Blut Aus Nord: « Disharmonium – Undreamable Abysses »

7 juin 2022

L’obscurité a quelque chose d’irrésistiblement séduisant, n’est-ce pas ? Simultanément effrayante et belle. Quelque chose dans le vide nous attire comme des mouches vers la fausse lumière. C’est un appel si ancien que son langage et son véritable objectif ont depuis longtemps cessé d’être compris par les hommes, devenant une abstraction, un terrifiant écho perdu ; piégé dans une mémoire passée que nous choisissons d’oublier, par peur ou par oubli. Et pourtant, nous continuons à marcher vers lui, comme des souris guidées par le son de la flûte d’un conte populaire. Sans pouvoir. Disharmonium – Undreamable Abysses est la mélodie qui nous pousse vers l’abîme, vers les ténèbres. La berceuse hérétique que nous cachons à nos enfants. Ce quatorzième opus de Blut Aus Nord est donc obsédant et beau, faisant puissamment écho aux horreurs lovecraftiennes dans un style engagé rappelant Hallucinogen, mais désormais avec un ton plus sombre, dévoilant moins de lumière et d’oxygène. Les ingrédients précédents, à savoir les leads harmoniques distinctifs et le flux constant, sont toujours présents mais presque comme des reflets opposés, comme si nous vivions Hallucinogen à travers un miroir noir. Tout est interconnecté. Toutes les chansons s’écoulent implacablement dans la même direction, aspirant l’auditeur dans un vortex sonore multicouche fait de plaintes et de grognements malveillants qui nous submergent à chaque étape. Les rythmes explosifs et les tempos lents et syncopés interagissent d’une seule voix, construisant un récit commun qui présente rarement des contrastes, trop coincé dans son propre noyau gravitationnel.

La composante atmosphérique, comme on peut s’y attendre, est cruciale dans la construction du paysage sonore, soit par des interludes ambiants, soit par des couches de synthétiseurs qui complètent les chansons. Pourtant, à l’instar d’Hallucinogen, Disharmonium – Undreamable Abysses évite l’esthétique industrielle présente dans les œuvres précédentes et adopte une personnalité plus « métal » et mélodique. L’ouverture, « Chants of the Deep Ones », et « That Cannot Be Dreamed » sont les points culminants de ce voyage sonore, combinant la beauté et l’inquiétude dans une palette surréaliste et un trait distinctif. Nous savons parfaitement qui joue de la flûte, mais comme des souris, nous continuons à avancer, hypnotisés, et nous disparaissons dans « The Apotheosis of the Unnamable », le vortex final.

Il ne restera plus qu’un faux calme, un lien avec le tout début, exposant une spirale, un récit sans fin qui ne se termine jamais vraiment. Car le vide est éternel.

Une fois de plus, Blut Aus Nord a donné une voix et un son aux ténèbres. Pas nécessairement de manière avant-gardiste ou expérimentale, mais par des touches surréalistes à sens unique qui poussent l’auditeur dans un abîme sensoriel. Il y a une beauté étrange dans Disharmonium – Undreamable Abysses qui nous pousse à mordre dans la pomme bien que nous soyons conscients de son contenu toxique, impuissants face à son enchantement. C’est l’attraction irrésistible de l’inconnu, source d’inspiration et de malheur. Cet appel ancien que les hommes et les artistes tentent si désespérément de comprendre, sachant d’avance que la réponse finale, quelle qu’elle soit, n’apporte ni espoir ni lumière.

***1/2


Häxenzijrkel: « Urgrund (Amor Fati) »

9 mai 2022

Les 27 premières minutes d’Urgrund, le nouvel album du groupe de black metal allemand Häxenzijrkell, constituent un vortex sonore soutenu. Les riffs mid-to-down-tempo grondent et hurlent, imitant les sons des glaciers qui vêlent ; le tonnerre percussif est précis, et bien que les coups soient épargnés, ils se répercutent avec une force considérable. Les structures mélodiques des chansons sont simples, mais elles sont vraiment mélodiques, conférant aux maelströms de « Die Entschleierung » et « Von Zeit und Form » une puissance magnétique. Ces chansons vous attirent et vous aspirent vers le bas, dans des profondeurs sombres et délibérément tourbillonnantes. Comme l’indique le titre de « Die Entschleierung », on a l’impression que quelque chose est en train d’être révélé, un message cryptique qui se fraye un chemin à travers l’encre de ces profondeurs. L’expérience est lourde, musicalement et par rapport à un sentiment dominant de profondeur pesante. En un mot : Yikes.

