Lucinda Williams: « Good Souls Better Angels »

Le stoïcisme est peut-être le prix de la singularité. Lucinda Williams, éminemment difficile à classer, est la rare artiste grand public qui conserve sa crédibilité dans la rue, tant en country qu’en rock. Mais s’imposer a nécessité une campagne éreintante. Dans les années 1970 et 1980, cette artiste originaire de Louisiane a parcouru le Texas et Los Angeles, se frottant à des « lowlifes » luminescents et les immortalisant en chansons. Au fil du temps, elle a accumulé un grand nombre d’adeptes et a reçu trois Grammy Awards. Au fil du temps, elle est devenue aussi fiable et confortable qu’un vieux pull qui gratte et qui est en quelque sorte meilleur que les autres dans le tiroir.

Moins confortable est le sujet du dernier album de Williams, Good Souls Better Angels, qui aborde des sujets sombres avec des paroles et des sons inhabituellement agressifs. C’est son 14ème album studio, et son premier album de nouvelles chansons depuis 2016, le hantant The Ghosts of Highway 20.

Les diables, la malchance et l’échec en sont les motifs. Le thème de la lutte contre les forces démoniaques anime l’intrigue. Le réalisme de Williams nous rappelle que, même lorsque les combats cessent, la paix est souvent un objectif irréalisable. Longtemps fascinée par les possibilités offertes par la poésie, elle puise dans une veine particulièrement râpeuse et provocante sur Good Souls Better Angels.

L’exemple le plus frappant, « Wakin’ Up », ne ressemble à rien d’autre dans son répertoire.  Elle se déchaîne en récitant une litanie de résistances et de dysfonctionnements : « Il m’a donné un coup de poing/ Je l’ai raté…/ Il m’a tiré les cheveux/ Et puis il m’a pissé dessus/ Je jure qu’il veut ensuite m’embrasser. » (He threw a punch/ Somehow I missed it…/ He pulled my hair/ And then he piss on me/ Next thing I swear he wants to kiss on me.) Des hurlements de guitare désorganisés illustrent le chaos et Williams va jusqu’à justifier la non-coopération. Dans le choeur déchirant, elle se secoue, se disant rapidement à elle-même » »Je me réveille/ D’un mauvais rêve/ Ça m’a secouée/ C’était une mauvaise scène/ Ça m’a foutue en l’air. » (I’m wakin’ up/ From a bad dream/ It shook me up/ It was a bad scene/ It fucked me up.) Le guitariste Stuart Mathis y diffuse des riffs façon Neil Young époque Sleeps With Angels sur un grondement rythmique menaçant.

Sur Good Souls Better Angels, Williams est soutenu par le groupe de blues rock Buick 6. Mathis riffs sur une guitare négligée inspirée par Hendrix, et jette des pistes de guitare contradictoires sur la production. Ses accords de blues impétueux et son jeu libre et expressif s’opposent aux rythmes statiques du batteur Butch Norton et aux motifs de basse de David Sutton. Cet arrangement donne une sensation de live énergisante et les solos de guitare crépiants s’opposent aux rythmes brutaux et au chant dur de Williams. 

« Pray The Devil Back To Hell » est un morceau similaire à « Wakin’ Up », mais dans une perspective plus négative. Mathis peaufine son installation et explore un territoire plus spacieux. Le violon électrique griffé offre une rare variation sur la palette sonore de base fournie par le groupe. Williams affronte les démons de gauche et de droite, et pas seulement les démons internes. Le « single » « Man Without A Soul », critique implicite de Donald Trump, qui fait l’objet d’une critique implicite, prophétise la chute de la figure de proue controversée. « Tu te caches derrière ton mur de mensonges/ Mais ça s’écroule » (You hide behind your wall of lies/ But it’s coming down), crache-t-elle, le broyant sous sa botte métaphorique comme un mégot de cigarette qu’elle aurait jeté par terre. Des changements d’accords rassurants y dissimuleront temporairement son vitriol.

