Julia Jacklin: « Pre Pleasure »

23 août 2022

, la talentueuse artiste de Melbourne et des Blue Mountains, apporte son lyrisme direct et sa nature enjouée à son troisième album. Dans un communiqué de presse, elle décrit le processus d’enregistrement de Pre Pleasure comme étant frénétique – mais le résultat final est tout autre. Flottant entre la tendresse et le relâchement indie, les capacités de Julia Jacklin en tant qu’auteur-compositeur-interprète sont ici mises en avant. Ses motifs lyriques suivent rarement les chemins attendus, ses arrangements minimaux vous amènent au cœur de chaque respiration et, dans l’ensemble, sa musique respire la maturité, ce qui constitue une progression poignante par rapport à son travail précédent.

Les thèmes de la religion, du consentement sexuel et des relations sont explorés dans les textes de Jacklin, tandis que sur le plan sonore, l’abandon délibéré de ses sons de guitare habituels permet aux touches d’occuper le devant de la scène sur de nombreux titres, dont « Love, Try Not to Let Go « .

Mais la star du show sera « Ignore Tenderness », où des paroles profondément vulnérables contrastent avec des cordes et des harmonies vocales béates pour une chanson qui résume l’esthétique musicale de Jacklin (et le thème du plaisir de l’album) en un mot : « Ne laisse aucune place au doute sur le fait que tu es courageux / Une petite feuille qui attrape une vague / Fort mais prêt à être sauvé / Ignore la tendresse dont tu as besoin / Sois méchant, mais ne te comporte pas mal » (Leave no room for doubt that you are brave / A little leaf catching a wave / Strong but willing to be saved / Ignore the tenderness you crave / Be naughty, but don’t misbehave).

Le premier single, « I Was Neon », est le plus grave des morceaux de l’album. Des guitares distordues ouvrent la voie à ce qui est le moment le plus optimiste de l’album et des nuances de Brian Jonestown Massacre apparaissent à travers son riff de guitare et ses solos super cool. Le brillant « Too In Love To Die » ramène une fois de plus l’intimité de Jacklin et se poursuit dans « Less of a Stranger », où elle se confie en souhaitant que sa propre mère se sente moins étrangère.  

On pourra entendre des échos du morceau  « Heroin » du Velvet Underground sur « Magic », où des guitares éparpillées et des sous-entendus folks s’équilibrent sur une progression de deux accords qui évoque une teinte légèrement psychédélique à l’album. » Be Careful With Yourself » ramènera les choses au présent avec ses sonorités polies et son aura empathique, avant que les guitares trémolos de style années 60 et les cordes délicates de « End of a Friendship », qui termine l’album, ne viennent clore les choses en beauté.

Voici un disque qui est un plaisir à écouter par un dimanche après-midi ensoleillé, alors que l’été n’est plus qu’un souvenir. Authentique, complexe et entièrement personnelle, Julia Jacklin déborde d’assurance à chaque tournant de Pre Pleasure.

***1/2


London Grammar: « Californian Soil »

25 avril 2021

London Grammar a toujours proposé un contenu musical incroyablement anguleux et apaisant, avec une position émotive et un blues opératique, mais cette fois-ci, avec leur album le plus attendu à ce jour, ils nous offrent un sentiment plus élevé de certitude et de force.

Beau, audacieux et courageux par essence, London Grammar sort ici son troisième album studio, Californian Soil , quatre ans après leurprécédent, Truth is a Beautiful Thing, en 2017.  On dit que la chanteuse Hannah Reid, leader du groupe art rock/art pop, se trouvait dans un endroit sombre et solitaire lorsqu’elle a travaillé sur leur précédent album en 2017, mais les bas qu’elle a endurés ont également été comblés par des hauts euphoriques avec Californian Soil – une création qui reflète son profond besoin d’introspection. Californian Soil reflète une période de passage à l’âge adulte pour London Grammar, avec une profondeur structurelle qui rayonne leur signature de blues oppératique, mais aussi avec un sens du groove et de la confiance dans des morceaux plus parlés comme « Missing », qui a été jugé extrêmement personnel, et quelque peu différent de beaucoup de ses autres morceaux sur cet album et les précédents.

