Husky: « Stardust Blues »

28 octobre 2020

Pour sa quatrième sortie, Stardust Blues, le groupe de folk-rock mystique qu’est Husky continue à explorer de nouvelles zones sonores tout en conservant son sombre et magnifique don pour la mélodie, et en repousse ensuite les limites du concept.

Basé sur un voyage de réflexion de 24 heures à travers Melbourne (influencé par la démolition du célèbre hôtel Westbury où la majeure partie de l’album a été écrite), Stardust Blues capture un sentiment d’optimisme profond – un désir ardent pour le passé (« Light A Cigarette »), mélangé à un sentiment de reconstruction de nouveaux rêves, avec le « closer » de l’album, « My Darling Ghost », qui regarde vers la lumière à l’horizon après un passage sombre.

Les émotions traitées par le groupe sont apparentes tout au long de l’album, avec des arrangements musicaux plus dépouillés permettant au frontman Husky Gawenda de porter les chansons à travers des paysages sonores qui dérivent entre les royaumes de l’indie pop, du psychédélique et du folk rock avec un sentiment convaincant.

Il est vrai que le milieu du disque est un peu clairsemé, les chansons noires n’étant pas pressées de faire valoir leur point de vue. Cependant, des morceaux comme « Foxes Of Caulfield » et « Hearse On A Highway Rainbow » récompensent l’auditeur pour sa patience, exemples d’un groupe qui continue à explorer de nouveaux sons tout en restant fidèle à sa beauté mélodique.

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Fleet Foxes: « Shore »

23 septembre 2020

Rien n’est plus évocateur de l’automne qu’un nouveau disque de Fleet Foxes. Voyez les choses en face : l’été est passé, les températures baissent, les feuilles commencent à tomber et le groupe de Robin Pecknold vous invite à écouter la bande son de la collection de vêtements que vous vous préparez à enfiler pour la saison.

Cela ne veut pas dire, toute fois, que Shore n’est pas le bienvenu. Loin de là – en fait, peu de personnes sont mieux adaptés que le combo pour construire ces moments indie-folk mielleux, avec la nostalgie des yeux de rosée inhérente à un son qui tire sur les cordes du cœur d’une manière qu’aucun autre groupe ne peut faire.

Avec une sortie surprise, Shore s’ouvre sur le duo « Wading In Watt-High Water » et « Sunblind ». Nous sommes immédiatement en terrain connu – la mélancolie heureuse du chant, l’accent mis sur la performance du groupe plutôt que sur l’audace individuelle. Pourtant, l’ensemble s’aventure en terrain inconnu : l’instrumentation ondulante, la douce montée de la mélodie qui rappelle celle des Cocteau Twins si ceux-ci avaient pris un virage folk.

La voix magnifique et entêtante du morceau « Can I Believe You » dément la complexité tranquille des rythmes sous-jacents, une chanson en perpétuel mouvement. A » Long Way Past The Past » fait paraître l’introversion automnale merveilleusement enivrante, tandis que « Young Man’s Game » est la réflexion subtile d’un groupe qui a toujours sonné plus vieux que son âge.

Ce qui est remarquable dans Shore, c’est à quel point tout est naturel, sans hâte. Cette sortie surprise met fin à trois ans d’attente pour du nouveau matériel dans un certain style, un vaste disque d’une réelle profondeur qui contient des moments d’une beauté saisissante. Prenez ces contre-mélodies sur « Jar » » – presque brésiliennes dans leur merveille lumineuse – des douces affirmations qui courent à travers le majestueux « I’m Not My Season ».

Cela dit, lorsque les Fleet Fox jouent pour former, ils assument le trône indie-folk avec une réelle affirmation. Ainsi, « Quiet Air / Gioia » est un coup de maître, tandis que l’atmosphérique « Going-to-the-sun Road » pourrait bien apaiser les nombreuses inquiétudes suscitées par cette année chaotique.

Produit par Pecknold lui-même, Shore est un disque consciemment « grand » – en effet, en parlant de ce processus, l’auteur de la chanson n’a-t-il pas comparé cet opus à « 15 big ones » ? C’est une collection de panoramas de plusieurs kilomètres, d’horizons infinis, une vision de l’Americana comme une étendue infinie, une source perpétuelle de confort personnel et de réinvention esthétique.

