The Smile: « A Light For Attracting Attention »

12 mai 2022

The Smile est un projet auquel participent Thom Yorke et Jonny Greenwood de Radiohead, ainsi que le batteur du groupe de jazz Sons of Kemet, Tom Skinner.  À la première écoute, l’album semble très proche d’un Radiohead de niveau moyen, c’est-à-dire assez bon mais rien d’extraordinaire.  L’ouverture « The Same » n’indique pas vraiment ce qui est à venir, celle-ci est largement électronique, et c’est une première chanson assez intrigante.  « The Opposite » est beaucoup plus représentatif, comme un Radiohead de l’après-guerre, un art-rock nerveux et tendu.  « You Will Never Work In Television Again » présente des guitares plus musclées de Yorke et Greenwood que ce que nous avons entendu depuis des années de la part de ces deux-là.  « The Smoke » sonne comme s’il aurait pu être sur The King of Limbs, tandis que « Thin Thing » est tout en rythmes nerveux et en guitares inquiétantes et dérangeantes.

Les chansons plus dépouillées fonctionnent généralement très bien.  « Pana-vision » a une partie de piano qui commence de manière sinistre mais qui se transforme en quelque chose de plus majestueux, ce qui leur va bien.  L’excellent « Speech Bubbles « s’ouvre sur le chant de Yorke, au sommet de son registre, qui introduit un morceau chargé de cordes et de mélancolie.  Ils sont capables d’une grande beauté dans la ballade au piano « Open the Floodgates » et dans la strate acoustique « Free In The Knowledge », toutes deux tour à tour sereines et planantes.  Plus tard, des claviers nerveux introduisent « Waving A White Flag » avant que le morceau ne se transforme en une joie au rythme glacial, tandis que l’avant-dernier morceau » We Don’t Know What Tomorrow Brings » est l’un des meilleurs ici, un morceau furtif et inquiétant qui avance à un rythme décent.  Il y a une influence certaine de Joy Division qui se glisse dans ce morceau, l’une des chansons les plus sombres mais les plus belles dans lesquelles Yorke a été impliqué.

On peut s‘interroger encore sur la nécessité d’appeler cela un projet parallèle, car il n’est pas du tout éloigné de Radiohead !  Thom Yorke semble un peu plus libre, plus détendu, mais la différence est minime.  Ce qui est probablement un compliment, c’est que cet album est aussi fort que n’importe quel album récent de Radiohead, et les fans vont certainement l’adorer.

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Frog Eyes: « The Bees »

7 mai 2022

Les indie rockers de Vancouver que sont Frog Eyes, avaient cessé sleurs activités après l’album Violet Psalms en 2018 et ont fait un bref passage sous le nom de Soft Plastics. Il s’agit d’une courte période de rêve pour un groupe qui a toujours eu l’impression de filer les chansons comme de la barbe à papa. Contrairement à d’autres auteurs-compositeurs canadiens comme Dan Bejar de Destroyer ou Spencer Krug et Dan Boeckner de Wolf Parade, le chanteur et guitariste Carey Mercer semble s’accommoder de la position excentrée de son groupe dans l’industrie musicale. Il est toujours à quelques pas du succès, mais ne manque jamais de livrer les bonnes choses. L’album le plus proche de Frog Eyes a été Tears of the Valedictorian en 2007, un album épique sorti pendant la courte période où le rock indé était le plus délirant et le plus obscur, un endroit que Frog Eyes connaît très bien. Le projet a toujours fait preuve d’une grande véracité punk, mais l’a tempérée par des recueils de compositions art-rock bien burinées.

Comme il y a quelques années, la voix de Mercer est toujours la pièce maîtresse de tout bon morceau de Frog Eyes. Elle grogne, roucoule et s’enroule autour de chaque texte maniaque comme un serpent à sonnette enroulé. Sa performance inimitable sur The Bees est encore plus impressionnante après avoir survécu à un diagnostic de cancer de la gorge en 2013. Variant en longueur, en tonalité et en cadre, ces 10 titres sonnent comme une nouvelle ère, tant pour son chant que pour son trio d’accompagnement qui l’a poussé. Le propulsif « Rainbow Stew » ouvre le disque sur une note élevée alors que le groupe continue de travailler vers la crête de la vague avant d’atterrir sur le morceau titre. Le premier extrait, « When You Turn on the Light », est une chanson inspirée de la vie en appartement. Mercer, 21 ans, entre dans sa chambre en fin d’après-midi, encore sous l’emprise des vapeurs de peinture à fresque de la nuit précédente, et trouve le gérant de l’immeuble en train de regarder « le paysage d’ombre infernal qui scintille des reflets des lampadaires sur la peinture émaillée » (hellish umber landscape that glittered street light reflections from the enamel paint ).