Alors, quelques autres mots : Urgrund, Entschleierung, Zeit, tous philosophiquement épais, et l’allemand fait sonner les choses comme Heideggerian. On s’imagine beaucoup de montagnes alpines brumeuses, de fourrés spirituellement impénétrables, de longs discours obscurs sur des concepts comme « dwelling » et « Dasein ». Il suffit d’un ciel nocturne, d’une file de skieurs portant des torches et de Leni Riefenstahl, les joues rouges, pour ouvrir la voie.

Ce sont des noms lourds de sens, indiquant des degrés divers de collaboration avec l’aile culturelle du Troisième Reich – et probablement sensationnels, des fruits mûrs à cueillir dans le contexte du black metal. Ce chroniqueur n’a aucune idée de la position du duo (identifié seulement comme P et MK, dans le style cultissime du black metal) de Häxenzijrkell dans les schismes actuels NSBM/RABM, si tant est qu’il en ait une. De nombreux groupes se sont déclarés Artistes (mon A majuscule, avec une pointe d’ironie), installés dans des espaces élevés, au-dessus de la mêlée mesquine de la politique. Désolé, les amis : si c’est social, et surtout si de l’argent change de mains, c’est politique.  

Qu’en est-il de la musique ? Elle est plutôt bonne, bien qu’un peu moins dynamique sur le plan stylistique. Le troisième et dernier morceau du disque, « Der Pfad der Finsternis » (pour nous : « Le chemin des ténèbres »), accélère le rythme en une marche forcée, qui se transforme bientôt en trot. Celui des deux membres du duo, MK ou P, qui est chargé des fonctions vocales, grogne et crie beaucoup. Les guitares intensifient toute la menace soutenue. Ce qu’il y a de mieux dans Häxenzijrkell, c’est peut-être le son que produit MK, qui est à la fois d’acier et de fonte. Pas « acier fondu » ; il ne coule pas tant qu’il croustille. Les guitares sur Urgrund sonnent comme de l’acier déchiré au milieu d’une activité volcanique volatile. C’est un son irrésistible avec lequel on s’attardera volontiers, et pendant de longues périodes. 

***1/2


Ars Magna Umbrae: « Throne Between Worlds »

31 décembre 2021

Le mystérieux K.M., ou Kthunae Mortifer pour les intimes, a passé ces dernières années à marquer de son empreinte le monde du black metal. Avec Ars Magna Umbrae, K.M. crée une forme d’évasion musicale et mystique dans laquelle l’auditeur et le musicien tombent béatement. Le Polonais nous offre ici des vagues cosmiques depuis ses débuts quatre ans plus tôt avec le spectaculaire Lunar Ascension, un album qui a ébloui les critiques et suscité un culte. Après le deuxième album Apotheosis, sorti l’année dernière, voici le troisième album Throne Between Worlds, une quête ésotérique de six titres dans les mondes profonds, semblables à ceux qui ornent la pochette étonnamment complexe.

La cacophonie absorbante de la dissonance du black metal, avec ses riffs atonaux et sa nature caverneuse, est l’un des nombreux attraits de ce genre musical particulier.  « Into Waters of the Underworld » ouvre cette porte de l’enfer auditif et vous inonde de la discorde harmonieuse du métal ésotérique et de sa netteté angulaire. Un interlude effroyable de voix gémissantes et désincarnées sur une proclamation murmurée donne quelques frissons à une colonne vertébrale macabre. Cette introduction fantasmagorique ne fait qu’effleurer la surface et constitue une ouverture assez sobre et riche en atmosphère, l’album peut maintenant éplucher ses couches et révéler ce qui se cache au fond de ses eaux stygiennes.

Chaque morceau vous emmène à travers un portail de dissonance vers de méchantes demeures d’horreur et des paysages abyssaux. Ces histoires aux multiples textures oscillent entre la dureté grinçante et avant-gardiste et la beauté éthérée, le tout façonné dans le macrocosme lovecraftien personnel de K.M.. Consecrating the Shrine of Undoing  » permet de construire un monde expansif et suit un chemin très axé sur la guitare, avec des plumes mélodieuses contrastées et des riffs tremblants et écrasants, et se termine sur une note pensive, post-noire. » Treader On The Dreamless Path » touche au fantastique, en commençant par un mur synthétique d’ambiance onirique avant de laisser la place à des guitares soudaines et déchiquetées qui répètent un son perçant pour les oreilles, avec des gloussements gutturaux et d’étranges notes de basse qui grondent.

Les morceaux se déroulent à un rythme modéré, sans jamais s’imposer à vous avec une attitude trop directe ou un blast incessant. K.M. raconte son histoire principalement à travers son jeu de cordes et rien ne le démontre mieux que la conclusion de l’album, « Metempsychosis (Transmigration of the Soul) », une conclusion épique de 11 minutes qui déroule son voyage exploratoire à travers des sections nuancées de sons transformés. D’une flambée ardente de blastbeats et de riffs qui se fondent dans un rythme de batterie et des crécelles serpentines à des plumes de basse plutôt irrégulières et non conventionnelles et une ambiance mystérieuse.

