Floating Points, Pharoah Sanders & the London Symphony Orchestra: « Promises »

17 juin 2021

Considérez l’attrait de l’album de collaboration transgénérationnelle. Quand c’est mauvais, c’est très mauvais – pensez à Lou Reed et Metallica qui respirent les vapeurs du théâtre allemand du XIXe siècle sur Lulu (2011), ou à Miley Cyrus qui se balade en cosplay psycho-rock sur Her Dead Petz (2015), produit par les Flaming Lips. Mais lorsque cela fonctionne, les résultats peuvent être agréablement étranges (Wise Up Ghost d’Elvis Costello et The Roots) ou carrément révélateurs (The Moon and the Melodies de Cocteau Twins et Harold Budd, Mirror Ball de Neil Young avec Pearl Jam).

Le couple improbable formé par le génie électronique britannique Sam Shepherd, alias Floating Points, et le titan du saxophone free-jazz Pharoah Sanders est l’une des associations les plus révélatrices de l’histoire récente. Sur leur album Promises, qui a longtemps mijoté et sur lequel on retrouve également les houles cinématiques de l’Orchestre symphonique de Londres, l’énergie de la collaboration des musiciens s’avère aussi remarquablement puissante qu’improbable. Se déroulant en une seule composition continue, sans paroles, divisée en neuf mouvements, Promises sonne comme un saut de la foi créative, une communion cosmique qui traverse les générations, les genres et les barrières musicales pour construire quelque chose de beau.

Son histoire d’origine remonte à plus d’une demi-décennie. En 2015, Sanders, alors âgé de plus de 70 ans, se trouvait dans une voiture de location lorsqu’il a entendu le premier album de Floating Points, Elaenia. Impressionné, il s’est rapidement lié d’amitié avec le compositeur électronique de plus de 40 ans son cadet ; ils se rencontraient pour déjeuner et parler de jazz, et finalement, Sanders a proposé qu’ils créent un album commun. Le résultat – enregistré principalement à Los Angeles pendant l’été 2019, avec des parties orchestrales enregistrées pendant la pandémie un an plus tard – est le premier album de Sanders en plus de 10 ans.

Sanders est connu pour ses solos frénétiques et ses « feuilles de son » furieuses, notamment pendant ses années en tant que sideman de John Coltrane, et sur ses propres chefs-d’œuvre d’avant-jazz Karma et Black Unity, mais ici il joue avec une retenue et une grâce enviables, sculptant des figures mélodiques époustouflantes dans les espaces ouverts entre les oreillers de son de Shepherd. Quant à Shepherd, il contribue au piano, au clavecin, à l’orgue et aux éléments électroniques, mais ses contributions sont si minimalistes qu’elles s’orientent vers un territoire ambiant plutôt que vers l’électronique. Il y a peu de traces de la programmation de batterie scintillante et des synthés modulaires grinçants qui ont rempli le plus récent album solo de Floating Points, Crush en 2019.

La piste est centrée sur une séquence imbriquée d’arpèges de clavecin, mutant constamment mais ne s’effaçant jamais du mélange, du moins jusqu’aux alentours de « Movement 8 ». Pendant 46 minutes oniriques, le saxophone de Sanders est engagé dans une sorte de conversation créative avec ces particules sonores légères. C’est à Sanders et à l’Orchestre symphonique de Londres qu’il incombe d’apporter une intensité sans cesse fluctuante à la pièce, et ils y parviennent, notammentsur « Movement 6 », lorsque les cordes semblent dominer le saxophone par des crescendos fulgurants et dramatiques. Dans le septième mouvement, le duo principal reprend le devant de la scène et dérive vers un psychédélisme plus abstrait. Il y a plusieurs fausses fins ; seul le neuvième et dernier mouvement, une sorte de coda planante aux cordes, semble superflu.