Mercer écrit généralement des nouvelles musicales comme « Light » et « Here Is a Place to Stop », qui sont souvent un mélange enivrant de rêve fiévreux et de beuverie de week-end. Certains des meilleurs productions de Frog Eyes (The Golden River et The Bloody Hand) gèrent bien cette dichotomie, et The Bees s’en approche sacrément. La batteuse Melanie Campbell et la claviériste Shyla Seller créent l’ambiance sur « I Was an Oligarch », « A Rhyme for the Star » et « He’s a Lonely Song », tandis que Mercer fait tournoyer la mise en scène dans sa bouche comme un riche vin tannique.

« Lonely Song » en particulier est l’un des meilleurs morceaux de rock sans fioritures de Frog Eyes depuis presque une décennie. Mercer raconte l’histoire de son père, assis au bord de son lit, qui le rassure en lui disant que Dieu n’est pas mort, mais qui lui remplit aussi le cerveau d’images de pionniers américains massacrant des bisons et empilant leurs cadavres sous un soleil malade et blafard. C’est le monde naturel de Frog Eyes, où les pères parlent du coucher de soleil d’une espèce et où leurs fils luttent contre la mort de cette lumière. Profitez du voyage tant qu’il dure – comme le chante Mercer sur le dernier morceau de The Bees, « tout meurt et tout brille » (everything dies and everything glow).

***1/2


Silverbacks: « Archive Material »

27 janvier 2022

Silverbacks, groupe de art-rock basé à Dublin, reviennent ici avec leur deuxième album Archive Material, qui fait suite à Fad, sorti en 2020. Dans cenouvel opus, ils tentent d’exprimer la nature absurde et confuse de notre monde post-pandémique dans un disque qui atteint des sommets punk foudroyants et des creux mélancoliques et introspectifs.

Archive Material s’ouvre sur le morceau titre une composition qui prépare habilement l’auditeur à la cacophonie qui l’attend. Avec une batterie qui martèle et des guitares teintées de surf qui sonnent comme un « California Uber Alles » actualisé pour les temps modernes, le chant a un air de menace, hurlant la monotonie du monde moderne et quotidien. Des paroles telles que « J’ai des amis en cravate, en creusant dans les archives. Même la mort ne te ramènera pas » (I got friends in a necktie, while digging in the archive. Even death won’t take you back) soulignent le sentiment de frustration qui imprègne la majorité du disque.

Ce sentiment d’exaspération se poursuit sur des morceaux tels que « A Job Worth Something », « Rolodex City » et « Recycle Culture », ce dernier étant le plus direct dans son sentiment de frustration. Dès le début du morceau, le bruit des guitares enfle et s’amplifie, ne demandant qu’à jaillir des haut-parleurs et à vous attraper par le col. Le morceau se transforme en un cri cathartique, Silverbacks s’en prenant à la culture du « faux-sauveur. » C’est le message politique le plus direct et le plus précis de l’album et c’est une sortie dont on avait bien besoin.

Archive Material n’est pas seulement un album de punk exaspéré : c’est un disque qui n’oublie pas de mettre son âme à nu de temps en temps, de couper les commentaires et d’aller à l’essentiel tout en gardant un côté hargneux. On peut le constater sur « They Were Never Our People », qui ralentit le tempo et minimise la structure mélodique. Avec un simple riff de guitare et un battement de tambour soutenant les voix dans les couplets, il a une qualité presque parlée avec une intimité qui est à la fois captivante et troublante. Il saisit l’auditeur et refuse de le lâcher pendant toute la durée du morceau, et c’est peut-être le morceau le plus captivant de tout l’album.

Avec leur deuxième album studio, Silverbacks a mûri et grandi, mais ne s’est certainement pas reposé sur ses lauriers. Plus rapide, plus dur et plus direct que sur son premierdisque, Archive Material est un album beaucoup plus complet. Pour votre dose quotidienne d’agressivité brute, punk, avec un côté école d’art, ne cherchez pas plus loin quenos Dublinois.