Des lueurs de post-black metal soulignent les passages émotifs, tandis que l’instrumentation rude déchire les vides pour atteindre des mondes inconnus. Les blastbeats sont utilisés avec parcimonie, en fait il n’y en a presque pas et ce n’est pas qu’ils soient nécessaires en raison d’autres profondeurs créatives. Il y a même une irrégularité intéressante dans l’utilisation de certains instruments, car K.M. n’a certainement pas peur de faire des choses un peu à contre-courant et de plonger des riffs ou des ambiances dans une bizarrerie d’avant-garde.

K.M. est un bâtisseur de monde qui semble avoir une imagination sans fin et ces six morceaux offrent un monde entier d’histoire dans lequel les pages se tournent vers chaque chapitre simplement en écoutant la musique. La grande musique fait cela et Ars Magna Umbrae fait partie de cette catégorie de groupes de black metal dont la musique semble peindre une image vivante. I, Voidhanger ne peut apparemment pas se tromper, avec plusieurs sorties de premier ordre récemment pour ajouter à leur back-catalogue presque sans faille et le très absorbant Throne Between Worlds peut ajouter son nom à cette insolente liste.

****


Raljarn: « Practicing Death »

6 mars 2021

Raljarn ont certainement une perspective intrigante. Ce projet solo russe nous promet une dose « conceptuelle froide » de metal « Post, Math & Black » avec des paroles inspirées par les mythes, les histoires chamaniques et le mysticisme, entre autres thèmes, sur Practicing Death, leur premier album après plusieurs  « single »s sporadiques. Dan Mikalchenko s’occupe de l’instrumentation et des concepts lyriques du disque et les voix sont fournies par plusieurs invités. C’est un projet audacieux à entreprendre, est-ce qu’il tient ses promesses ?

La réponse est oui et non : Practicing Death s’additionne parfois à la somme de ses nombreuses parties. Au plus fort, c’est une écoute dévastatrice ; sur chaque morceau, nous avons de multiples rebondissements, des riffs en désaccord avec les passages choisis, des blasts, des rythmes syncopés, des synthés clairsemés, des guitares en écho et une production cristalline qui nous emmène sans aucun doute vers le froid impitoyable du Nord. La majeure partie du matériel livré est dépourvue d’émotion et, bien qu’il y ait une grande variété d’influences, il s’agit au fond d’un disque de métal qui n’a rien d’exaltant en grande quantité. Comme la sortie est uniquement numérique, j’aurais aimé verser sur les paroles pour avoir une expérience complète, ce qui est dommage car je pense que cela fait partie intégrante de la présentation de Raljarn.

« North Omen » ouvre le débat et nous amène immédiatement à l’un des principaux défauts de l’album, à savoir la qualité variable de la voix. Avec quatre chanteurs à bord, on aurait pu ainsi qvoir l’impression qu’il y aurait peut-être quatre versions différentes du matériel, mais elles se ressemblent toutes. Artem Sergeev mis à part, il faudra, en efft, constamment vérifier les crédits pour savoir quel chanteur j’écoutais. Il y a des similitudes, mais il y a quelques hésitations et, à certains endroits, l’approche laisse un peu si on considère le matériel. Sergueïev fournit des voix sublimes sur chacun de ses morceaux – aussi capables et efficaces qu’elles soient sur des tons clairs ou durs, il y a beaucoup plus la sensation d’un voyage sur chacun d’entre eux en termes d’élaboration des chansons, culminant avec « Metahuma » qui marque sans conteste le moment le plus marquant de l’album. En fait, si l’un des mots de l’album a éveillé la curiosité, c’est la chanson qu’il faut écouter. Le crescendo de la chanson est brillant, s’ouvrant comme un extrait de l’excellent album Genexus de Fear Factory, accompagné d’un lead simpliste de style Type O-Negative qui donne une accroche supplémentaire. C’est complètement écrasant et vous laisse souhaiter qu’il y ait plus de moments comme celui-ci sur l’album.

Avec le zénith de Practicing Death derrière nous, le reste de l’album s’avère être beaucoup plus un mélange, parfois avec des rendements décroissants. Galeb Shashkov est de retour pour offrir une performance beaucoup plus assurée sur « Posthuman ». Tandis que « Darkhuman » et « DeadHuman », bien qu’un peu efficaces par endroits, commencent à redescendre sur un terrain déjà couvert, surtout ce dernier. L’effet de guitare de Mikalchenko sur le refrain de « DeadHuman » est mal jugé et frise le gadget, nous éloignant de l’environnement arctique que nous occupions auparavant.

