Washed Out : « Purple Noon »

23 août 2020

Lorsque le travail de l’auteur-compositeur-interprète et producteur américain Ernest Greene est entré dans le monde de la musique sous son alias Washed Out, avec son premier EP (officiel) Life Of Leisure en 2009, l’artiste s’est retrouvé au milieu d’un genre émergent populaire, alors que les producteurs de lo-fi beats et de bedroom-pop commençaient à se faire reconnaître davantage par le public pour leur vision distincte de la musique électronique « chill-out ». 

Les rythmes alternatifs de chillwave, souvent inspirés du trip-hop, ont émergé et, suite à son développement au fil des ans, peuvent maintenant être considérés comme un terme générique du genre en soi, Washed Out étant connu comme l’un des artistes pionniers de l’époque.

Au fil des ans, Ernest Greene s’est fait un nom sous le nom de Washed Out sans se concentrer sur des sorties incessantes ; au contraire, le musicien aborde chaque sortie avec une vision claire et un coup de projecteur sur la progression en tant qu’artiste, avec son incorporation d’éléments visuels qui accompagnent les récits des albums tout aussi importants dans la représentation de ses œuvres.

Avec la sortie de son dernier album Purple Noon, sorti via Sub-Pop : Greene explore des thèmes plus personnels et mélancoliques que les précédents. Bien que l’artiste conserve sa personnalité propre inspirée par la chillwave, qui a évolué au fil des ans, l’inspiration citée derrière Purple Noon en dit long sur la nature de l’album.

Le titre est tiré du film français romantique de René Clément de 1960, lui-même basé sur le thriller psychologique The Talented Mister Ripley, un roman de Patricia Highsmith. Le romantisme, le charme, la passion et les thèmes de la perte sont profondément présents dans l’album, mais ils sont décrits de manière délicate et complexe, l’album conservant un côté facile à écouter et des visuels tranquilles, inspirés des côtes de la Méditerranée et de la culture de l’île.

L’un des aspects les plus remarquables de Purple Noon est la prédominance du chant de Greene dans la majorité des morceaux, par opposition aux lointains lavages de voix réverbérantes généralement associés à l’artiste. Par exemple, des morceaux tels que « Time To Walk Away » et « Paralyzed » sont très harmonieux, la technique vocale douce et mélancolique de Greene et ses paroles introspectives étant à l’honneur.

La disposition ensoleillée de « Time To Walk Away », chatoyante avec une atmosphère légère et aérée qui rappelle les jours calmes et détendus à la plage et l’électronique minimaliste et pourtant flottante, juxtapose « Paralyzed » à la fois dans le ton et le thème tout en conservant une douce fluidité. » Paralyzed » rappelle une ballade d’amour passionnée mais pleine de charme, avec un tempo plus lent et plus graduel qui permet un bonheur texturé étincelant dans le royaume contemplatif et rêveur.

« Game Of Chance », « Don’t Go » et « Haunt » sont des titres qui se démarquent sur l’album, car ils montrent un côté différent de la composition de Greene, en particulier dans le cadre de Purple Noon qui est centré sur la sérénité plus tranquille d’une île, s’étendant avec des grains de sable comme des étoiles réfléchissantes et des vagues émotionnelles qui clapotent tranquillement sur le rivage. 

« Game Of Chance » met l’accent sur la voix de velours de Greene et les mélodies compatissantes d’une guitare acoustique. Alors que des houles atmosphériques parsèment le morceau, l’accent est davantage mis sur les rêveries amoureuses de Greene en tant qu’auteur-compositeur-interprète que sur celles d’un producteur de musique électronique – ce qui était assez rafraîchissant dans son sens plus ambiant de vulnérabilité et d’absence de beats lo-fi. Dans « Don’t Go », Greene s’inspire de Phil Collins ; les percussions, graduelles mais puissantes et dévouées, sont une touche intrigante, qui accompagne une électronique scintillante et une tristesse qui fait écho.

Plus près, « Haunt » rappellera un des premiers travaux de Greene dans Washed Out ; bien que l’atmosphère insulaire de Purple Noon soit toujours présente, sa voix n’est pas nécessairement le moteur de l’ensemble du morceau. La relation harmonieuse entre les années 70 et 80, qui a inspiré les timbres traditionnels et les percussions à la Phil Collins, ainsi que le crescendo des textures superposées permettent de faire ressortir un sens audacieux de l’expérimentation, ce qui, dans un album qui semble s’écouler sans effort, est un changement apprécié.

