plus proche du meilleur des trois mondes, bien qu’il faille noter qu’il y a naturellement moins de gymnastique de guitare lead ici par rapport à la plupart des adeptes du death metal. Pour ceux qui ont suivi cette formation depuis ses débuts, la situation est assez similaire à celle de leur première sortie, y compris par sa durée généralement plus courte qui la rattache un peu plus à l’époque où les albums étaient mesurés pour pouvoir être lus sur des supports analogiques. C’est un projet à l’ancienne mode, habillé comme aujourd’hui, et il rivalise avec la sortie stellaire que Necrophobic, un autre habitant de Stockholm, a proposé quelques moments plus tôt.

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PVRIS : «Use Me»

1 septembre 2020

À bien des égards, PVRIS a toujours été un groupe qui couvre différents mondes. L’esprit sombre et sombre de la musique rock étant toujours aussi fort, les couleurs vives et audacieuses ont continué à transparaître. Pour leur troisième album, ce point de saturation est porté à onze. Dans une mesure raisonnable, cela fonctionne.

Use Me est le disque qui voit Lynn Gunn prendre le devant de la scène – le moment où le leader, rapidement devenu une icône, se sent à l’aise pour s’attribuer le mérite de ses efforts. C’est cette force singulière qui l’anime. Des titres comme « Gimme A Minut » » et « Dead Weight » sont de la pure pop moderne ; des rushes pétillants et bombassiers capables de couper à travers le bruit numérique.

Bien que le EP Hallucinations ait pu marquer un changement significatif pour un groupe qui a toujours eu ces tendances dans son casier, Use Me est signe d’un autre pas en avant.

Une mise en évidence d’un désir de se battre, même quand le monde est dur. Les frontières entre les genres ont longtemps semblé appartenir au passé. Un record d’ambitions très élevées, mais avec un esprit farouchement indépendant en son cœur, c’est le point d’épanouissement de PVRIS.

***1/2


Plague Organ : «Orphan»

1 septembre 2020

Autre incursion expérimentale dans le black metal néerlandais, Plague Organ est un projet de Rene Aquarius (Dead Neanderthals, Cryptae, et bien d’autres) et de l’ingénieur du son Marlon W. Une seule composition de quarante minutes, intitulée eOrphane, est leur première offrande horrible à nos oreilles collectives, grâce à Sentient Ruin Laboratories.

Si on connaît bien les autres groupes de Rene, on sait qu’il valut mieux deviner ce que Plague Organ pouvait représenter, mis à part le fait que je m’attendais à une approche expérimentale et repoussant les limites du métal extrême. En cela,on n’a certainement pas tort. Cependant, ce nouveau véhicule a quand même réussi à surprendre et Orphan représenter ainsi une altérité plus décalée.

Plague Organ embrasse toutes ces facettes qui font que les amateurs de black et de death metal désirent leurs fameux sons déformés ; ceux-ci étant des atmosphères oppressantes, des arrangements labyrinthiques, un rythme étouffant et des chants frénétiques, provoquant des acouphènes. Mais plus que tout ce que je pourrais nommer, ce projet avale aussi le désir d’expérimenter avec des psychédélismes abstraits, des improvisations libres et des paysages sonores sombres et ambiants.

Orphan est, par nécessité, un album cérébral et un album pour les aficionados des extrêmes de la musique lourde. Je ne peux pas imaginer ce qu’un non-initié au black ou au death metal ferait de cet album, ni même ceux qui ont un simple livret des ancêtres du genre. Plague Organ peut atteindre une qualité intemporelle avec l’album, mais il ressemble aussi à la quintessence d’un projet musical du 21e siècle.

Les percussions de Rene sont au cœur de cet album profondément curieux et particulier. Tout au long des quarante minutes que dure l’album, le rythme du souffle reste une constante imperméable et implacable. Orphan crée ainsi un effet hypnotique, quelque part entre un high naturel et le début d’un mal de tête. Des percussions supplémentaires et un ensemble de basses, de synthés et de bruits de bourdonnement provoquent une hallucination auditive unique. Ces divergences ne finissent jamais, elles n’atteignent jamais le zénith du pic ou un nadir impie, elles ne créent jamais une brève structure à laquelle se raccrocher pendant la tornade sonore – et c’est là que réside le cœur et la tension d’Orphan.

Ce long-métrage est fractal, toujours ramifié et dans sa forme de semi-finalité et d’état quasi inachevé, ce déséquilibre apporte paradoxalement à l’auditeur l’élément central de l’album. La voix influencée par le death-metal est peut-être un autre talisman, une autre garantie qui donne à l’auditeur – témoin ? – Plague Organ la force d’endurer les ravages de son temps de fonctionnement.

