Paul Roland & Mick Crossley: « Through The Spectral Gate »

14 septembre 2022

Paul Roland n’a plus besoin d’être présenté, sa position d’acteur majeur de la scène psychique underground à partir des années 1980 a conduit son compagnon de route Robyn Hitchcock à le décrire comme  » le Kate Bush masculin « , avec des albums de musique de chambre folk baroque comme Cabinet of Curiosities et des bijoux psychiques éclectiques comme Duel et Masque qui ont cimenté sa réputation d’auteur-compositeur unique et durable. Mick Crossley a récemment joué avec Roland sur des projets récents tels que Grimmer Than Grim et Hexen, ce qui a conduit à l’entreprise commune Through the Spectral Gate. Un peu plus cosmique que la production habituelle de Roland, avec des allusions et des teintes de Hawkwind du milieu des années 70 (pensez à l’époque de Warrior on the Edge of Time) ainsi que de Tangerine Dream, il y a néanmoins une obscurité et une qualité onirique qui nous touchent de la même manière que la muse de Katies, et qui plairont sans aucun doute à sa base de fans.

L’album commence par les synthés pulsés et les basses pensifs de « Open the Spectral Gate », un hautbois gracieux mais fantomatique reprenant un motif sinistre qui rappelle la majesté ombragée de Starless and Bible Black de King Crimson, évoquant un même sentiment d’effroi et d’émerveillement. Come Into My Mind & The Flickering Light  » suit le territoire plus familier de Paul Roland, avec sa mélancolie acoustique ornée décorée par des lavis de synthétiseurs analogiques et de bois choisis avec goût, avant que le deuxième mouvement de la chanson ne se lance (de la manière la plus Floydienne) sur une vaste vague de cordes, de synthétiseurs râpeux et de carillons de guitare. A la fois époustouflant et d’une grande force émotionnelle, il y a ici une myriade de détails et de moments, contenus dans ce qui n’est rien de moins qu’une symphonie électronique sur grand écran. Vient ensuite ‘Echo Forest (He Knows My Name)’, un morceau plus familier à Roland, avec ses harmonies gothiques psychologiques étranges et effrayantes et ses éclats de guitare brumeux. De nombreuses chansons de Roland s’inspirent du folklore, des histoires de fantômes ou de l’étrange et de l’inhabituel, et celle-ci ne fait pas exception à la règle. Il y a quelque chose de tout à fait sinistre à l’œuvre ici, parmi l’orgue aux motifs cachemire et les roulements de batterie descendants, comme si le Left Banke avait fait un mauvais trip, perdu dans l’obscurité des bois. Une coda acoustique offre une finale émotive et dramatique, avec un crescendo impressionnant de cordes et de guitare acoustique.

Silver Surfer Parts 1 & 2  » met le cap sur le cœur du soleil, avec des arpèges de synthétiseur chatoyants sur une performance sobre et tendue, le piano ponctuant les sombres nuages tourbillonnants et la performance passionnée de Roland. Le deuxième mouvement est un véritable « In Search of Space », avec des lignes de guitare qui s’élèvent et dérivent dans le vide sans fin. Witch’s Brew Parts 1 & 2  » renoue avec le folk occulte qui est le point fort de Roland, un morceau profondément mélodique et nuancé qui est d’une beauté sombre (avec une section finale atmosphérique et lysergique avec Geoffrey Richardson de Caravan au violon). Mantra « , quant à lui, est une construction lente, une chanson désertique hallucinatoire faite de basses exploratrices, de tourbillons de synthétiseurs et de pistes de guitare étoilées. La sitar et la boîte à shruti ouvrent  » The Third Eye & Blessings « , une version hantée mais perversement humoristique et cynique de certains types de gourous, qui se transforme en une odyssée de claviers vintage extrêmement satisfaisante.