Après quatre ans d’attente, Californian Soil est le plus attendu des trois albums studio. La maturité et l’approche magistrale deviennent encore plus évidentes dans leurs paroles, pour des similitudes avec Lana Del Rey et Annie Lennox dans les voix de « All My Love » et « Lord its a Feeling », et une essence classique de Fleetwood Mac dans des morceaux comme « Talking », London Grammar est dans un voyage émotionnel et purificateur dans une profondeur toujours en développement dans le son et les paroles. Avec la superposition des instruments et la maturité des textes, London Grammar reste dans le domaine de la réflexion et du recul, en particulier avec le premier « single » de l’album, « How Does It Feel ». Reid a toujours eu un talent particulier pour créer un remède isolé avec un objectif extrêmement émotif dans ses messages, mais cette fois-ci, elle et ses autres compagnons de groupe, Dot Major et Dan Rothman, commencent à présenter un son qui reflète leur plus grand sens de la certitude et de l’identité dans leur son et leur histoire jusqu’à présent.

***1/2


Freelove Fenner: « The Punishment Zone »

21 avril 2021

Le duo art-pop montréalais Freelove Fenner crée une musique qui brille par sa chaleur analogique qui fourmille de détails. Bien que chacune des quatorze compositions de The Punishment Zone ne dure que quelques minutes, Caitlin Loney et Peter Woodford les remplissent de douces mélodies. L’album évoquera ainsi une maison aux multiples pièces, une collection encombrée mais confortable d’espaces domestiques peuplés de souvenirs à la fois affectueux et inquiétants. Ce sentiment est magnifiquement rendu par la pochette de l’album, où des plantes et autres objets naturels sont rassemblés et présentés sur de minuscules socles.

La comparaison avec le très apprécié et regretté Broadcast ne peur que nous amenerquand on écoute la musiqu de nos duettistes.. Bien qu’il s’agisse d’une comparaison pertinente, dans le cas de Freelove Fenner, nous parlons d’une époque très spécifique de Broadcast : les airs succincts et livresques de leur opus Work and Non-Work. Freelove Fenner possède une intimité similaire, une sensibilité mélodique et une tendance aux textures instrumentales jolies mais légèrement hantées. Bien que le timbre de voix de Caitlin Loney ne soit pas différent de celui de la défunte Trish Keenan, Keenan avait toujours l’air en quête, solitaire, hanté ; Loney semble habiter cette musique avec aisance, tandis que les moments de sourcillement dans les paroles suggèrent que quelque chose ne va pas. 

La signification du titre, The Punishment Zone, n’est pas claire, bien que l’expression apparaisse dans le chatoyant et riche en Mellotron « LED Museum » : « Envoyez-moi des diodes électroluminescentes pour la zone de punition » (Send me electroluminescent diodes for the punishment zone). Dès le début, sur « Find the Man », les paroles esquissent des scènes de potentiel déçu : « Il est mort sur la vigne / Juste quand tu as enfin trouvé la carte » (It died on the vine / Right when you finally found the map). « 2 B From » fera allusion à la pénibilité de la vie domestique : «  Le nettoyage est sans fin / Des marques sur les bancs » (Cleaning is endless / Marks on the benches), tandis que la somptueuse « Carol » dénonce la duplicité des relations intimes : « Carol n’est pas ce que vous pensiez quand vous avez signé avec elle » (Carol is not what you thought when you signed on). Dee la même manière, « August Parties » a beau avoir une atmosphère douce et ensoleillée, les paroles suggèrent des courants sous-jacents malveillants : « Maintenant, quelqu’un a trafiqué mon vin » (Now someone has tampered with my wine).