Lorsqu’il est écouté sans interruption et qu’on lui accorde la patience (et des enceintes de qualité) qu’il exige, Promises est le genre d’album qui peut réarranger les molécules d’une pièce. Il peut imprégner votre appartement terne d’un vaste poids cinématographique. Il peut tuer une fête (ce qui est certes spéculatif) de la meilleure façon possible. Il peut remplir l’espace pendant que vous faites la vaisselle, rangez le linge ou arrosez les plantes, insufflant à toute activité ménagère ennuyeuse une brume de désir surnaturel.

Sanders, pionnier du « jazz spirituel », n’est pas étranger à cette approche transcendante du jazz expérimental, mais c’est un plaisir de l’entendre continuer à aller de l’avant, à chercher l’inconnu, plus d’un demi-siècle après Karma. Il y a une qualité intemporelle dans Promises, un sentiment impénétrable que l’album pourrait provenir de 30 ans dans le passé ou de 30 ans dans le futur. Bien sûr, c’est ce qui en fait une véritable collaboration intergénérationnelle, cette impression que le temps s’effondre sur lui-même. C’est dans l’espace vide entre ces deux générations, époques et disciplines créatives très différentes que quelque chose de remarquable se produit.

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Strings & Timpani: Voice & Strings & Timpani

7 janvier 2021

Voice & Strings & Timpani est le dernier projet du guitariste Stephan Meidell et du batteur Øyvind Hegg-Lunde, deux des figures les plus importantes de la nouvelle vague de la musique norvégienne. Ils sont également des piliers de la liste d’artistes de Hubro et de la vibrante scène musicale expérimentale de Bergen. Ils jouent tous deux dans le célèbre groupe de violonistes et d’enfants Erlend Apneseth ; Meidell fait partie du trio Cakewalk, et a ses propres projets en solo, notamment le Metrics Ensemble et TRIGGER, tandis que Hegg-Lunde joue avec Building Instrument, Electric Eye et le groupe indie Junip de Jose Gonzales. Ils ont travaillé ensemble pendant quinze ans et ont sorti quatre albums, d’abord sous le nom de duo The Sweetest Thrill, puis sous celui de Strings & Timpani. Tous deux ont collaboré avec d’autres artistes dans diverses formes d’art.

Il est important de détailler ces antécédents ou cette préhistoire car, à force de les écouter, on se rend compte que l’album actuel est vraiment très bon. Il semble même représenter un exemple parfait de ce moment mythique où un groupe ou une unité d’enregistrement passe soudainement à la vitesse supérieure et crée une œuvre vraiment inoubliable. Enregistré en partie lors d’un concert à succès au festival Nattjazz de Bergen en 2016, et en partie au studio Broen de Bergen – où il a également été mixé – en 2020, l’album est caractérisé par une attention absolument totale aux détails sonores. Le son étant maîtrisé par le légendaire producteur Jorgen Tr’en, il y a un souci impressionnant d’obtenir exactement le bon effet qui suggère une production de magnum opus épique, et épiquement expansif, d’un grand label plutôt qu’un indie à petit budget d’avant-garde. Et bien que la musique soit suffisamment sophistiquée pour faire sciemment un clin d’œil à un certain nombre de styles ou de références disparates, elle reste toujours très ciblée et contemporaine.

L’idée de ce projet était la celle d’Øyvind et de Stephan Meidell avac une volonté d’écrire de la musique pour des amis et des collègues de Bergen, des musiciens qui nous inspirent et qui font partie du même milieu qui a en partie les mêmes attitudes à l’égard de la musique et une approche commune du jeu. La somme de la musique qui en ressort est la partie essentielle ; faire de la musique ensemble, et non pas impressionner par des compétences virtuoses individuelles au sens traditionnel. De lien vient cette ferme confiance accordée aux voix individuelles, mais c’est la totalité de ces voix ensemble qui est la plus importante et qui est au cœur de la création musicale pour les musiciens, et plus particulièrement pour ce projet. Øyvind et Meidell sont les fondateurs et les compositeurs du projet et de la musique, mais en même temps,chaque voix individuelle soit entendue. L‘exercice’est délicat, mais cle résultat en vaut la peine à l’écoute.