C’est l’une des grandes forces de l’association de Roland et Crossley : nous bénéficions non seulement de l’écriture nuancée et de la maîtrise mélodique de Roland, mais la nature allongée de ces morceaux permet une portée et un cadrage cinématographiques qui ajoutent une dimension et une profondeur supplémentaires. Never Flown So High Before  » en est un bon exemple : des lignes de guitare fulgurantes, de vastes banques de synthétiseurs et des chœurs ornent le génie pop tordu de Roland, nous entraînant dans des domaines inexplorés, dans de nouvelles galaxies. Ayant déjà exploré les genres du garage rock des années 60, de la folk de chambre et du psych rock, cet engouement pour le cosmique et le space rock/prog convient parfaitement à Roland. Ensuite, ‘The Cave Song & Carlos’, avec ses teintes orientales et ses explorations psychiques de minuit, touche un territoire musical normalement occupé par des groupes comme Goat et Familia de Lobos (avec une touche de The Doors), et permet à Crossley de prendre la parole sur un morceau qui se transforme en un voyage mental, tandis que ‘Carlos’ évoque les Pink Floyd de l’époque Saucerful of Secrets participant à un rituel souterrain. Le final de « Crystal & Silent Star », propulsé par un battement de pulsation électronique semblable à celui d’un spectre, est à la fois obsédant et dynamique. Extrêmement atmosphérique et immersif, c’est la conclusion idéale d’un album profondément inventif, ambitieux et cinématographique.

On espère qu’une collaboration similaire pourra se reproduire entre Roland et Crossley, tant le succès et le dynamisme sont évidents ici. Il n’y a pas de concession au commercialisme ou de vente facile, on sent que c’est un album que les deux artistes ont voulu faire par pur amour de la musique, des sons évoqués et des univers créés. Ce véritable engagement transparaît, un travail d’amour qui récompense à chaque nouvelle écoute en vous transportant dans des mondes lointains et dans les recoins sombres et profonds de l’espace intérieur. Voyagez Through the Spectral Gate, vous ne voudrez plus la quitter.

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Niagara Moon: « Good Dreams »

11 mai 2022

Le groupe folk et fantasque  qu’est un Niagara Moon, mené par Thomas Erwin, sort son tout nouvel album, Good Dreams, dont le thème est l’esprit sur la matière. Composé d’une douzaine de titres, le disque évoquera Pet Sounds ou The Soft Bulletin, mêlant textures classiques et pop symphonique.

Good Dreams est le résultat de l’insomnie de Thomas Erwin en pleine quarantaine, provoquée par un sentiment d’incertitude et d’isolement immersif. Pour trouver le sommeil, Erwin a fait ce qu’il faisait quand il était enfant, imaginant de grandes lettres gonflées épelant les mots « Good Dreams ».

La notion de l’esprit sur la matière apparaît souvent au cours des 12 chansons de l’album. Après quelques années passées à lutter pour trouver leur son avec un arrangement plus conventionnel, Niagara Moon a embrassé l’orchestre électronique qui vit à l’intérieur de leur Mac Mini. Ainsi, Good Dreams est devenu un livre d’histoires baroque en technicolor et une échappatoire bienvenue aux moments plus difficiles de ces dernières années.

L’album commence par « Bad Vibes », une chanson sur la peur et la désinformation. Elle s’ouvre sur un piano étincelant surmonté de couleurs orchestrales vives, tandis que la voix veloutée d’Erwin imprègne les paroles de tonalités savoureuses. Rappelant vaguement la musique pionnière des dernières chansons des Beatles, les harmoniques s’élèvent et se retirent sur des teintes vives et flottantes.

« Who Needs Who » voyage sur de délicieux leitmotivs sur la pointe des pieds, pleins de sons vifs et scintillants. Ici, la voix d’Erwin donne aux paroles des timbres joyeux, comme si l’on faisait une promenade insouciante dans un parc par une journée ensoleillée.

L’ambiance lumineuse et aérée de « Surprise For You » offre aux auditeurs une légèreté aérienne, pleine d’accents percolants et de voix soyeuses et douces. « Hindsight », une chanson sur la perte de la jeunesse et de la liberté, présente des harmoniques plus sombres mais toujours lustrées, ondulant avec des cordes lumineuses.