C’est un disque qui met l’épaule à la roue, un souffle de lumière dans les moments les plus sombres. Qu’il s’agisse du simple unisson choral de la miniature médiévale « Thymia » ou de l’émotion angoissée de « Cradling Mother, Cradling Woman », il s’agit d’une collection de compositions qui dominent leur rôle de manière emphatique.

Aussi naturel et invitant que le frisage des feuilles, Shore montre les Fleet Foxes à leur meilleur : une voix de réconfort pour une génération modernisée, c’est moins un album qu’un coffret empli de trésors.

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H.C. McEntire: « Eno Axis »

26 août 2020

Le nouveau disque de H.C. McEntire, Eno Axis, commence, non pas avec les guitares country de ses débuts, l’excellent Lionheart datant de 2018, mais avec les douces pulsations d’un orgue à tuyaux. Et ici, l’orgue est accompagné non pas d’une guitare acoustique (choix trop évident) mais du chant chargé de lamentation de McEntire et de ce chant seul. C’est un détail dévastateur qui dément la dette de McEntire envers le gospel (ses parents étaient des évangélistes travaillant en tandem avec Billy Graham). Si l’enchaînement de l’ouverture est un révélateur de la direction du disque, c’est que McEntire puise dans son sac de malices pour déployer quelque chose de moins attendu – et moins fidèle au genre – que les ballades country chantées avec une voix caractéristique. Au fil de dix morceaux béatifiques, McEntire, qui a déjà fait fi des conventions, lance à maintes reprises des balles courbes à l’auditeur qui s’attend à des plats de country organiques. Le résultat est une collection assez fascinante de spirituals soul, produits avec amour.

McEntire tire beaucoup de profit de la réverbération luisante et de la lenteur de la pédale d’acier sur Eno Axis, ce qui donne à des chansons comme « High Rise », d’une complexité trompeuse, ou « Hands for the Harvest », une sorte de qualité pensive, voire parfois lugubre. La clé de voûte de cette ancienne chanson doit être la slide électrique faisant fi du goulot d’étranglement magnifiquement enregistré sonne comme un harmonica. Sur le riche « One Eye Open », probablement l’un des meilleurs morceaux du disque, il est même difficile de dire où s’arrête la pedal steel et où commencent les notes de guitare électrique ; la production est aussi nuancée et aussi atmosphérique. Sur « Sunday Morning », McEntire utilise des techniques de diffusion similaires, cette fois-ci en brouillant les cordes de la guitare électrique et acoustique avec ce qui pourrait être, loin en arrière-plan, une touche de piano.

Mais ce disque est loin d’être un disque mûr avec des artifices d’enregistrement, mais léger sur le plan du contenu. Regardez « Time, On Fire », qui est une pépite pop-country bizarrement captivante qui, d’une certaine manière, ne dure que trois minutes. Ici, McEntire laisse la guitare acoustique glisser à la surface, mais elle est renforcée par des couches de guitares électriques à l’écho, une basse électrique rebondissante, mixte et juste à droite, et même un backbeat traînant. La dernière minute est impeccable, sans aucune note ou réverbération déplacée, mais se présentant toujours comme chaleureuse et instinctive. Ailleurs, par exemple sur « Final Bow », dont le rythme assez lent doit, assez curieusement, une partie de sa tonalité à Tom Petty, l’écriture des chansons brille. Ici encore, cependant, la voix de McEntire est fortement traitée avec des nuances de réverbération ; elle confère une certaine stagnation au matériel qui l’éloigne des racines de l’auteur-compositeur-interprète des Heartbrakers.

Eno Axis s’achève sur le titre bien connu de McEntire, un « Houses of the Holy » dont les détails – un Hammond bourdonnant, un solo de guitare soul rock au tempo régulier – doivent plus à des artistes comme Jolie Holland qu’à tout crooner country conventionnel. Dans compter la production de Mount Moriah), il sera difficile de dire si le nouveau LP est une apothéose ou simplement une façon de secouer le processus. Quoi qu’il en soit, c’est un axe qui vaut la peine d’être parcouru.

