Kevin Morby: « This Is A Photograph »

13 mai 2022

Les auteurs-compositeurs-interprètes qui puisent dans la grande tradition de la chanson américaine ne manquent pas. Trop souvent, cependant, les efforts qui en découlent soulignent la distance entre l’inspiration naturelle et sans effort des noms les plus sacrés de la tour de la chanson et les fac-similés quelque peu étudiés de leurs disciples contemporains. La production solo passée de Kevin Morby correspondait parfois à ce schéma : de qualité, oui, mais pas tout à fait essentielle, intéressante sans délivrer un coup de poing standard K.O. là où ça fait mal. This Is A Photograph change tout cela.

Inspiré par le fait de feuilleter des photos d’enfance après une crise de santé familiale, les chansons aux thèmes vagues (toutes de qualité supérieure) sont très intéressantes : Il s’agit de l’un de ces rares disques qui démarre fort et s’améliore, devient plus profond et résonnant, à chaque morceau). Il part de l’histoire personnelle et familiale de Morby pour explorer la disparition imparable mais sournoise du temps :  » the living took forever but the dying was quick  » (la vie a duré une éternité mais la mort a été rapide), plaisante Morby sur la beauté countrifiée  » Bittersweet, TN « ) et les fantômes qui hantent Memphis, le cadre musicalement extra-mûr de l’enregistrement de l’album.

Les échos des maîtres du passé, tels que Lou Reed, Leonard Cohen et Bob Dylan, continuent de planer sur l’album. Comme il se doit pour un album enregistré dans la ville natale des légendaires studios Stax et Sun, on y trouve aussi une bonne dose de soul et la franchise des débuts du rock ‘n’ roll.

Pour un album enregistré avec un grand nombre de collaborateurs, il y a un sentiment remarquablement unifié et organique de « live » dans les procédures : le morceau titre construit un momentum en sueur, tandis que « Rock Bottom » (enregistré au Sam Phillips Recording, un studio fondé par le défunt patron de Sun Records) semble à peine sous contrôle avec son énergie joyeusement galopante.

À l’autre bout du spectre, la complainte effrayante, teintée de sépia, « Disappearing » et la méditation hypnotique et lente « A Coat of Butterflies » (avec la harpe de Brandee Younger et, dans une apparition inattendue, le maestro du jazz moderne Makaya McCraven à la batterie) sont toutes deux hantées par la fin tragique de Jeff Buckley, qui s’est noyé dans le fleuve Mississippi à Memphis en 1997. Morby ne s’écarte du fil conducteur de l’album que pour « Stop Before I Cry », une ode directe et désarmante à sa partenaire Katie Crutchfield, alias Waxahatchee.

Ils ne les font plus comme ça », déclare Morby sur le morceau « Goodbye to Good Times », qui clôt le disque en faisant référence aux héros de la soul que sont Tina Turner et Otis Redding. Une fois que This Is A Photograph s’est emparé de vous (et il le fera), il est probable que vous ne soyez pas d’accord.

***1/2


Old Crow Medecine Show: « Paint This Town »

23 avril 2022

Il n’est pas nécessaire de suivre de près l’actualité pour reconnaître que la polarisation politique aux États-Unis a atteint des niveaux alarmants au cours des dernières années. Naturellement, le sentiment généralisé d’une profonde fissure sociale s’est reflété de nombreuses façons dans le paysage musical américain.

Paint This Town, le septième album studio du groupe « old-time » Old Crow Medicine Show, basé à Nashville, parle de ce fossé en abordant ouvertement l’histoire des conflits raciaux aux États-Unis. Les fans du groupe ne seront probablement pas surpris que le leader Ketch Secor ait orienté son attention dans cette direction.

Cette fois-ci, avec le rauque morceau d’harmonica « DeFord Rides Again », Secor et le groupe rendent hommage à DeFord Bailey, la première star afro-américaine du Grand Ole Opry – et l’un de ses premiers interprètes les plus populaires – qui a involontairement inspiré le nom de l’émission alors qu’il était présenté lors d’une émission en 1927.

Bailey, dont le jeu d’harmonica a laissé une empreinte durable sur le blues et la country, a été renvoyé de l’Opry, ce qui a précipité sa disparition rapide de la scène publique. DeFord Rides Again » est une condamnation du fait que Bailey est mort sans être reconnu après avoir été écarté de la scène publique.

À l’inverse, le titre de la chanson « New Mississippi Flag » suggère que Secor veut simplement arracher le sparadrap lorsqu’il s’agit du sujet de la race. Au contraire, il adopte l’approche inverse.

Souvent cité comme emblème de l’extrême cruauté de la vie sous Jim Crow, le Mississippi est un endroit facile à pointer du doigt, en particulier pour les artistes qui préfèrent ignorer le fait que la terreur, le meurtre et la ségrégation n’étaient guère exclusifs au Sud profond de l’Amérique.

Au lieu de se plier à ces stéréotypes, Secor fait appel au sentiment des Mississippiens qu’ils ont aussi beaucoup de raisons d’être fiers. Dans « New Mississippi Flag », une ballade plaintive et downtempo au piano, Secor propose un nouveau drapeau pour l’État qui comprendrait deux bandes – une pour Robert Johnson et une pour Charley Pride – ainsi qu’une étoile pour Elvis et d’autres clins d’œil visuels à l’écrivain Eudora Welty et au précurseur de la musique country Jimmie Rodgers.