« Sink Or Swim » s’ouvre sur des sonorités émergentes et florissantes et se transforme en une mélodie gracieuse, avec un piano doux et scintillant surmonté d’accents platine et de cordes en cachemire. Le dernier morceau, « Boxed In », reflète le sentiment menaçant engendré par les limites et la claustrophobie de la pandémie. Une humeur lugubre et persistante imprègne les harmoniques, donnant à la chanson une sensation latente de Cauchemar avant Noël.

Simultanément somptueux et innovant, Good Dreams offre une expérience d’écoute unique et séduisante.

***1/2


Melody’s Echo Chamber: « Emotional Eternal »

28 avril 2022

Sur Emotional Eternal, le nouvel album de Melody’s Echo Chamber, sa pop baroque et électrique s’éloigne du maximalisme de ses précédents travaux pour se rapprocher d’une sobriété réfléchie et réaliste. En comparaison avec ses autres œuvres, bien sûr. Son « minimalisme » est toujours, il est vrai, assez maximaliste et sa « sobriété » est toujours enivrée d’euphorie extatique. Plusieurs fois sur le disque, en français et en anglais, elle parle de l’odeur du pin, et c’est comme si elle s’était échappée dans les bois, qui semblent nous adoucir, où elle réfléchit à la préciosité de la vie et au besoin de chansons pour nous remonter le moral, avec des airs à la fois ludiques et matures. « Nature gives and then takes back / It makes me emotional eternal » (La nature donne et reprend ensuite / Elle me rend éternellement émotionnelle), chante-t-elle sur la chanson titre aux accents de rock classique.

Alors que son travail précédent frappait l’auditeur par sa grande énergie, il semble qu’avec l’âge et l’expérience, Melody Prochet ne ressente plus autant le besoin d’impressionner ou de surprendre par sa prestation. Les chansons sont toujours remplies de basses merveilleuses, de cordes et de sa voix d’une douceur indélébile ; les arrangements sont aussi complets que tout ce que l’on peut entendre dans la musique moderne. Cependant, en écoutant l’album, on se retrouve partagé entre la comparaison avec son ancien travail et le fait d’être emportée dans la direction différente qu’elle a prise.

« Constellation of love / I know that dream / It can’t be real / Where do you come from ? » (Constellation d’amour / Je connais ce rêve / Il ne peut pas être réel / D’où viens-tu ?) chante-t-elle sur le très réfléchi « Looking Backward ». Et on pourrait dire la même chose de Prochet, qui est à la fois hors de son temps, comme un fantôme, et très très présent. C’est ce que l’on ressent en écoutant cet album : la sensation de quelque chose d’étranger et de familier à la fois qui donne un sens à sa poésie évocatrice, bien qu’il n’y ait pas grand-chose qui puisse se comparer à la langue française en termes de beauté et de romantisme.

En français, sur la troisième piste funky et lourde en guitare, « Pyramids in the Clouds », elle chante : « Toutes ces années / Que j’ai perdues / Piquées à l’encre noire / Fleurs sauvages des îles perdues / J’aime ces vies / Que j’ai parcourues…  » (All these years / That I lost / Quilted in black ink / Wildflowers from the Lost Islands / I love these lives / That I have traveled . Elle traduit ses expériences épiques en grande forme, même si les paroles peuvent parfois être répétitives et moins poétiques qu’à d’autres moments.

Dans l’ensemble, l’album dégage une impression surprenante de « rock classique », bien que couché dans une pop baroque, comme si elle et son « Triangle des Bermudes » avaient écouté en boucle les groupes prog et jam des années 70. C’est à la fois satisfaisant et désillusionnant. Peut-être la meilleure façon de décrire cet album, qui touche aux hauts et aux bas de la vie : satisfaisant et désillusionnant. Il y a peu de gens qui font de la musique comme Melody’s Echo Chamber en ce moment, et on peut voir ces chansons trouver un vrai foyer et être des aides à la vie pour ses fidèles auditeurs, comme elles l’ont certainement été pour elle.