Un dernier petit morceau de critique doit être réservé à la batterie : Il n’y a pas de batteur au générique, donc ils semblent programmés, alors que le ton et le placement sont à la hauteur de l’argent et du punch, il semble que les mêmes schémas réapparaissent sur le disque, ce qui donne un sentiment (peut-être injuste) de familiarité. Peut-être que cela fait partie de la vision de Dan, qui veut une sorte de froideur mécanique de la section rythmique, mais cela entraîne un certain décalage de la seconde moitié du disque. 

Dan Mikalchenko est un musicien fantastique et Raljarn est un combo intriguant : Sur le plan sonore et conceptuel, il a une vision incroyablement claire du projet et a ainsi livré un disque qui doit être jugé à l’aune des normes élevées qu’il a lui-même fixées.On ne peut que vous inviter à garder Raljarn sur votre radar ; Practicing Death est une base très solide, mais pour l’instant, ça n’est que cela et on peut qu’espérer que le meilleur de Raljarn est encore à venir. 

***1/2


Alkerdeel: « Slonk »

14 février 2021

Il y a quelques mois, le combo belge Briqueville avait sorti un brillant disque, Quelle un opus qui explorait la vacette doom des choses. Aujourdhui, d’Outre-Quiévrain agalement, Alkerdeel nous présente, avec leur disque Slonk,du doomy black metal de la même engeance.

En écoutant Slonk, on remarque clairement à quel point le groupe plonge tête baissée dans des « symphonies » de type ouragan et à quel point il réfléchit à ses chansons. Cela devient évident lorsque vous regardez la durée des quatre morceaux et chaque composition est exactement aussi longue qu’elle doit l’être, ce qui signifie que nous ne pouvons pas parler de doom metal ou de black metal seuls mais d’un mélange des deux. 

Les chansons sont souvent centrées sur une combinaison intéressante de riffs rapides qui sont à la fois durs et ouverts, mais être un simple groupe de black metal n’est pas suffisant pour le quatuor de Gand, qui évolue de plus en plus vers un son de type nouveau Seattle, ile label Sub Pop et les groupes qui l’entourent et qui ont dominé la scène hard rock à la fin des années 80 et au début des années 90, Gand semble être l’endroit où il faut être pour tout ce qui se situe entre le drone ambiant et le black metal ; et Alkerdeel est une partie importante de cette scène depuis plus de 15 ans maintenant.

Slonk est leur quatrième album après un Lede datant de 2016. Il met en scène un groupe qui essaie de défier son public en ne lui donnant rien de à la mode et de repos ou de paisible, ce disque n’est pas du blackgaze ou de l’atmo-bm, c’est dans votre face dans un sens qu’il ne faut pas écouter si vous ne voulez pas être littéralement pris d’assaut ! Le groupe est capable de changer très subtilement le rythme d’une chanson en prenant lentement un cran ou deux sans que l’auditeur s’en aperçoive – un bon exemple serait le morceau d’ouverture « Vier » qui passe d’un morceau très ambiant à un monstre de malheur et se termine ensuite par une cascade de black metal de riffs de combat et de blastbeats. Le groupe intègre également beaucoup de grincements et de bourdonnements dans ses chansons, ce qui lui donne une sorte de ressemblance avec un groupe comme Gnaw their Tongues, avec lequel il a déjà sorti un album en collaboration. Slonk montre qu’Alkerdeel n’est qu’une unité soudée après 15 ans de collaboration et il ne faut pas s’en étonner mais la précision dont on peut être témoin sur ce disque est vraiment impressionnante.

Cependant, lorsque l’on parle des disques d’Alkerdeel, il ne faut pas oublier de parler des paroles et du concept qui se cache derrière le disque. Les paroles ne sont pas compréhensibles – et ce n’est pas à cause des cris de Pede mais à cause de quelque chose de très particulier : ils utilisent un dialecte de leur Belgique natale et, comme si cela ne suffisait pas, ils utilisent l’ancienne forme de ce dialecte, le genre de mots utilisés par les anciens – comment quelqu’un en dehors de ce groupe de personnes devrait-il avoir une chance. Et pour couronner le tout, Pede aime aussi utiliser des mots très ambigus pour rendre le tout encore plus inaccessible. Mais cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas une sorte d’idée derrière Slonk. Le disque parle des quatre éléments « Vier, Eirde, Zop, Trok » (Feu, Terre, Eau et Vent) et tout est entremêlé avec une sorte de mysticisme qui a trait à une langue développée au 16ème siècle par l’écrivain anglais John Dee qui s’appelle Enochian Key. John Dee utilisait cette langue dans ses journaux et disait que l’angélique était la langue que Dieu parlait avec ses anges et qu’Adam l’utilisait pour nommer tout ce qui se trouvait sur terre. Le journal montre certains éléments d’Enochian Key tels qu’interprétés par l’artiste qui a créé des illustrations pour représenter chacun des éléments en conséquence. En regardant ces illustrations, on sait tout de suite qu’elles représentent la parole ou les mots, mais quelle langue, quels mots, quel code – cela reste caché. Et comme l’a dit le chanteur Pede dans une interview, c’est ce qui caractérise Alkerdeel : cacher des choses dans leurs chansons. Eh bien, on peut cacher beaucoup de choses sous ces cacophonies brillamment arrangées. 