La suggestion de problèmes non résolus se retrouve également dans la manière dont certaines chansons ne se terminent pas, mais s’éloignent de manière inquiétante. « Baxter’s Column » s’éteint dans un tourbillon de cymbales en arrière, tandis que « Tied Up » est accompagné de carillons inquiétants. Comme la plupart des chansons sont caractérisées par des guitares arpégées lumineuses, une batterie au galop doux et des orgues bourdonnants, tout changement dans la palette sonore est remarquable, qu’il s’agisse des voix harmonisées et de la guitare fuzztone sur « Perfect Master », ou de la pile d’instruments articulant adroitement les mélodies stridentes de l’ouverture sans rythme « Find The Man ». 

Dans une récente interview podcast avec Matt Dwyer, Caitlin Loney a comparé la façon dont Freelove Fenner écrit ses chansons, en se concentrant clairement sur la mélodie, à la formulation minutieuse de phrases. Il y a un sens certain de quelque chose de spécifique patiemment articulé, comme un objet d’art sélectionné et disposé avec amour pour y réfléchir. Loney et Woodford donnent des indications sur leur signification sans vous prendre par la main. En conséquence, The Punishment Zone est, certes, un endroit magnifique et envoûtant, il demeure légèrement troublant comme lieu où on choisirait d’habiter

***1/2


Francisco Sonur: « Morning Trials »

29 mars 2021

Commençons par « l’éléphant dans le magasin de porcelaine ».  Cet album ressemble beaucoup à Sigur Rós, plus précisément à la période médiane mélodique du groupe.  Mais nous aimons Sigur Rós, et le groupe a depuis déserté ce son, tandis que Jónsi est devenu vocal avec une tendance à l’art-pop. Sigur Rós s’est séparé de son batteur, et Jónsi s’est séparé d’Alex, de sorte que nous n’entendrons peut-être plus jamais de tels sons… de leur part.  Aujourd’hui, l’artiste argentin Francesco Sonur, basé en Australie, a repris avec insolence ~ mais avec succès ~ le modèle abandonné et l’a fait sien.  Grâce à Time Released Sound, il a également obtenu un emballage de luxe, bien que l’album soit également disponible dans une édition standard (mais toujours assemblée à la main).

Le caractère intercontinental de l’artiste, associé à l’influence islandaise, alimente le thème des rêves de voyage.  Le monde entier a envie de se rendre ailleurs en ce moment, dans l’attente de la levée des restrictions, dans l’espoir de revoir des êtres chers et d’enrichir son expérience globale.  Les tickets de métro, les pages d’atlas, les cartes des étoiles et les instantanés de l’édition de luxe suscitent des associations, tandis que la musique est à la fois terre-à-terre et aérienne.  Les voix de la famille sont parsemées dans l’ensemble ; l’artiste admet que l’album a été enregistré entre deux périodes d’enseignement à domicile.  Combinez le fait main et l’enregistrement à domicile, et Morning Trials devient un album intensément personnel, chaleureux et engageant.  Si ce sont des « épreuves », elles ont été surmontées.

L’album commence par l’enregistrement sur bande d’une boîte à musique jouant  » »Jingle Bells » ~ une double forme de retrait qui sonne néanmoins intime.  La boîte à musique est rangée et le piano commence à jouer.  Des instruments qui tremblent et des jouets d’enfants entrent en scène ; nous lisons que Francesco est un père, et nous apprécions le fait qu’il ait fait de la composition une affaire de famille.  Lorsque les cloches, les sons aigus et les persussions apparaissent, nous sommes transportés dans le monde éthéré que nous appelions autrefois Hopelandic.  L’album entier ressemble à une évasion, ou au rêve d’une évasion, comme prévu.  C’est de la musique pour s’évader, en insistant sur l’évasion.  Pendant ce temps, Sonur a travaillé sur son bus Spirit, anticipant l’opportunité de faire une tournée dans son pays d’adoption.

Au milieu de l’album, un segment mère-fille-xylophone brise le troisième mur.  C’est l’équivalent auditif de regarder à travers un viseur la famille heureuse qui boucle ses bagages et prépare le bus.  Le titre « Sunflowerchild » est parfaitement choisi ; c’est l’été en Australie en ce moment, et Spirit sonne comme le « Magic Bus » des Who.