Orphan est un triomphe du métal extrême marginal, de l’improvisation libre et du pouvoir que l’on peut exercer lorsqu’on est libre, sans points de référence et en abandonnant les instruments traditionnels (c’est-à-dire la guitare) du genre que vous continuez à habiter. Totalement gauchiste, avant-gardiste et sans aucune apologie artistique, Plague Organ a livré l’une des sorties les plus inquiétantes et intrigantes, peu orthodoxes et innovantes de 2020. Trop peu conventionnel pour la plupart, mais ceux qui sont prêts à se soumettre et à se plonger dans les eaux les plus sombres de l’arrière-pays sans frontières de l’extrême métal trouvera beaucoup à admirer ici.

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Calligram: « The Eye Is The First Circle »

19 avril 2020

S’étendant sur plusieurs pays, Calligram mélange les cultures et les influences pour créer un paysage sonore sombre et sans compromis. Alors que les précédents albums ont montré un aperçu de leur potentiel, The Eye Is The First Circle le développe.

Des riffs de trémolo et des motifs de double kick conduisent l’ouverture de « Carne » vers une atmosphère dense et impitoyable. Tout en restant dans la sensibilité du black metal, le morceau repose sur des mélodies de guitare éparses et inégales avant de se lancer dans un barrage implacable de hurlements, de riffs de breakneck et de blast beats. Alors que la chanson se rapproche de sa conclusion, il devient évident que Calligram s’attache à créer une atmosphère et une expérience plutôt qu’un riff ou une accroche de guitare.

La cohérence du groupe est consolidée sur « Serpe », dans la lignée de l’utilisation libérale des riffs tremolos et du chant à saveur black metal de son prédécesseur – le morceau fusionne les chœurs hardcore et les D-beats avec un abandon imprudent. Passant à gauche des cris et des blast beats sauvages à une batterie clairsemée et des riffs inspirés par le doom, il évoque une peur anticipée que peu d’artistes ont réussi à capturer.

À cheval sur plusieurs lignes de black metal, de hardcore, de crust punk et de death metal, Calligram a créé sa propre niche, avec des titres comme « Kenosis » qui offrent un mélange de black metal brut et sans compromis, sans pitié, tandis que  « Pensiero Debole » dévoile des couches mélodiques cachées au son impitoyable du groupe. Il est vrai que la mélodie principale est de mauvais augure, mais elle ne se contente pas de mettre en valeur les parties du disque qui sont facilement oubliées, elle crée aussi un pont entre le désespéré « Anedonia » et le déséquilibré « Un Dramma Vuoto V Insanabile ».

Se construisant lentement avec des guitares éparses, « Anedonia » se déplace délibérément, sans perdre une seconde, utilisant sa rampe d’accès pour nous pousser vers les guitares tourbillonnantes et les pièges martiaux. Plongée dans un barrage de hurlements et d’énergie de claquement de manche, la deuxième moitié du morceau refuse de céder. Qu’il s’agisse de la batterie implacable derrière les cordes du pont ou de la coda vocale furieuse, « Anedonia » crée une écoute irrésistible à partir d’une structure lâche.

Pour finir, avec le morceau « Un Dramma Vuoto V Insanabile », les mélodies de guitare flottent autour d’une batterie lourde comme un tom pour créer un paysage sonore sinistre avant de se déployer dans un tempo moyen à travers le paysage sonore de niche du groupe. Poussant l’énergie plus loin au fur et à mesure que le morceau se déroule, le disque délivre un dernier éclat de fureur dans la rupture finale. Impitoyable et méticuleux, Calligram a fait des débuts denses et punitifs avec ce The Eye Is The First Circle.

***1/2


Spectral Lore/Mare Cognitum: « Wanderers: Astrology of the Nine »

14 mars 2020

Une qualité sous-estimée du métal réside dans sa tendance à la collaboration. Cela fonctionne parfois de manière douteuse, comme lorsque des groupes acclamés finissent par soutenir des artistes problématiques, mais ce sont les exceptions plutôt que la règle. L’esprit de collaboration pousse les artistes à sortir de leur zone de confort et à rompre avec leurs habitudes. L’année dernière, la fusion des idées entre Dark Buddha Rising et Oranssi Pazuzu sous le nom de Waste of Space Orchestra a montré jusqu’où les idées des deux groupes pouvaient aller lorsqu’elles étaient poussées dans des endroits inattendus, alors qu’un groupe comme The Body se donne essentiellement pour mission d’inviter de nouvelles voix dans leur musique pour aider à la remodeler et à la restructurer – c’est pourquoi ils sortent rarement un album qui ressemble beaucoup à celui qui le précède. Parfois, il faut l’apport d’une personne extérieure pour aider à trouver la bonne voie créative.