Alkerdeel montre une fois de plus que le black metal belge ou néerlandais est parmi les plus intrigants et que ce quatuor est l’un des plus intrigants du lot, parce qu’il demande beaucoup d’attention tout en vous donnant quelques petits trucs à mâcher qui s’avèrent ensuite si savoureux et amicaux que vous ne pouvez que les ronger jusqu’à ce que vous puissiez en tirer une conclusion sur ce que vous êtes en train de digérer pour vous-même. Si c’est ce que le groupe avait l’intention de faire ? On ne le saura probablement jamais, mais cela ne fait-il pas partie du jeu ? ! Si, ça en fait partie ! Ou pas ? Ne demandez pas à Alkerdeel. 

***1/2


Dynfari: « Myrkurs er Þörf »

14 janvier 2021

L’Islande est un pays d’une beauté époustouflante qui se trouve dans un environnement naturel épouvantable. L’obscurité et le froid, les tempêtes et la mer démontée font partie de la vie quotidienne normale en Islande. Ainsi, beaucoup d’Islandais se tournent vers leur intériorité, dans la maison, dans le cercle familial ou aussi en soi-même. Ce tournant vers les éléments intérieurs de la vie peut entraîner une sorte de repli sur soi et d’introspection où l’on doit faire face à ses propres démons, parfois même seul. Il est évident que ce mode de vie introverti n’est pas toujours pour le mieux, même s’il ne faut pas sous-estimer la dureté des gens qui vivent sur cette roche volcanique au milieu de l’Atlantique Nord, à un bruit de corbeau de l’Arctique. 

La musique islandaise est donc très variée, même si, pour être honnête, la plupart de ce que nous entendons de l’île est plutôt sombre, Múm, Minus, Gavon Portland du côté alternatif, et MisÞyrming, Almyrkvi, Svartidaudi du côté métal, tandis que Sigur Ros, Björk et For a Minor Reflection servent les post-rock-aficionados. Et puis il y a des groupes comme Dynfari qui marchent sur le fil du rasoir en combinant post-rock et black metal, non pas à parts égales mais avec plus qu’un soupçon. C’est ce que montre également leur dernier opus Myrkurs er Þörf.

Musicalement, le disque offre tout ce que l’on peut attendre de la combinaison de genres susmentionnée, il est plein d’espoir à certains endroits et dépressif à d’autres, ces derniers dominant un peu à première vue. Néanmoins, le premier morceau que l’on entend « Dauðans dimmu dagar » est un pur morceau post-rock avec un crescendo un peu noirci, la batterie dégageant une atmosphère de black metal. Lorsque le deuxième morceau « Langar Nætur » démarre avec le pied clairement un pas plus dur sur le gaz, il devient évident que ce groupe ne sera pas à sens unique. Nous avons ici un groupe qui, avec quatre longs métrages précédents à son actif, sait comment capturer l’auditeur et le guider dans le labyrinthe en spirale vers le bas et vers le haut.

Le chant du bassiste Jóhann Örn, qui joue également de l’accordéon et des synthés sur ce disque, est noirci, mais pas seulement par des cris et des hurlements, mais, chose intéressante, un peu plus clair que d’habitude pour le genre – si l’on peut comprendre le langage ! Il devient évident que sa voix est plus claire que dans la plupart des cas quand on écoute les passages en anglais, par exemple dans le dernier morceau « Of Suicide Redemption ». Ici, il montre également que le texte de la promo du disque pourrait être vrai lorsqu’il dit que Dynfari se concentre sur les côtés les plus sombres de la vie – le suicide et la tristesse, la dépression et la mort. La musicalité n’est pas unique, mais elle est remarquable. Il semble que tout sur ce disque soit à sa place parfaite et comme tout sonne parfaitement équilibré, il faut également reconnaître la production et le mastering de « Myrkurs er Þörf ». 

