S’accepter tel que l’on est demande du travail, et pour Courtney Marie Andrews, cela signifiait s’ouvrir aux possibilités. Elle a dû écrire une chanson par jour, s’abandonner à la romance et à toutes les choses qui la mettaient mal à l’aise. Le résultat a été bien plus qu’une simple affaire personnelle. Il a donné naissance à « Loose Future », l’une des meilleures chansons de ces dernières années prolifiques pour Andrews.
Bien que son titre fasse référence à la flexibilité,Loose Future sonne également comme son nom. Les mélodies aux tons froids s’écoulent librement et facilement, une magnifique libération d’Andrews des choses qui la retenaient. Elle ne se contente pas de détendre un peu plus les cordes de ces chansons, elle les fait flotter dans une nuit étoilée pour qu’elles puissent s’envoler vers des destinations inconnues et des cœurs ouverts.
La voix claire comme une cloche d’Andrews a toujours transmis l’émotion de manière profonde et sensuelle, mais Loose Future montre qu’elle trouve encore de nouvelles façons de l’utiliser comme mécanisme de narration. Alors que ses passages étaient plus serrés et plus austères sur Old Flowers en 2020, ils sont ici plus aérés et lumineux. Même lorsqu’elle raconte la maladresse d’un premier rendez-vous sur le morceau phare « Older Now » – une expérience qui pourrait inspirer un son tendu et anxieux – Andrews semble se débarrasser de ses nerfs et se libérer des attentes.
Les harmonies vocales superposées sont tout aussi vibrantes et particulièrement lâches sur le nostalgique « These Are the Good Old Days », le chatoyant morceau titre et l’éthéré « Satellite ». Il y a une magnifique apesanteur et fluidité dans les arrangements, produits par le maître de ce genre de son, Sam Evian.
Le poids de Loose Future réside dans le message de ces chansons. Les chansons d’Andrews invitent les auditeurs à avoir des pensées douces, à laisser libre cours à l’imperfection et à l’imagination, et à se contenter de ce qu’ils sont maintenant, et non de ce qu’ils pensent devoir être. « Let’s keep it easy », chante-t-elle sur la chanson titre. « No big picture / Just the way it ought to be » (Pas de grande image / Juste la façon dont ça devrait être) ; Le soulagement que cela procure se ressent dans chaque note de Loose Future, comme une douce expiration. On entre avec le bon, on sort avec le mauvais. On sort de l’ancien, on entre dans le nouveau, quoi qu’il en soit.
Le nouveau Bill Callahan est un cadeau lorsque les nuits commencent à se rapprocher. Il évoque une mélancolie particulière qui semble bien s’accorder avec la saison. C’est une expérience presque méditative que d’écouter la musique de Callahan ; s’immerger dans son baryton profond, ses arrangements tendres, les histoires curieuses qu’il tisse.
YTI⅃AƎЯ est la dernière addition à l’anthologie de disques que Callahan a rassemblé au cours des deux dernières décennies, à la fois sous son propre nom et sous son ancien nom, Smog. « Nous sortons des rêves comme nous revenons aux rêves » (We’re coming out of dreams as we’re coming back to dreams), chante Callahan sur le morceau d’ouverture, semblant faire référence à une émergence de la pandémie qui a déformé notre réalité. Le nouveau disque est destiné à « réveiller » ses auditeurs, comme le reflète Callahan dans une déclaration : réveiller la gentillesse, l’amour, la colère, n’importe quoi ; « faire fonctionner leurs sens à nouveau ». C’est certainement une écoute vivifiante : la musique mêle des cors triomphants et six ou sept voix aux côtés de celle de Callahan, de sorte qu’elle est presque chorale par moments.
YTI⅃AƎЯ serpente à travers les ambiances, de mélancolique à tumultueuse à douce et facile. Souvent, les chansons prennent du temps pour révéler leur véritable nature : « Naked Souls » commence comme une douce ballade jazz au piano, s’amplifiant progressivement au fur et à mesure que d’autres instruments se joignent pour devenir explosifs. Mais ailleurs (« Coyotes », « Natural Information »), c’est tout simplement une écoute joyeuse dès le premier battement.