***1/2


Foxing: « Draw Down the Moon »

28 août 2021

À bien des égards, il est clair que le nouvel album de Foxing, basé à St. Louis, MI, représente l’aboutissement de quelque chose qu’il a construit pendant la meilleure partie de la décennie. Depuis qu’il a conquis le cœur et l’esprit des auditeurs avec son premier album, The Albatross, en 2013, le groupe a pris soin de ne jamais se répéter, la répétition étant négligée au profit du raffinement. Tous les groupes doivent le faire afin de se développer dans la meilleure version d’eux-mêmes ; Foxing l’a fait deux fois : une fois sur Dealer en 2015, un opus qui a élargi la palette sonore de leurs débuts, offrant des indices sur leur prochain mouvement dans le processus – et une fois encore ici.

Essentiellement, Draw Down the Moon peut être considéré comme une version raffinée de leur album Nearer My God, paru en 2018, qui a permis au groupe d’atteindre des sommets avec une ambition louable. Si l’on a parfois l’impression qu’il y a beaucoup de choses à assimiler, c’est le but recherché. Le quatuor s’en est tellement sorti qu’il semblait que tous les paris étaient ouverts lorsqu’il s’agissait de deviner où ils se dirigeaient ensuite ; puis, l’année dernière est arrivée, et comme si cela ne suffisait pas de faire dérailler leurs plans pour 2020, le guitariste Ricky Sampson a quitté le groupe. Moment malheureux ou simple malchance ? Quoi qu’il en soit, comme l’indique la chanson dépouillée qu’est «  At Least We Found the Floor », le groupe a connu pire (une location détruite en 2016, un an après s’être fait voler 30 000 dollars de matériel) ; il monre ici qu’il en fallait plus pour l’arrêter.

Le trio restant, composé de Conor Murphy (chant/guitare), Jon Hellwig (batterie) et Eric Hudson (guitare/voix), a pris l’album sur lequel il avait passé la majeure partie duconfinement à travailler et a décampé pour Atlanta afin de passer aux choses sérieuses, avec l’aide notable d’Andy Hull du Manchester Orchestra. Il est facile de les imaginer ébranlés par la perte d’un membre à un stade critique de la création du nouveau disque, mais cela ne pourrait être plus éloigné de la vérité ; Il y a de la confiance dans chaque note, dès les premières mesures tremblantes de « 737 », qui passe d’un murmure à un cri d’une manière presque littérale, tant est grande la puissance déchaînée par l’entrée du groupe au complet juste après deux minutes et demie – batterie bruyante, lignes de guitare brûlantes, cuivres auxiliaires – la lourdeur pure de tout cela, couronnée par la voix déchirante de Murphy, frappe comme un coup de poing. Dans les derniers instants, la ligne de guitare d’ouverture réapparaît, déformée et presque méconnaissable, sous l’effet du virage agressif à gauche du pont de la chanson, alors qu’elle se fond dans les tambours électroniques qui ouvrent la voie à « Go Down Together ».

« Depuis que j’ai commencé, je n’ai pas arrêté de chercher la bagarre » (Ever since I got going, I’ve been going for broke), chante Murphy, avec une détermination sanglante dans la voix. Dépouillé de son contexte dans une chanson sur la lutte contre le désespoir et les dettes, c’est un excellent résumé de la situation dans laquelle se trouve son groupe en 2021. La dernière fois, Foxing s’est lancé dans un troisième album expérimental et bizarrement provocateur ; son successeur leur donne un nouveau coup de fouet, mais la concentration est l’ingrédient clé. Il tient le chaotique « Where the Lightning Strikes Twice », qui roule avec jubilation sur le groove en doubles croches de Hellwig. Il jette un regard plus approfondi sur l’esprit d’insouciance et de motivation qui anime les trois membres du groupe ; c’est un hymne à la poursuite du succès sur des mélodies grandiloquentes, avec un solo de guitare qui oscille entre le sublime et le ridicule, sans oublier Hellwig qui joue à fond la caisse alors que la chanson se dirige vers sa fin.