***1/2


Funeral Homes: « Lavender House »

15 février 2020

Le projet Funeral Homes, basé à Melbourne, en Floride, a débuté comme un simple passe-temps de bedroom pop acoustique au lycée. Le premier EP, April Showers Bring May Flowers, n’était que la partie visible de l’iceberg en ce qui concerne le potentiel de ce projet. Avec la sortie du « debut album, » Lavender House, on commence à voir le talent des Funeral Homes, qui s’appuie sur les influences du shoegaze, de l’indie rock, du slowcore et de la pop. 

Lavender House se lit comme un récit mené par la voix du chanteur principal. Un album qui voyage à travers les thèmes du passé et qui se déplace de cette époque de la vie, il documente un paysage sonore impressionnant, repoussant les limites du nombre de genres qui peuvent s’intégrer sans heurts sans se sentir maladroits. Le disque à sept pistes a été réalisé à partir de l’exploration de différents sons. Le produit fini est l’aboutissement du meilleur de cette expérimentation, et c’est le travail dont le groupe est le plus fier.

Funeral Homes ne perdent, en effet, pas de temps pour montrer l’étendue et la profondeur de leurs talents, alors que le premier morceau, « Cowboy Emoji », s’aventure instantanément dans les champs de la country alternatifve Au fur et à mesure que la voix du chanteur crépite, on découvre que leur chant évoque l’émotion brute et la vulnérabilité, surtout lorsqu’on les entend murmurer les lignes comme « that love was meant to fade, so don’t be afraid » que (l‘amour était destiné à s’éteindre,aussi il ne faut pas avoir peur). La chanson se poursuit par des réminiscences du passé, affirmant qu’il est parfois bon de voyager dans le passé. Le morceau suivant coupe la direction et s’oriente vers le fuzz chaud de l’alt-rock du début des années 2000. Sans doute le plus énergique du projet, « C Thru U » demandera à être écouté en « live ». La capacité du refrain à étoffer un groupe complet gardeea ainsi l’auditeur accroché, et les couplets répétés, « I wanted to see it through. I just wanted to see through you » (Je voulais aller jusqu’au bout. Je voulais juste voir à travers toi), des guitares brûlantes suffisent pour une relecture instantanée.

Ce sera pourtant l’éventail de la palette sonore de Lavender House qui tire l’auditeur du confort du rock de chambre facile à écouter. « DRK » s’interpose entre les deux parties du disque, offrant un noyau de réverbération lourde qui aurait pu ne pas fonctionner sur un disque qui restait jusqu’à présent sur un son aussi en sourdine. Funeral Homes parvient à s’en extraire, et il le fait sans effort, ce quiproduit un changement de tonalité des plus fascinant. En effet, juste après, « Anything » se fraye un chemin à travers les méandres de la musique, en contrastant la chanson précédente avec une production électronique imodeste, furtive et discrète. Elle agit , ainsi, comme une ode à un amant, une douce ballade qui donne fraîcheur au disque.

Mais ce sera le « closer » qui sera le plus opérant ; ce morceau est le plus long, il dure plus de cinq minutes, et il suit les traces de « Anytime » dans don fondement. L’aspect chillwave de la chanson berce l’auditeur dans un rêve, car Funeral Homes fournit ici un contenu lyrique des plus fort. La façon dont le chant s’enroule autour de phrases comme « Do you ever feel weak? Do you ever get sleep ? » et « I’d clean for you, I’d die for you » (te sens-tu parfois faibles ? Je nettoierais pour toi, je mourrais pour toi), résonne comme si le public avait une vue de face de sa mélancolie. Même le surnom apparemment tendre de « Hibiscus leaf » (feuille d’hibiscus), qui est dirigé vers un portrait du passé, se fait plus froid et plus lourd à chaque couplet qui passe.