Le supergroupe folk/américain Bonny Light Horseman a attiré l’attention et reçu un bon accueil en 2020 pour son premier album éponyme. Avec un groupe considérablement expérimenté composé de l’auteur-compositeur-interprète Anais Mitchell, du leader de Fruit Bats Eric D. Johnson et du multi-instrumentiste Josh Kaufman, le trio a tourné ses talents vers un album riche en matériel historique. Une grande partie de la tracklist du premier album du groupe était constituée de versions retravaillées d’airs séculaires, infusées de nouvelles chansons généralement traditionalistes. C’est une approche crédible, qui permet d’évoquer l’intemporalité sur laquelle repose souvent la musique folk. Cela dit, le premier effort de Bonny Light Horseman ne nous avait pas vraiment époustouflé. En dehors d’un trio de titres quasi classiques (« Bonny Light Horseman », « The Roving », et « Mountain Rain »), le reste de l’album était agréable mais oubliable. En bref, c’était l’effort typique et quelque peu décevant d’un soi-disant supergroupe.
Malgré mon évaluation médiocre des débuts du groupe, j’ai ressenti une pointe d’enthousiasme en apprenant que le groupe revenait avec un deuxième effort, car Bonny Light Horseman avait démontré au moins un certain potentiel pour un futur étourdissement. Malheureusement, alors que Rolling Golden Holy est un animal légèrement différent de son prédécesseur, il s’approche finalement des mêmes résultats, bien qu’avec des retours légèrement diminués. En ce qui concerne les similitudes, les deux albums sont composés de dix chansons, avec une moyenne de près de 3,5 minutes par morceau. De plus, les deux albums suivent (du moins dans les grandes lignes) le même style, axé sur une musique folk douce aux accents americana, avec des morceaux traditionnels retravaillés.
La principale différence de style entre les deux albums est que le second est moins axé sur les chansons traditionnelles (seuls deux titres, « Sweetbread » et « Fair Annie », sont issus de ces sources) et s’oriente davantage vers une direction contemporaine accessible. Les textes sont un peu plus génériques, principalement consacrés à des préoccupations romantiques, sans mention de Napoléon Bonaparte ou de John Henry. Cela dit, les deux albums plaisent beaucoup au même public, avec leur contenu somnolent mais indéniablement joli, et notamment leur voix merveilleuse. Rolling Golden Holy comporte quelques points forts, notamment deux belles chansons larmoyantes, « California » et « Someone To Weep For Me », ainsi que la magnifique conclusion « Cold Rain And Snow », qui atteint effectivement l’ambiance « intemporelle » à laquelle aspire le groupe. Malheureusement, dans l’ensemble, cet effort n’est pas tout à fait à la hauteur du premier album du groupe, même si la barre n’était pas particulièrement haute à franchir. « Rolling Golden Holy » n’est jamais moins qu’agréable, mais la majeure partie de la liste de titres s’avère n’être rien de plus que cela, et ses morceaux phares ne se comparent pas favorablement à leurs correspondants massivement réussis sur le premier album. Cet album vaut certainement la peine d’être écouté par ceux qui ont trouvé quelque chose à apprécier sur Bonny Light Horseman, et même par ceux qui désirent simplement une écoute douce et folklorique, mais qui ne s’attendent pas à quelque chose d’extraordinaire. Il s’agit d’un autre très bon effort de la part d’un ensemble qui ne fait pas mentir, enfin !,son appellation de supergroupe.
« Fall Apart World », le morceau qui ouvre le nouvel album de Mary Gauthier, Dark Enough to See the Stars, pourrait bien être une chanson parfaite. Les notes de piano luxuriantes de Danny Mitchell flottent au-dessus de ses envolées de B3, posant un lit chatoyant pour les passages de lead vibrato de Juan Solorzano sur les ponts, la voix chaude de Gauthier et les harmonies en spirale de Jaimee Harris et Allison Moorer. La douceur soul des premières notes de la chanson évoque la langueur exquise de l’amour avant que la chanson ne glisse vers ces harmonies aux accents pop qui débordent de l’exubérance et de la joie de l’amour.