Le groupe grec de black metal Spectral Lore et le groupe californien Mare Cognitum ne sont pas étrangers à cette idée. En 2013, les deux groupes ont entamé leur première collaboration dans l’espace le plus sombre avec Sol, un cycle d’albums inspiré par le soleil qui comprenait trois morceaux massifs, dégageant le genre de chaleur enveloppante que son nom implique. Et si ça a marché une fois, ça pourrait certainement marcher à nouveau, ce qui nous amène à Wanderers : L’astrologie des neuf. De la même manière, informé par le système solaire – les planètes en particulier, ici -, Wanderers adopte une approche encore plus grande et plus ambitieuse, les deux bandes se répartissant les tâches sur huit des neuf planètes, et s’attaquant à « Pluton » en deux parties en tant qu’entité collaborative. C’est un travail riche en concepts, explorant la mythologie qui définit notre système planétaire, mais il est livré dans un ensemble si étonnamment cohérent que l’effort combiné surpasse deux moitiés déjà remarquables.

Ce que Spectral Lore et Mare Cognitum ont en commun, c’est leur capacité à créer de la musique qui soit identifiable comme du black metal, mais qui ne soit pas la proie des tropes de genre qui lui donnent un sentiment d’inutilité ou d’ordinaire. Sur les deux premiers titres seulement, Spectral Lore allume une longue construction en triomphe épique sur le dur de dur « Mercury (The Virtuous) » tandis que Mare Cognitum amplifie l’agressivité et la noirceur sur le tranchant du rasoir « Mars (The Warrior) », un titre à la fois techniquement pointu et implacable dans son intensité. Si ces deux titres étaient relégués à un EP plus concis plutôt qu’à un album d’une heure et demie, ce serait encore l’une des meilleures sorties métal de l’année.

Il est fascinant d’entendre comment les deux groupes interprètent chaque sphère errante. L’album Earth (The Mother) de Spectral Lore a une esthétique plus gracieuse et plus douce en son cœur, son intro atmosphérique montrant la tendance du groupe à la grande beauté autant qu’à l’exploitation d’une puissance viscérale. Le Venus (The Priestess) de Mare Cognitum est plus imposante, plus stoïque, plus gracieuse et pourtant immense, tandis que le « Jupiter (The Giant) » de 15 minutes est dense et impressionnant, convergeant lentement et éthérément en un ensemble émotionnellement puissant et pourtant expansif sur le plan sonore. Pourtant, si les différences entre les deux bandes sont tangibles, elles ont chacune une approche complémentaire qui rend les transitions et la séquence fluides. En bref, on dirait qu’ils appartiennent au même disque.

Individuellement, les deux groupes créent l’un des meilleurs black metal d’aujourd’hui. Lorsque Spectral Lore et Mare Cognitum partagent l’espace sur les mêmes pistes, Wanderers devient un témoignage sublime de ce qu’une approche collaborative peut accomplir. Le premier volet de la suite en deux parties « Pluto » est essentiellement un exercice de dark ambient, un ton sinistre émergeant lentement de l’obscurité lointaine. La deuxième partie est une conclusion imposante dans un voyage hypnotique, à la fois massif et mélodique, avec des éléments électroniques subtils qui soulignent la force de l’arrangement. Cela semble naturel, le travail d’une unité solitaire travaillant ensemble plutôt que deux éléments disparates essayant de trouver un terrain d’entente. C’est ce qui se produit lorsque deux grands groupes de métal se voient accorder l’espace nécessaire pour s’étendre et offrir une vision unique et collaborative.

***1/2


Skyforest: « A New Dawn »

6 mars 2020

Souvent, le public cible du black metal se rapporte aux humeurs et aux émotions les plus sombres que l’on trouve dans cette faculté que l’homme à voiloir explorer.Bien sûr, c’est vague mais es mérites contextuels de la haine, de l’angoisse, de la perte et du désespoir qui accompagnent la mort ou la perte semblent presque incontournables pour la plupart des artistes de black metal. Pourtant, A New Dawn de Skyforest semble s’opposer aux stéréotypes habituels évoqués plus haut. A New Dawn est, en effet, un effort de créer un black metal atmosphérique aux couleurs vives, un black metal qui représente à la fois l’art sur sa couverture et l’esthétique même qui le rend (et d’autres albums comme lui) viable bien au-delà de 2020. Le troisième lopus studio de Skyforest est inondé de positivité et de grâce, passant d’un paysage sonore d’atmosphères magnifiquement composées à un autre de stéréotypes black metal primitifs, mais se voulant absolument grandioses. Cette nouvelle offre de Skyforest présente un visage frais et stimulant dans unensembles où les atmosphères demerent normalement et irrémédiablement obscurcies. Si, vous avez été captivé par les derniers albums de Falls Of Rauros, Saor ou Winterfylleth de la dernière décennie, Skyforest continue dans la même veine sans plagier des artistes qui restent les plus en vue dans le domaine.