Good Souls Better Angels délivre un rock brut et rugueux, et c’est rafraîchissant à entendre. Il serait cependant fallacieux de qualifier l’album de retour à la forme, car Williams n’a jamais sonné aussi noueux sur disque. Des guitares fracassées et la valeur de production du garage-rock fournissent une toile de fond gutturale pour ses paroles, hurlées et marmonnées à la manière étonnamment punk.

Sur le shuffle agité du Texas blues « Bad News Blues », Williams transforme un mauvais moment en bon moment avec des rimes directes et une construction parallèle intelligente. « Mauvaises nouvelles dans la rue / Mauvaises nouvelles dans ma voiture / Mauvaises nouvelles sous mes pieds / Mauvaises nouvelles au bar » (Bad news on the street/ Bad news in my car/ Bad news under my feet/ Bad news at the bar), gémit-elle, l’air assiégé mais sobre. Sa râpe grinçante atterrit de manière impressionnante entre Iggy Pop et Kim Gordon, tandis que les paroles et la musique puisent leur force dans un blues tapageur. Sur le dur « Big Rotator », la rime sert une fois de plus de véhicule aux idées de Williams. Elle fait tourner une série de tangentes verbales qui se fondent comme une pelote de laine autour des thèmes du bien et du mal.

Néanmoins, comme beaucoup d’artistes classiques qui ravivent le feu après quelques albums de chansons relativement conventionnelles, Williams tempère parfois l’enfer. Deux ou trois numéros apaisants et mélodieux la font changer de vitesse.  Bien que presque fade dans son euphémisme, « Good Souls », plus proche, sert d’épilogue réconfortant pour les auditeurs confiants qui ne sont pas effrayés par les difficultés.

« Shadows and Doubts » combine cette tension plus douce avec sa ligne de basse incisive sur l’album. Williams commence la chanson sans accompagnement. Buick 6 la dépasse progressivement par de subtiles embellissements, et la chanson se transforme en un gage de solidarité encore doux mais plein de sang. Rêveusement, Williams chante : « Bon sang, ce sont les jours bleus sombres/ C’est vrai/ Et il y a tant de façons de vous écraser. » (Hell, these are the dark blue days/ That much is true/ And there’s so many ways to crush you) Mais ici, elle n’est pas à l’attaque. Elle poursuit avec une note d’optimisme tenace : « Vous avez vos ombres/ Et vous avez vos doutes/ Et vous avez vos batailles/ Mais vous vous battez pour vous en sortir. » (You’ve got your shadows/ And you’ve got your doubts/ And you’ve got your battles/ But you fight your way out) Ceci sonnera un peu comme une déclaration de mission et d’intention pour l’ensemble de l’album.

Le disque sert à rappeler ce qui fait du nom de Williams une marque reconnue dans le domaine de l’écriture de chansons de qualité. Son individualité et sa combativité continuent à briller au plus profond de sa carrière. Son phare poétique lutte contre les ténèbres ; il ne gagne pas toujours, mais il incite les auditeurs à se battre pour leur meilleure nature. Good Souls Better Angels est, dans ses meilleurs moments, une écoute fascinante pour les fans du côté plus branché du rock roots et de l’Americana.

****1/2

Sarah Peacock: « Burn the Witch »

Les battements de tambour créent une transe. Sarah Peacock se matérialise comme la sorcière, sa baguette orchestrant le théâtre musical et lyrique pour la chanson-titre « Burn the Witch », le morceau carte de visite faisant allusion à la magie musicale qui circule comme de la fumée tout au long de l’album. Sa voix est puissante, Sarah Peacock assaisonnant sa touche naturelle de country avec les atmosphères en cascade d’americana qui dérivent sur « Take a Little Time » et la seule source de réconfort dans les rythmes endiablés correspondant aux derniers souffles de « Thoma ». Burn the Witch fait preuve de tendresse dans « Hold Me in Your Heart », où Sarah Peacock selle un or country qui scintille comme la chaleur de midi dans « Mojave », tandis qu’elle suit la marche d’un piano jouet dans le conte southern gothic qu’est « Keep Quiet ». Glissant doucement sur un rythme de triomphe, elle emmène les « Cool Kids » en balade pour des histoires de leurs vies tout aussi cahoteuses, le message de persévérance et de triomphe face aux impasses ; un modèle pour « Burn the Witch ».