Le premier morceau de Gauthier, coécrit avec Ben Glover, navigue glorieusement dans les eaux agitées de l’amour et de la perte, révélant que les moments de douleur et d’obscurité contiennent en eux des lueurs de guérison et de lumière. Après tout, nous ne pouvons voir les étoiles que dans l’obscurité de la nuit et non dans la clarté du jour, tout comme notre amour devient plus fort lorsque nos cœurs ont été brisés par la perte.
Les accords de piano en cascade de Mitchell nous entraînent dans « Amsterdam », une lettre d’amour atmosphérique à une ville : « Hyacinthes et jonquilles, tulipes sur le rebord des fenêtres « (Hyacinths and daffodils, tulips in the windowsills) et à un amoureux : « Baisers sous la pluie d’été, retomber amoureux »(Kisses in the summer rain, falling back in love again). Sur le refrain, Gauthier déclare qu’elle est « All right, feeling all right in Amsterdam tonight », accompagnée par les harmonies call-and-response de Harris et Moorer.
Sur « Thank God for You », les houles de piano et les souches de B3 de Itchell nous emmènent à l’église, alors que Gauthier raconte l’histoire d’un « down so long it looks like up » pour elle. Comme l’histoire du bon Samaritain dans la Bible, les gens religieux passent à côté d’elle parce qu’ils n’entendent pas ses appels à l’aide ou parce qu’ils pratiquent simplement l’amour à distance (en disant qu’ils l’aiment mais sans jamais la toucher ou l’aider). Le salut ne vient que sous la forme d’une autre personne qui aime la chanteuse et la berce de cet amour. La chanson est un témoignage habile de la puissance de la nature incarnée de l’amour et des défauts d’un amour distant, « spirituel », qui laisse des âmes brisées dans son sillage.
La chanson titre s’ouvre de façon dépouillée avec Gauthier chantant sur son fingerpicking ; les premières lignes évoquent le sentiment d’être seul et dépourvu après la mort d’amis chers. Alors que la pedal steel éthérée de Fats Kaplin se déploie et que Harris prête sa voix d’harmonie, la chanson se transforme en un chœur céleste de louange et d’unité. Co-écrite avec Beth Nielsen Chapman, la chanson révèle le génie lyrique du duo dans le refrain de la chanson : « Assez sombre pour voir les étoiles assez sombre pour voir la lumière / Dans un océan noir et profond, au milieu de la nuit / Alors que je m’accroche à ton amour, comme ces lumières d’en haut / J’ai dérivé si loin, il fait assez sombre pour voir les étoiles » (Dark enough to see the stars dark enough to see the light / In an ocean black and deep, in middle of the night / As I hold on to your love, like those lights from up above / I have drifted out so far, it’s dark enough to see the stars).
L’album se termine par une litanie d’une beauté douloureuse, « Till I See You Again », qui équilibre l’espoir de « Forever Young » de Dylan avec la bénédiction traditionnelle irlandaise qui commence par « May the road rise up to meet you ». La chanson de Gauthier s’ouvre sur un souhait simple, « Que l’éternité te tienne dans le creux de sa main »(May eternity hold you in the hollow of her hand), et se termine par un refrain simple et plein d’espoir qui affirme qu’elle retrouvera son bien-aimé – « Till I see you again ». Cette chanson est un témoignage poignant du pouvoir durable de l’amour et de l’espoir face à la perte.
Dark Enough to See the Stars délivre un message opportun : l’amour exige plus que des mots, il exige plus que de répéter les « bonnes » phrases au « bon » moment. L’amour exige de la vulnérabilité, de s’ouvrir à la perte et à la mort, d’embrasser les autres dans leur perte, d’incarner l’amour. Comme nous le montre Gauthier, nous trouvons et donnons de l’amour dans le désordre de nos vies et après avoir surmonté les nuits sombres de nos âmes. L’album de Gauthier brille comme l’un des meilleurs opus americana de l’année jusqu’à présent.