***1/2


The Jayhawks : « Xoxo »

12 juillet 2020

The Jayhawks, l’un des groupes les plus durables de l’Americana, sont avec nous depuis maintenant trois décennies et demie, soit un peu moins en termes de production enregistrée. Il est logique qu’à différents moments, l’unité ait besoin de réévaluer leur direction et d’ajouter quelques torsions à leur son caractéristique. Le leader Gary Louris a estimé qu’il était temps de prendre un peu de recul et de donner plus de relief à ses camarades, tant en termes d’écriture de chansons que de chant principal. Ainsi, Xoxo, tout en élargissant le son du groupe, n’est pas un changement majeur, pas même un détour en fait, mais un recentrage et un affinement de leur son jangly caractéristique – débordant de country, de folk, de rock et de power pop de l’invasion britannique. C’est une revitalisation.

Il est vrai qu’ils sont sortis du radar de cet écrivain avec leur longue interruption au milieu des années 2000, mais ils semblent maintenant être au rythme d’un album tous les deux ans, basé sur Paging Mr. Proust en 2016 et Back Roads and Abandoned Motels en 2018. La tournée de ces albums a donné à Louris l’idée que la claviériste Karen Grotberg et le multi-instrumentiste Tim O’Reagan devraient avoir plus de possibilités de chanter en tête d’affiche. Le bassiste Marc Perlman a toujours été un peu plus en vue que les deux autres, mais Louris voulait élargir le cercle. Chacun d’eux a non seulement apporté des chansons et des chants, mais il a également fait ses propres choix de mixage.

Chaque membre a commencé à développer des esquisses de chansons que le groupe a étoffées lors de sessions d’écriture informelles à partir du printemps 2019. Au moment de l’enregistrement, le quatuor s’est retiré et a vécu ensemble pendant deux semaines près d’un studio isolé dans la campagne du Minnesota pour développer cet album, dont la touche finale a été appliquée à Minneapolis. Inévitablement, même pour un groupe de vétérans, cette approche a conduit à une camaraderie accrue qui se reflète sur le disque. Oui, ces glorieuses harmonies et cette musicalité polyvalente sont intactes, mais le groupe a pris un peu plus de risques que d’habitude. Le compromis entre Louris et O’Reagan mène avec Grotberg sur les harmonies pour la première collaboration Louris/Perlman, « This Forgotten Town », qui sonne comme des Jayhawks vintage, mais avec des guitares fortes plutôt que jantes dans l’outro.

Avec « Dogtown Days », O’Reagan donne plus de latitude au rock dur, passe à un mode plus acoustique et plus « finger-picking » »et à une ambiance plus rêveuse sur « Looking Up Your Number » et se laisse entraîner par les accords sur « Society Pages », qui comporte également une guitare explosive. Perlman a fait un travail considérable de coécriture mais il s’est avancé sur le chant principal de la valse « Down to the Far », une chanson à l’histoire due au folk américain et britannique. La ballade au piano « Ruby » est un élégant virage harmonique de Grotberg où elle révèle son côté country Emmylou sur la pédale d’acier (Eric Heywood) imprégnée « Across My Field » »

Dans ce âcher prise, Louris est toujours le principal auteur et il s’est retrouvé à se tourner vers des sujets plus actuels que d’habitude. Son «  Living in a Bubble » commence par une structure d’accords à la Harry Nilsson, alors qu’il se lamente de vivre dans le cycle des nouvelles axé sur l’audience. « Homecoming » aborde le changement climatique et le mépris de l’administration actuelle pour tout ce qui concerne l’environnement. Son regard se porte sur la même cible sur « Illuminate », un co-écrit avec Perlman et Reagan qui excite le culte des idoles. Deux autres titres de Louris sont l’histoire d’une strip-teaseuse désespérée dans « Bitter Pill », avec des invités de marque tels que Stephen McCarthy à la guitare électrique et John Jackson au violon, et « Little Victories », co-écrit avec O’Reagan, rempli de riffs contagieux, d’harmonies retentissantes et d’un travail de guitare perçant qui en font l’un des morceaux les plus remarquables.