***1/2


Electric Looking Glass: « Somewhere Flowers Grow »

17 mai 2021

« Une pilule vous rend plus grand et une pilule vous rend plus petit – allez demander à Alice quand elle fera trois mètres de haut » (One pill makes you larger and one pill makes you small – go ask Alice when she’s ten feet tall). Suivez ce quatuor de LA dans le terrier du lapin et vous trouverez ce miroir électrique en technicolor avec le premier album de ce groupe hétéroclite. ELG est une concoction charismatique de Carnaby Street, prenant une dose de The Left Banke avec une pincée de The Beatles et une pincée de Small Faces. Ce quatuor de pop baroque nous offre une rêverie de printemps 1967 avec ce Somewhere Flowers Grow, en provenance de Los Angeles, CA. 

Electric Looking Glass, c’est est la somme de leurs influences. Cet album est enrobé de soleil et de power pop avec une fantaisie et une excentricité qui est à la fois charmante et infiniment réconfortante. Avec des visuels rappelant les Monkees et une garde-robe rivalisant avec celle de Procul Harum, vous serez ensorcelés par leur mellotron magique, leur hammond miroitant, leurs guitares sautillantes et leur clavecin chantant. Ce disque vous transportera à travers le vortex temporel vers le Londres des années 60, en pleine effervescence.

Avec chacun de ses membres aux talents si éclectiques, ELG est la marmelade du goûter du chapelier fou, composé d’Arash Mafi, Brent Randall, Johnny Toomey et Danny Winebarger. Vivant dans leur propre pays des merveilles analogique anglophile, la nostalgie qui coule à flot dans le son baroque est capturée si parfaitement, si bien qu’on ne penserait pas du tout à remettre en question leur origine. Véritable melting-pot de sons poivrés, SFG rappelle les Londoniens d’Honeybus et le duo power pop des années 60 Lyme and Cybelle. Pas de doute, ça sonne comme une vraie affaire.

Le premier titre « Purple, Red, Green, Blue & Yellow » est un hommage affectueux et rappelle « Pink Purple Yellow and Red » de The Sorrow. « Dream a Dream » est un citron confit de la variété Sgt Peppers, tandis que « Find Out Girl », avec ses changement de rythme , est un »Turkish Delight » plus sombre, guidé par les basses mais entraînant. Les chœurs surgissent d’un haut-parleur Leslie sur « Rosie in the Rain », faisant un clin d’œil à « Lucy In The Sky With Diamonds » des Beatles.

Nous devenons de plus en plus curieux et nous tomberons dans les nuages avec « Don’t Miss The Ride », un slow qui change l’esprit et les dimensions pour un joyeux non-anniversaire. Puis arrive le lièvre fou cher à Alice avec « Holiday », une composition baroque harmonieusement orchestrée avec des paroles lugubres, sombres et existentielles qui déclarent avec nostalgie  » »l y a trop de douleur dans le monde aujourd’hui… il pourrait en être de même demain… » (there’s too much pain in the world today…it might be the same tomorrow…), demandant à l’auditeur de mettre de côté ses opinions politiques et religieuses, et poursuivant avec optimisme avec un unificateur « Come together let’s outshine the sun » (Ensemble, éclipsons le soleil). C’est un refuge gentiment sentimental pour tous les fumeurss de narguilé. 

Nous nous retrouvons ensuite transportés de façon fantaisiste à l’étage du « Daffodil Tea Shoppe », un salon de thé perpétuel où chaque jour est un dimanche. On dirait une face B de Tomorrow, un groupe obscur des années 60, avec un jeu de piano joyeux et des voix spectaculaires dignes de Lennon. « Death of A Season » est également l’une de nos chansons préférées, magnifiquement poétique – elle résume cette sensation d’heure dorée de la transition de l’été vers la mélancolie douce-amère de l’automne. Pour terminer l’album avec « If I Cross Your Mind », c’est un doux retour à la réalité où le miroir est plus clair, mais où l’on se languit toujours de cet endroit où les fleurs poussent. Ce LP ne manquera pas de vous faire sourire, c’est vraiment un must pour l’amateur et le collectionneur de musique baroque. Ce premier album est une ode à la nostalgie, un avant-propos à la fantaisie et un amour artisanal pour les genres psych et pop baroque.