Les auteurs-compositeurs-interprètes qui puisent dans la grande tradition de la chanson américaine ne manquent pas. Trop souvent, cependant, les efforts qui en découlent soulignent la distance entre l’inspiration naturelle et sans effort des noms les plus sacrés de la tour de la chanson et les fac-similés quelque peu étudiés de leurs disciples contemporains. La production solo passée de Kevin Morby correspondait parfois à ce schéma : de qualité, oui, mais pas tout à fait essentielle, intéressante sans délivrer un coup de poing standard K.O. là où ça fait mal. This Is A Photograph change tout cela.
Inspiré par le fait de feuilleter des photos d’enfance après une crise de santé familiale, les chansons aux thèmes vagues (toutes de qualité supérieure) sont très intéressantes : Il s’agit de l’un de ces rares disques qui démarre fort et s’améliore, devient plus profond et résonnant, à chaque morceau). Il part de l’histoire personnelle et familiale de Morby pour explorer la disparition imparable mais sournoise du temps : » the living took forever but the dying was quick » (la vie a duré une éternité mais la mort a été rapide), plaisante Morby sur la beauté countrifiée » Bittersweet, TN « ) et les fantômes qui hantent Memphis, le cadre musicalement extra-mûr de l’enregistrement de l’album.
Les échos des maîtres du passé, tels que Lou Reed, Leonard Cohen et Bob Dylan, continuent de planer sur l’album. Comme il se doit pour un album enregistré dans la ville natale des légendaires studios Stax et Sun, on y trouve aussi une bonne dose de soul et la franchise des débuts du rock ‘n’ roll.
Pour un album enregistré avec un grand nombre de collaborateurs, il y a un sentiment remarquablement unifié et organique de « live » dans les procédures : le morceau titre construit un momentum en sueur, tandis que « Rock Bottom » (enregistré au Sam Phillips Recording, un studio fondé par le défunt patron de Sun Records) semble à peine sous contrôle avec son énergie joyeusement galopante.
À l’autre bout du spectre, la complainte effrayante, teintée de sépia, « Disappearing » et la méditation hypnotique et lente « A Coat of Butterflies » (avec la harpe de Brandee Younger et, dans une apparition inattendue, le maestro du jazz moderne Makaya McCraven à la batterie) sont toutes deux hantées par la fin tragique de Jeff Buckley, qui s’est noyé dans le fleuve Mississippi à Memphis en 1997. Morby ne s’écarte du fil conducteur de l’album que pour « Stop Before I Cry », une ode directe et désarmante à sa partenaire Katie Crutchfield, alias Waxahatchee.
Ils ne les font plus comme ça », déclare Morby sur le morceau « Goodbye to Good Times », qui clôt le disque en faisant référence aux héros de la soul que sont Tina Turner et Otis Redding. Une fois que This Is A Photograph s’est emparé de vous (et il le fera), il est probable que vous ne soyez pas d’accord.
Il n’est pas nécessaire de suivre de près l’actualité pour reconnaître que la polarisation politique aux États-Unis a atteint des niveaux alarmants au cours des dernières années. Naturellement, le sentiment généralisé d’une profonde fissure sociale s’est reflété de nombreuses façons dans le paysage musical américain.
Paint This Town, le septième album studio du groupe « old-time » Old Crow Medicine Show, basé à Nashville, parle de ce fossé en abordant ouvertement l’histoire des conflits raciaux aux États-Unis. Les fans du groupe ne seront probablement pas surpris que le leader Ketch Secor ait orienté son attention dans cette direction.
Cette fois-ci, avec le rauque morceau d’harmonica « DeFord Rides Again », Secor et le groupe rendent hommage à DeFord Bailey, la première star afro-américaine du Grand Ole Opry – et l’un de ses premiers interprètes les plus populaires – qui a involontairement inspiré le nom de l’émission alors qu’il était présenté lors d’une émission en 1927.