Ainsi, les musiciens du sextet de l’album reflètent également l’identité du label Hubro, avec le prolifique artiste solo Stein Urheim, Mari Kvien Brunvoll de Building Instrument et Kim Åge Furuhaug de Super Heavy Metal parmi l’équipe de multi-instrumentistes. Le rôle des deux chanteuses/chanteurs, avec Brunvoll et Eva Pfitzenmaier, est particulièrement important pour le son global et la notion de voix » contenue dans le nouveau nom de Voice & Strings & Timpani. Leurs chœurs rythmiquement précis mais sans paroles peuvent rappeler le travail des chanteurs dans les projets minimalistes de Steve Reich et Meredith Monk, tandis que l’ajout de mots absurdes ou de poésie dadaïste ajoute une couche supplémentaire de défamiliarisation – une technique d’aliénation norvégienne ? – à la soupe épaississante d’influences et d’éléments.

En ce qui concerne l’utilisation de la voix, elle est durtout traitée scomme un instrument par une approche unique de l’utilisation des voix, qui est à la fois instrumentale et lyrique. Elles utilisent toutes deux des boucles et peuvent se fondre dans les effets, tandis que leurs voix caractéristiques se complètent tant au niveau du timbre que du registre. Elles ont toutes deux des projets en solo où l’on peut entendre cela : Le projet éponyme de Mari, et « By the Waterhole » d’Eva. Quant aux paroles pan-linguistiques , elles sont le fruit d’une recherche d’un son et d’une sensation – une texture – quand les paroles étaient en jeu et que le norvégien ne convient tout simplement pas, un mélange d’anglais et de français qui, ici, fait l’affaire.

L’origine de la musique est séduisante et mystérieuse, car Voice & Strings & Timpani peut ressembler à diverses influences et exemples tout en restant entièrement lui-même, tant les moments ou mouvements musicaux individuels sont intégrés dans le macrocosme de l’album dans son ensemble. L’ambiance bucolique de Grantchester, assurée par une guitare acoustique légèrement grattée et des effets ambiants peu substantiels, peut faire place à un refrain vocal hiératique aux percussions rituelles comme si elles provenaient d’une étrange mise à jour de « The Wicker Man », tandis que des bleeps et des bloops bizarres suggèrent une techno chill-out. Bien qu’il semble inévitable que les gens entendent des références dans cet opus, le processus de création a été totalement dépourvu de groupes ou d’artistes spécifiques ; façon remarquable d’ouvrir son esprit et de le laisser s’exprimer.

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Dan Weiss:  » Natural Selection »

4 septembre 2020

Le batteur et compositeur Dan Weiss poursuit une série d’albums fascinants depuis plus de dix ans. Il a vraiment atteint son apogée en 2014 avec Fourteen, et a poursuivi ses explorations sur une base annuelle ou bisannuelle. Natural Selection est le deuxième album de sa formation Starebaby qui comprend Matt Mitchell au piano et au synthé, Craig Taborn au piano, Fender Rhodes et au synthé, Ben Monder à la guitare et Trevor Dunn à la basse.

Le groupe continue à naviguer dans les compositions serpentines de Weiss, cette fois-ci sur huit morceaux de longueurs différentes. Bien qu’il soit surtout connu comme batteur de jazz et qu’il se dirige vers la fin créative de ce genre, Weiss combine ici des influences englobant le rock progressif, le métal, le psychédélisme… et oui, le jazz. Mais sur cet album, ces parties se rejoignent de manière encore plus harmonieuse que sur le premier album du groupe.

À ce stade, « Episode 1 »8 commence avec des riffs lourds de Monder, Dunn et Weiss qui varient entre des cycles rapides et des accords plus lourds. Taborn et Mitchell se joignent au groupe pour créer des atmosphères, puis participent à une pause d’improvisation libre à cinq avant de revenir au thème principal. « Head Wreck « est un autre brûleurmorceau de choix puissance de Monder sur un rythme décalé. Taborn fait des solos sur le Rhodes tandis que Mitchell ajoute des lignes de synthétiseur propres et aiguës. Vers le milieu du morceau, le groupe entier se rassemble avec des motifs en staccato agressifs. « A Taste of Memory », en revanche, commence par un piano solo mélancolique. Monder apporte la guitare fuzz, puis se lance dans un ensemble complexe de thèmes avant-rock accompagnés par tout le groupe.