Si vous aimez votre post-rock un peu moins lumineux et avec des ombres et des ténèbres, ce groupe mérite certainement votre attention. Les puristes (des deux genres) feraient mieux de s’en éloigner, tandis que les autres restent assis et profitent d’un disque aux multiples facettes et aux dimensions multiples, rempli de chansons atmosphériques fantastiques qui vous mèneront facilement sur une route vers ce rock sombre du nord, à l’intérieur d’une des maisons, dans les profondeurs de l’âme en claustrophobie.

***1/2


Botanist: « Photosynthesis »

6 janvier 2021

La photosynthèse – sans elle, nous ne serions pas vivants, car elle est l’élément clé de la production d’oxygène, est un processus très compliqué à expliquer, même si, il est juste naturel. Et voilà qu’arrive un groupe de métal d’avant-garde qui l’explique à sa manière, par analogie avec la vie humaine, avec la régénération comme l’un de ses motifs majeurs !

Otrebor, le cerveau derrière et seul membre constant de Botanist, a divisé son nouveau disque en huit « étapes » de la photosynthèse – « Light », « Water », « Chlorophyll », « Dehydration », « Bacteria », « Stroma », « Palisade » a et « Oxygen » permettant, en regardant cette liste, de comprendre le processus biologique à l’oeuvre plus facilement !) Bien sûr, cela semble être une analogie avec d’autres groupes, qui ont un énorme concept de fond derrière leurs disques comme The Ocean. Cependant, il n’y a rien de trop logique dans cet album, il s’écoule bien et, oui, naturellement. 

Dire cela d’un disque avec des mélodies aussi dures, des moments aussi bruts (nous parlons toujours d’un groupe de black metal, en gros) en dit long sur la qualité de la musique. Cela peut aussi être lié au collectif qu’il a réuni pour l’aider à enregistrer. Otrebor lui-même joue principalement du dulcimer martelé, un instrument médiéval qu’il manie comme s’il s’agissait d’une guitare et son compagnon de tous les instants, Daturus, a une fois de plus contribué à la batterie et, nouveauté sur ce disque, Tony Thomas à la basse. Thomas et Daturus ont également fait appel à Chelsea Rocha-Murphy qui est leur compagne dans le groupe de métal extrême progressif Dawn of Ouroboros, basé à Oakland, et qui chante sur « Dehydration ». 

C’est, en outre, une composition très exemplaire : elle commence par une intro acoustique dont la note unique à la fin est un peu plus aiguë que les précédentes, puis la chanson se transforme en un morceau de black metal presque classique où l’on sent seulement par réflexion l’absence de guitare, car les sons dulcimer sont toujours un peu plus aigus, un peu moins déformés. Le passage intéressant de « Dehydration » est sa partie centrale, où le groupe ralentit facilement et se remet à jouer sans effort avec des blastbeats qui font peur. Chelsea elle-même fournit quelques paroles de fond et se joint également à Otrebor dans sa mélodie, de sorte que leurs voix se complètent très bien. 

« Verdant Realm » est le « refuge »d’Otrebor qu’il ne quitte jamais pour le monde extérieur, même sur les photos on peut le voir porter un masque sur le visage qui ressemble à un assemblage de brindilles. L’un de ses principaux intérêts est de rester anonyme et de prendre du recul par rapport à une personnalité humaine pour donner autant d’espace à sa philosophie du « Verdant Realm ». Cela montre également une profonde compréhension de sa philosophie sur la nature elle-même, car il n’y a pas d’arbre ou de plante qui tente d’éclipser l’autre, il n’y a pas de rôle principal – chaque plante contribue à l’écosystème et au processus de donner la vie par le biais de la photosynthèse. 

Face à un un tel registre, il est évident que cette œuvre est l’une des plus belles de 2020. En écoutant la musique, il devient évident que c’est l’une des sorties de black metal les plus intrigantes et les plus polyvalentes de cette année. Pour des raisons peu claires, Botanist est encore un de ces groupes sous-estimés – cela doit changer avec ce magnifique opus !

****


Mörk Gryning: « Hinsides Vrede »

2 janvier 2021

La deuxième vague de black metal est communément considérée comme un phénomène norvégien étant donné l’infamie qui entourait certains acteurs clés dans ce lieu au début des années 1990, mais il est juste de dire que du point de vue de la production musicale, leurs voisins suédois avaient un léger avantage. Si l’on se souvient des premiers travaux de Necrophobic et Marduk, qui ont contribué à établir la scène et à injecter un peu plus de death metal dans l’équation par rapport à leurs homologues norvégiens, un certain nombre d’artistes moins prolifiques ont également joué un rôle dans la mise en valeur d’un contrepoint mélodique au son principal, comme en témoignent les œuvres fondatrices de Dissection et Unanimated. Mork Gryning, de Stockholm, était un acteur un peu moins connu mais extrêmement compétent dans cette famille étendue de cohortes noircies. Il a offert un terrain d’entente intéressant aux deux sous-ensembles susmentionnés lors de leur première tournée de 1993 à 2005, qui a culminé avec 5 LPs de studio bien conçus.