***1/2


Lara Taubman: « Revelation »

12 juillet 2020

Lara Taubman fait ressortir un beau mélange d’américana, de folk et d’honnêteté émotionnelle dans ce fascinant et courageux Revelation. Décrite comme une musicienne « folk Americana hors-la-loi », Lara Taubman peut avoir une base dans ces genres, mais la vraie puissance de sa musique vient de l’honnêteté émotionnelle qui l’habite. Après avoir été appelée à se produire et à enregistrer de la musique il y a seulement cinq ans, ce nouvel album montre une maturité dans l’écriture des chansons qui est bien plus grande qu’elle ne devrait l’être, capable de raconter ses histoires avec une confiance et une passion parfois hypnotisantes.

En commençant par « Sound of Heartbreak », nous sommes tout de suite plongés dans ce son chaud et américana, contre des guitares coulissantes, un violon acoustique et mélodique bien réglé. La voix de Lara enveloppe cette familiarité réconfortante d’un sens nouveau de l’objectif, tout à fait capable de créer des sections de mots plus doux, presque parlés, ou de tenir des notes pour représenter la densité émotionnelle. Avec plus d’un soupçon de Joni Mitchell à la fois vocalement et lyriquement, elle prend le morceau par la peau du cou et le fait sien, racontant une histoire d’insécurité chargée d’émotions : « Elle savait qu’il l’aimait, qu’il était fier de lui, mais il a couru dans toute la ville, m’a fait me sentir rabaissée » (She knew that he loved her, she knew he was proud but he ran all over town, made me feel put down ). Suivi du titre « Desert Boy », le début brillant et animé est contrasté par une ballade sensuelle et lente qui fait ressortir une beauté aux nuances country au chant mené par un piano doux et une batterie décontractée.

Au fil de l’album, on voit l’artiste s’ouvrir encore plus à sa douleur et à son traumatisme émotionnel, laissant son son authentique transparaître parmi des paroles honnêtes et des mélodies fortes. « Heartbreak Garden » n’aurait pas l’impression de ne pas être à sa place dans un groupe de rock classique des années 70 comme Humble Pie ou sur une setlist de Janis Joplin, tandis que « Cold Side of Spring » fait revivre la beauté ludique du violon de tout à l’heure dans le disque et l’enveloppe autour d’une atmosphère doucement constructive. Le morceau s’anime et marque un timbre d’americana véritablement soyeux et lisse qui fait sourire.

Alors que nous arrivons aux derniers morceaux, il semble que la chanteuse veuille expérimenter un peu plus pour relier les deux parties du disque. « Snakes in the Snow », avec Kate Fenner, a une nature envoûtante avec des chants folkloriques obsédants sur une ligne de basse ambulante. Tout cela est combiné à des influences de musique du monde qui sont progressivement intégrées et exploitées. Le disque se termine ensuite par « Revelation », qui s’appuie sur le son folk, mais cette fois-ci en se contentant d’une guitare acoustique et de paroles qui dépeignent une acceptation émotionnelle, en voyant Lara dans un meilleur état qu’au début du disque. 

Pour quelqu’un qui ne fait partie de l’industrie musicale que depuis peu, Lara Taubman possède une intelligence et une attention à la structure et à la mélodie que certains ont travaillé toute leur carrière pour obtenir. La révélation parvient à créer un son global qui peut être facilement modifié de manière subtile, l’artiste n’ayant pas peur de faire preuve d’ingéniosité pour épaissir le disque et entraîner l’auditeur dans d’autres directions. Un disque solide et confiant qui a non seulement aidé à guérir le chanteur mais aussi à faire découvrir au monde un talent particulier.