Pour le thème de Burn the Witch, Sarah Peacock s’est penchée sur ses propres obstacles personnels, rappelant un moment du passé pas si lointain où elle a remis en question ses choix. Lors d’une tournée de quatre mois en 2016, Sarah Peacock, le groupe et l’équipage se sont arrêtés pour manger un morceau, puis sont retournés à leur point de départ pour découvrir qu’un feu de générateur avait brûlé tout ce qui se trouvait à bord.

Raccourcissant le processus par étapes qui l’a aidée à retrouver ses jambes de scène, Sarah Peacock a partagé que « après l’incendie, j’ai signé avec un label de Nashville quand je suis rentrée de la tournée. J’ai fait deux disques pour American Roots Records avant de me séparer d’eux à l’automne 2018. Il y a eu Beauty in the Ashes (2017) et ensuite Hot Sheet Motel (2018). Je pense que le lien et la synergie entre l’incendie du bus et Burn the Witch est que le bus a été un moment charnière où j’ai réalisé que les gens écoutaient vraiment. Les fans sont venus me voir quand j’étais prêt à arrêter, et cela m’a fait intérioriser (probablement pour la première fois) que le monde était vraiment attentif. J’ai commencé à écrire différemment. J’ai écrit comme si le sort du climat social en dépendait. Burn the Witch est ce qui s’est passé après avoir vraiment laissé le jus de cette expérience et de ces deux derniers disques s’imprégner. Il s’agit de la musique, des chansons, et du pouvoir qu’elles ont de planter une graine de changement ». Parlant au visage de l’autre côté de la table ou aux sourires qui s’élèvent du bord de la scène, Sarah Peacock chante une lettre d’amour dans « The One », hante » »House of Bone » » avec des souhaits de mort et le son fantomatique des pas qui traînent tandis que « Burn the Witch » sculpte un groove funky à partir d’accords pointus et de rythmes aux courbes serrées dans « Colorado ».

***1/2

The Ballroom Thieves: « Unlovely »

Beaucoup de laideur se niche dans Unlovely, le troisième album complet du trio The Ballroom Thieves, basé à Boston. Le monde brûle (« In the Dark »), il y a de la colère (« Homme Run ») et de la douleur (« Don’t Wanna Dance »), et une cacophonie de mauvaises nouvelles vous enveloppe (« Unlovely »). En plus de tout cela, les menteurs sont partout : Un escroc égoïste est au centre de « Vanity Trip » » et les menteurs sont la cause de l’exaspération qui suinte sur le dernier morceau « For Hitchens » : « Pourquoi les laissez-vous vous mentir ? » (Why do you let them lie to you?) demande le trio.

Et pourtant, Unlovely est charmant. The Ballroom Thieves font face à la laideur et à l’injustice des sphères personnelles et publiques avec une énergie imperturbable, et à leur tour ils ont fait un album dynamique. Unlovely incarne l’atmosphère conviviale d’une manifestation

De piste en piste, les arrangements du combo conservent une énergie ludique similaire mais ne sonnent jamais tout à fait de la même façon.