Il y a environ 15 ans, jour pour jour, que ce quintette s’est dissous immédiatement après leur 5e album éponyme, apparemment en raison du déclin de l’intérêt du leader Goth Gorgon pour ce style. Cette partie presque oubliée de l’explosion du black metal des années 90 est revenue en force, offrant l’une des entrées les plus puissantes entendues dans le style cette année. Intitulé à juste titre Hinsides Vrede (traduit approximativement par « Colère de l’au-delà »), leur sixième album studio, le résultat musical est un barrage implacable d’une noirceur extrême qui pourrait infliger une seconde cécité à ceux qui sont nés sans yeux. Le caractère du son s’adapte parfaitement à la qualité frénétique et militariste du son séminal de Marduk avec la même production modernisée, des accroches mélodiques et des idiomes qui rendent le style plus accessible à ceux qui ne cherchent pas à revivre le son ultra-brut des années 90. Des intermèdes intercalaires dans des répits sereins et atmosphériques entre des assauts auditifs largement compacts vont même jusqu’à donner à cet album un caractère de livre d’histoire.

Bien que l’idée d’inclure des éléments atmosphériques ambiants et minimalistes dans le modèle de black metal ne soit pas nouvelle, il y a un caractère résolument cinématographique à cette entrée en studio sous le nom de Mork Gryning qui semble refléter celui qui figurait à l’origine sur leur premier album Tusen Ar Har Gatt en 1995, avec la mise en garde supplémentaire que le travail de post-production est naturellement beaucoup plus avancé, ce qui donne une expérience beaucoup plus vivante. Les premiers sons de « The Depths Of Chinnereth » donnent le ton avec un sentiment d’effroi imminent alors que la sonnerie d’un puissant gong et quelques fragments d’un chant font place à un crescendo sonore croissant avant d’exploser en la puissante bête qu’est « Faltherren », une explosion heureuse de folie sans limite avec des relents occasionnels de consonance mélodique derrière la tempête. La dichotomie qui s’ensuit entre l’intermède acoustique serein et l’intensité métallique bouleversante qui s’établit sur leurs deux premières pistes forme une synchronisation parfaite qui finit par informer de ce qui va suivre.

La seule chose qui définit peut-être davantage cet album que ses niveaux d’intensité discordants est la cohérence dont il fait preuve du début à la fin. La combinaison de la brièveté et d’une brillante sélection d’idées efficaces, bien qu’un peu fugaces, contribue à rendre chaque chanson de cet album très mémorable, ce qui est impressionnant compte tenu de la véritable cacophonie de notes qu’est l’écrasante « Existence In A Dream » et de sa tempête mélodique de notes rivalisant avec « The Night ». D’une manière générale, toute la première moitié de cet album est un exercice de matraquage unidimensionnel de l’esprit ou de brèves retraites dans une période opposée de ballade sereine. Ce n’est qu’à l’entrée de « Sleeping In The Embers » que la vitesse ralentit un peu, comme une offrande à mi-chemin, et le résultat sonne un peu comme une offrande plus lente d’Immortal, alors que l’énergie dissonante de « Without Crown » a un peu plus la grandeur d’un empereur. De manière surprenante, le moment le plus mémorable et le plus captivant se produit à la fin avec le « Black Spirit », plus proche du Moyen-Orient, qui apporte les pièges mélodiques comme un fou et clôt les choses sur une note très épique.

Bien que cette formation ait parfois été considérée comme un milieu de groupe de route qui semblait fuir le flair technique de Necrophobic, la brutalité pure de Marduk, et même s’engager pleinement dans les pièges mélodiques de plusieurs autres en faveur d’un équilibre de tous, ce que l’on entend ici est tout sauf un album de black metal classique. La réalité est plus proche du meilleur des trois mondes, bien qu’il faille noter qu’il y a naturellement moins de gymnastique de guitare lead ici par rapport à la plupart des adeptes du death metal. Pour ceux qui ont suivi cette formation depuis ses débuts, la situation est assez similaire à celle de leur première sortie, y compris par sa durée généralement plus courte qui la rattache un peu plus à l’époque où les albums étaient mesurés pour pouvoir être lus sur des supports analogiques. C’est un projet à l’ancienne mode, habillé comme aujourd’hui, et il rivalise avec la sortie stellaire que Necrophobic, un autre habitant de Stockholm, a proposé quelques moments plus tôt.

