Elizabeth S: « Gather Love »

25 novembre 2021

Voici des os mis à nu et exposés ! Un pèlerinage de chansons de l’artiste aux multiples talents et épouse de Martyn Bates (Eyeless In Gaza), cette collection de compositions devrait être distribuée de manière éthique à tous les habitants de cette triste terre en ce moment. Bien sûr, la plupart d’entre eux peuvent penser qu’il est trop tard, mais pas si vite. Elizabeth S. (le S. est l’initiale de son nom de jeune fille) Bates a une vision du verre à moitié plein plutôt qu’à moitié vide, et une invitation chaleureuse à inspirer l’espoir et la bonté à la race humaine au lieu du chagrin. L’étendue de son travail va d’une réminiscence presque endeuillée à des portraits éthérés, en passant par des illustrations sonores symboliques. Avec un hameçon profondément ancré dans le folk britannique traditionnel et un flottement sur des traitements électroniques modernes, des parfums floraux de sourire, cette collection approfondie est un phare sur les mers sombres et orageuses.

Quatorze pistes de journal intime, de conversation, de prévoyance et de rétrospective, toutes déposées pour que le monde puisse les admirer, s’instruire, ou au moins les absorber d’une manière sordide. Ce verset silence est un choix que seuls les imbéciles totaux ignoreraient. Si le morceau d’ouverture « The Carter Girl » n’étouffe pas votre âme et ne fait pas fondre votre cœur dans une belle félicité, alors détournez-vous et courez aussi vite et aussi loin que possible – et considérez-vous comme perdu. La chanson est basée sur la mère d’Elizabeth, qui chantait l’opéra et aimait aussi des groupes comme les Rolling Stones. Le piano et le mélodica sont utilisés, ce qui rappelle l’époque où Elizabeth, alors qu’elle était pré-adolescente (10 ans), enregistrait la voix de sa mère sur une bobine à bobine alors que celle-ci était encore cohérente, avant que le vol de la maladie d’Alzheimer ne vienne l’interpeller. En fait, la plupart des chansons sont écrites pour sa mère, mais certains morceaux comme « Weathered Life » parlent de son cousin qui a dû faire face à sa sexualité. Un morceau précieux utilisant le mélodica, le dulcimer, le banjo et bien sûr la voix. « No Rain » utilise un sample de « John Of Patmos » de EIG (sur leur album « Photographs As Memories). Et « To » a été enregistré avec un téléphone portable de 6 ans, mais vous ne le sauriez jamais.

S’il y a un pendant à Martyn Bates et un hybride de Dolly Collins, June Tabor, Laurie Anderson et Kate Westbrook, alors ce serait sans aucun doute Elizabeth S. Il y a une facilité avec laquelle elle peut doucement passer de la tendresse à l’abstraction, et rester fermement ancrée dans un arrangement clairsemé. Elle et son frère aîné jouaient autrefois dans des clubs de musique de style Pentangle, ce qui fait que les racines folkloriques sont apparues très tôt dans sa vie. Cet album solo est si vrai et si profond que l’on peut le qualifier de soulful (si l’on entend par soulful plus que le rhythm and blues). Elle a fait tout cela selon ses propres conditions, son temps, ses méthodes et ses machines. Sans pressions inutiles ni influences extérieures, cette femme a rassemblé des enregistrements de 2016 à 2020 pour en faire un album très spécial et inoubliable. Sur « Misborn », elle utilise une guitare, un banjo et une sonnette à remontoir traitée avec les effets de Final Cut Pro. Il s’agit d’un réveil similaire à celui que Eyeless In Gaza utilise souvent parmi les morceaux célestes et sombres pour vous faire sortir de votre confort, mais pour un court instant seulement. La piste suivante (la chanson titre « Gather Love ») est composée d’un violon traité, d’un banjo céleste et de voix flottantes. « T. City Waltz «  a été réalisé avec Paul Le Hat, et est luxuriant bien qu’il contienne un sentiment de fête joyeuse avec un rythme de valse à trois quarts (comme le suggère le titre), et à la fin vous laisse dans un rêve. Cette chanson et « Compass » parlent toutes deux de son amour pour des villes ou des pays particuliers., ici la Grèce.