***1/2


Gabrielle Louise: « The Unending Alteration of the Human Heart »

8 juin 2020

Elle a une voix de chanteuse de cocktail jazz qui serait à la tête d’un groupe de Mountain Roots. Gabrielle Louise, qui roucoule un emystérieuse parturition en douceur, est une candidate pour représenter le répertoire americana classique même si que son dernier album, The Unending Alteration of the Human Heart, montre que l’auteure-compositerice du Colorado est surtout àl ’aise dans des festivals de musique folk, où les histoires de douleur et de plaisir ainsi que les ballades d’amour perdu et retrouvé sont accompagnées d’une acoustique douce. « Words to Wade Through » ouvre The Unending Alteration of the Human Heart, une histoire où l’on se lamente sur une relation brisée, où l’on s’attaque habilement à la foi et où l’on appelle Mère Theresa pour « aimer un homme qu’elle ne peut ni toucher ni voir » (loving a man she can’t touch or see), pour décrire cet amant fantomatique

« First Train West » est un country blues mené au dobro, tandis qu’une guitare fragile introduit « See In The Dark », laissant place à de délicates harmonies qui révèlent le simple plaisir de dormir côte à côte. « Anxious » porte le poids d’un aveu personnel, en s’appuyant encore plus sur la réverbération et la guitare qui se tortille. L’esprit acoustique est temporairement abandonné lorsqu’un piano et une basse à fusion éclaboussante livrent un « Big Unbreakable Heart », suivi du rythme courageux de « Don’t Touch Me». Avec son jeu animé, ses touches hautes et son vibraphone, le morceau est un titre qui se situe entre le showtune old school et l’exotisme de la Hi-Fi vintage pour un salon de l’ère spatiale.  Gabrielle Louise clôt The Unending Alteration of the Human Heart en rendant personnel le « Deportee » de Woody Guthrie, chantant ces gens poursuivis comme des hors-la-loi, des voleurs, des brigands. Le morceau est exture douce et contenu lourd, à l’image de ces humains sans nom renvoyés au sud de la frontière, étiquetés uniquement comme des déportés ; une fin émotionnelle qui reflètera avec justesse le titre de l’album.

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Lucinda Williams: « Good Souls Better Angels »

26 avril 2020

Le stoïcisme est peut-être le prix de la singularité. Lucinda Williams, éminemment difficile à classer, est la rare artiste grand public qui conserve sa crédibilité dans la rue, tant en country qu’en rock. Mais s’imposer a nécessité une campagne éreintante. Dans les années 1970 et 1980, cette artiste originaire de Louisiane a parcouru le Texas et Los Angeles, se frottant à des « lowlifes » luminescents et les immortalisant en chansons. Au fil du temps, elle a accumulé un grand nombre d’adeptes et a reçu trois Grammy Awards. Au fil du temps, elle est devenue aussi fiable et confortable qu’un vieux pull qui gratte et qui est en quelque sorte meilleur que les autres dans le tiroir.

Moins confortable est le sujet du dernier album de Williams, Good Souls Better Angels, qui aborde des sujets sombres avec des paroles et des sons inhabituellement agressifs. C’est son 14ème album studio, et son premier album de nouvelles chansons depuis 2016, le hantant The Ghosts of Highway 20.

Les diables, la malchance et l’échec en sont les motifs. Le thème de la lutte contre les forces démoniaques anime l’intrigue. Le réalisme de Williams nous rappelle que, même lorsque les combats cessent, la paix est souvent un objectif irréalisable. Longtemps fascinée par les possibilités offertes par la poésie, elle puise dans une veine particulièrement râpeuse et provocante sur Good Souls Better Angels.

L’exemple le plus frappant, « Wakin’ Up », ne ressemble à rien d’autre dans son répertoire.  Elle se déchaîne en récitant une litanie de résistances et de dysfonctionnements : « Il m’a donné un coup de poing/ Je l’ai raté…/ Il m’a tiré les cheveux/ Et puis il m’a pissé dessus/ Je jure qu’il veut ensuite m’embrasser. » (He threw a punch/ Somehow I missed it…/ He pulled my hair/ And then he piss on me/ Next thing I swear he wants to kiss on me.) Des hurlements de guitare désorganisés illustrent le chaos et Williams va jusqu’à justifier la non-coopération. Dans le choeur déchirant, elle se secoue, se disant rapidement à elle-même » »Je me réveille/ D’un mauvais rêve/ Ça m’a secouée/ C’était une mauvaise scène/ Ça m’a foutue en l’air. » (I’m wakin’ up/ From a bad dream/ It shook me up/ It was a bad scene/ It fucked me up.) Le guitariste Stuart Mathis y diffuse des riffs façon Neil Young époque Sleeps With Angels sur un grondement rythmique menaçant.