« Beacons », par contre, est le morceau le plus direct de Foxing, et il est certain qu’il résonnera d’une manière similaire à celle de la chanson titre de Nearer My God. Cette composition vante un caractère dance-pop et est sans doute le refrain le plus fort que le groupe ait écrit jusqu’à présent. Elle se marie bien avec « Draw Down the Moon, une chanson d’amour grandiose pour ceux qui la poursuivent en dépit de ses – et de leurs – imperfections : « (Through the valleys in the dark/I fall apart, you pick me up/As impossible as I can be » (À travers les vallées, dans le noir, je m’effondre, tu me ramasses, aussi impossible que je puisse être). Aimer et être aimé, avec tous ses défauts, est ce que l’on peut demander de mieux, et les déclarations de Murphy sont intensément ressenties. De la même manière, la déferlante « Bialystok » chante les louanges de la connexion émotionnelle, un doigt d’honneur en guise de représailles face à un univers froid et indifférent. La signification cosmique est un thème majeur de l’album, tout comme l’idée que la vie continue malgré les traumatismes et les revers. Ce groupe, comme il l’a déjà prouvé et le prouvera sans doute encore, est résistant.

L’avant-dernier morceau, « If I Believed In Love », est divisé en deux, avec des couplets pensifs et un refrain cathartique. Il s’agit d’un autre exemple de la capacité du trio à s’aventurer dans de nouveaux territoires musicaux, apparemment à volonté, et à préparer « Speak With the Dead » pour clore l’album. Il le fait avec aplomb, structuré plus comme une suite qu’autre chose, son récit poignant de Murphy souhaitant contacter quelqu’un qui est décédé fournit une conclusion émotionnelle appropriée à un album qui plonge dans les profondeurs sombres mais est toujours guidé par le clair de lune. Avec l’aide de Yoni Wolf de Why? aux chœurs, la chanson se construit progressivement jusqu’à atteindre un point culminant, alors que Murphy décide d’honorer le défunt en existant tout simplement : « Où que j’aille, tu es là » (Wherever I go, there you are). Le morceau s’évanouit dans l’éther, laissant à l’auditeur un bref moment pour réfléchir à tout ce qui s’est passé auparavant. Foxing continue de se surpasser, et Draw Down the Moon est à la fois son album le plus concentré et le plus accompli à ce jour.

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Spellling: « The Turning Wheel »

1 juillet 2021

S’il y a une personne capable de créer une comédie musicale de Broadway se déroulant dans l’espace, c’est bien Chrystia Cabral (connue sous son pseudonyme loufoque Spellling). Avec son troisième album, The Turning Wheel, Chrystia Cabral a poussé encore plus loin son affinité pour la théâtralité et les productions de science-fiction spatiales de ses deux précédents albums, créant ainsi son projet le plus maximaliste et somptueux à ce jour.

Le caractère grandiose de la production de The Turning Wheel est perceptible dès le premier morceau, « Little Deer », avec des sections de cuivres et de cordes qui accompagnent la voix aiguë de Cabral, comme si elle chantait devant une classe d’enfants. L’aspect Lewis Carroll des textes de l’album ne fait qu’accentuer cet effet, en particulier sur un titre comme « Emperor with an Egg », où elle chante l’empereur en titre, qui est aussi un oiseau.

Bien que Cabral aime s’aventurer dans les domaines mythiques et animaliers dans sa musique et ses paroles, elle est tout aussi enthousiaste à l’idée de garder les choses enracinées dans les questions humaines, traitant des difficultés des relations amoureuses dans des titres comme « Always » et la chanson titre « Turning Wheel ». Dans « Boys at School », d’une durée de sept minutes et demie, Cabral aborde les épreuves et les tribulations de la vieillesse du point de vue d’une adolescente, et le reste de l’album la voit trouver et comprendre son pouvoir dans la maturation avec un sens hanté de l’enchantement.

La fin épique de « Magic Act » ressemble presque à une reprise de « Real Fun » de son précédent album, Mazy Fly. Des moments comme celui-ci mettent en évidence l’amour de Cabral pour la théâtralité, mais aussi pour la pop et le rock analogique flous des années 80, créant ainsi un mariage sonore unique et défiant les genres. L’album est parsemé d’effets fantomatiques chargés de réverbération, ce qui rend presque impossible de ne pas visualiser l’espace dans lequel son spectacle de sorcière, hors du monde, devrait théoriquement se dérouler. C’est le spectacle de Cabral, et nous ne sommes que des spectateurs.

***1/2


Field Music: « Flat White Moon Music »

4 mai 2021

Sur leur huitième album en 16 ans, les vétérans de l’art rock britannique lissent certaines de leurs excentricités, mais perdent un peu de leur arrogance dans le processus.