Bailey, dont le jeu d’harmonica a laissé une empreinte durable sur le blues et la country, a été renvoyé de l’Opry, ce qui a précipité sa disparition rapide de la scène publique. DeFord Rides Again » est une condamnation du fait que Bailey est mort sans être reconnu après avoir été écarté de la scène publique.
À l’inverse, le titre de la chanson « New Mississippi Flag » suggère que Secor veut simplement arracher le sparadrap lorsqu’il s’agit du sujet de la race. Au contraire, il adopte l’approche inverse.
Souvent cité comme emblème de l’extrême cruauté de la vie sous Jim Crow, le Mississippi est un endroit facile à pointer du doigt, en particulier pour les artistes qui préfèrent ignorer le fait que la terreur, le meurtre et la ségrégation n’étaient guère exclusifs au Sud profond de l’Amérique.
Au lieu de se plier à ces stéréotypes, Secor fait appel au sentiment des Mississippiens qu’ils ont aussi beaucoup de raisons d’être fiers. Dans « New Mississippi Flag », une ballade plaintive et downtempo au piano, Secor propose un nouveau drapeau pour l’État qui comprendrait deux bandes – une pour Robert Johnson et une pour Charley Pride – ainsi qu’une étoile pour Elvis et d’autres clins d’œil visuels à l’écrivain Eudora Welty et au précurseur de la musique country Jimmie Rodgers.
Il est louable que l’OCMS soit l’un des rares groupes « revivalistes » de premier plan à vouloir au moins aborder l’inconfortable vérité que le fait de regarder en arrière fait surgir des squelettes. Cela dit, Secor et sa compagnie passent une grande partie de Paint This Town à s’attaquer à des préoccupations contemporaines/personnelles : la crise des opioïdes, les grandes entreprises pharmaceutiques, la montée des eaux, la dégradation de l’environnement et le divorce. À travers tout cela, ils ont toujours l’impression de s’amuser comme des fous.
Pour un disque aussi « lourd », Paint This Town est marqué du sceau de la « fête ». C’est comme s’ils ne pouvaient pas s’en empêcher : aussi sérieux qu’ils soient sur ces chansons, les membres du groupe ne baissent pas le ton lorsqu’il s’agit de la musique elle-même, la capturant dans toute sa gloire transpirante et piétinante.
Lorsque le groupe fait monter les amplis et déchire l’hybride rockabilly/boogie « Bombs Away », par exemple, on ne se doute pas que Secor chante une relation au bord du gouffre. Et si vous ne connaissiez pas l’histoire, vous penseriez être à un jamboree lorsque le batteur Jerry Pentecost entraîne » DeFord Rides Again » dans son refrain de » Blow ! Souffle ! DeFord, souffle ! »
Après avoir été salués pendant plus de deux décennies comme les pionniers du mouvement « old time », les OCMS ont certainement gagné le droit de s’étendre sur le territoire country-rock. Ils n’y apportent pas nécessairement une touche de fraîcheur. Il est difficile de distinguer la chanson titre, par exemple, du vintage John Cougar Mellencamp. Et par moments, le mixage réalisé par le coproducteur Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Margo Price, John Prine) peut être inoffensif, à la limite de la sécurité.
Pourtant, aucune quantité de polissage de production ne peut atténuer l’énergie du groupe, qui se manifeste de manière si convaincante ici que vous ne pouvez pas vous empêcher de sentir votre pouls commencer à battre et vos pieds commencer à bouger.
Il est clair que Secor pense qu’il vaut mieux affronter nos démons plutôt que de les ignorer. En sortant de cet album, on se rend compte que c’est beaucoup plus facile à faire quand on a le moral en hausse.
Si Quentin Tarantino devait faire un remake des Sept Mercenaires, il pourrait appeler les membres de Calexico pour qu’ils lui fournissent une bande sonore. Ce classique du western à haute teneur en octane, qui met en scène sept tireurs américains libérant un village mexicain des mains de bandits, est un véhicule parfait pour la musique que le groupe vétéran crée depuis 1997.