Avec des chansons allant de ballades folkloriques tranquilles à des morceaux de rock endiablés avec un soupçon de cornes, Unlovely est un disque tentaculaire sur le plan sonore, mais en étant toujours ancré avec les appels à la justice, il ne semble que rarement déconcentré. Le titre intelligent « Homme Run », par exemple, est l’une des chansons les plus dépouillées du disque, avec le chant de Calin Peters et le rythme de guitare valse de Martin Earley en son centre, tandis que « Begin Again » est un morceau de rock scratché avec des guitares qui hurlent et beuglent, et les deux morceaux soulignent la nécessité de démanteler le patriarcat.

Le contraste entre l’obscurité et la lumière est un point central de l’album alors que le groupe patauge dans la disharmonie contemporaine mais l’associe à des mélodies enjouées. Dans les derniers moments de « Tenebrist » » un morceau de rock funky dont le titre fait référence à un style de peinture marqué par le contraste saisissant entre les tons sombres et clairs, The Ballroom Thieves se réunissent et énoncent ce qui semble être au cœur de ce que véhicule Unlovely : « Nous avons besoin de l’obscurité pour connaître la lumière. » ( We need the dark to know the light).

***1/2

Trace Mountains: « Lost in the Country »

À ses débuts sur la scène new-yorkaise de la musique DIY, Dave Benton était connu pour représenter la tendre voix de l’honnêteté dans le groupe de trois auteurs LVL UP. Maintenant que LVL UP est dissous, Benton se penche entièrement sur la même sentimentalité brûlante qui l’a fait connaître dans son travail passé avec son deuxième album sous le nom de Trace Mountains.

Maintenant basé dans la région de l’Hudson Valley à New York, Benton utilise sa voix chaude et endormie avec des sons de guitare très ouverts sur Lost in the Country. Benton a nettoyé le son des instruments à anche qui préexistaient sur Trace Mountains, et il l’a remplacé par des tonalités plus venteuse et mélancoliques pour donner cadre approprié à ce climat d‘introspection qui est le propre d’un vétéran de la scène musicale aguerricomme il peut l’être.

Sur la chanson titre de l’album, Benton embrasse le ralentissement des choses avec un porche éclairé, un rythme lent et des lignes de guitare usées et nerveuses qui rappellent Kurt Vile ou la guerre contre la drogue. Le petit gazouillis de la guitare d’acier sur « Fallin’ Rain » est recouvert d’une réverbération suffisamment boisée pour donner l’impression de mâcher un peu de paille tout en contemplant un coucher de soleil d’un orange profond.

Ailleurs, « Benji » commence comme un morceau de rock radio AM, mêlant harmonieusement des lignes vocales déformées et un grand outro électrifié qui rappelle le travail de Benton sur LVL UP. « Me & May » est un joyau pop rêveur et poli, tacheté d’une douceur salée et « Dog Country » s’orne d’une narration douce servie par le ténor enfantin de Benton et soutenue par la voix pétillante de sa camarade Susannah Cutler.

Alors que Benton passe des grands refrains de rock à une connexion directe avec la terre, Lost in the Country cimente l’évolution de Trace Mountains en une sorte d’Americana moderne.

***1/2

James Elkington: « Ever-Roving Eye »

James Elkington revient avec son deuxième album solo, trois ans après ses débuts, Wintres Woma.  Il s’agit d’une sorte de collection de chansons folk d’auteur-compositeur-interprète à l’ancienne.  Ce qui le distingue, c’est la légèreté avec laquelle Elkington écrit ses chansons et joue de la guitare.  « Nowhere Time » a une mélodie relativement simple sur des motifs de guitare complexes.  La flûte de « Leopards Lay Down » évoque une atmosphère rétro et pastorale et une guitare des années 60, cueillie au doigt dans un café, traverse « Moon Tempering ».

Plus tard, « Go Easy on October » et surtout l’avant-dernier morceau « Much Maste »r affichent une « pedal steel » nostalgique, évoquant Led Zeppelin III, tandis que le morceau-titre rappelle Tim Buckley.  Bizarrement, l’album se termine par une version éditée de « Nowhere Time »».

