Pom Poko: « Cheater »

19 mars 2021

Des guitares en fuzz, des tonalités de basse croustillantes et des voix douces coalescent dans la musique délirante et déséquilibrée de Pom Poko. Après leur passionnant premier album Birthday sorti en 2019, le quatuor norvégien d’art-pop – composé de la chanteuse Ragnhild Jamtveit, du guitariste Martin Miguel Tonne, du bassiste Jonas Krøvel et du batteur Ola Djupvik – prouve une fois de plus qu’il ne s’y prendrait pas autrement : la folie s’accentue et la confiance s’affiche plus fermement, leur dernier album est non seulement aussi coloré que le précédent, mais il est aussi parfois plus accrocheur et plus aventureux. Même si cet album de 33 minutes ne contribue guère à la progression stylistique du groupe, il réussit la tâche délicate de conserver la ferveur punk excentrique qui l’a rendu passionnant au départ.

Des albums aussi frénétiquement ludiques et chaotiques que Cheater peuvent donner l’impression d’une surcharge des sens, surtout pour ceux qui ne sont pas habitués à ce type particulier d’indie rock, mais l’un des charmes du disque est de s’assurer que l’auditeur participe au plaisir. « Goodbye, my friend/ Go out, explore », supplie Jamtveit sur « My Candidacy », comme si elle encourageait ses collègues et l’auditeur à explorer leurs instincts créatifs les plus fous. Mais la clé de l’alchimie du groupe réside dans le fait que ses quatre membres ne sont jamais en décalage les uns par rapport aux autres, et ici, ils resserrent les arrangements et la production de sorte que la force implacable de leur musique semble encore plus délibérée, le résultat d’une collaboration intense plutôt qu’un demi-accident fortuit ; la frénétique « Like A Lady » en offre l’exemple le plus remarquable, une chanson exécutée avec autant d’énergie endiablée que de précision électrisante.

Si l’on considère que le groupe s’est rapidement forgé une réputation pour ses concerts explosifs, il n’est pas surprenant que la plupart des chansons de cet album soient conçues pour s’épanouir dans un contexte live, Jamtveit commandant « clap your hands and everybody get down » sur la béate et psychédélique « Andy Go to School ». En dépit de leurs tendances expérimentales, l’approche de Pom Poko en matière de chansons doit beaucoup aux structures pop traditionnelles, ce qui confère une immédiateté surprenante à des morceaux comme « Andy Go to School » et « Andrew ». Mais s’il ne fait aucun doute que ces chansons sont optimisées pour être appréciées au maximum en concert ou individuellement, elles ne parviennent pas toujours à créer une expérience d’album cohérente, comparable à certaines des influences les plus évidentes du groupe.

C’est en partie la raison pour laquelle les morceaux les plus intéressants de Cheaters sont ceux où le groupe se délecte des dynamiques bruyantes et silencieuses, qu’il s’agisse des premiers morceaux accrocheurs comme «  Like A Lady » » ou de la direction plus jazz et plus progressive que prend l’album dans sa dernière partie. Il n’y a rien de vraiment comparable à la surprenante et intime « Honey » ou à l’épopée de 5 minutes « If U Want Me 2 Stay » qui s’est distinguée sur leur premier album, mais des chansons comme « Look » et « Baroque Denial » suggèrent que le groupe est plus qu’heureux d’embrasser différentes dimensions de leur son. Il y a également de vagues indications qu’ils pourraient chercher à augmenter leur esthétique décalée avec des paroles qui font un geste vers des récits absurdes similaires, mais ils sont loin d’être développés ici. Pour l’instant, on peut dire que Pom Poko offre suffisamment d’exubérance vertigineuse et de mélange de genres pour que nous attendions avec impatience le retour de la musique live.

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Weather Station: « Ignorance »

7 février 2021

Après quatre chansons passées dans l’écoute des métamorphoses qui constituent Ignorance de Weather Station, Tamara Lindeman se retrouve devant un club et regarde dans le vague : « J’ai regardé un oiseau voler et se poser sur le toit / Puis remonter dans le ciel / En vue et hors de vue / S’envoler à nouveau pour se poser sur le trottoir » ( I watched some bird fly up and land on the rooftop / Then up again into the sky / In and out of sight / Flying down again to land on the pavement) Il y a de la beauté et des possibilités dans ce zig-zag nerveux, si cellulaire, si simple et si éveillé. Il y a aussi une douleur à le voir s’élever juste hors de portée : « Tu sais que ça me tue quand je vois un oiseau voler / Ça me tue / Et je ne sais pas pourquoi. » (You know it just kills me when I see some bird fly / It just kills me / And I don’t know why)

L’écrivain irlandais Robert Lynd a dit : » »Pour voir les oiseaux, il faut faire partie du silence ». Ignorance est un disque à la recherche de ce silence. À travers dix morceaux d’ art- rock influencés par le jazz et la notion de sluidité arentée, Lindeman saisit le monde qui palpite juste au-delà de nos écrans punitifs et de nos cycles d’information sans fin, au-delà de nos murs émotionnels et physiques. C’est cela qu’elle chante sur « Parking Lot » après que l’es aiseaux aient quitté sa vue, « Partout où nous allons, il y a un extérieur / Au-dessus de tous ces plafonds se trouve un ciel » (Everywhere we go there is an outside / Over all of these ceilings hangs a sky).