Le son idiosyncratique du sud de la frontière américaine que Joey Burns et John Convertino ont créé sous le nom de Calexico est typiquement, et correctement, décrit comme cinématographique. Ils poursuivent cette tendance sur El Mirador (traduit par point d’observation ou belvédère), le dixième album du duo. Le troisième membre de longue date, le multi-instrumentiste Sergio Mendoza, s’occupe de la coproduction et a fourni le studio pour capturer ce chapitre du style cinématographique de Calexico.
Il s’agit d’un ensemble émouvant, parfois sinistre, qui s’enracine fermement dans le Mexique grâce à l’utilisation généreuse de trompettes staccato, de violons sciés et de suffisamment de percussions pour rendre Santana jaloux. Les morceaux sont compacts (un seul dépasse les quatre minutes), mais chacun d’eux contient beaucoup de choses.
Des rythmes du monde doux et entraînants de « Harness the Wind » qui s’interrogent sur la direction que nous prenons – « Are we just falling stars / Dancing across the sky ? (Sommes-nous simplement des étoiles filantes / qui dansent dans le ciel ?) – aux cornes de danse latino pétillantes et entraînantes qui servent de toile de fond à ce qui pourrait être la scène d’un thriller de série Netflix, la musique change souvent d’humeur.
Le batteur/percussionniste Convertino fournit les rythmes essentiels, un élément crucial de l’ambiance de Calexico, tandis que Burns s’occupe du chant. Il n’est pas Raul Malo, mais sa voix sans prétention, celle d’un homme ordinaire, transmet la joie et le pathos imprégnés dans ces douze chansons. Une variété d’invités remplit ce burrito musical à ras bord, ajoutant des couches savoureuses au plat déjà piquant de Calexico.
Une ligne indirecte peut être tracée jusqu’à l’époque Rain Dogs de Tom Waits pour certaines sélections comme « El Paso », où le chant rauque et brûlé de Burns est particulièrement fantomatique. Les accents plus sombres de » Cumbia del Polvo « , dont les paroles inspirées par Waits » Living under a rock with lizards and things / Where the sun won’t die and the summer never ends / Waiting for the moon to give me a sign / Then we’ll roll downtown under the neon lights » (Vivre sous un rocher avec des lézards et des choses / Où le soleil ne meurt pas et l’été ne finit jamais / Attendre que la lune me fasse un signe / Puis nous roulerons en ville sous les néons) créent une vision crépusculaire et impressionniste.
Pieta Brown fournit les paroles de ‘Then You Might See’, plus rock et influencé par Concrete Blonde, un chemin de traverse graveleux qui renvoie au territoire du western spaghetti évoqué dans certains des premiers travaux de Calexico. Cela permet également au talentueux Burns de montrer ses capacités sur des guitares acoustiques et électriques superposées, une basse droite, un synthé, un vibraphone et même un violoncelle.
Les compositions sont chantées en anglais et en espagnol, ce qui renforce l’atmosphère et confère à la fiesta un caractère furtif et parfois énigmatique. C’est évident dans l’instrumental » Turquoise « , avec ses bruits sourds et sa trompette solitaire, qui devrait encourager un artiste visionnaire à créer une vidéo tout aussi obsédante pour l’accompagner.
Ceux qui n’ont pas encore fait l’expérience de Calexico peuvent s’y plonger, car El Mirador est l’un de leurs projets les plus cohérents, une entrée savoureuse qui capture une grande partie de la sauce secrète que le groupe sert sur son plateau sonore épicé depuis tant d’années. Mais d’abord, quelqu’un devrait appeler Tarantino.
Tout comme ce qui a été dit, ici ou ailleurs, à propos de The Imperial de The Delines en 2019 par « candidat pour l’un des albums les plus forts de cette année « , nous disons la même chose à propos de Sea Drift, qui est encore meilleur. Le groupe Delines, basé à Portland, est le fruit de la collaboration musicale de l’auteur Willy Vlautin et de la chanteuse Amy Boone, à la voix profondément évocatrice. Le backing band offre un paysage sonore doux, minimaliste, soul et surtout noir, sur lequel les histoires de Vlautin sur des personnages désespérés se déroulent à travers la voix nuancée et émotive de Boone. Cette puissance subtile est fascinante, elle envoûte complètement l’auditeur et laisse un impact indélébile. Les points de référence sont difficiles, le plus proche étant peut-être un Dusty Springfield ralenti, aux petites heures du matin, à Memphis, ou Tony Joe White dans sa phase « Rainy Night In Georgia » de sa carrière, et une touche des chansons tragiques de Bobbie Gentry. Ces mêmes adjectifs s’appliquent à nouveau – sombre, mystérieux et, d’une certaine manière, d’une beauté stupéfiante.