« Wanderlove »date de 2019 et est une chanson de Mason Williams qu’elle a enregistrée avec Alan Trench, qui y joue également du drone. Vient ensuite une nacre appelée « The Devil’s Nine Questions/Karyae « , avec Alan Trench, sa femme R. Loftiss et Martyn Bates aux chœurs, une œuvre d’art puissante, obsédante et inéluctable pour les oreilles et l’âme. C’est le morceau le plus long de l’album, avec 7:34 minutes. L’atmosphère est surnaturelle et plus que magnifique. La dernière chanson est «  Baia/Karyae « , une reprise d’une composition d’Edmundo Ros, l’une des préférées d’Elizabeth qui pense ne jamais pouvoir lui rendre justice, mais qui a aimé essayer ici. Le « Karyae » est revisité avec R. Loftiss aux chœurs. Gather Love  » est une chanson émouvante, pure avec l’esprit humain, celle de l’intégrité, portant un pardon, une certaine douceur, et ce qui ressemble à une grande épitaphe. Vivement recommandé !

****


Širom: « A Universe That Roasts Blossoms For a Horse »

14 janvier 2021

Le deuxième album du trio slovène Širom, A Universe that Roasts Blossoms for a Horse, est un spectacle surréaliste : intelligent, vif et souvent superbe, même s’il devient parfois un peu sédatif dans ses méandres harmoniques. Sifflements mis à part, c’est un disque vraiment intéressant. Il mélange le minimalisme et le folk des Balkans d’une manière qui semble se déformer, fondre et dégouliner comme une horloge de Dali. Des œuvres d’art et des titres de chansons étranges et démoniaques comme « Sleight of Hand with a Melting Key » et « Low Probability of a Hug » donnent ce ton délibérément bizarre, tandis que les trois membres du groupe – Ana, Samo et Iztok – se délectent à explorer les timbres d’une liste d’instruments de plus en plus restreinte.

La topographie du disque peut sembler superficiellement aléatoire – les gémissements cérémoniels et les cordes glissantes qui ouvrent « A Washed Out Boy Taking Fossils From A Frog Shack » nous placent dans une sorte de mise en transe improvisée – cependant, d’un point de vue stylistique, la musique est assez cohérente. Le minimalisme à la Riley est le domaine dans lequel nous évoluons, et le troisième morceau, « A Pulse Expels its Brothers and Sisters », en est un bon exemple. Avec l’habileté délicate et bien placée des meilleurs compositeurs minimalistes, le groupe développe un monde sonore qui voit les accords sifflants sur une variété de cloches métalliques former un ostinato cyclique, usurpant la rigidité mécanique de l’ouverture percussive de la chanson. Ces périodes robotiques – inévitables dans un minimalisme comme celui-ci – ont cependant un certain charme dans leur prévisibilité, surtout si l’on tient compte du contrepoint chaleureux apporté par l’autre thème principal du disque.

Les tendances folk de Širom fournissent cette autre moitié, la fusion qui rend le son de ce disque si unique. Sur « Sleight Of Hand With a Melting Key », le son féroce des mandolines et des chants de type waif compense parfaitement les motifs gamelan, un répit de la frénésie répétitive. Les mélodies qu’ils créent ici sont vraiment douces : »Low probability of a Hug » comporte de longues sections où de jolies lignes émergent, flottant sur le bourdonnement et la confusion créés par la gamme phénoménale d’instruments dont chaque membre joue. Cette combinaison de folk et de minimalisme donne à l’ensemble un aspect rituel, presque anachronique : des images de danses païennes effrayantes autour d’un feu crépusculaire en pleurs s’échappent de la musique.

Cependant, cette fusion est aussi la cause du principal écueil de l’album : à la fin, on a l’impression d’avoir entendu tout ce que ce mélange de genres a à offrir. C’est une combinaison séduisante, mais en fusionnant le folk et le minimalisme, le groupe expose en fait les limites de sa propre création. Alors que la plupart des musiques classiques contemporaines et même le minimalisme du XXe siècle tirent leur intrigue de changements d’accords étranges et conflictuels, en la maintenant dans un contexte folk, les Širom ne sont ancrés que sur une ou deux zones tonales. La musique peut donc sembler plutôt statique : une petite montre-bracelet contenue plutôt que les grandes machines de Rube Goldberg que le minimalisme plus harmoniquement expressif a tendance à ressentir. Ce n’est pas qu’il s’agisse d’un groupe qui n’a qu’un seul tour dans son sac, et le disque ne semble jamais manquer d’aventure – le début de « A Pulse… » met ces deux idées au placard – c’est juste qu’à la fin, on a l’impression que c’est un album piégé par les limites harmoniques qu’il s’est lui-même imposées.

Entre l’ordre et le chaos, A Universe that Roasts Blossoms for a Horse donne l’impression d’un long voyage dans une machine entropique, programmée pour descendre dans la boue et le vacarme. En tant que tel, il n’est jamais ennuyeux, mais on souhaite parfois qu’il ait quelques endroits supplémentaires où aller.

****