****1/2


Klô Pelgag: « Notre-Dame-des-Sept-Douleurs »

11 septembre 2020

À la fin du deuxième chapitre d’une carrière à peine commencée, la détresse psychologique a conduit Klô Pelgag à une difficile introspection dans cette existence qui est la sienne, et qui sera la sienne pour longtemps. Admettons qu’il en soit ainsi, car elle a le talent et le pouvoir nécessaires pour déconstruire son art sans le nier, pour le reconstruire, pour le faire vivre toute une vie et plus encore. Pelgag sait parfaitement que ce n’est jamais acquis pour personne : il faut du courage pour se relever après les gifles et toutes les grandes incertitudes, pour lâcher prise, pour faire tomber le nombrilisme, pour aller de l’avant, pour faire de sa douleur un carburant pour la création. Notre-Dame-des-Sept-Douleurs incarne une transformation importante dans le troisième chapitre : Klô Pelgag devient la compositrice, parolière, arrangeuse, coproductrice de son œuvre, de surcroît chef d’orchestre, seule maîtresse à bord. Elle s’autorise même des arrangements ambitieux pour la pop de chambre, une tâche complexe autrefois confiée à son frère Mathieu, éduqué et formé à ce titre. L’écoute attentive de ses trois albums conduit à ce constat : sur le plan harmonique, ses arrangements pour cordes n’ont peut-être pas encore acquis la profondeur, l’ampleur et la contemporanéité de ceux de ses deux premiers albums, à quelques exceptions près – le final de « La Maison Jaune », par exemple.

Une écoute superficielle laisse plutôt l’impression d’une continuité, ce qui n’est pas exactement le cas, mais cette œuvre présente les germes d’un discours orchestral distinct, et nous excluons ici les trois arrangements plus mûrs pris en charge par Owen Pallett, lauréat du prix Polaris (sous le pseudonyme de Final Fantasy) et proche collaborateur d’Arcade Fire. L’organisation des sons pour un big band (cordes, cuivres) est un apprentissage concluant, la dynamique dans un petit groupe diffère de ce que nous avons entendu auparavant de Klô Pelgag, ici on sent une nouvelle force se déployer, un esprit parfois rock. Mais ce qui est le plus remarquable dans cet album, ce sont les paroles et la voix qui les porte. Les mots sont organisés plus simplement, les explosions poétiques sont mieux mises en valeur, l’auteur ne ménage pas ses efforts et rogne pour le mieux. C’est certainement un album dont l’appréciation grandit avec le temps.

***1/2


Luke Temple: « Both-And »

18 septembre 2019

A chaque projet solo, on est toujours épaté par la brillance musicale de Luke Temple. En 2017, il avait présenté son side-project nommé Art Feynman complètement détonnant ; ectte année, le membre de Here We Go Magic a décidé de revenir sous son véritable nom avec un nouvel album intitulé Both-And.

Quelques années se sont écoulées depuis son album solo A Hand Through The Cellular Door et, ici, Luke Temple revient aux fondamentaux. Loin des délires fantaisistes du passé, le musicien de Salem présente un disque à la croisée entre indie folk et dream-pop baroque avec une pointe d’electronica. Cela donne naissance à des morceaux célestes à l’image de « Don’t Call Me Windy » et de « Wounded Brightness » qui nous élève au-dessus.

Une fois de plus, on apprécie son inventivité et cette capacité de nous embarquer dans des hautes sphères avec des influences dignes de Devendra Banhart, Beach House et St. Vincent période Strange Mercy dont on perçoit la patte sur « 200,000,000 Years Of Fucking ». Luke Temple nous transporte au loin avec « Given Our Good Life » et son groove subtil mais encore « Taking Chances » (seul morceau comportant une guitare) et « Empty Promises » et continue de le faire avec grâce et élégance notamment sur l’estival « Henry In Forever Phases » et « Least of Me ». Il ne fait aucun doute qu’avec Both-And le membre de Here We Go Magic a atteint un nouveau plateau sur ce voyage plus qu’enivrant.