Field Music a un faible pour les proclivités les plus somptueuses de la pop des années 1980. Dans ses meilleurs moments, comme avec Commontime et Open Here, l’art rock du groupe de Sunderland évoque des combos d’invasion britannique de la seconde vague façon Duran Duran, Phil Collins et Human League, ainsi que l’arrogance de Was (Not Was). Ils n’ont jamais reçu leur dû – pas même dans un pays aussi avide de guitar heroes que le Royaume-Uni, où les magazines de rock ont été obligés de faire de Royal Blood des stars – mais leur musique a toujours été ambitieuse. Field Music produit le genre de chansons qui, si elles étaient vendues sous le nom de Brandon Flowers, seraient annoncées comme des hymnes de stade progressifs. Il est donc étrange que Flat White Moon ressemble à la réponse à une question que personne n’a posée : Que se passerait-il si le groupe abandonnait ses excentricités ?

Sur leur huitième album en 16 ans, les frères Peter et David Brewis s’éloignent de l’écriture ouvertement politique de leurs deux derniers disques – Open Here présentait des observations astucieuses sur l’ère du Brexit ; Making a New World était une œuvre conceptuelle improbable sur les conséquences de la Première Guerre mondiale – pour une écriture de chansons plus personnelle. Mais là où ces albums étaient radieux et excentriques, Flat White Moon est brutal et crépusculaire. Field Music est un grand groupe de « singles », e, point de vue quelque peu cruel,t leurs albums ne sont pas très bons. Ici, cette touche d’exubérance les a abandonnés. La batterie math-rock et les guitares tranchantes qui équilibrent les instincts pop du groupe ont été en grande partie adoucies ; les cuivres criards de certaines de leurs chansons les plus hyméniques n’existent plus. Au mieux de leur forme, Field Music prend des risques. Flat White Moon est, à cet égard, un disque qui joue trop souvent la carte de la sécurité.

Ainsi, vous obtenez une chanson comme « Do Me a Favour », qui, selon les notes de presse, a été écrite à propos de la jeune fille de David Brewis, mais qui ne semble pas personnelle mais simplement générique. « Quand tu es là, sans personne à qui t’accrocher, tu seras assez fort » “When you are out there/With no one to hold on to/You’ll be strong enough), chante-t-il, en associant des platitudes fades à un arrangement rock de radio AM mid-tempo qui ne mène nulle part.

D’autres moments sont tout simplement déroutants. Field Music a toujours apprécié un soupçon de la fantaisie anglaise connotée Paul McCartney, mais « When You Last Heard From Linda » sonne comme n’importe lequel des centaines de groupes oubliés qui ont essayé de singer les Beatles à la fin des années 1960. « Invisible Days » est quelque chose qu’un jeune groupe qui a appris l’existence de Smile il y a trois ans pourrait tenter. Le plus décevant, c’est que la capacité à créer un refrain semble les avoir abandonnés – l’accroche de « I’m the One Who Wants to Be With You » se dégonfle lentement comme un ballon de foot éclaté – et les chansons qui tentent d’introduire ces rythmes de batterie irréguliers si caractéristiques, comme « Meant to Be », sont étrangement saccadées.

Il y a quelques moments superbes. « No Pressure » est l’un des rares morceaux à offrir la légèreté familière du groupe, les frères se relayant au chant. Ramenant la politique dans leur écriture, la chanson s’en prend à la classe dirigeante britannique, résumant le sentiment des bastions éparpillés du nord de l’Angleterre – des communautés écrasées dans les ruines – qui continuent à résister au règne du parti conservateur, qui en est à sa deuxième décennie. Avec une délicate boîte à rythmes, « The Curtained Room » est l’une des meilleures chansons calmes du groupe, introduisant une voix et une mélodie plus chuchotantes, presque à la David Gilmour. Ces moments laissent entrevoir la possibilité que Flat White Moon soit simplement un pas dans la mauvaise direction, et non pas la preuve d’un groupe qui a atteint un statut de vétéran en train de s’épuiser.

***1/2


Pom Poko: « Cheater »

19 mars 2021

Des guitares en fuzz, des tonalités de basse croustillantes et des voix douces coalescent dans la musique délirante et déséquilibrée de Pom Poko. Après leur passionnant premier album Birthday sorti en 2019, le quatuor norvégien d’art-pop – composé de la chanteuse Ragnhild Jamtveit, du guitariste Martin Miguel Tonne, du bassiste Jonas Krøvel et du batteur Ola Djupvik – prouve une fois de plus qu’il ne s’y prendrait pas autrement : la folie s’accentue et la confiance s’affiche plus fermement, leur dernier album est non seulement aussi coloré que le précédent, mais il est aussi parfois plus accrocheur et plus aventureux. Même si cet album de 33 minutes ne contribue guère à la progression stylistique du groupe, il réussit la tâche délicate de conserver la ferveur punk excentrique qui l’a rendu passionnant au départ.