Sur Good Souls Better Angels, Williams est soutenu par le groupe de blues rock Buick 6. Mathis riffs sur une guitare négligée inspirée par Hendrix, et jette des pistes de guitare contradictoires sur la production. Ses accords de blues impétueux et son jeu libre et expressif s’opposent aux rythmes statiques du batteur Butch Norton et aux motifs de basse de David Sutton. Cet arrangement donne une sensation de live énergisante et les solos de guitare crépiants s’opposent aux rythmes brutaux et au chant dur de Williams. 

« Pray The Devil Back To Hell » est un morceau similaire à « Wakin’ Up », mais dans une perspective plus négative. Mathis peaufine son installation et explore un territoire plus spacieux. Le violon électrique griffé offre une rare variation sur la palette sonore de base fournie par le groupe. Williams affronte les démons de gauche et de droite, et pas seulement les démons internes. Le « single » « Man Without A Soul », critique implicite de Donald Trump, qui fait l’objet d’une critique implicite, prophétise la chute de la figure de proue controversée. « Tu te caches derrière ton mur de mensonges/ Mais ça s’écroule » (You hide behind your wall of lies/ But it’s coming down), crache-t-elle, le broyant sous sa botte métaphorique comme un mégot de cigarette qu’elle aurait jeté par terre. Des changements d’accords rassurants y dissimuleront temporairement son vitriol.

Good Souls Better Angels délivre un rock brut et rugueux, et c’est rafraîchissant à entendre. Il serait cependant fallacieux de qualifier l’album de retour à la forme, car Williams n’a jamais sonné aussi noueux sur disque. Des guitares fracassées et la valeur de production du garage-rock fournissent une toile de fond gutturale pour ses paroles, hurlées et marmonnées à la manière étonnamment punk.

Sur le shuffle agité du Texas blues « Bad News Blues », Williams transforme un mauvais moment en bon moment avec des rimes directes et une construction parallèle intelligente. « Mauvaises nouvelles dans la rue / Mauvaises nouvelles dans ma voiture / Mauvaises nouvelles sous mes pieds / Mauvaises nouvelles au bar » (Bad news on the street/ Bad news in my car/ Bad news under my feet/ Bad news at the bar), gémit-elle, l’air assiégé mais sobre. Sa râpe grinçante atterrit de manière impressionnante entre Iggy Pop et Kim Gordon, tandis que les paroles et la musique puisent leur force dans un blues tapageur. Sur le dur « Big Rotator », la rime sert une fois de plus de véhicule aux idées de Williams. Elle fait tourner une série de tangentes verbales qui se fondent comme une pelote de laine autour des thèmes du bien et du mal.

Néanmoins, comme beaucoup d’artistes classiques qui ravivent le feu après quelques albums de chansons relativement conventionnelles, Williams tempère parfois l’enfer. Deux ou trois numéros apaisants et mélodieux la font changer de vitesse.  Bien que presque fade dans son euphémisme, « Good Souls », plus proche, sert d’épilogue réconfortant pour les auditeurs confiants qui ne sont pas effrayés par les difficultés.

« Shadows and Doubts » combine cette tension plus douce avec sa ligne de basse incisive sur l’album. Williams commence la chanson sans accompagnement. Buick 6 la dépasse progressivement par de subtiles embellissements, et la chanson se transforme en un gage de solidarité encore doux mais plein de sang. Rêveusement, Williams chante : « Bon sang, ce sont les jours bleus sombres/ C’est vrai/ Et il y a tant de façons de vous écraser. » (Hell, these are the dark blue days/ That much is true/ And there’s so many ways to crush you) Mais ici, elle n’est pas à l’attaque. Elle poursuit avec une note d’optimisme tenace : « Vous avez vos ombres/ Et vous avez vos doutes/ Et vous avez vos batailles/ Mais vous vous battez pour vous en sortir. » (You’ve got your shadows/ And you’ve got your doubts/ And you’ve got your battles/ But you fight your way out) Ceci sonnera un peu comme une déclaration de mission et d’intention pour l’ensemble de l’album.