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Adam Green: « Engine Of Paradise »

10 septembre 2019

Chaque nouvel album d’Adam Green reste un petit événement sur la scène anti-folk actuelle. On l’avait laissé le New-yorkais avec l’album Aladdin il y a trois années de cela. De l’eau a coulé sous les ponts et le voici de retour avec son dixième opus intitulé Engine of Paradise.

Adam Green reste toujours égal à lui-même. Mettant au premier plan les thèmes de l’éternel conflit entre l’humain et les machines, la rencontre entre la spiritualité et la singularité ainsi que le rapport complexe entre la vie et la mort.

Engine Of Paradise resta une oeuvre de pop baroque aux arrangements cristallins mettant au premier plan le de l’artiste. Neuf morceaux sur 21 minutes de musique, on se laisse emporter par les compositions lyriques comme « Gather Round », « Freeze My Love » et autres « Escape From This Brain ».

Accompagné de James Richardson (MGMT), Jonathan Rado (Foxygen) et Florence Welch au générique, Adam Green fascine toujours autant sur des morceaux mélodiques et soignés comme « Cheating On A Stranger » et « Rather Have No Thing » qui ne dépassent jamais les 3 minutes. S’achevant sur le doucement mélancolique « Reasonable Man », le New-yorkais continue de nous impressionner avec cet opus taillé comme du diamant brut.

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Francis Lung : »A Dream Is U »

15 août 2019

La séparation de WU LYF aura été plus que douloureuse pour les fans qui ont été conquis par leur unique album. On avait vu le meneur du groupe Ellery Roberts se renouveler avec son nouveau groupe LUH. en donnant naissance à deux albums. Aujourd’hui, c’est un autre membre qui se lance ; il s’agit du bassiste et guitariste Francis Lung qui présente enfin son premier album intitulé A Dream Is U.

À mille lieues du côté torturé de Lost Under Heaven, Francis Lung nous montre combien il a été inspit-ré la pop psychédélique et baroque des années 1960-1970 .Ce premier album, en effet, ne déroge pas à la règle avec ses compositions en Technicolor qui ont de quoi rappeler les travaux de Phil Spector avec notamment le titre d’ouverture intitulé « I Wanna Live In My Dreams » digne de The Ronettes.

Nous voilà plongés en plein rêve comme l’indique le titre de l’album. Francis Lung passionne son auditeur avec ces arrangements somptueux conviant les cordes et les cuivres avec « 2 Real », « Comedown » et autres « Unnecessary Love » où ses textes pas toujours gais font communion avec la musique baroque qu’il accompagne. C’est un peu comme si Big Star, Beach Boys et Apples In Stereo se retrouvaient pour une explosion de saveurs sur les rafraîchissants « I Believe U » et « Up & Down ». Avec A Dream Is U l’ex-WU LYF sait se réinventer et même si il ne réinvente pas les codes de la pop baroque, il saura relever le niveau aisément.

***1/2


Jacco Gardner: « Hypnophobia »

12 mai 2015

À la suite de la sortie en 2013 de Cabinet of Curiosities, il a été décrété que le chanteur-compositeur, producteur et multi-instrumentiste hollandais Jacco Gardner était l’héritier naturel de ces symphonistes de poche des années 60 qui s’escrimaient à emplir nos oreilles d’odyssées luxuriantes fabriquées en studio. Son « sophomore album », Hypnophobia, ne changera pas véritablement la donne mais il compliquera les choses d’une façon pas du tout déplaisante.

Thématiquement déjà et comme son titre le suggère, le disque se concentre sur des idées comme le sommeil, la peur du sommeil et la vie onirique. La notion de rencontrer autrui en rêve est souvent mentionnée comme sur « Another You » et ses accords qui vont propres à vous hanter.