Bien sûr, Ever-Roving Eye peut sonner toujours un peu pareil, et il est certainement sous l’emprise de gens comme Nick Drake, John Martyn, etc. mais le tout est excellemment bien rendu. Il marque un retour à des jours plus insouciants, et devrait en théorie être une bande sonore de jours d’été paresseux.

***

Littlemen: « It’s A Beautiful Thing »

Littlemen est un collectif d’americana britannique basé dans le Wiltshire qui interprète les chansons variées et stimulantes du pilier du groupe, Nick Allen.  It’s A Beautiful Thing est le deuxième album du groupe et fait suite à Long Road Home, sorti en 2016.

Depuis ce premier opus, le combo a subi un remaniement complet de son personnel.  Le line-up actuel est le suivant : Nick Allen au chant, rejoint par Rob Brian à la batterie et aux percussions, Guy Townley aux guitares et Tyler Spicer à la basse.  Sur It’s a Beautiful Thing, le noyau du groupe est largement complété par de nombreux autres musiciens, notamment Craig Crofton, qui joue d’un saxophone magnifique sur la première piste de l’album, Girl With the Red Blouse ; Jo Nye aux chœurs et Keith Holmes, qui apporte une contribution exceptionnelle à la guitare et à l’orgue sur « Front Page News », le titre-phare du disque.

It’s A Beautiful Thing est un album intéressant.  Il est divertissant, parfois stimulant, et s’appuie sur un certain nombre d’influences clairement détectables, dont Tom Petty, Warren Zevon, Gram Parsons et Bruce Springsteen.  Le thème est l’americana et le son est typiquement piloté par des guitares rythmiques qui fournissent une base solide pour quelques sublimes ornements de pédales d’acier et quelques solos de guitare solo qui s’envolent. L’aspect le plus remarquable des chansons est le choix des paroles de Nick Allen et la variété des sujets abordés. 

Il est probablement utile d’expliquer, à ce stade, qu’il y a quelques années, Allen a été impliqué dans un horrible accident de moto qui l’a laissé en fauteuil roulant et l’impact de sa situation à la fois sur lui-même et sur ses proches. Il est le sujet de deux des chansons les plus poignantes de l’album, « Walking » et « Obstacles ». 

L’album comprend également des morceaux qui traitent de sujets aussi divers que la relation interrompue par l’érection du mur de Berlin (« Feel The Hea »t), le premier amour (« Girl With the Red Blouse »), l’amour perdu (« Moving On »), l’objectivation féminine (« Front Page News) » et la relation entre les chats et leurs compagnons humains (« Cat Song »).

Parmi les morceaux les plus marquants de l’album, citons le titre « Walking », on retiendra un « Je prie pour que Dieu me prenne si jamais tu remarches », (I pray that God could take me if you ever walk again ) que Allen attribue à une phrase utilisée par sa mère à la suite de son accident et qui touchera certainement une corde sensible chez n’importe quel parent. Pour la première fois, une valse en deux temps qui rappelle fortement « The Old Country Waltz » de Neil Young, « Feel The Heat », qui met en scène un joli bouzouki joué par Guy Townley, et Twist of Fate, la chanson la plus ouvertement acoustique de l’album, avec un magnifique accompagnement au violon et au violoncelle de Beth Porter et la voix de Allenqui craque à la manière d’un Gram Parsons lorsqu’il atteint les plus hautes notes. 

« Front Page News », aborde donc le sujet nécessaire et très actuel de l’objectivation féminine par les médi).  Sur ce morceau, le groupe est rejoint par Jo Nye, Keith Holmes et Jamie Thyer pour offrir un son de groupe complet.  Sur le plan des paroles et des instruments, il sonne comme un morceau perdu d’une collection classique de Warren Zevon.