Il est louable que l’OCMS soit l’un des rares groupes « revivalistes » de premier plan à vouloir au moins aborder l’inconfortable vérité que le fait de regarder en arrière fait surgir des squelettes. Cela dit, Secor et sa compagnie passent une grande partie de Paint This Town à s’attaquer à des préoccupations contemporaines/personnelles : la crise des opioïdes, les grandes entreprises pharmaceutiques, la montée des eaux, la dégradation de l’environnement et le divorce. À travers tout cela, ils ont toujours l’impression de s’amuser comme des fous.

Pour un disque aussi « lourd », Paint This Town est marqué du sceau de la « fête ». C’est comme s’ils ne pouvaient pas s’en empêcher : aussi sérieux qu’ils soient sur ces chansons, les membres du groupe ne baissent pas le ton lorsqu’il s’agit de la musique elle-même, la capturant dans toute sa gloire transpirante et piétinante.

Lorsque le groupe fait monter les amplis et déchire l’hybride rockabilly/boogie « Bombs Away », par exemple, on ne se doute pas que Secor chante une relation au bord du gouffre. Et si vous ne connaissiez pas l’histoire, vous penseriez être à un jamboree lorsque le batteur Jerry Pentecost entraîne  » DeFord Rides Again  » dans son refrain de  » Blow ! Souffle ! DeFord, souffle ! »

Après avoir été salués pendant plus de deux décennies comme les pionniers du mouvement « old time », les OCMS ont certainement gagné le droit de s’étendre sur le territoire country-rock. Ils n’y apportent pas nécessairement une touche de fraîcheur. Il est difficile de distinguer la chanson titre, par exemple, du vintage John Cougar Mellencamp. Et par moments, le mixage réalisé par le coproducteur Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Margo Price, John Prine) peut être inoffensif, à la limite de la sécurité.

Pourtant, aucune quantité de polissage de production ne peut atténuer l’énergie du groupe, qui se manifeste de manière si convaincante ici que vous ne pouvez pas vous empêcher de sentir votre pouls commencer à battre et vos pieds commencer à bouger.

Il est clair que Secor pense qu’il vaut mieux affronter nos démons plutôt que de les ignorer. En sortant de cet album, on se rend compte que c’est beaucoup plus facile à faire quand on a le moral en hausse.

***1/2


Calexico: « El Mirador »

8 avril 2022

Si Quentin Tarantino devait faire un remake des Sept Mercenaires, il pourrait appeler les membres de Calexico pour qu’ils lui fournissent une bande sonore. Ce classique du western à haute teneur en octane, qui met en scène sept tireurs américains libérant un village mexicain des mains de bandits, est un véhicule parfait pour la musique que le groupe vétéran crée depuis 1997.

Le son idiosyncratique du sud de la frontière américaine que Joey Burns et John Convertino ont créé sous le nom de Calexico est typiquement, et correctement, décrit comme cinématographique. Ils poursuivent cette tendance sur El Mirador (traduit par point d’observation ou belvédère), le dixième album du duo. Le troisième membre de longue date, le multi-instrumentiste Sergio Mendoza, s’occupe de la coproduction et a fourni le studio pour capturer ce chapitre du style cinématographique de Calexico.

Il s’agit d’un ensemble émouvant, parfois sinistre, qui s’enracine fermement dans le Mexique grâce à l’utilisation généreuse de trompettes staccato, de violons sciés et de suffisamment de percussions pour rendre Santana jaloux. Les morceaux sont compacts (un seul dépasse les quatre minutes), mais chacun d’eux contient beaucoup de choses.

Des rythmes du monde doux et entraînants de « Harness the Wind » qui s’interrogent sur la direction que nous prenons – « Are we just falling stars / Dancing across the sky ? (Sommes-nous simplement des étoiles filantes / qui dansent dans le ciel ?) – aux cornes de danse latino pétillantes et entraînantes qui servent de toile de fond à ce qui pourrait être la scène d’un thriller de série Netflix, la musique change souvent d’humeur.

Le batteur/percussionniste Convertino fournit les rythmes essentiels, un élément crucial de l’ambiance de Calexico, tandis que Burns s’occupe du chant. Il n’est pas Raul Malo, mais sa voix sans prétention, celle d’un homme ordinaire, transmet la joie et le pathos imprégnés dans ces douze chansons. Une variété d’invités remplit ce burrito musical à ras bord, ajoutant des couches savoureuses au plat déjà piquant de Calexico.

Une ligne indirecte peut être tracée jusqu’à l’époque Rain Dogs de Tom Waits pour certaines sélections comme « El Paso », où le chant rauque et brûlé de Burns est particulièrement fantomatique. Les accents plus sombres de  » Cumbia del Polvo « , dont les paroles inspirées par Waits  » Living under a rock with lizards and things / Where the sun won’t die and the summer never ends / Waiting for the moon to give me a sign / Then we’ll roll downtown under the neon lights  » (Vivre sous un rocher avec des lézards et des choses / Où le soleil ne meurt pas et l’été ne finit jamais / Attendre que la lune me fasse un signe / Puis nous roulerons en ville sous les néons) créent une vision crépusculaire et impressionniste.