Natural Selection se déchaîne, se déchire, se livre, se balance, s’introspecte et prend des directions inattendues. C’est une suite plus que convenable de Starebaby, et un autre must dans la discographie croissante de Weiss.

***1/2


Tim Stine Trio: « Fresh Demons »

24 mai 2020

Le guitariste Tim Stine est une présence créative sur la scène musicale de Chicago depuis plus de dix ans maintenant. Originaire du Dakota du Nord, il a sorti des enregistrements avec son quartet et son trio, et a joué en tant que sideman avec de nombreux musiciens parmi les plus intéressants de la ville. Fresh Demons est le deuxième album de son trio avec le contrebassiste Anton Hatwich et le batteur Frank Rosaly ; enregistré en janvier 2018, il fait suite à leurs débuts éponymes de 2016.

Stine a composé les huit titres de l’album et joue de la guitare acoustique sur chacun d’eux. Cela donne un son un peu inhabituel pour un trio guitare-basse-batterie, mais il est très efficace et parfaitement adapté à la substance asymétrique et chromatique typique des compositions de Stine, structurées de manière thématique.

Stine est un excellent guitariste ; lors des passages écrits et improvisés, il joue de longues lignes fluides qui poussent contre le son naturellement staccato de la guitare acoustique. La contrebasse pizzicato de Hatwich, autre voix à prédominance staccato, double et contrepoint les mélodies de Stine et soutient activement ses improvisations. Non moins important pour le son du groupe bien intégré est le battement de tambour de Rosaly – il est fluide et propulsif, et fait swinguer les compositions rythmiquement complexes de Stine.

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Liberty Ellman: « Last Desert »

5 mai 2020

Liberty Ellman est un guitariste bien connu pour ses contributions à Zooid d’Henry Threadgill, mais il a également collaboré avec un certain nombre d’autres personnes de la scène du jazz moderne. Sur ce quatrième album, il est accompagné par Steve Lehman au saxophone alto, Jonathan Finlayson à la trompette, Jose Davila au tuba, Stephan Crump à la basse et Damion Reid à la batterie.

Ellman a un pied dans la tradition et un autre dans un lieu beaucoup plus aventureux. Sans être ouvertement avant-gardiste, les compositions d’Ellman sont noueuses et stratifiées, parvenant à être complexes, intellectuelles et exploratoires sans aller très loin ni s’appuyer sur des techniques étendues. Il joue en grande partie sans distorsion.

Par exemple, la paire de titres, « Last Desert I » et « Last Desert II », varie entre des thèmes contrapuntiques pour des sous-ensembles plus petits du groupe, et des séances d’entraînement impliquant les six membres. L’interaction entre Ellman, Finlayson et Crump, en particulier, a à la fois la délicatesse et la force d’un morceau de musique classique.

Mais il y a aussi des ruptures dans des grooves subtils, quelques éléments de bourdonnement, un ou deux solos, et des contributions agressives et précises de Reid. Lehman ajoute un solo de saxophone discordant sur un schéma rythmique irrégulier, puis Davila joue seul pendant un moment avant que le reste du groupe ne se joigne à lui pour un ensemble de mélodies complexes.

En revanche, Rubber Flowers a un thème principal accrocheur – mais complexe – et un groove plus perceptible. Le Doppler offre des éclats de cor staccato sur un rythme plus soutenu et un jeu relativement discret de la part d’Ellman.

Quelle que soit la structure, Ellman aborde ses compositions avec intelligence et sensibilité. C’est loin d’être un album solo de guitariste.  En effet, Last Desert peut facilement être placé sur la même étagère que ses meilleurs enregistrements – ce qui en dit long.