Musicalement également, Gardner à l’inverse de certains de ses pairs ne fétichise plus tout ce qui a à voir avec l’analogique. On retrouve bien sûr des synthés archaïques, des orgues et des effets enregistrés sur bandes comme partie essentielle du son de l’album mais des amples et des loops contemporains jouent un rôle aussi importants pour créer cette esthétique de paysages brouillés si typique du genre. Dans ses meilleurs moments (la plupart du temps ce seront les instrumentaux), Hypnophobia rappellera la fluidité de Tame Impala bien que Gardner soit un artiste plus cérébral et être même un compositeur plus « math rock » que Kevin Parker.

Gardner a également intégré des influences inattendues dans son espace mental et celles-ci font tout sauf être préjudiciables à l’album. « Before the Dawn » l’exemplifiera au mieux par son entame très pop baroque avant de se développer en une épopée presque prog-rock qui a plus à voir avec Kraftwerk ou Goblin que Brian Wilson. Sur « Brighter » il favorisera une imagerie fantasmagorique proche de groupes s’inspirant de la mythologie et des changements de perspectives en miroirs comme sur « Face to Face ».

Ces tours de forces narratifs trouvent leurs pendants dans des breaks instrumentaux inopinés, des changements d’accords propres à vous donner le vertige à l’image de ces codas qui fonctionnent ici comme des passages secrets nous entraînant, nappes après nappes, dans de nouveaux territoires en termes de composition.

Cette ingéniosité tend, parfois, à occulter les morceaux mais les puzzles soniques sont suffisamment enchanteurs et denses pour nous faire entrer dans l’esprit d’un artiste torturé et talentueux, un musicien que cette œuvre tragique hisse bien au-dessus de tous ces disciples de la neo-psychedelia.

****1/2


Slim Twig: « A Hound at the Hem « 

18 janvier 2015

Slim Twig est le pseudonyme de Mak Turnbull, un crooner qui se réclame de la psychedelia et du art-rock, et dont la survenue de A Hound at the Hem reflétait une démarche si particulière héritée de la somme de ses inspirations que celui qui voulait faire de cet album son Pet Sounds vit son label d’alors (Paper Bag) refuser de le sortir en 2012. Selon Turnball celui-ci allait trop loin pour eux, et aussi pour l ‘Amérique du Nord sans doute, et il ne fit qu’une apparition confidentielle en microsillon sur un autre label plus modeste mais à la vision plus tournée vers l’expérimental, Pleasance Records.

Cette expérience engendra amertume et frustration pour Twig, deux sentiments qui se dissiperont peut-être avec une véritable sortie discographique.

Il faut dire que les influences dont il se réclamait n’étaient pas à la portier de le Nord-Américain lambda. Le Lolita de Nabokov d’abord, le disque de Serge Gainsbourg, Histoire de Melody Nelson, lui-même adapté librement de l’oeuvre littéraire ensuite, le tout formellement habillé de cette pop baroque et néo-psychédélique qui a fait le bonheur de maints autres artistes des 60’s et 70’s. Cet opus aurait dû être le moment qui allait définir sa carrière mais le fait que le Canada ait décidé de remettre en cause son contrat a sans doute retardé de bientôt trois ans la connaissance qu’on aurait pu acquérir d’un talentueux, si ce n’est génial, artiste pop.

On trouvera donc, sous la houlette de DFA Records à New York, une chance de voir Turnbull devenir autre chose qu’un musicien culte grâce à ce véritable déluge psychédélique où nappes de basses enregistrées en analogique servent de fondation hallucinante à des riffs en fuzz détonant comme des bombes, des claviers fichés dans l’onirique, des cordes qui n’en finissent pas de monter, des clavecins antidéluviens et emprunts de nostalgie vecteur de textes effrayants et comme issus d’un mode parallèle.

On sait que le Canada a trop l’habitude de vivre dans l’ombre de son voisin pour reconnaître parfois son apport. Peut-être que cette réédition le lui permettra et autorisera à cet album d’être connu non seulement dans ce continent, mais aussi dans le monde entier.

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