Lavender House de Funeral Homes est une œuvre solide du début à la fin. Pouvoir intégrer avec succès différents styles et genres de sons dans un disque de sept pistes n’est pas une mince affaire, et pourtant ce projet est leur spécialité. En plongeant à travers les paysages à la manière de Death Cab pour Cutie and Slowdive, le disque ne se périme jamais et il suscite l’intérêt au fur et à mesure qu’il est joué. Uil s’agit ici d’un début prometteur qui a sans doute été aussi excitant à réaliser qu’à écouter.L’écoute, elle, l’est ansolument.

****


Emily Yacina: « Remember The Silver »

11 décembre 2019

Emily Yacina avait évolué dans l’ombre grâce à des collaborations prestigieuses dans le monde de l’indie rock américain. En l’espace de quelques sorties malheureusement passées inaperçues, la new-yorkaise a bâti sa réputation dans le monde du bedroom-pop américain. Et quelque chose me dit qu’elle va enfin sortir du lot avec son nouvel album nommé Remember The Silver.

La collaboratrice de (Sandy) Alex G décide d’ouvrir grand les portes de son jardin secret avec ce nouveau disque doux-amer. Il est question de blessures secrètes et de la quête d’un nouvel espoir tout au long de cet opus avec des titres à la frontière de l’indie folk et de la bedroom-pop comme l’introduction inommée « Only » mais aussi de « Stephanie » et de « Arcades & Highways ».

Produit aux côtés d’Eric Littman, Emily Yacina privilégie les arrangements somptueux et les mélodies cristallines qui ont de quoi rappeler Big Thief et Angel Olsen de la belle époque. Cela donne de mini-chefs d’œuvre incroyablement maîtrisés et riches en émotion à l’image de « Secret Drawer », « Bleachers » ou bien même de « Better Off ». Il ne manque plus qu’un « Talk Talk Talk » et « 96th Street » pour synthétiser ce Remember The Silver comme un moyen de se rappeler que derrière ces souvenirs abscons se cachent une beauté et une bénédiction. Pe serait-ce que pour cela, Emily Yacina méritera reconnaissance.

***1/2


Amy O: « Shell »

28 octobre 2019

Amy O et son ainsi son premier album, Elastic avait été une belle découverte dans le monde de l’ indie-rock. La native de Bloomington est dans les circuits depuis maintenant 15 ans et ne compte pas s’arrêter en chemin. Cette année, elle se réinvente et revient avec son successeur intitulé Shell.

Amy O s’éloigne de plus en plus des ambiances bedroom-pop pour aller puiser du côté des influences plus indie-pop terre à terre. Dès lors, la musicienne remet les bouchées doubles dès l’introduction power-pop infectieuse et électrique mais également « Synesthesia » montrant une Amy Oelsner énormément inspirée. Sa plume reste toujours aussi riche en références par rapport à son quotidien rempli de surprises que ce soit sur le catchy « Planet Blue » qui a de quoi rappeler la verve de Snail Mail ou bien encore « Zero » et « Blueberries ».

Pour ce nouvel album, la musicienne continue son ascension avec des morceaux bien efficaces et on vivants à l’image de « Rest Stop » montrant qu’elle en a fait du chemin pour arriver sur le chemin du bonheur mais également de « Crushed » et de « Loose Cassette ». Et pour cela, Shell restera un disque attachant à l’énergie infectieuse montrant une Amy O plus radieuse que jamais montrant son inspiration sans faille notamment sur la conclusion intitulée « Later On ». Pour ce nouvel album, la musicienne sort de plus en plus de son cocon et ça n’est pas pour laisser indifférent..

***1/2


Jay Som: « Anak Ko »

29 août 2019

Ces dernières années, Jay Som était montée en puissance grâce à un premier album officieux en 2016 (Turn Into) et un autre, officiel celui-ci, l’année suivante nommé Everybody Works). Melina Duterte, de son vrai nom, est devenue un autre nom à retenir sur la scène bedroom-pop américaine et elle confirme son statut avec son nouvel album intitulé Anak Ko, ( « mon enfant »).

Pour cette nouvelle livraison, Jay Som repousse les limites de la bedroom-pop un peu plus loin et il faudra s’attendre à du professionnalisme et de la profondeur sur ce Anak Ko et ces compositions dream-pop/indie rock lumineuses qui l’entourent comme l’atmosphérique « If You Want It » en guise d’ouverture mais également « Peace Out » qui rappelle toute la fragilité de Mitski.