« Cat Song » mérite aussi d’être reconnue comme étant peut-être la chanson la plus étrange de l’album.  Le morceau commence par un ronronnement et un riff de basse qui simule les mouvements d’un chat qui rôde. Les observations faites dans les paroles résonneront fortement chez tous les amoureux des chats (comme ils l’ont fait avec moi) mais les riffs lourds qui accompagnent la chanson peuvent sembler un peu incongrus.  Cette chanson est peut-être une riposte féline à « Be Careful There’s A Baby In The House » de Loudon Wainwright, autre référence qu’on ne peut que saluer.

***1/2

Waxahatchee: « Saint Cloud »

« Je ne suis pas sombre », a a dit un jour Lucinda Williams, « je raconte juste une histoire ». L’une des choses qui font de William – l’un des grands conteurs de country, d’Americana et de musique rock – une si intéressante personne est sa capacité à créer des détails qui s’incrustent dans votre cerveau. Elle s’adresse à une « épave » dans des « chaussures lourdes » et, à partir d’un seul détail, le personnage commence à prendre forme. Waxahatchee, le projet de l’auteure-compositrice-interprète Katie Crutchfield, nommé d’après un ruisseau de l’Alabama près de la maison de son enfance, s’est toujours distinguée par des paroles et des instruments de fin d’histoire qui allient clarté et bruit et qui accentuent l’écriture de Crutchfield. Mais sur Saint Cloud, le cinquième L.P. de Waxahatchee, dans lequel elle se débarrasse du bruit de ses racines punk et s’appuie sur ses influences country et Americana, la comparaison avec des grands noms comme Lucinda Williams semble plus appropriée que jamais.

On pourrait continuer à lancer des comparaisons – Bob Dylan, Joni Mitchell, des artistes contemporains comme Hurray for the Riff Raff et Hiss Golden Messenger – établissant une sorte de lignée d’auteurs-compositeurs-interprètes dans laquelle Waxahatchee s’inscrit, mais la façon la plus appropriée de caractériser cet excellent nouveau disque de Waxahatchee est peut-être dans le contexte de sa propre discographie. Sur des albums antérieurs comme Cerulean Salt et Ivy Tripp, les écrits de Crutchfield cataloguaient l’agitation et l’insouciance de la jeunesse – Crutchfield a vait déclaré que le titre d’Ivy Tripp était censé évoquer une sorte de « manque de direction ». Sa suite de 2017, Out in the Storm, a dépeint les bouleversements et les retombées d’une relation sérieuse, pleine de distorsions et d’incertitudes.

La ligne de conduite de la musique de Waxahatchee a toujours été l’honnêteté, même et surtout quand elle est douloureuse. Saint Cloud reste fidèle à cette tendance ; cependant, alors que l’incertitude et le doute étaient autrefois une source d’anxiété et de turbulence, cette fois-ci, il y a une paix à trouver dans le fait de ne pas savoir. Saint Cloud est un document d’autocontrôle et, en fin de compte, de pardon, faisant preuve de beaucoup de sagesse durement acquise. Le premier « single » de l’album, « Fire », que Crutchfield a qualifié de « chanson d’amour à soi-même », illustre le processus douloureux et triomphant d’être honnête avec soi-même. « Si je pouvais t’aimer inconditionnellement », chante Crutchfield, « je pourrais aplanir les bords du ciel le plus sombre. (If I could love you unconditionally, I could iron out the edges of the darkest sky.) Se connaître soi-même, mais aussi s’accepter soi-même, ses erreurs et tout le reste, est le genre de sagesse dont cet album est l’exemple.

Cette sagesse se retrouve dans les chansons d’amour plus traditionnelles de cet album. Crutchfield a qualifié la chanson « Can’t Do Much » de chanson d’amour avec une dose de réalité. Ailleurs sur l’album, elle chante « Je suis en guerre avec moi-même / Cela n’a rien à voir avec toi » (I’m in a war with myself / It’s got nothing to do with you), une phrase emblématique du réalisme psychologique qui traverse le disque. Plus tard, sur l’émouvant avant-dernier titre « Ruby Fall » », elle met les choses au point : « Le véritable amour ne suit pas une ligne droite / Il vous brise le cou, il vous construit un délicat sanctuaire » (Real love don’t follow a straight line / It breaks your neck, it builds you a delicate shrine). Même ligne par ligne, le portrait de l’amour – qu’il s’agisse de l’amour de soi ou de l’amour d’une autre personne – est toujours multidimensionnel.