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Moon Hooch: « Life on Other Planets »

25 janvier 2020

Ce groupe est un peu hors de toute expertise ce qui veut dire que chacun peut y trouver quelque chose à glâner. Ça n’a rien de rédhibitoire car si ils sont ainsi hors-norme, ils le sontde manère parfaitement cool et fluide. En même temps Il y a beaucoup de choses qui rendent Moon Hooch unique – d’abord, c’est un trio formé de deux saxophones et d’une batterie seulement. Ils sont, en outre, essentiellement tous instrumentaux, leurs compositions sont, pour la plupart , improvisées, et l’album est une série de performances studio enregistrées en une seule prise.

La genèse de chaque chanson provient principalement de vérifications de son. Ensuite, ils continuent à peaufiner ces vajustements, puis à essayer les chansons sur scène. Cela a évolué depuis les débuts du groupe, qui se déplaçait dans les rues de New York, jouant souvent sur les quais du métro. La police de New York a dû les bannir de certains lieux, car la foule ne pouvait pas être contrôlée en raison des danses excessives qui s’ensuivaient. 

Leurs tonalités ont certainement une influence jazz prédominante, mais ils sont de nature uptempo et mélangent des styles R&B, techno, EDM et funk. « Candlelight », par exemple, est une tempête de genres, tourbillonnant dans une avalanche de jam qui semble pouvoir dérailler à tout moment… mais qui ne le fait pas. 

Autres favoris : le premier morceau, « Nonphysical » ; il arrive rapidement avec une mélodie accrocheuse qui vous fait taper du pied et vous fait savoir que vous allez avoir droit à quelque chose de frais dès le départ. « Old Frenchman » démarre une fois de plus avec une mélodie accrocheuse, accompagnée d’un solo. On piurra privilégier ces morceaux aux mélodies claires et distinctes, qui sont thématiquement et implacablement percutantes. Le dernier morceau, « #4 Sol », fera tournoyer l’album jvers une conclusion, elle, plus tapageuse.. 

Si vous cherchez à sortir de vos limites et à trouver quelque chose de différent qui ne manquera pas de vous faire vibrer, tentez alors votre chance sur Life on Other Planets de Moon Hooch.

***1/2


Charles Rumback & Ryley Walker: « Little Common Twist »

8 décembre 2019

Si un artiste fait appel aux standards de l’expérimentation et joue d’une guitare dans les environs de Chicago, est-ce qu’elle sonnera sempiternellement comme le « And You, These Sang  » de Ryley Walker et sa guitare fraîche et robuste aux styles multiples, soit vingt ans plus jeune que les jartistes de Chicago des années 90 ?

il existe une ligne directe avec apparemment aucun biais contre la génération. Le numéro susmentionné du deuxième album collaboratif de Walker et percussionniste Charles Rumback, Little Common Twist, couve avec autant de contemplation meurtrière et de jazz noir que,le « Along the Banks of Rivers » de Tortoise et datant de deux décennies.À savoir un timbre particulier et apparemment inimitable, sûrement reproduit ici sans le vouloir.

Common Twist est un disque à moitié ambiant/drone et un autre à moitié acoustique à joué en accords ouverts. Cette dernière marquera un retour bienvenu aux racines de Ryley, après une année 2018 riche en sorties électriques. « Half Joking » rappellera la déconstruction du principe de John Fahey par Gastr del Sol, tandis que les curieuses harmoniques itinérantes de « Self Blind Sun » insufflent une vie qui sera un parent éloigné de la célèbre gestalt de The Gap de Joan of Arc. Dans « Ill-Fitting / No Sickness », Rumback s’installe dans un rythme raga pour compléter le violon d’accords ouvert de Walker. Leur dualité méditative s’étend sur le territoire d’un combo comme 75 Dollar Bill .