Pieta Brown fournit les paroles de ‘Then You Might See’, plus rock et influencé par Concrete Blonde, un chemin de traverse graveleux qui renvoie au territoire du western spaghetti évoqué dans certains des premiers travaux de Calexico. Cela permet également au talentueux Burns de montrer ses capacités sur des guitares acoustiques et électriques superposées, une basse droite, un synthé, un vibraphone et même un violoncelle.

Les compositions sont chantées en anglais et en espagnol, ce qui renforce l’atmosphère et confère à la fiesta un caractère furtif et parfois énigmatique. C’est évident dans l’instrumental  » Turquoise « , avec ses bruits sourds et sa trompette solitaire, qui devrait encourager un artiste visionnaire à créer une vidéo tout aussi obsédante pour l’accompagner.

Ceux qui n’ont pas encore fait l’expérience de Calexico peuvent s’y plonger, car El Mirador est l’un de leurs projets les plus cohérents, une entrée savoureuse qui capture une grande partie de la sauce secrète que le groupe sert sur son plateau sonore épicé depuis tant d’années. Mais d’abord, quelqu’un devrait appeler Tarantino.

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The Delines: « Sea Drift »

3 avril 2022

Tout comme ce qui a été dit, ici ou ailleurs, à propos de The Imperial de The Delines en 2019 par « candidat pour l’un des albums les plus forts de cette année « , nous disons la même chose à propos de Sea Drift, qui est encore meilleur. Le groupe Delines, basé à Portland, est le fruit de la collaboration musicale de l’auteur Willy Vlautin et de la chanteuse Amy Boone, à la voix profondément évocatrice. Le backing band offre un paysage sonore doux, minimaliste, soul et surtout noir, sur lequel les histoires de Vlautin sur des personnages désespérés se déroulent à travers la voix nuancée et émotive de Boone. Cette puissance subtile est fascinante, elle envoûte complètement l’auditeur et laisse un impact indélébile. Les points de référence sont difficiles, le plus proche étant peut-être un Dusty Springfield ralenti, aux petites heures du matin, à Memphis, ou Tony Joe White dans sa phase « Rainy Night In Georgia » de sa carrière, et une touche des chansons tragiques de Bobbie Gentry. Ces mêmes adjectifs s’appliquent à nouveau – sombre, mystérieux et, d’une certaine manière, d’une beauté stupéfiante.

L’instrumentation qui baigne et soutient chaleureusement ces chansons provient des claviers et de la trompette de Cory Gray, et de ses arrangements de cordes et de cuivres, aux côtés du bassiste soul Freddy Trujillo et du batteur jazz Sean Oldham, avec Willy Vlautin à la guitare et au chant. Il s’agit du troisième album du groupe, qui fait également suite à Colfax de 2014, tous trois produits par John Morgan Askew, la cheville ouvrière du son cohésif qui les lie tous les trois. Askew joue également de la guitare, de la guitare baryton et des chants d’harmonie, et est rejoint par le trio de cordes composé de Kyleen King, Patti King et Collin Oldam, ainsi que par le saxophoniste Noah Bernstein. 

L’album commence par le single, le tendre « Little Earl », qui est accompagné d’une vidéo et dont le son définit le disque. Vlautin dit qu’il est inspiré d’un groove de Tony Joe White et que les arrangements de Gray donnent le ton à deux frères qui ont été impliqués dans un vol à l’étalage qui a mal tourné dans une supérette près de Port Arthur, au Texas. Comme dans beaucoup de chansons de Vlautin, l’auditeur se retrouve en plein milieu de la scène. Dans ce cas, les premières lignes sont les suivantes :  » Little Earl conduit le long de la côte du golfe du Mexique, assis sur un oreiller pour pouvoir voir la route, il n’a pour lui qu’un pack de douze bières, trois pizzas surgelées et deux briquets en guise de souvenirs  » (Little Earl is driving down the Gulf Coast/Sitting on a pillow so he can see the road/New to him is twelve pack of beer/Three frozen pizzas and two lighters as souvenirs), et le reste de la chanson montre le frère de Little Earl  » saignant sur la banquette arrière  » (bleeding in the backseat )alors qu’ils roulent le long de la côte, se demandant s’ils doivent aller à l’hôpital ou continuer à rouler.

L’un des morceaux les plus optimistes (terme relatif dans ce cas) est l’autre single/vidéo « Kid Codeine ». Le personnage titulaire de la chanson, « Kid Codeine », a un petit ami qui est boxeur et est décrit comme portant toujours une coiffure bouffante parfaite « juste pour marcher dans la rue ». Vlautin s’est inspiré d’un souvenir d’une barmaid d’âge moyen qu’il a rencontrée dans le centre-ville de Los Angeles et qui a emmené les gars de son dernier groupe, Richmond Fontaine, dans un bar à strip-tease. Elle avait une grosse coiffure bouffante et un jeune de 20 ans avec elle, une sorte de petit ami. Le gamin n’a jamais dit un mot. Alors que le groupe s’asseyait dans une cabine, cette femme est venue danser pour eux et elle a hoché la tête au milieu du mouvement et s’est écrasée sur la table. Pendant tout ce temps, la femme bouffie leur disait comment parier sur les chevaux en Californie. La musique est réglée sur une ambiance pop française des années 60 inspirée par la coiffure bouffante.