Fortement influencé par les actes des années 1980 tels que The Cure et Prefab Sprout mais aussi d’autres plus modernes comme The Pains Of Being Pure At Heart et Silversun Pickups, Jay Som nous entraîne dans un voyage somptueux et doucement acidulé. C’est avec l’aide de personnes extérieures (Lætitia Tamko, Annie Truscott de Chastity Belt, Justus Proffitt, Taylor Vicks de Boy Scout…) qu’elle réussit à nous envoûter que ce soit sur des titres captivants comme le shoegaze explosif « Superbike » à mi-chemin entre Cocteau Twins et Alanis Morrissette et les reposants « Nighttime Drive » qui porte bien son nom avec son crescendo bien accentué par les cordes.

Et que dire du bien-nommé « Tenderness » qui étonne pour ses accents smooth et jazzy mais toujours aussi planants ou bien encore « Crown » et la conclusion de haute volée nommée « Get Well » qui vient clore les aventures de Melina Duterte sur la route de l’autonomisation et de l’optimisme pour trouver la sérénité dont elle a besoin. Cela fera montre de la grande force de cet album qui prouvera, une fois de plus, ses talents d’artiste et de productrice.

***1/2


Ghost Orchard: « Bunny »

29 août 2019

Sam Hall officie sous le pseudonyme Ghost Orchard et fait partie de la scène bedroom-pop américaine actuelle aux côtés de (Sandy) Alex G, Car Seat Headrest, Cuco ou les autres projets de Sam Ray. Contrairement à ces autres noms, notre hôte n’a pas rencontré la popularité ; peut-être changera-t’il la donne avec son troisième album Bunny.

Inspiré par ses années lycée, Ghost Orchard nous raconte ses gros béguins amoureux et ses tentatives à faire des approches sauprès de ses objets de quête. C’est avec ces quatorze morceaux à mi-chemin entre bedroom-pop et influences R&B alternatif que l’on a affaire, que ce soit sur « witness » en guise d’introduction mais encore sur « swan », « only » ou « sheesh » où il fantasme sur sa muse sans jamais faire le premier pas.

Que ce soit sur les allures dignes de Hot Chip comme « guess » ou sur la conclusion digne de Rex Orange County aux sonorités R&B de « honeymoon », Ghost Orchard va au bout de ses idées. Muni de breakbeats ultra-complexes presque proches du drill’n’bass (« frog »), de sonorités glitch et des mélodies de guitare notamment sur « carousel », « balloon » ou encore sur « first time », Sam Hall avec sa voix facilement modulable expose ses fantasmes post-adolescentes à travers un troisième disque doucement nostalgique et inventif mais parfois un peu trop uni


Infinity Crush: « Virtual Heaven »

21 août 2019

Des larmes avaient été versées à l’écoute d’Infinity Crush et de son album Warmth Division en 2016 . Caroline White de son vrai nom a su émouvoir son auditoire à travers ses textes personnels et ses compositions bouleversantes. Restait donc à savoir de quoi allait se composer son nouvel album,Virtual Heaven.

La protégée de Sam Ray continue sur sa lancée avec treize nouveaux morceaux ne dépassant jamais les trois minutes et à la croisée de la bedroom-pop et de l’indie folk. Écouter Virtual Heaven, c’est ainsi comme plonger dans un univers paradisiaque et céleste et on plonge facilement à l’écoute des somptueux morceaux comme « misbehaving » qui ouvre des hostilités veloutées de manière enchanteresse, mais aussi « drive thru » et « car ».

Moins crève-cœur et plus orchestral que par le passé, il semblerait que Caroline White ait enfin trouvé son nirvana. Sa voix somptueuse habille avec classe les textures rêveuses de « minnesota », « pink moon » ou encore de « mirror » comme il se doit et on atteint le Très Haut auprès d’elle. La native de Maryland gagne de plus en plus en assurance et même si elle ne possède pas les mêmes caractéristiques de Julie Byrne, nul ne peut penser qu’elle n’a pas eu lamain heureuse dans ces exercice de style touchants que sont « green » et « nothing ».

Sur Virtual Heaven, Infinity Crush semble avair cicatrisé du mieux possible ses maux les plus profonds et s’être libérée de ses chaînes pour briller au plus haut.