Le disque se veut également vécucomme un abandon de sa structure. Flottant sur les boucles gutturales de la basse droite de l’invité Nick Macri, « Idiot Parade » s’enfoncera dans un embouteillage pour conjuguer la transes avecune caisse claire qui se détachera et Rumback qui apporetra un shuffle régulier. « Menebhi » augmente la mise, et « If You’re Around and Down » capitalisera une fois de plus sur ce son chaud sans fil de caisse claire et dessinera comme un bain apaisant pour les sens alors que les pulsations des cordes de Walker résonnent de loin, se superposant les unes aux autres de manière astringente.

Toutes les personnalités mélodiques de Walker font leur apparition ici et Rumback s’adapte à chacune d’elles, qu’il s’agisse de construire un crescendo simple sur « Worn and Held » ou de se rendre complice du slimat hanté de « These Sang ». Ils ne se surpassent étonnamment jamais les uns les autres, travaillant en tandem pour créer quelque chose de rare dans un effort de collaboration qu’ils se décrivent eux-mêmes. Alors que la plupart de ses effets se traduisent par des séances de vibrations sans inhibition, Little Common Twist offre une exploration informelle et intentionnelle.

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Bill Wells & Aidan Moffat: « The Most Important Place In The World »

16 mars 2015

Ce deuxième album de Bill Wells & Aidan Moffat débute sur un « On The Motorway » , une ode étrange puisqu’elle vante les mérites de se retrouver coincé sur l’autoroute, à la foid énervé et perclus par cet ennui que la situation provoque. C’est un titre emblématique de The Most Important Place On The World car nous sommes à un croisement et que le disque s’avérer être une sorte de « road album » naviguant tout au long de la vie, de l’amour, du sexe aussi ; bref tout ce qui a le corps et le coeur. L’opus va s’écouter comme un hymne à la ville, destination finale, dans ce qu’elle symbolise : la tentation, l’ange gardien, le lieu des grandes passions et la confidente. « The city wants to take me back… her legs are spread » chante Moffat explicitement devant un feu clignotant comme une oeillade. Le narrateur prendra-t-il le bon tournant ? C’est l’écoute qui nous permettra peut-être de le déterminer.

« On The Motorway » indique un changement de direction mais cela n’implique pas que, musicalement, des frontières ont été malmenées. Les « torch songs » mélodramatiques et avant-jazz et la cocktail-pop poétique qui définissaient le « debut album » des deux écossais, Everythings Getting Older meilleur album écossais de l’année 2012), sont toujours aussi appuyées comme en témoignent des titres de la nature de « This Dark Desire », « Far From You » ou « Any Other Mirror ». En revanche, les bifurcations y sont pléthoriques ; un gospel calédonien (sic!) (« Street Pastor Colloquy, 3am »), une electro-pop euphorique (« The Eleven Year Glitch »), une élégie jazzy à la Tom Waits (« Lock Up Your Lambs ») sans oublier la « power ballad » rongée par la culpabilité qu’est « The Unseen Man ».

Moffat est toujours à son aise dans la pop noire teintée d’érotisme (« Nothing Sounds sweeter than a stolen sigh »), un librettiste vagabond qui s’avère être un loup-garou (« I howled a pem at the first moon I saw ») et un naturaliste urbain contemplant la vie sauvage qui y règne («  This is the soul of the city, her glory stripped, her passions laid bare »). Les mélodies de Wells sont étayées par un piano raffiné et les chorus jazzy sont aussi fascinants et charmeurs qu’ils l’étaient déjà sur le disque précédeent.

S’y ajoutent des saxos, des trompettes et des cordes qui ajoutent embellissement et ravissement, le tout ponctué par ce feu clignotant qui rythmera le chant du cygne de l’album, « We’re Still Here ». The Most Important Place On The World est une sorte d’hommage à ce qu’est de vivre à la croisée de chemins, d’en franchir certains au travers de mots et de musiques , de se heurter à des murs et de faire preuve de résilience en notre capacité à défier les obstacles. C’est une célébration de la précarité de la vie, mais c’est aussi cet endroit le plus important du monde qui nous permet, en frôlant les abîmes, de rester vivants.

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