Sea Drift marque le premier nouveau matériel enregistré par The Delines depuis que Boone a été victime d’un brutal accident de voiture en 2016 qui l’a hospitalisée pendant plusieurs années et a retardé l’enregistrement de The Imperial en 2019. D’où l’écart entre les débuts de 2014. En 2019, Boone était encore en train de reprendre des forces mais a pu les aider à terminer le disque en grande partie achevé. Ici, selon Vlautin, c’est la première fois depuis ses blessures que Boone se sentait fort et confiant en studio. En comparaison avec le dernier album, les auditeurs attentifs peuvent sentir la différence ; il y a juste un peu plus de conviction et de nuance derrière sa voix singulière. L’expression galvaudée « album le plus abouti » est appropriée dans ce cas, étant donné les arrangements les plus luxuriants de Gray, la santé de Boone et la continuité du processus, de l’écriture à l’enregistrement. 

Comme l’ensemble de l’album se lit comme les nouvelles de Vlautin, nous vous proposons un bref synopsis de chacune d’entre elles. « Drowning in Plain Sight » raconte l’histoire d’une femme qui fuit la pression de sa famille et de son mari. Au lieu de rentrer chez elle, elle tente vainement de s’enfuir, désireuse plus que jamais de se rappeler ce que c’est que d’être aimée. C’est l’un des meilleurs exemples des arrangements de cordes et de cornes de Gray. Le morceau le plus triste est « All Along the Ride », avec la voix de Boone qui détaille de manière sinistre la conversation du couple sur une relation qui se dissout alors qu’ils roulent le long de la côte du Texas. L’album tire son titre d’une parole de la chanson, « sea drift », une analogie avec la dissipation du lien du couple. « Hold Me Slow » a un groove soul et une batterie régulière d’Oldham alors que Boone chante sur une femme lasse du monde qui est sur le point d’entrer dans une période de chance.

La brillante chanson « Surfers in Twilight » a un chant chuchoté, mi-parlé, mi-chanté de Boone qui est absolument glaçant. C’est l’histoire d’une femme dans une ville côtière qui sort du travail et descend la rue pour voir son mari jeté contre un mur et menotté par la police. Elle ne sait pas ce qu’il a fait, mais elle sent qu’il est coupable. Voici les dernières paroles : « Des lumières clignotantes, des lumières clignotantes/Les flics, la plage, les touristes, les souffre-douleurs au crépuscule » (Flashing lights, flashing lights/The cops, the beach, the tourists, the suffers in twilight). « Past the Shadows » est une autre chanson sombre, avec cet extrait des paroles – « Disparaissons au-delà des ombres/Où seuls les blessés restent » (Let’s disappear past the shadows/Where only the damaged stay).

« This Ain’t No Getaway » se déroule à 6 heures du matin, lorsqu’une femme retourne chez son ex-petit ami pour récupérer ses dernières affaires – « Il y a un demi-paquet de Winstons et un cendrier trop rempli/une pinte de V.O. qui est presque rangée/et assis sur la télé, un 38 chargé/il allume une cigarette et ne dit rien/il regarde juste dans le vide » (There a half pack of Winstons and an overfilled ashtray/A pint of V.O. that’s nearly put away/And sitting on the TV is a loaded .38/He lights a cigarette and says nothing/Just stares out into space . Le dernier morceau vocal, « Saved From The Sea », est le plus romantique du groupe, car la femme exprime un espoir timide : « Il me fait sentir que ma vie n’a pas été gâchée/Comme si ma vie n’était pas en train de s’échapper/Je le sens vraiment »(He makes me feel like my life ain’t been wasted/Like my life ain’t just slipping away/ I really feel it ). Les chants de fond de « ooh, ooh » sont une touche classique. Deux superbes instrumentaux de Gray sont essentiels à la sonorité de l’album :  » Lynette’s Lament « , au milieu, et  » The Gulf Drift Lament « , à la fin.

Utilisez l’adjectif que vous voulez : stupéfiant, dévastateur, captivant ou hypnotisant. Sea Drift fixe la barre pour les albums roots qui marqueront 2022.

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Great Lakes: « Contenders »

2 avril 2022

Avec son septième album, Contenders, le groupe américain Great Lakes crée un mariage entre un son infectieux et des mots évocateurs qui captive tout simplement. Ce n’est peut-être pas une surprise pour les fans du projet créé et dirigé par Ben Crum, mais la nouvelle offre a une certaine fertilité dans son corps et une tentation qui, plus que n’importe laquelle de leurs sorties précédentes, nous a séduits.

Le nouvel opus du combo est une fusion d’Americana et de rock psychédélique avec des essences de folk rock dans sa vibrante collection de chansons. Sur cet album, Crum, basé à Stone Ridge, NY, est rejoint par ses collaborateurs de longue date, Kevin Shea (batterie) et Suzanne Nienaber (voix), ainsi que par une foule d’invités, une équipe de musiciens adroits qui créent un paysage sonore tout aussi inventif et agile.

« Eclipse This » donne le coup d’envoi de l’album. La chanson, qui met en vedette Louis Schefano à la batterie, attire immédiatement l’attention par sa balade rythmique réfléchie à travers un climat de guitare floue enrobée de psych rock, au milieu d’une brume sonore. C’est une proposition instinctivement atmosphérique et évocatrice que les voix et les pensées de Crum intensifient avec puissance.