***1/2


Thanks For Coming: « no problem »

27 juillet 2019

Derrière ce projet se cache une jeune musicienne native de Brooklyn nommée Rachel Brown. Depuis des années, elle a écumé sorties sur sorties sur son Bandcamp et cette année, elle se lance enfin dans l’aventure du premier album solo intitulé no problem.

Pour ce « debut album », Thanks For Coming a préféré voir les choses en grand. Vingt-quatre morceaux d’une durée allant de 01:30 à 04:47 mettant en valeur le songwriting toujours aussi impeccable et teinté de sarcasme de la part de la chanteuse et guitariste accompagnée de Nate Amos à la batterie, Charlie Dore-Young à la guitare et de Mike Kolb à la basse.

Sa musique à mi-chemin entre bedroom-pop et indie rock continue de nous bercer tout en ouvrant grand les portes de son jardin secret de « friends forever » à « bully » en passant par « decisions (and the aftermath) », « don’t wanna be the only one left », « i have time to be forgotten » , liste non exhaustive.

no problem retracera donc tout le talent de Thanks For Coming et se sent très vite habité par la chanteuse lorsqu’elle parle de son cercle social et de ses problèmes personnels sans pudeur. Cela donne des titres alternant douce mélancolie et énergie infectieuse tels que « stephen hawking’s goldfish analogy », « heroes don’t run away (but i sure as hell am) » ou bien même « in my system » qui ont de quoi faire à du Frankie Cosmos des débuts. Pour un premier et double album, la brooklynite nous offre un repas bien trop copieux dont les écoutes en une traite en appelleront d’autres, plus posées et attentives.

***1/2


Sean Henry: « Fink »

9 juillet 2019

Dans le rayon des nouvelles révélations bedroom-pop américaines, on peut citer le nom de Sean Henry. L’artiste nous vient tout droit de New York et a baigné dans des influences bedroom-pop et soft-grunge pour un résultat plutôt convaincant. Après plusieurs sorties sur son Bandcamp en format lo-fi, il passe au format studio avec son premier album nommé Fink. En dix titres, Sean Henry nous invite dans son univers faussement désinvolte mais riche en questions existentiels qui le tourmentent.

Du titre introductif nommé « Imperfection » à « Virgo » en passant par les implacables « Party Fiend », « The Ants » et autres « Gum In Hair », le new-yorkais va droit au but et remplit le contrat avec brio.

Même si il ne révolutionne rien dans le genre, on appréciera tout de même des morceaux où il s’ouvre à nous sur « Are We Alive? » ou bien même sur « No More Feelings ». Avec Fink, Sean Henry se fait une place timide mais sûre sur la scène soft-grunge américaine.

***


pronoun: « i’ll show you stronger »

29 mai 2019

Depuis qu’elle a publié un premier E.P. : there’s no one new around you, la popularité de pronoun est montée en flèche de manière surprenante. Alyse Vellturo de son vrai nom ,s’emploie désormais à sortir de l’ombre avec un « debut » album nommé i’ll show you stronger qui la voit vouloir confirmer les impressions initiales .

La force de pronoun est puisée entre pop de chambre, indie rock et effusions synthpop pour en faire un disque fort en caractère. Ces douze morceaux permettent de définir l’univers musical de pronoun partagé entre Alvvays, Waxahatchee et Stars mais en plus pop-rock dont le titre introductif bien nerveux nommé « you’re not trying at all » ou encore « you didn’t even make the med » et « stay ».

L’interprétation riche en émotions de la native de Brooklyn aura de quoi laisser pantois plus d’un (et je la soupçonne d’avoir trop écouté Enya ou Bjork à un point que ça en devient un peu troublant) que ce soit sur « sadie » et « some people ».

Il y en a pour tous les goûts pour i’ll show you stronger où l’on vacille entre moments bien rentre-dedans (« temporary tantrum ») d’autres plus dansants (« the pieces of you ») ou plus mélancolique (« for the story »).

Chaque morceau possède sa propre identité et pronoun sait exorciser ses maux les plus profonds par moments de façon théâtrale et, à d’autres, de menière quelque peu convenue qui n’empêcheront, toutefois, pas à ce disque de se faire remarquer pour sa singularité.

***1/2