Des albums aussi frénétiquement ludiques et chaotiques que Cheater peuvent donner l’impression d’une surcharge des sens, surtout pour ceux qui ne sont pas habitués à ce type particulier d’indie rock, mais l’un des charmes du disque est de s’assurer que l’auditeur participe au plaisir. « Goodbye, my friend/ Go out, explore », supplie Jamtveit sur « My Candidacy », comme si elle encourageait ses collègues et l’auditeur à explorer leurs instincts créatifs les plus fous. Mais la clé de l’alchimie du groupe réside dans le fait que ses quatre membres ne sont jamais en décalage les uns par rapport aux autres, et ici, ils resserrent les arrangements et la production de sorte que la force implacable de leur musique semble encore plus délibérée, le résultat d’une collaboration intense plutôt qu’un demi-accident fortuit ; la frénétique « Like A Lady » en offre l’exemple le plus remarquable, une chanson exécutée avec autant d’énergie endiablée que de précision électrisante.

Si l’on considère que le groupe s’est rapidement forgé une réputation pour ses concerts explosifs, il n’est pas surprenant que la plupart des chansons de cet album soient conçues pour s’épanouir dans un contexte live, Jamtveit commandant « clap your hands and everybody get down » sur la béate et psychédélique « Andy Go to School ». En dépit de leurs tendances expérimentales, l’approche de Pom Poko en matière de chansons doit beaucoup aux structures pop traditionnelles, ce qui confère une immédiateté surprenante à des morceaux comme « Andy Go to School » et « Andrew ». Mais s’il ne fait aucun doute que ces chansons sont optimisées pour être appréciées au maximum en concert ou individuellement, elles ne parviennent pas toujours à créer une expérience d’album cohérente, comparable à certaines des influences les plus évidentes du groupe.

C’est en partie la raison pour laquelle les morceaux les plus intéressants de Cheaters sont ceux où le groupe se délecte des dynamiques bruyantes et silencieuses, qu’il s’agisse des premiers morceaux accrocheurs comme «  Like A Lady » » ou de la direction plus jazz et plus progressive que prend l’album dans sa dernière partie. Il n’y a rien de vraiment comparable à la surprenante et intime « Honey » ou à l’épopée de 5 minutes « If U Want Me 2 Stay » qui s’est distinguée sur leur premier album, mais des chansons comme « Look » et « Baroque Denial » suggèrent que le groupe est plus qu’heureux d’embrasser différentes dimensions de leur son. Il y a également de vagues indications qu’ils pourraient chercher à augmenter leur esthétique décalée avec des paroles qui font un geste vers des récits absurdes similaires, mais ils sont loin d’être développés ici. Pour l’instant, on peut dire que Pom Poko offre suffisamment d’exubérance vertigineuse et de mélange de genres pour que nous attendions avec impatience le retour de la musique live.

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Weather Station: « Ignorance »

7 février 2021

Après quatre chansons passées dans l’écoute des métamorphoses qui constituent Ignorance de Weather Station, Tamara Lindeman se retrouve devant un club et regarde dans le vague : « J’ai regardé un oiseau voler et se poser sur le toit / Puis remonter dans le ciel / En vue et hors de vue / S’envoler à nouveau pour se poser sur le trottoir » ( I watched some bird fly up and land on the rooftop / Then up again into the sky / In and out of sight / Flying down again to land on the pavement) Il y a de la beauté et des possibilités dans ce zig-zag nerveux, si cellulaire, si simple et si éveillé. Il y a aussi une douleur à le voir s’élever juste hors de portée : « Tu sais que ça me tue quand je vois un oiseau voler / Ça me tue / Et je ne sais pas pourquoi. » (You know it just kills me when I see some bird fly / It just kills me / And I don’t know why)

L’écrivain irlandais Robert Lynd a dit : » »Pour voir les oiseaux, il faut faire partie du silence ». Ignorance est un disque à la recherche de ce silence. À travers dix morceaux d’ art- rock influencés par le jazz et la notion de sluidité arentée, Lindeman saisit le monde qui palpite juste au-delà de nos écrans punitifs et de nos cycles d’information sans fin, au-delà de nos murs émotionnels et physiques. C’est cela qu’elle chante sur « Parking Lot » après que l’es aiseaux aient quitté sa vue, « Partout où nous allons, il y a un extérieur / Au-dessus de tous ces plafonds se trouve un ciel » (Everywhere we go there is an outside / Over all of these ceilings hangs a sky).