Bien qu’il s’agisse d’une chanson à part entière, ce titre est aussi une introduction et un fil conducteur au cœur de l’album, le suivant, « Way Beyond the Blue », émergeant de cette intrigue, avec son propre reflet émotionnel, mais beaucoup plus vif et lumineux. Une fois de plus, les guitares tissent une proposition provocante que les tons combinés de Crum et Nienaber illuminent, la chanson est une rencontre brève mais fascinante avec une présence et une riche persuasion offertes de la même manière par son successeur, « Easy When You Know How ». A, elle aussi, un souffle radieux, mais comme le titre d’ouverture, elle marche dans l’ombre et dans les coins plus intenses de son aventure nourrie de psych rock et de culture indie rock. Une fois de plus, la contagion inhérente au son et à l’écriture des chansons des Grands Lacs manipule les oreilles et les hanches, mettant en lumière la rumination des paroles.

« Comme Baby’s Breath » emprunte la dynamique d’une déambulation vive teintée d’Americana et « I’m Not Listening » manipulé la même chose avec son similairement coloré et rythmique mouvementé, il est juste de dire que ce Contenders exerce une emprise plus serrée sur notre attention, le deuxième de la liste étant un de nos favoris.

Une autre a été trouvée avec eBorn Freese et sa balade imprégnée de rock ‘n’ roll des années 50 et sa virulence pop des années 60, les touches de piano de Petter Folkedal et la voix de Ray Rizzo ajoutant à son charme chaleureux, ce dernier ayant également orné la chanson suivante Last Night’s Smoke qui partageait son infection pop rock indie avec une entreprise de guitare nerveuse et une chaleur floue autour d’une contemplation vocale teintée d’anxiété. Les deux chansons ont facilement tenu les oreilles en place avant que Wave Fighter ne caresse les sens avec son élégante ballade surfée menée par la voix captivante de Nienaber, ses tons radieux enveloppés dans l’étreinte du synthétiseur de David Gould, qui est invité sur une poignée de titres de l’album.

Les deux derniers titres, « Broken Even » et » Your Eyes are Xs », ont permis à l’album de se terminer aussi bien qu’il avait commencé, le premier étant une incitation à l’écoute et à l’imagination dans un mélange de styles variés et savoureux, le second explorant un autre royaume d’intimité atmosphérique et d’ombres. De ce début fascinant, bien qu’agité, émerge un croonage tout aussi évocateur dans un tunnel de son caligineux, une exploration psych rock fuzzée qui prend notre choix de chanson préférée à la dernière minute.

Bien qu’il ait retenu l’attention et le plaisir avec facilité, ce sont les écoutes suivantes qui ont permis à Contenders de nous captiver et de nous inciter à vous dire qu’il faut vraiment l’explorer.

***1/2


The Cowboy Junkies: « Songs of the Recollection »

22 mars 2022

À l’approche de leur quatrième décennie, The Cowboy Junkies continuent d’interpréter les chansons d’autres artistes, les reprises étant un élément déterminant de leur répertoire depuis leurs débuts en 1986. Sur Songs of the Recollection, vous entendrez leurs interprétations uniques de Neil Young, Gordon Lightfoot, Bob Dylan, The Cure, David Bowie, Gram Parsons, The Rolling Stones et Vic Chestnutt. Oui, la fratrie composée de Michael Timmins (guitare), Margo Timmins (chant), Peter Timmins (batterie) et de l’ami de toujours Alan Anton (basse) est toujours aussi forte, avec des tournées prévues au printemps et en été. En écoutant ces neuf titres, on constate que le groupe conserve les mêmes qualités attachantes qui l’ont soutenu pendant ces 36 ans. Margo Timmins a même gagné en assurance et en intensité vocale.

On l’entend déferler et s’envoler sur le morceau d’ouverture de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, « Five Years » »de David Bowie, une chanson prémonitoire qui incarne la crise, qu’il s’agisse du changement climatique, de la pandémie ou des riffs politiques. Le groupe donne de la puissance à la voix de Margo Timmins, qui n’est plus la timide chanteuse qui a charmé tant de gens, mais une chanteuse passionnée et en colère. Ils emmènent « Ooh, Las Vegas » de Gram Parsons dans un territoire méconnaissable. Alors que la voix insouciante de Parsons masquait la noirceur des paroles, les effets de guitare réverbérés de Michael Timmins et sa voix jointe à celle de sa sœur la transforment sinistrement en une brume psychédélique.  Enfin, dans la chanson « No Expectation » » des Stones, souvent reprise, nous entendons le groupe dont nous sommes tombés amoureux la première fois, dans cette interprétation fidèle qui met en vedette la guitare slide de Michael Timmins et la voix rêveuse de sa soeur.

Comme beaucoup de leurs confrères canadiens dans presque tous les genres, il semble impératif de reprendre Neil Young, et The Cowboy Junkies décident de mettre les bouchées doubles. Ils apportent la noirceur requise à « Don’t Let It Bring You Down », l’accentuant avec des accords puissants et denses sur un fond cacophonique qui s’estompe avec le « It’s only castles burning… » de Margo. Ils juxtaposent cela avec une version remarquablement aérée et douce de « Love In Mind », révélant la voix la mieux équilibrée de cette dernière. Ils transforment « The Way I Feel » du chanteur folk Gordon Lightfoot en un morceau de rock rauque avec des rythmes lourds et une guitare enflammée. Ils se retirent à nouveau de la sonorité dense pour adopter un mode doux et délicat sur « I’ve Made Up My Mind (To Give Myself to You) » de Dylan, tiré de son album Rough and Rowdy Ways en 2020, ce qui en fait de loin le morceau le plus récent à être repris. Margo articule clairement les paroles poétiques sur une toile de fond décontractée et dépouillée, laissant cette chanson respirer librement, comme la chanson d’amour de Young. 