L’instrumentation qui baigne et soutient chaleureusement ces chansons provient des claviers et de la trompette de Cory Gray, et de ses arrangements de cordes et de cuivres, aux côtés du bassiste soul Freddy Trujillo et du batteur jazz Sean Oldham, avec Willy Vlautin à la guitare et au chant. Il s’agit du troisième album du groupe, qui fait également suite à Colfax de 2014, tous trois produits par John Morgan Askew, la cheville ouvrière du son cohésif qui les lie tous les trois. Askew joue également de la guitare, de la guitare baryton et des chants d’harmonie, et est rejoint par le trio de cordes composé de Kyleen King, Patti King et Collin Oldam, ainsi que par le saxophoniste Noah Bernstein.
L’album commence par le single, le tendre « Little Earl », qui est accompagné d’une vidéo et dont le son définit le disque. Vlautin dit qu’il est inspiré d’un groove de Tony Joe White et que les arrangements de Gray donnent le ton à deux frères qui ont été impliqués dans un vol à l’étalage qui a mal tourné dans une supérette près de Port Arthur, au Texas. Comme dans beaucoup de chansons de Vlautin, l’auditeur se retrouve en plein milieu de la scène. Dans ce cas, les premières lignes sont les suivantes : » Little Earl conduit le long de la côte du golfe du Mexique, assis sur un oreiller pour pouvoir voir la route, il n’a pour lui qu’un pack de douze bières, trois pizzas surgelées et deux briquets en guise de souvenirs » (Little Earl is driving down the Gulf Coast/Sitting on a pillow so he can see the road/New to him is twelve pack of beer/Three frozen pizzas and two lighters as souvenirs), et le reste de la chanson montre le frère de Little Earl » saignant sur la banquette arrière » (bleeding in the backseat )alors qu’ils roulent le long de la côte, se demandant s’ils doivent aller à l’hôpital ou continuer à rouler.
L’un des morceaux les plus optimistes (terme relatif dans ce cas) est l’autre single/vidéo « Kid Codeine ». Le personnage titulaire de la chanson, « Kid Codeine », a un petit ami qui est boxeur et est décrit comme portant toujours une coiffure bouffante parfaite « juste pour marcher dans la rue ». Vlautin s’est inspiré d’un souvenir d’une barmaid d’âge moyen qu’il a rencontrée dans le centre-ville de Los Angeles et qui a emmené les gars de son dernier groupe, Richmond Fontaine, dans un bar à strip-tease. Elle avait une grosse coiffure bouffante et un jeune de 20 ans avec elle, une sorte de petit ami. Le gamin n’a jamais dit un mot. Alors que le groupe s’asseyait dans une cabine, cette femme est venue danser pour eux et elle a hoché la tête au milieu du mouvement et s’est écrasée sur la table. Pendant tout ce temps, la femme bouffie leur disait comment parier sur les chevaux en Californie. La musique est réglée sur une ambiance pop française des années 60 inspirée par la coiffure bouffante.
Sea Drift marque le premier nouveau matériel enregistré par The Delines depuis que Boone a été victime d’un brutal accident de voiture en 2016 qui l’a hospitalisée pendant plusieurs années et a retardé l’enregistrement de The Imperial en 2019. D’où l’écart entre les débuts de 2014. En 2019, Boone était encore en train de reprendre des forces mais a pu les aider à terminer le disque en grande partie achevé. Ici, selon Vlautin, c’est la première fois depuis ses blessures que Boone se sentait fort et confiant en studio. En comparaison avec le dernier album, les auditeurs attentifs peuvent sentir la différence ; il y a juste un peu plus de conviction et de nuance derrière sa voix singulière. L’expression galvaudée « album le plus abouti » est appropriée dans ce cas, étant donné les arrangements les plus luxuriants de Gray, la santé de Boone et la continuité du processus, de l’écriture à l’enregistrement.