Le disque sert à rappeler ce qui fait du nom de Williams une marque reconnue dans le domaine de l’écriture de chansons de qualité. Son individualité et sa combativité continuent à briller au plus profond de sa carrière. Son phare poétique lutte contre les ténèbres ; il ne gagne pas toujours, mais il incite les auditeurs à se battre pour leur meilleure nature. Good Souls Better Angels est, dans ses meilleurs moments, une écoute fascinante pour les fans du côté plus branché du rock roots et de l’Americana.

****1/2


Sarah Peacock: « Burn the Witch »

19 avril 2020

Les battements de tambour créent une transe. Sarah Peacock se matérialise comme la sorcière, sa baguette orchestrant le théâtre musical et lyrique pour la chanson-titre « Burn the Witch », le morceau carte de visite faisant allusion à la magie musicale qui circule comme de la fumée tout au long de l’album. Sa voix est puissante, Sarah Peacock assaisonnant sa touche naturelle de country avec les atmosphères en cascade d’americana qui dérivent sur « Take a Little Time » et la seule source de réconfort dans les rythmes endiablés correspondant aux derniers souffles de « Thoma ». Burn the Witch fait preuve de tendresse dans « Hold Me in Your Heart », où Sarah Peacock selle un or country qui scintille comme la chaleur de midi dans « Mojave », tandis qu’elle suit la marche d’un piano jouet dans le conte southern gothic qu’est « Keep Quiet ». Glissant doucement sur un rythme de triomphe, elle emmène les « Cool Kids » en balade pour des histoires de leurs vies tout aussi cahoteuses, le message de persévérance et de triomphe face aux impasses ; un modèle pour « Burn the Witch ».

Pour le thème de Burn the Witch, Sarah Peacock s’est penchée sur ses propres obstacles personnels, rappelant un moment du passé pas si lointain où elle a remis en question ses choix. Lors d’une tournée de quatre mois en 2016, Sarah Peacock, le groupe et l’équipage se sont arrêtés pour manger un morceau, puis sont retournés à leur point de départ pour découvrir qu’un feu de générateur avait brûlé tout ce qui se trouvait à bord.

Raccourcissant le processus par étapes qui l’a aidée à retrouver ses jambes de scène, Sarah Peacock a partagé que « après l’incendie, j’ai signé avec un label de Nashville quand je suis rentrée de la tournée. J’ai fait deux disques pour American Roots Records avant de me séparer d’eux à l’automne 2018. Il y a eu Beauty in the Ashes (2017) et ensuite Hot Sheet Motel (2018). Je pense que le lien et la synergie entre l’incendie du bus et Burn the Witch est que le bus a été un moment charnière où j’ai réalisé que les gens écoutaient vraiment. Les fans sont venus me voir quand j’étais prêt à arrêter, et cela m’a fait intérioriser (probablement pour la première fois) que le monde était vraiment attentif. J’ai commencé à écrire différemment. J’ai écrit comme si le sort du climat social en dépendait. Burn the Witch est ce qui s’est passé après avoir vraiment laissé le jus de cette expérience et de ces deux derniers disques s’imprégner. Il s’agit de la musique, des chansons, et du pouvoir qu’elles ont de planter une graine de changement ». Parlant au visage de l’autre côté de la table ou aux sourires qui s’élèvent du bord de la scène, Sarah Peacock chante une lettre d’amour dans « The One », hante » »House of Bone » » avec des souhaits de mort et le son fantomatique des pas qui traînent tandis que « Burn the Witch » sculpte un groove funky à partir d’accords pointus et de rythmes aux courbes serrées dans « Colorado ».