Alors que l’on pense que l’album a partagé toutes ses surprises, le cor de Juan Aout apparaît sur « Friend Like Oars », chassant le froid.  Bientôt, il y aura un feu, et des grillons, et « Medias De Lana ».  Les leçons ont été rangées.  Papa joue près du feu de camp.  Si nous ne pouvons pas partir tout de suite, il y a toujours moyen de faire d’un jardin une aventure, tout en rêvant à toutes les aventures que nous aurons, il était une fois, dans pas longtemps.

****


Hello Forever: « Whatever It Is »

5 octobre 2020

« This is hello forever » est le mantra de Hello Forever sur « Farm On The Mountaintop », un morceau qui se démarque de leur disque, Whatever It Is. C’est un titre sucré, livré avec une sincérité et un fond de béatitude que vous ne trouverez pas souvent aujourd’hui, bien qu’il ait été constant pendant la plus grande partie des années 60 dans la musique rock la plus populaire.

Si les derniers efforts artistiques de ce groupe talentueux peuvent être qualifiés de quelconques, c’est un vrai bonheur. Whatever It Is est une ode forte à l’époque des Beatles, avec une belle écriture et une instrumentation de Hello Forever qui ne parvient jamais à être cliché, simplement joyeux. 

La plus grande force de Whatever It Is est son paysage sonore : si vous pouvez imaginer l’album qui jouerait pendant que vous roulez dans un champ de fleurs sous le regard du soleil des Teletubbies, c’est cet album. Les harmonies vocales folkloriques sont abondantes, combinées aux accroches collantes de morceaux comme le dense « Some Faith ». Les beats sont toujours en construction, avec l’ajout d’un nouveau riff de guitare ou d’un roulement de batterie à chaque section, cela crée une dynamique merveilleuse à côté de productions plus modernes comme dans le méditatif « Rise ».

Josephh ajoute une autre couche à chaque chanson ; c’est un appel de sirène aigu qui parvient à envelopper les moments excitants et calmes dans un archet soigné. « Yeah Like Whatever » est un excellent exemple de cette force vocale. 

Malgré l’ambiance amusante et agréable du disque, Hello Forever ne renonce pas au volume ni à l’expérimentation. « Natural » comporte beaucoup de guitare floue ; « Get it Right » est une chanson rock à plusieurs phases qui ne parvient jamais à devenir confuse ou disjointe, chaque section saignant merveilleusement l’une dans l’autre. La richesse du son et de l’atmosphère de l’album est comme un dîner de Thanksgiving ; chaque fois que vous pensez en avoir assez, un nouveau son ou instrument apparaît comme un accompagnement pour vous empiffrer encore plus.

Du côté lyrique de Whatever It Is, la béatitude continue, mais non sans une bonne dose de tension. L’amour, la réalisation de soi et la confusion sont autant d’éléments de l’écriture des chansons du groupe qui s’avèrent efficaces et même touchants par moments. « I Want to Marry You » »est une belle ballade ; la sincérité du chant de Joseph capture le sentiment d’affection éternelle. « Created For Your Love » est une ode intéressante à l’exploration et à l’appréciation des relations à distance ; l’acoustique solitaire et les cloches mélancoliques soulignent la situation désespérée d’une manière d’une beauté obsédante. La meilleure façon de décrire l’écriture ici est de se réjouir personnellement – même lorsque le groupe est à terre, il parvient toujours à trouver la lumière quelque part, que ce soit dans un être cher ou dans son environnement. 

La positivité n’est pas quelque chose que l’on trouve dans beaucoup de musique indie aujourd’hui, et c’est pourquoi Whatever It Is fonctionne pour moi, et fonctionnera sans doute pour vous. C’est une ode énorme, peut-être trop grande, à la musique pop des Beatles, mais elle ne devient jamais trop nostalgique. C’est la musique du bonheur, qui vaut la peine d’être écoutée pour ses morceaux lyriques et instrumentaux uniques. Découvrez la musique des Beatles !

***1/2