Tout cela est sous-tendu par une marque de country/américana qui, bien qu’elle soit encore influencée dans une certaine mesure par le mélange de folk DIY, de rock et de punk de ses précédents albums, se distingue de ses travaux antérieurs. Les guitares, au lieu d’être déformées comme c’était souvent le cas auparavant, ressortent avec une clarté étonnante, bouclant comme dans une sorte de danse. Cette fois-ci, le backing band de Crutchfield comprend des membres d’un large éventail de groupes indie/folk/Americana, de Bonny Doon à Hiss Golden Messenger en passant par Kevin Morby et Bonny Light Horseman. Ce nouveau son, quelque peu dépouillé, mais qui se perd dans le temps, et parfois étonnamment jubilatoire, convient parfaitement à l’honnêteté et à la la sagesse de l’acceptation qui définit le risque.

A propos de Saint Cloud, Crutchfield a déclaré : « Je pense que tous mes disques sont turbulents et émotionnels, mais celui-ci a l’air d’avoir une petite dose d’illumination. Il est un peu plus calme et moins téméraire ». Saint Cloud rend justice à la tempête émotionnelle tout en ayant la possibilité de voir au-dessus et au-delà, nous donnant un portrait de sérénité tempéré par la tourmente.

****

The Lost Brothers: « After The Fire After The Rain »

Le duo folk irlandais est de retour avec After The Fire After The Rain. Cet album est charmant tant la moitié des morceaux donnent envie de se blottir sur le canapé par une nuit d’hiver noire. L’autre moitié pourrait être la bande-son d’un long voyage à travers les régions sauvages de l’Amérique tout en faisant semblant d’être un cow-boy.

Il y a ici de magnifiques instruments qui ont tout à fait leur place sur une bande sonore de film et le sifflement atmosphérique de »Ash Wednesay » pourrait certainement accompagner un cavalier solitaire dans sa traversée des plaines poussiéreuses.

« After The Fire », avec son tempo entraînant, ses harmonies et son outro de cuivres, est un titre qui se démarque et qui fait avancer l’album en nous emmenant vers une triste « Venus » qui voit le chanteur maudire sa « foi aveugle » »

« After The Rain » est édifiant et sonnera presque comme une fin naturelle pour l’album, on peut presque sentir les nuages gris de la pluie fondre avant que « Glens of Gortin » ne se faufile à la fin comme un joli petit digestif.

***1/2

John Moreland: « LP5 »

Lorsque vous avez construit une solide base de fans en chantant des chansons sur la douleur et la tristesse, il est difficile d’imaginer où vous allez à partir de là, une fois que vous avez trouvé un peu de paix intérieure. John Moreland a réussi, ces dernières années, à nous déchiqueter le cœur en morceaux absolus, nous faisant pleurer avec ses chansons émouvantes sur la mort du rêve américain, les déceptions de la vie, et les profondeurs de la solitude et du doute de soi.

Guitariste et écrivain de renommée mondiale, Moreland s’est fermement établi sur la scène de la musique roots depuis la sortie de son album High on Tulsa Heat en 2015 et de son successeur, Big Bad Luv en 2017. Il n’est donc pas surprenant que les gens qui ont suivi le mouvement s’attendent à ce que Moreland fasse de même. Mais avec LP5, son dernier opus, les choses ont pris un tournant vers le côté plus léger de la vie. Bien sûr, Moreland peut encore nous faire verser une larme comme personne d’autre, surtout lorsqu’il rend tendrement hommage à un ami qu’il a perdu (« In the Times Between »), ou lorsqu’il écrit une chanson d’amour pour sa femme (« When My Fever Breaks »). pourtant, avec LP5, un poids s’est levé et nous avons droit à une nouvelle version de Moreland, qui pratique un peu l’amour-propre.