Comme leurs fans dévoués le savent, le groupe a noué une solide amitié avec le regretté auteur-compositeur Vic Chestnutt, au point d’enregistrer un album entier de chansons en hommage en 2009. Son « Marathon » est une autre de ces compositions effrayantes, atmosphériques et pleines d’effets de ce set. Ce mode mystérieux les porte également lorsqu’ils reprennent un titre de leur EP Neath Your Covers (2004), « Seventeen Seconds » de Cure. Michael et Peter s’échangent des lignes de guitares et des percussions qui s’écrasent, s’effaçant suffisamment pour que Margo puisse prononcer en toute intimité les paroles énigmatiques de la chanson, avant que l’instrumentation ne continue à peindre un paysage sonore creux et désolé.

Ce groupe est resté fidèle à sa sonorité singulière, langoureuse et atmosphérique pour mieux encadrer la voix de Margo Timmins. Même lorsqu’ils s’aventurent dans des sonorités plus denses et parfois plus dures, ils parviennent à se retirer avec succès dans cette zone de confort infectieuse. On ne peut pas dire que The Cowboy Junkies soit un trésor national, mais un trésor nord-américain durable et solide fera l’affaire.

***1/2


Neil Young & Crazy Horse: « Barn »

9 décembre 2021

Les époques et les tendances vont et viennent, mais une chose reste constante : Neil Young est toujours quelque part en train de préparer un nouvel album pour le monde entier. Avec plus de 40 albums à son actif, il n’est pas surprenant que celui-ci soit le 14e avec le Crazy Horse. Les chiffres mis à part, il est rare qu’un partenariat dure plus d’un demi-siècle, surtout dans le monde inconstant du rock ‘n’ roll. Après l’accueil chaleureux de Colorado en 2019, Young, ainsi que Nils Lofgren, Billy Talbot et Ralph Molina, se sont réunis pour un album organique de 10 titres, rempli de hauts et de bas. 

Enregistré cet été dans une grange du XIXe siècle située dans les Rocheuses, Crazy Horse a su capturer leur son brut tout en lui insufflant un charme décontracté. C’est le son de vieux amis qui font ce qu’ils aiment le plus. Quand ça marche, c’est magique, mais à d’autres moments, les chansons et les performances se traînent, manquant de concentration ou de dynamisme. Le morceau d’ouverture « Song Of The Season »s est un vrai bijou qui n’aurait pu être créé que par ce groupe. L’accordéon et la guitare acoustique mènent un conte de feu de camp sur les reines et les rois et le pouvoir majestueux du vent. Il met en évidence le talent enivrant de Young pour marier des éléments de folk, de country et d’americana en quelque chose d’entièrement personnel. 

« Heading West « suit, présentant sans doute la plus grande contribution de Crazy Horse à la musique, le rocker proto-grunge. C’est un morceau qui parle du bon vieux temps et de la façon dont «  maman m’a acheté ma première guitare ». Le ton de Young est encore assez brut pour décaper le papier peint, et le groupe ajoute un excellent petit swing derrière les procédures. Cela ne veut pas dire grand-chose, mais c’est un morceau qui vaut la peine d’allumer vos haut-parleurs. Avec Change Ain’t Never Gonna, Barn rencontre sa première pierre d’achoppement. Bien qu’il ait le cœur à la bonne place, son rythme sinueux et ses paroles maladroites tombent dans le domaine du vieil homme qui hurle dans les nuages. Nous devrions cependant être reconnaissants à Young de continuer à se battre pour le bien plutôt que de débiter des conspirations et des absurdités comme certains de ses pairs des années 70.

L’insipide Shape of You détient le titre douteux de pire moment de l’album. Sonnant comme une face B des Stones jouée ivre à mi-vitesse, The Horse se traîne tandis que Young peine à atteindre des notes élevées et à chanter son amour. Ce sont trois minutes oubliables, que le morceau suivant ne fait qu’empirer. They Might Be Lost est un cours magistral de simplicité et de narration. Sans fioritures et dégoulinant de chagrin, l’histoire d’un groupe qui attend l’arrivée d’un conducteur absent fait appel à votre imagination pour remplir les blancs en attendant les phares dans la neige. Le piano et l’harmonica donnent à la séquence d’accords répétée un certain poids émotionnel et contribuent à faire de cette chanson l’une des meilleures de ces dernières années pour Young. 

Les fans seront également ravis du groove nocturne de Welcome Back.  Malgré ses huit minutes et demie de durée, la chanson glisse sans effort, The Horse faisant avancer les choses tandis que la guitare de Young menace d’exploser à tout moment à travers la brume. C’est sans effort, cool et rempli d’un sentiment de tension palpable. Il aurait fait une clôture parfaite, mais il est curieusement suivi par le tiède Don’t Forget Love, qui, sans être aussi offensif que Shape Of You, parvient à perdre un peu de l’élan construit par le gagnant précédent. 