Plus facile à dire qu’à faire pourtant. Ignorance est un document qui essaie de représenter le son du voyage plutôt que l’immobilité de la destination. Sur « Atlantic », Lindeman est allongée au bord de l’océan, verre de vin à la main, cprenant en compte du coucher de soleil et les puffins qui s’agitent au-dessus de sa tête. C’est un moment éblouissant, mais elle trouve que sa tête ailleurs : « Je devrais me débarrasser de toute cette agonie / Je devrais vraiment savoir mieux que de lire les gros titres / Est-ce important que je sache ? / Pourquoi ne puis-je pas me couvrir les yeux ? » (I should get all this dying off my mind / I should really know better than to read the headlines / Does it matter if I know? / Why can’t I just cover my eyes ?) Même lorsque les vagues s’écrasent et que des nuages roses s’amoncellent sur les falaises, Lindeman ne peut pas échapper à la peur que tout cela soit condamné.

L’angoisse environnementale de la chanson trouve un écho dans ses percussions, ses guitares et ses flûtes qui flottent et tourbillonnent comme des colibris parmi les accords de piano. Les précédents enregistrements de lWeather Station étaient de texture terreuse et ancrée, s’appuyant sur les paroles de Lindeman pour créer de la couleur et de la profondeur. Inventive, luxuriante, et propulsée par des rythmes et des cordes tendues qui s’entrechoquent comme des vents concurrents, Ignorance est à la hauteur du drame subtil et de l’intelligence étincelante de l’écriture de Lindeman, faisant exploser sa musique en éclats opalescents.

Le jazz véhiculant une atmosphère de verre brisé du premier » single  « Robber » ouvre le disque comme un coup de semonce, le genre de critique capitaliste expansive qui s’effondrerait si elle était abordée par un autre type d’artiste. Dans les mains de Lindeman, ces idées énormes – panique environnementale, exploitation capitaliste, liberté, vie, mort, amour – s’adoucissent et s’installent dans les plis humains, libérées des dogmes maladroits. Elle procède à des examens tranchants de la société et de soi-même avec le calme réfléchi d’un lecteur de paume ; son plaidoyer en faveur de l’éveil est à la fois individuel et communautaire, moléculaire et sismique.

Au fil de Wurlitzer et de cordes qui se balancent, « Tried to Tell You » voit Lindeman supplier un ami d’ouvrir son cœur à l’amour, de lui cracher le morceau sans tenir compte de la réciprocité ou de la gêne, déclarant qu’elle « ne vous aidera pas à ne pas ressentir / A vous dire que ce n’était pas réel / Et que seuls les imbéciles y croient » (will not help you not to feel / To tell yourself it was not real / And only fools believe). Sur « Heart », elle affirme son propre engagement à cette honnêteté vertueuse : « Il y a beaucoup de choses que vous pouvez me demander / Mais ne me demandez pas l’indifférence / Ne venez pas vers moi pour prendre de la distance . » (There are many things you may ask of me / But don’t ask me for indifference / Don’t come to me for distance). Bien sûr, dans le monde de Lindeman, les choses ne sont jamais aussi simples et les gens sont rarement aussi sûrs. Alors qu’elle s’éloigne pour la dernière fois d’une relation sur un « Subdivisions » plus prochesde la marée, une perle de doute se tourne dans son esprit : »Et si je m’étais trompée ? / Dans l’émotion la plus folle, je suis allée trop loin » (But what if I misjudged? / In the wildest of emotion / I took this way too far ).

Cette mutation cruciale entre certitude et hésitation s’exprime au mieux dans le simple et lumineux refrain de « Loss ». Alors que les touches crissent comme des fils dénudés et que des voix l’encerclent, Lindeman répète un mantra : « La perte est la perte / Est la perte / Est la perte. » ( oss is loss / Is loss / Is loss) Dans son espoir de parvenir à la délivrance, une autre signification commence à se former : l’émerveillement de l’amour est qu’il perdure, peu importe que vous le fassiez foirer ou que vous le laissiez derrière vous, qu’il soit partagé ou compris. La perte est une perte, mais c’est aussi une découverte.