****


PVRIS : «Use Me»

1 septembre 2020

À bien des égards, PVRIS a toujours été un groupe qui couvre différents mondes. L’esprit sombre et sombre de la musique rock étant toujours aussi fort, les couleurs vives et audacieuses ont continué à transparaître. Pour leur troisième album, ce point de saturation est porté à onze. Dans une mesure raisonnable, cela fonctionne.

Use Me est le disque qui voit Lynn Gunn prendre le devant de la scène – le moment où le leader, rapidement devenu une icône, se sent à l’aise pour s’attribuer le mérite de ses efforts. C’est cette force singulière qui l’anime. Des titres comme « Gimme A Minut » » et « Dead Weight » sont de la pure pop moderne ; des rushes pétillants et bombassiers capables de couper à travers le bruit numérique.

Bien que le EP Hallucinations ait pu marquer un changement significatif pour un groupe qui a toujours eu ces tendances dans son casier, Use Me est signe d’un autre pas en avant.

Une mise en évidence d’un désir de se battre, même quand le monde est dur. Les frontières entre les genres ont longtemps semblé appartenir au passé. Un record d’ambitions très élevées, mais avec un esprit farouchement indépendant en son cœur, c’est le point d’épanouissement de PVRIS.

***1/2


Plague Organ : «Orphan»

1 septembre 2020

Autre incursion expérimentale dans le black metal néerlandais, Plague Organ est un projet de Rene Aquarius (Dead Neanderthals, Cryptae, et bien d’autres) et de l’ingénieur du son Marlon W. Une seule composition de quarante minutes, intitulée eOrphane, est leur première offrande horrible à nos oreilles collectives, grâce à Sentient Ruin Laboratories.

Si on connaît bien les autres groupes de Rene, on sait qu’il valut mieux deviner ce que Plague Organ pouvait représenter, mis à part le fait que je m’attendais à une approche expérimentale et repoussant les limites du métal extrême. En cela,on n’a certainement pas tort. Cependant, ce nouveau véhicule a quand même réussi à surprendre et Orphan représenter ainsi une altérité plus décalée.

Plague Organ embrasse toutes ces facettes qui font que les amateurs de black et de death metal désirent leurs fameux sons déformés ; ceux-ci étant des atmosphères oppressantes, des arrangements labyrinthiques, un rythme étouffant et des chants frénétiques, provoquant des acouphènes. Mais plus que tout ce que je pourrais nommer, ce projet avale aussi le désir d’expérimenter avec des psychédélismes abstraits, des improvisations libres et des paysages sonores sombres et ambiants.

Orphan est, par nécessité, un album cérébral et un album pour les aficionados des extrêmes de la musique lourde. Je ne peux pas imaginer ce qu’un non-initié au black ou au death metal ferait de cet album, ni même ceux qui ont un simple livret des ancêtres du genre. Plague Organ peut atteindre une qualité intemporelle avec l’album, mais il ressemble aussi à la quintessence d’un projet musical du 21e siècle.

Les percussions de Rene sont au cœur de cet album profondément curieux et particulier. Tout au long des quarante minutes que dure l’album, le rythme du souffle reste une constante imperméable et implacable. Orphan crée ainsi un effet hypnotique, quelque part entre un high naturel et le début d’un mal de tête. Des percussions supplémentaires et un ensemble de basses, de synthés et de bruits de bourdonnement provoquent une hallucination auditive unique. Ces divergences ne finissent jamais, elles n’atteignent jamais le zénith du pic ou un nadir impie, elles ne créent jamais une brève structure à laquelle se raccrocher pendant la tornade sonore – et c’est là que réside le cœur et la tension d’Orphan.

Ce long-métrage est fractal, toujours ramifié et dans sa forme de semi-finalité et d’état quasi inachevé, ce déséquilibre apporte paradoxalement à l’auditeur l’élément central de l’album. La voix influencée par le death-metal est peut-être un autre talisman, une autre garantie qui donne à l’auditeur – témoin ? – Plague Organ la force d’endurer les ravages de son temps de fonctionnement.

Orphan est un triomphe du métal extrême marginal, de l’improvisation libre et du pouvoir que l’on peut exercer lorsqu’on est libre, sans points de référence et en abandonnant les instruments traditionnels (c’est-à-dire la guitare) du genre que vous continuez à habiter. Totalement gauchiste, avant-gardiste et sans aucune apologie artistique, Plague Organ a livré l’une des sorties les plus inquiétantes et intrigantes, peu orthodoxes et innovantes de 2020. Trop peu conventionnel pour la plupart, mais ceux qui sont prêts à se soumettre et à se plonger dans les eaux les plus sombres de l’arrière-pays sans frontières de l’extrême métal trouvera beaucoup à admirer ici.

****