Dans l’ensemble, Barn est une réussite. Avec son charme facile et son atmosphère naturelle, il capture ces vieux routiers en train de faire ce qu’ils font de mieux, tout en réussissant à faire tourner de l’or par endroits. Il y a de l’alchimie à revendre, mais aussi suffisamment d’énergie de temps en temps pour exciter les sens. Ce sont des chansons terreuses à jouer sur la route, à apprécier autour d’un feu de cheminée. Ce sont de nouvelles chansons qui sonnent bien usées et bien aimées – un peu comme le Crazy Horse lui-même. Si l’écoute n’est pas surprenante, elle est presque toujours agréable.

***1/2


Martha Tilston: « The Tape »

5 novembre 2021

Tilston enregistre une bande sonore qui fonctionne bien en tant que telle, mais qu’il vaut mieux apprécier avec le film qui l’accompagne pour en capter toute la beauté.

Martha Tilston est une menaçante à quatre titres : elle écrit, joue, réalise et crée la bande sonore de son premier film, The Tape. Ce film aconte l’histoire d’un auteur-compositeur-interprète qui s’est installé en Cornouailles et qui enregistre une cassette qui, lorsqu’elle est écoutée par d’autres personnages, les pousse à changer leur vie.  La bande sonore du film a été enregistrée au piano sur le plateau du film pendant sa production.  Tilston crée de la musique depuis 2000 dans un groupe (Mouse) et en solo/avec son propre groupe depuis 2002.  Elle a un fort héritage musical (Steve Tilston est son père et feu Maggie Boyle, une musicienne folk, était sa belle-mère) et a combiné son amour de la musique avec la réalisation de films pour faire cette lettre d’amour à la Cornouailles.

L’album est une belle collection de chansons bien conçues qui transportent l’auditeur dans un espace contemplatif où il peut explorer son lien avec les autres et l’environnement.  Tilston note qu’elle espère que les gens se sentent émus en regardant son film (et en écoutant la bande sonore) – « s’ils sortent ensuite et s’assoient dos à un arbre couvert de mousse, s’ils se tiennent sur les rochers et crient à la mer, s’ils écrivent ce livre, chantent cette chanson, embrassent la personne qu’ils aiment, cela en aura valu la peine ».  Le retour de Tilston en Cornouailles et la réalisation de ce film sont une ode au monde naturel, à notre lien avec lui et à la nécessité d’en prendre soin.  Les chansons sont des hommages pleins d’espoir et la musique au piano suscite une réponse émotionnelle, car les motifs apparemment simples et répétés accrochent l’auditeur à l’histoire qu’elle raconte.

La voix de Tilston est claire, honnête et émotive et ses paroles sont incisives et résonnent à chaque écoute. La musique est basée sur le piano, avec un peu de violon et de guitare acoustique qui se mêlent à la musique pour permettre à la voix d’attirer l’attention de l’auditeur.  Tilston chante à propos du personnage qui veut « être l’été dans ta peau.  Tout ce que tu as à faire est d’expirer et d’inspirer »  Sur « Bigger Bridges », elle chante « Tu n’es qu’un chapitre de l’histoire qui continuera longtemps après toi » (You are just a chapter in the story that will go on long long long after you ). Àcet égard, elle a créé un album qui mérite d’être entendu aussi largement que possible et dont la musique restera avec vous longtemps après que vous l’ayez entendu pour la première fois.

***1/2


The Flatlanders: « Treasure of Love »

18 juillet 2021

The Flatlanders est une sorte de supergroupe réticent qui mérite bien la reconnaissance qu’il a pu obtenir. Composé de trois légendes musicales de l’État de l’étoile unique – Joe Ely, Jimmie Dale Gilmore et Butch Hancock et, depuis peu, du légendaire joueur de pedal steel et multi-instrumentaliste Lloyd Maines -, il n’a réussi à sortir que sept albums en tandem depuis sa création il y a près de 50 ans, ce qui fait de chaque nouvel album un événement. La preuve en est que le bien nommé Treasure of Love marque leur première collaboration depuis une douzaine d’années.

Cela dit, ce nouvel album ne constitue pas une rupture radicale avec le mode opératoire habituel du trio. « Je ne suis qu’un homme ordinaire », insiste Gilmore sur leur reprise bien adaptée de Leon Russell, « She Smiles Like a River ». Il en va de même pour la reprise de « Long Time Gone » de Tex Ritter, qui dégage l’honnêteté et l’humilité inhérentes à une approche que l’on ne peut qualifier que de modeste. Le fait que tous les titres de ce généreux coffret de quinze chansons, à l’exception de deux d’entre eux, soient des chansons d’autres personnes témoigne de leur désir de submerger leur propre ego et de rester fidèles à leurs racines. En effet, il s’agit d’une question d’inspiration. Par exemple, « Give My Love to Rose » est tellement fidèle à l’original qu’il serait difficile de faire la différence entre la lecture de Flatlander et le classique de Johnny Cash. On pourrait dire la même chose de leur version «  down-home » et sans prétention du « Treasure of Love » de George Jones, en dépit de la voix grinçante de Gilmore. D’autre part, les entrées originales – « Satin Shoes » d’Ely et « Ramblin’ Man » »de Hancock – s’intègrent parfaitement et avec assurance aux standards qu’ils ont sélectionnés. Ce n’est pas un mince exploit si l’on considère l’éventail d’auteurs qui se succèdent dans la liste des titres – Bob Dylan, Paul Siebel, Earnest Tubb, Mickey Newbury, Tex Ritter et Townes Van Zandt, entre autres.