Plus facile à dire qu’à faire pourtant. Ignorance est un document qui essaie de représenter le son du voyage plutôt que l’immobilité de la destination. Sur « Atlantic », Lindeman est allongée au bord de l’océan, verre de vin à la main, cprenant en compte du coucher de soleil et les puffins qui s’agitent au-dessus de sa tête. C’est un moment éblouissant, mais elle trouve que sa tête ailleurs : « Je devrais me débarrasser de toute cette agonie / Je devrais vraiment savoir mieux que de lire les gros titres / Est-ce important que je sache ? / Pourquoi ne puis-je pas me couvrir les yeux ? » (I should get all this dying off my mind / I should really know better than to read the headlines / Does it matter if I know? / Why can’t I just cover my eyes ?) Même lorsque les vagues s’écrasent et que des nuages roses s’amoncellent sur les falaises, Lindeman ne peut pas échapper à la peur que tout cela soit condamné.

L’angoisse environnementale de la chanson trouve un écho dans ses percussions, ses guitares et ses flûtes qui flottent et tourbillonnent comme des colibris parmi les accords de piano. Les précédents enregistrements de lWeather Station étaient de texture terreuse et ancrée, s’appuyant sur les paroles de Lindeman pour créer de la couleur et de la profondeur. Inventive, luxuriante, et propulsée par des rythmes et des cordes tendues qui s’entrechoquent comme des vents concurrents, Ignorance est à la hauteur du drame subtil et de l’intelligence étincelante de l’écriture de Lindeman, faisant exploser sa musique en éclats opalescents.

Le jazz véhiculant une atmosphère de verre brisé du premier » single  « Robber » ouvre le disque comme un coup de semonce, le genre de critique capitaliste expansive qui s’effondrerait si elle était abordée par un autre type d’artiste. Dans les mains de Lindeman, ces idées énormes – panique environnementale, exploitation capitaliste, liberté, vie, mort, amour – s’adoucissent et s’installent dans les plis humains, libérées des dogmes maladroits. Elle procède à des examens tranchants de la société et de soi-même avec le calme réfléchi d’un lecteur de paume ; son plaidoyer en faveur de l’éveil est à la fois individuel et communautaire, moléculaire et sismique.

Au fil de Wurlitzer et de cordes qui se balancent, « Tried to Tell You » voit Lindeman supplier un ami d’ouvrir son cœur à l’amour, de lui cracher le morceau sans tenir compte de la réciprocité ou de la gêne, déclarant qu’elle « ne vous aidera pas à ne pas ressentir / A vous dire que ce n’était pas réel / Et que seuls les imbéciles y croient » (will not help you not to feel / To tell yourself it was not real / And only fools believe). Sur « Heart », elle affirme son propre engagement à cette honnêteté vertueuse : « Il y a beaucoup de choses que vous pouvez me demander / Mais ne me demandez pas l’indifférence / Ne venez pas vers moi pour prendre de la distance . » (There are many things you may ask of me / But don’t ask me for indifference / Don’t come to me for distance). Bien sûr, dans le monde de Lindeman, les choses ne sont jamais aussi simples et les gens sont rarement aussi sûrs. Alors qu’elle s’éloigne pour la dernière fois d’une relation sur un « Subdivisions » plus prochesde la marée, une perle de doute se tourne dans son esprit : »Et si je m’étais trompée ? / Dans l’émotion la plus folle, je suis allée trop loin » (But what if I misjudged? / In the wildest of emotion / I took this way too far ).

Cette mutation cruciale entre certitude et hésitation s’exprime au mieux dans le simple et lumineux refrain de « Loss ». Alors que les touches crissent comme des fils dénudés et que des voix l’encerclent, Lindeman répète un mantra : « La perte est la perte / Est la perte / Est la perte. » ( oss is loss / Is loss / Is loss) Dans son espoir de parvenir à la délivrance, une autre signification commence à se former : l’émerveillement de l’amour est qu’il perdure, peu importe que vous le fassiez foirer ou que vous le laissiez derrière vous, qu’il soit partagé ou compris. La perte est une perte, mais c’est aussi une découverte.