En travaillant avec le producteur et percussionniste Matt Pence, le collaborateur régulier et multi-instrumentiste John Calvin Abney, et en incorporant les harmonies vocales angéliques de Bonnie Whitmore, Moreland s’est découvert un petit faible pour lui-même, sur le plan sonore. LP5 est texturé, doux et délicat, puis robuste et sale exactement là où il faut. On entend tous les grincements de la voix de Moreland, qu’il chante dans un murmure ou un gémissement. Cette expérimentation sonore est particulièrement remarquable sur l’un des titres phares de LP5, « I Always Let You Burn Me to the Ground », une chanson dans laquelle Moreland se débat avec ses démons intérieurs et les moyens qu’il leur a donnés pour le punir. Elle est feutrée et éthérée, avec des frappés délicats sur les touches du piano et des harmonies basses. Nous n’avons jamais entendu Moreland de cette façon.

Dans « East October », il nous offre la mélodie et le refrain les plus mémorables de l’album, malgré la dure perte qui l’a conduit à le faire. Cette ode à son ami et collègue musicien Chris Porter, mort tragiquement dans un accident de voiture lors d’une tournée en 2016, fait référence à l’une des chansons de Porter et évoque avec amour le temps passé ensemble. Ce dur rappel de la fragilité de la vie est sans aucun doute l’une des expériences qui ont aidé Moreland sur sa route vers l’acceptation de soi. Nous entendons son combat avec cela sur « I‘m Learning How to Tell Myself the Truth » et « Let Me Be Misundertood ». Ce dernier titre le trouve aux prises avec l’évolution de sa relation à la foi et à la religion, un thème que l’on retrouve également sur l’ouverture de l’album « Harder Dreams » : « I hear your sermon but I don’t think I believe. » (J’entends votre sermon », chante-t-il sur ce dernier, « mais je ne crois pas que je crois).

Ces jours-ci, Moreland a découvert qu’il suffit de croire en lui-même. LP5 est à ce titre, un exercice qui consiste à étouffer la négativité et à la remplacer par la gentillesse et la compréhension, le pardon de soi et la croissance. Il le dit le mieux sur le lent « A Thought is Just a Passing Train », lorsqu’il chante « Save if for the savior/in the shadow of your mind/this life is but a moment/ hope you had a time/ shame is a cancer/go easy on your heart ». C’est une célébration tranquille d’une vie qui demande à être vécue au maximum, et c’est là que Moreland est à son meilleur.

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The Lone Bellow: « Half Moon Light »

The Lone Bellow sont de retour avec leur premier album depuis 2017, Half Moon Light. En quinze titres le dique est rempli de la signature habitelle du combo, l’Americana « goodness ». En effet, ce qui va immédiatement apparaître, ce seront les harmonies vocales de Zach Williams, Kanene Donehey Pipkin, et Brian Elmquist. Ces harmonies sont tout simplement merveilleues, en particulier sur « Wash it Clean ». Plusieurs membres se relaient également sur les plages tout au long de l’album, ce qui permet de garder une approche fraîche. 

Mélodiquement, la musique est porteuse d’espoir dans de nombreux titres,comme « Good Times » et « Count on Me » et le groupe utilisera sur toute la durée du dique une instrumentation variée, notamment des guitares et un piano. The Lone Bellow joue d’ailleurs beaucoup avec l’hamonie mélodique, offrant un rayon diversifié de chansons plus up tempo comme « Count on Me » ou d’autres titres un peu plus lents dans leur approche (« Enemies »). En bref, Half Moon Light offrira ce qu’il y a de mieux aux accros de l’Americana/alt-country. 

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