Il est difficile de ne pas être emporté par le paysage sonore de « Along The Waves ». Des explosions percussives tumultueuses et des trémolos ravageurs rencontrent un tourbillon de notes majeures dans un crescendo atmosphérique aussi coloré que l’œuvre d’art qui représente le troisième long-métrage de Skyforest. Pourtant, A New Dawn définit une expérience croissante, indépendamment des vues des auditeurs sur les collines musicales due leur Nouveau-Brunswick que les motifs chauds que ce groupe de black metal si particulier laissent. Les tropes cinématographiques de « Along The Waves » peuvent laisser certains auditeurs dissociés de la scène black metal atmosphérique plus actuelle, mais la positivité clairement inclinée du morceau (et d’une grande partie de ce qui suit) est quelque chose que l’on ne voit pas habituellement dans toute une industrie (et clairement moins orthodoxe) de peinture de cadavres et de groupes trouvés égarés dans une imagerie sylvestre dont le décor est la forêt de pins.

En fait, le son de Skyforest 2020 est vaste et teinté de moments progressifs, comme le coup de maître de Borknagar qu’a été, True North en 2019. Des moments comme « The Night Is No More » se construisent dans des passages qui laissent entrevoir une mélancolie nuancée. Des notes de sonnerie dansent devant les compositions plus légères, avant d’être couplées à des chants black metal variés qui vont des scansions, appels et chuchotements folkloriques, jusqu’au penchant typique du genre pour les cris déchirants. Chaque composante vocale ajoute à la profondeur de l’album sans pour autantenfermer l’auditeur d’un cri à un autre. La mélodie que l’on retrouve dans l’ensemble de l’esthétique de A New Dawn est clairement le point central, ce qui profite à la fois au groupe et à l’auditeur.

On pourrait dire que Skyforest s’en tient à l’idée d’un black metal inspiré et allégé, mais c’est exactement là que l’album grandit et prend sa source sans l’esprit de qui l’écoute. A New Dawn est moins un album de cris, d’explosions vocales et de trémolos qu’un album qui attire tous ceux qui sont prêts à jeter un regard neuf sur une scène où les verts et couleurs forestières possèdent d’autres attributs. Bien qu’il ne soit pas complètement original, l’album évolue vers une double harmonie masculine et féminine que l’on retrouve au sein de « The Night Is No More ». C’est rafraîchissant, même si le solo de guitare a le bon goût de traverser le mixage. Le dernier effort de Skyforest s’adresse aux fans de black metal fatigués des stéréotypes habituels et propose quelque chose de nouveau à la place.

Malgré les promesses de l’ensemble du disque, certains moments se fondent les uns dans les autres – criant au besoin de faire basculer l’atmosphère dans la noirceur stéréotypée… ne serait-ce qu’un instant. « Rebirth » est tout aussi enchanteur dans sa composition, mais il est attiré par l’atmosphère qui le précède. Ces contretemps sont toutefois compensés par la capacité de A New Dawn à faire corps en l’auditeur après de multiples écoutes. La somme de toutes les parties de Skyforest pourrait bien placer son troisième effort de studio dans le domaine des atmosphères de black metal éculées qui s’accrochent aux stéréotypes, mais en s’emparant de certains paysages sonores plus positifs (et des gammes majeures qui les accompagnent normalement), A New Dawn est un producteur passionnant par rapport aux actes plus contemporains, et largement innovant face à l’angoisse du black metal en raison de cette caractéristique simple. En grande partie, il y a quelque chose à retirer de cette nouvelle offre, une nouvelle aube qui est, peut-être, en train de naître.

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Arkona: « Age of Capricorn »

11 janvier 2020

L’Arkona dont on parle ici, c’est le Polonais, celui qui donne dans le black metal et non celui, russe, qui pratique le folk metal. En 2016, le groupe sortait un Lunaris assez éblouissant, intense et puissant. Et puis, hop, silence radio. Ce qui pourrait être inquiétant. Age of Capricorn vise, et parvient, à nous rassurer dès ses premières secondes. La production est exemplaire et fait ressortir toutes les qualités du groupe ; un profond respect pour le genre, une maîtrise de ses références et une application extrême. Tout ça se traduit par six titres de durée assez longue au sein desquels la haine, la froideur, la majesté et la mélodie rivalisent. Oui, ça sonne comme du black scandinave de la grande époque, sans grande valeur ajoutée.