Il y a, pourtant, quelque chose de délibérément audacieux dans la tentative de recycler des standards bien usés comme « She Belongs To Me » de Dylan et en particulier le classique blues souvent repris « Sittin’ on Top of the World ». Le trio s’exprime avec une aptitude et une assurance qui non seulement rendent justice aux versions séminales, mais s’assurent également qu’elles correspondent à leur propre modèle. Cette dernière chanson, en particulier, devient un morceau de musique countrifiée qui se distingue de tout facteur de familiarité auquel on pourrait s’attendre.

Les fans des types hors-la-loi en général – Waylon, Willie et Johnny en particulier – trouveront une cause commune avec l’objectif des Flatlanders – à savoir, une appréciation robuste et durable de l’Americana essentiel sans le besoin de l’étiqueter comme quelque chose de nouveau, à la mode ou même opportun. Avec Treasure of Love, la révérence des Flatlanders pour leurs racines reste fidèle à son titre.

***1/2


Gozer Goodspeed: « Ghosts of the Future & Past »

17 juillet 2021

Voici, à première vue (ou écoute), une collection étrange du troubadour blues-folk de Plymouth, Gozer Goodspeed, mais ce n’est pas un artiste à prendre au pied de la lettre. Ayant récemment signé sur le label Lights & Lines, un album composé d’anciens titres remixés, d’enregistrements rares et de quelques nouveautés a été rassemblé sous le titre de Ghosts of the Future & Past et constitue une excellente plate-forme de départ pour les non-initiés. 

S’ouvrant sur le rythme envoûtant de « Gambler’s Last Day « , Goodspeed présente son style roots, influencé par l’Americana et agrémenté de paroles qui racontent des histoires, d’une guitare qui gronde et d’un rythme traînant. Charlatans and Hypnotists  » est un morceau entièrement nouveau qui sonne comme si Frank Turner fournissait une guitare d’accompagnement à un flux de conscience de Tim Booth avec une énergie qui démange. Le morceau favori « Rattlebone Colour » est toujours aussi contagieux, tandis que « Man With the Ruined Knee » transporte toujours l’auditeur dans une réserve amérindienne, dans les heures calmes de la nuit, avant que l’aube ne fasse son apparition. 

On trouve dix-sept morceaux sur cette collection et chacun d’entre eux est conçu avec un soin délicat et une passion égale, un fait confirmé par la complexité de « Barrel Headlong into the Night » » qui se déploie comme un jam de l’ère Joshua Tree de U2. « What You Got Going On, Lewis ? » et « The Blueman and the Headshrinker » sont deux des meilleurs exemples d’écriture de chansons basées sur le blues que et seront, à ce titre, des acrées compositions. La guitare profonde, riche et tourbillonnante de « Impossible to Pick Up » fonctionne parfaitement pour une chanson sur l’intangibilité du chagrin, avant que « Survivor by Habit » » ne reprenne la piste de l’Americana avec des éléments des Black Crowes et des Indigo Girls.

La voix de Goodspeed prendra un tour crépusculaire et poussiéreux sur « The Key Broke Off Clean In The Lock » », une chanson qui est la bande-son parfaite d’une nuit passée sous les escaliers à s’émerveiller de la taille de tout cela. La progression de l’artiste solo au capitaine du navire sur « ‘Running with the Outliers » sera, elle, brillante à entendre, alors que le groupe de frères de Goodspeed, les Neon Gamblers, se joignent à eux pour une fête complète, un thème qui se poursuit sur « Pumas and Neon Signs », plus calme. « We never talk about the time you found God on the King Point Marina » est la ligne d’ouverture de « King Point Marina », une référence au point de repère bien connu de Plymouth, pourrait, de son côté, facilement être une complainte de Dylan. 

Le côté diabolique de Goodspeed transparaît sur « Rebuilt and Remade », où il vous raconte les secrets du monde tout en faisant tourner paresseusement sa fidèle guitare acoustique. « The Killjoy Bulletin » est un enregistrement live (l’espace que Goodspeed habite le plus naturellement) d’un morceau très bluesy sur le désir de se déconnecter du réseau électrique, avant de nous offrir une fenêtre sur ce qui est à venir sur l’inédit « Now’s Not The Time To Lay Low » – les choses se présentent bien, d’ailleurs. L’album se termine là où il a commencé (en quelque sorte) avec un remix de « Gambler’s Last Day » par Chris Love, des Whistlewood Studios de plus en plus célèbres, avec une dose supplémentaire d’orgue et de marécage. 

Gozer Goodspeed a déjà amassé un back catalogue incroyablement diversifié, authentique et impressionnant dans lequel je vous invite à plonger et à vous rouler comme un gagnant du loto sur un lit de billets de 20 £. Cependant, l’histoire est loin d’être terminée avec un nouvel album de matériel frais prévu pour 2022 et un retour sur la scène après un hiatus imposé par une pandémie. Prêt à monter à bord ? Vous feriez mieux de l’être, ce train est en route pour la gloire.

***1/2