Dans une lettre d’information aux fans publiée l’année dernière, Lindeman a parlé de sa présentation tardive de l’œuvre de la légendaire cinéaste Agnès Varda. Dans Varda, Lindeman décrit une artiste qui crée sans machisme et sans ego démolissant : « À travers l’objectif de sa caméra, tout est élargi, changé, renouvelé. Son regard filmique est presque toujours celui de la restauration et de la générosité. Comme c’est rare ! » Varda elle-même a dit un jour que son but n’était pas de montrer, mais de « donner aux gens le désir de voir ». Les chansons de Lindeman se déplacent comme l’objectif de Varda – plutôt qu’un guide, elles fournissent un kaléidoscope. Ignorance suggère une nouvelle façon de voir le monde, en demandant seulement que l’on se libère de la sauvagerie et des sentiments, des questions sans réponse et du monde au-delà de soi-même. Tout est là – dans les nuages mouvants et la spirale ascendante des oiseaux, dans les fleurs qui s’ouvrent et les mauvaises herbes qui les envahissent – qui n’attendent que d’être trouvées.

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Sigur Rós’: « Odin’s Raven Magic »

19 décembre 2020

Le dernier album de Sigur Rós, Odin’s Raven Magic, est à la fois la sortie et la suite tant attendues de l’album Kveikur datant de de 2013 et une réalisation de près de 18 ans. Développées à l’origine en 2002 et interprétées au festival des arts de Reykjavík (Islande), les chansons d’Odin’s Raven Magic sont restées dans l’ombre – elles ont finalement reçu un enregistrement en bonne et due forme après une longue période d’obscurité où seuls les fans inconditionnels de Sigur Rós connaissaient leur existence.

L’album est fortement influencé par la littérature médiévale islandaise, en particulier Hrafnagaldur Oðins dont l’album tire son nom. Ce poème épique décrit comment les deux corbeaux de compagnie du dieu nordique Odin surveillent le monde et informent le dieu de l’état des choses. L’album orchestral est empreint d’une certaine grimace, due en grande partie aux influences médiévales qui le caractérisent. Des chœurs obsédants et résonnants associés à des mélodies sombres et soutenues pour les cordes créent une ambiance qui serait tout à fait à sa place dans les franchises de Lord of the Rings ou de Vikings.

Les sonorités orchestrales s’écartent du son rock du groupe, tout en conservant ses influences classiques et minimalistes. Chaque chanson joue dans une ambiance de villages de huttes de chaume engloutis dans un brouillard et une fumée glaciale, avec des sujets régis par des seigneurs féodaux. On a vraiment l’impression d’être le produit d’un roman fantastique. Les chansons d’ouverture « Prologus » et « Alföður Orkar » mettent l’auditeur à l’aise grâce à une lente combustion de cordes stables qui sont accompagnées de chœurs en tremolo, tandis que le tonnerre de la grosse caisse se fait parfois entendre pour affirmer la marche vers un destin funeste imminent.

***1/2


Landshapes: « Contact »

26 novembre 2020

La musique du quatuor londonien Landshapes n’est pas facile à classer. On y touve en effet des morceaux qui sont principalement percutants, et d’autres qui sont ancrés par la voix claire du leader Jemma Freeman. Mais dans l’ensemble, le nouvel album Contact est un disque passionnant, surtout si l’on considère les chansons prises une par une.

« Drama » adopte un contre-courant rythmique qui semble se balancer sous le chant de Freeman, tandis que « Siberia » est à la fois porté par les percussions jazzy de Dan Blackett et ponctué par les frappes des percussions. Le chant de Jemma Freeman rappelle ici à peine celui de Shirley Manson ou d’Alison Goldfrapp, mais la prestation semble plutôt improvisée, ce qui donne une sensation qui ressemble étrangement à ce que vous avez pu entendre lors du boom de l’art rock britannique il y a quelques décennies. Le jeu est impressionnant tout au long de l’album, mais les différentes sélections doivent leur succès à la performance de Freeman sur chacune d’entre elles.

Contact fonctionne mieux en mordant, car ces petits éclats de créativité donnent à l’auditeur l’impression d’entendre quelque chose de vraiment révolutionnaire. Au total, c’est plus difficile à discerner, bien que le rugissant et euphorique « Let Me Be » séduira certainement par une certaine puissance surnaturelle. Une grande partie du succès de ce groupe est due à Jemma Freeman, et c’est sa voix claire qui transperce ces morceaux, de ceux qui éclatent et claquent, à ceux qui se transforment en de formidables excursions post-punk.

***1/2