Si « Stellar inferno » introduit le disque de façon assez classique, sorte de grosse intro mâtinée de black « emo », dès « Alone Among Wolves », on est dedans. Bien sûr, ça reste très téléphoné, chargé de riffs entendus des dizaines de fois, de plans recyclés, de vocaux dans le plus pur style, mais pour peu qu’on a été client un jour d’une telle entreprise, on est happé par la chose. Les titres oscillent entre haine pure et ambiances plus posées, mid tempo et mélancoliques, le disque est assez court pour les jouer tous, assez long pour qu’on en ressorte avec le sentiment d’un tout construit et complet. Bien joué.

***1/2


Cattle Decapitation: « Death Atlas »

11 décembre 2019

Tous coupables d’exister. De vivre et de respirer simplement. C’est comme ça qu’on se sent quand on écoute du Cattle Decapitation. Death Atlas sort plus de quatre ans après avoir lancé l’apocalyptique et merveilleux The Anthropocene Extinction, ce septième album des Californiens arrache tout sur son passage. Définitivement mélodique, mais vraiment pas plus doux pour autant, il est construit comme un bâtiment complexe aux structures très solides.

Le groupe y régurgite les différents malheurs créés par la race humaine, ainsi que les traces indélébiles et affreuses qu’elle laisse sur la Terre sacrifiée. « Regardez ce que vous avez fait. Quelle est l’excuse ultime de votre surconsommation? Pourquoi maltraitez-vous une autre race? On se dirige vers la sixième extinction de masse. On est des envahisseurs, des parasites! ». C’est le genre de propos que le groupe martèle dans ses paroles depuis 1996, et ce discours est on ne peut plus actuel.

Le concept de Cattle Decapitation est souvent d’inverser les rôles entre animaux et humains, et de mettre ces derniers dans des situations et lieux atroces, comme les tests sur les animaux ou les abattoirs. On ne peut rester indifférent devant les cicatrices géantes que le groupe pointe du doigt violemment, nous incitant à sortir de la torpeur ambiante.

Cattle Decapitation, c’est comme un professeur insistant et accusateur qui te met toutes tes erreurs dans la face. Un être évolué et sans merci qui te fait réaliser les torts que tu as infligés à la planète ou aux autres, en tant qu’élève qui a échoué lamentablement. Ça donne le goût de faire plus que de simplement recycler et composter…

Mais concentrons-nous sur cet opus pour l’instant. Death Atlas, enregistré et produit par Dave Otero au studio Flatline Audio, est enveloppé d’un artwork toutefois moins troublant que les prédécesseurs, créé par leur collaborateur de longue date Wes Benscoter. C’est aussi le premier album du groupe en tant que quintette. Un deuxième guitariste fait son apparition en tant que membre officiel: Belisario Dimuzio, qui a rejoint les rangs du groupe de façon non officielle en l’accompagnant lors des tournées. Un nouveau bassiste figure également sur cet opus, le Québécois Olivier Pinard (aussi membre de Cryptopsy), qui fait partie de la formation depuis l’année passée.

Sur le deuxième titre,  « The Geocide », on remarque déjà toute l’âme qui sort de la voix du chanteur Travis Ryan. Il superpose trois sortes de cris, parfois une voix plus chantée avec vibrato (dans « Absolute Destitute » par exemple), et même une voix plus « proche » et au centre, celle-ci est presque parlée. Il a fait énormément d’expérimentations et ça paraît qu’il a beaucoup travaillé avec sa voix, et ce, dans presque toutes les chansons.

Chose surprenante, Death Atlas possède une certaine direction un peu plus black métal à certains moments. On y trouve des mélodies qui sont revêtues de coloris sombres et maléfiques, où fleurissent des patterns vocaux découpés avec soin, dignes de Dani Filth, comme dans « Be Still Our Bleeding Hearts » ou « Vulturous ». Certains moments se rapprochent même presque du shoegaze, comme la chanson-titre placée à la toute fin, sorte de vague géante qui nettoie tout ce qui a été saccagé.

Les interludes inquiétants « The Great Dying I » et » The Great Dying II « rajoutent une petite pause dans cet album charnu, comme des gardiens de prison s’arrêtant un instant pour soupirer devant nos bêtises enfantines. Bref, Death Atlas nous somme de rester en punition dans le coin, et de réfléchir à nos actes immondes… Messages quelque peu assenés, reçus.

***1/2