***1/2


The Ballroom Thieves: « Unlovely »

18 avril 2020

Beaucoup de laideur se niche dans Unlovely, le troisième album complet du trio The Ballroom Thieves, basé à Boston. Le monde brûle (« In the Dark »), il y a de la colère (« Homme Run ») et de la douleur (« Don’t Wanna Dance »), et une cacophonie de mauvaises nouvelles vous enveloppe (« Unlovely »). En plus de tout cela, les menteurs sont partout : Un escroc égoïste est au centre de « Vanity Trip » » et les menteurs sont la cause de l’exaspération qui suinte sur le dernier morceau « For Hitchens » : « Pourquoi les laissez-vous vous mentir ? » (Why do you let them lie to you?) demande le trio.

Et pourtant, Unlovely est charmant. The Ballroom Thieves font face à la laideur et à l’injustice des sphères personnelles et publiques avec une énergie imperturbable, et à leur tour ils ont fait un album dynamique. Unlovely incarne l’atmosphère conviviale d’une manifestation

De piste en piste, les arrangements du combo conservent une énergie ludique similaire mais ne sonnent jamais tout à fait de la même façon.

Avec des chansons allant de ballades folkloriques tranquilles à des morceaux de rock endiablés avec un soupçon de cornes, Unlovely est un disque tentaculaire sur le plan sonore, mais en étant toujours ancré avec les appels à la justice, il ne semble que rarement déconcentré. Le titre intelligent « Homme Run », par exemple, est l’une des chansons les plus dépouillées du disque, avec le chant de Calin Peters et le rythme de guitare valse de Martin Earley en son centre, tandis que « Begin Again » est un morceau de rock scratché avec des guitares qui hurlent et beuglent, et les deux morceaux soulignent la nécessité de démanteler le patriarcat.

Le contraste entre l’obscurité et la lumière est un point central de l’album alors que le groupe patauge dans la disharmonie contemporaine mais l’associe à des mélodies enjouées. Dans les derniers moments de « Tenebrist » » un morceau de rock funky dont le titre fait référence à un style de peinture marqué par le contraste saisissant entre les tons sombres et clairs, The Ballroom Thieves se réunissent et énoncent ce qui semble être au cœur de ce que véhicule Unlovely : « Nous avons besoin de l’obscurité pour connaître la lumière. » ( We need the dark to know the light).

***1/2


Trace Mountains: « Lost in the Country »

16 avril 2020

À ses débuts sur la scène new-yorkaise de la musique DIY, Dave Benton était connu pour représenter la tendre voix de l’honnêteté dans le groupe de trois auteurs LVL UP. Maintenant que LVL UP est dissous, Benton se penche entièrement sur la même sentimentalité brûlante qui l’a fait connaître dans son travail passé avec son deuxième album sous le nom de Trace Mountains.

Maintenant basé dans la région de l’Hudson Valley à New York, Benton utilise sa voix chaude et endormie avec des sons de guitare très ouverts sur Lost in the Country. Benton a nettoyé le son des instruments à anche qui préexistaient sur Trace Mountains, et il l’a remplacé par des tonalités plus venteuse et mélancoliques pour donner cadre approprié à ce climat d‘introspection qui est le propre d’un vétéran de la scène musicale aguerricomme il peut l’être.

Sur la chanson titre de l’album, Benton embrasse le ralentissement des choses avec un porche éclairé, un rythme lent et des lignes de guitare usées et nerveuses qui rappellent Kurt Vile ou la guerre contre la drogue. Le petit gazouillis de la guitare d’acier sur « Fallin’ Rain » est recouvert d’une réverbération suffisamment boisée pour donner l’impression de mâcher un peu de paille tout en contemplant un coucher de soleil d’un orange profond.

Ailleurs, « Benji » commence comme un morceau de rock radio AM, mêlant harmonieusement des lignes vocales déformées et un grand outro électrifié qui rappelle le travail de Benton sur LVL UP. « Me & May » est un joyau pop rêveur et poli, tacheté d’une douceur salée et « Dog Country » s’orne d’une narration douce servie par le ténor enfantin de Benton et soutenue par la voix pétillante de sa camarade Susannah Cutler.

Alors que Benton passe des grands refrains de rock à une connexion directe avec la terre, Lost in the Country cimente l’évolution de Trace Mountains en une sorte d’Americana moderne.

***1/2