Dans une lettre d’information aux fans publiée l’année dernière, Lindeman a parlé de sa présentation tardive de l’œuvre de la légendaire cinéaste Agnès Varda. Dans Varda, Lindeman décrit une artiste qui crée sans machisme et sans ego démolissant : « À travers l’objectif de sa caméra, tout est élargi, changé, renouvelé. Son regard filmique est presque toujours celui de la restauration et de la générosité. Comme c’est rare ! » Varda elle-même a dit un jour que son but n’était pas de montrer, mais de « donner aux gens le désir de voir ». Les chansons de Lindeman se déplacent comme l’objectif de Varda – plutôt qu’un guide, elles fournissent un kaléidoscope. Ignorance suggère une nouvelle façon de voir le monde, en demandant seulement que l’on se libère de la sauvagerie et des sentiments, des questions sans réponse et du monde au-delà de soi-même. Tout est là – dans les nuages mouvants et la spirale ascendante des oiseaux, dans les fleurs qui s’ouvrent et les mauvaises herbes qui les envahissent – qui n’attendent que d’être trouvées.

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Sigur Rós’: « Odin’s Raven Magic »

19 décembre 2020

Le dernier album de Sigur Rós, Odin’s Raven Magic, est à la fois la sortie et la suite tant attendues de l’album Kveikur datant de de 2013 et une réalisation de près de 18 ans. Développées à l’origine en 2002 et interprétées au festival des arts de Reykjavík (Islande), les chansons d’Odin’s Raven Magic sont restées dans l’ombre – elles ont finalement reçu un enregistrement en bonne et due forme après une longue période d’obscurité où seuls les fans inconditionnels de Sigur Rós connaissaient leur existence.

L’album est fortement influencé par la littérature médiévale islandaise, en particulier Hrafnagaldur Oðins dont l’album tire son nom. Ce poème épique décrit comment les deux corbeaux de compagnie du dieu nordique Odin surveillent le monde et informent le dieu de l’état des choses. L’album orchestral est empreint d’une certaine grimace, due en grande partie aux influences médiévales qui le caractérisent. Des chœurs obsédants et résonnants associés à des mélodies sombres et soutenues pour les cordes créent une ambiance qui serait tout à fait à sa place dans les franchises de Lord of the Rings ou de Vikings.

Les sonorités orchestrales s’écartent du son rock du groupe, tout en conservant ses influences classiques et minimalistes. Chaque chanson joue dans une ambiance de villages de huttes de chaume engloutis dans un brouillard et une fumée glaciale, avec des sujets régis par des seigneurs féodaux. On a vraiment l’impression d’être le produit d’un roman fantastique. Les chansons d’ouverture « Prologus » et « Alföður Orkar » mettent l’auditeur à l’aise grâce à une lente combustion de cordes stables qui sont accompagnées de chœurs en tremolo, tandis que le tonnerre de la grosse caisse se fait parfois entendre pour affirmer la marche vers un destin funeste imminent.

***1/2


Landshapes: « Contact »

26 novembre 2020

La musique du quatuor londonien Landshapes n’est pas facile à classer. On y touve en effet des morceaux qui sont principalement percutants, et d’autres qui sont ancrés par la voix claire du leader Jemma Freeman. Mais dans l’ensemble, le nouvel album Contact est un disque passionnant, surtout si l’on considère les chansons prises une par une.

« Drama » adopte un contre-courant rythmique qui semble se balancer sous le chant de Freeman, tandis que « Siberia » est à la fois porté par les percussions jazzy de Dan Blackett et ponctué par les frappes des percussions. Le chant de Jemma Freeman rappelle ici à peine celui de Shirley Manson ou d’Alison Goldfrapp, mais la prestation semble plutôt improvisée, ce qui donne une sensation qui ressemble étrangement à ce que vous avez pu entendre lors du boom de l’art rock britannique il y a quelques décennies. Le jeu est impressionnant tout au long de l’album, mais les différentes sélections doivent leur succès à la performance de Freeman sur chacune d’entre elles.

Contact fonctionne mieux en mordant, car ces petits éclats de créativité donnent à l’auditeur l’impression d’entendre quelque chose de vraiment révolutionnaire. Au total, c’est plus difficile à discerner, bien que le rugissant et euphorique « Let Me Be » séduira certainement par une certaine puissance surnaturelle. Une grande partie du succès de ce groupe est due à Jemma Freeman, et c’est sa voix claire qui transperce ces morceaux, de ceux qui éclatent et claquent, à ceux qui se transforment en de formidables excursions post-punk.

***1/2