Comme l’ensemble de l’album se lit comme les nouvelles de Vlautin, nous vous proposons un bref synopsis de chacune d’entre elles. « Drowning in Plain Sight » raconte l’histoire d’une femme qui fuit la pression de sa famille et de son mari. Au lieu de rentrer chez elle, elle tente vainement de s’enfuir, désireuse plus que jamais de se rappeler ce que c’est que d’être aimée. C’est l’un des meilleurs exemples des arrangements de cordes et de cornes de Gray. Le morceau le plus triste est « All Along the Ride », avec la voix de Boone qui détaille de manière sinistre la conversation du couple sur une relation qui se dissout alors qu’ils roulent le long de la côte du Texas. L’album tire son titre d’une parole de la chanson, « sea drift », une analogie avec la dissipation du lien du couple. « Hold Me Slow » a un groove soul et une batterie régulière d’Oldham alors que Boone chante sur une femme lasse du monde qui est sur le point d’entrer dans une période de chance.
La brillante chanson « Surfers in Twilight » a un chant chuchoté, mi-parlé, mi-chanté de Boone qui est absolument glaçant. C’est l’histoire d’une femme dans une ville côtière qui sort du travail et descend la rue pour voir son mari jeté contre un mur et menotté par la police. Elle ne sait pas ce qu’il a fait, mais elle sent qu’il est coupable. Voici les dernières paroles : « Des lumières clignotantes, des lumières clignotantes/Les flics, la plage, les touristes, les souffre-douleurs au crépuscule » (Flashing lights, flashing lights/The cops, the beach, the tourists, the suffers in twilight). « Past the Shadows » est une autre chanson sombre, avec cet extrait des paroles – « Disparaissons au-delà des ombres/Où seuls les blessés restent » (Let’s disappear past the shadows/Where only the damaged stay).
« This Ain’t No Getaway » se déroule à 6 heures du matin, lorsqu’une femme retourne chez son ex-petit ami pour récupérer ses dernières affaires – « Il y a un demi-paquet de Winstons et un cendrier trop rempli/une pinte de V.O. qui est presque rangée/et assis sur la télé, un 38 chargé/il allume une cigarette et ne dit rien/il regarde juste dans le vide » (There a half pack of Winstons and an overfilled ashtray/A pint of V.O. that’s nearly put away/And sitting on the TV is a loaded .38/He lights a cigarette and says nothing/Just stares out into space . Le dernier morceau vocal, « Saved From The Sea », est le plus romantique du groupe, car la femme exprime un espoir timide : « Il me fait sentir que ma vie n’a pas été gâchée/Comme si ma vie n’était pas en train de s’échapper/Je le sens vraiment »(He makes me feel like my life ain’t been wasted/Like my life ain’t just slipping away/ I really feel it ). Les chants de fond de « ooh, ooh » sont une touche classique. Deux superbes instrumentaux de Gray sont essentiels à la sonorité de l’album : » Lynette’s Lament « , au milieu, et » The Gulf Drift Lament « , à la fin.
Utilisez l’adjectif que vous voulez : stupéfiant, dévastateur, captivant ou hypnotisant. Sea Drift fixe la barre pour les albums roots qui marqueront 2022.
Avec son septième album, Contenders, le groupe américain Great Lakes crée un mariage entre un son infectieux et des mots évocateurs qui captive tout simplement. Ce n’est peut-être pas une surprise pour les fans du projet créé et dirigé par Ben Crum, mais la nouvelle offre a une certaine fertilité dans son corps et une tentation qui, plus que n’importe laquelle de leurs sorties précédentes, nous a séduits.
Le nouvel opus du combo est une fusion d’Americana et de rock psychédélique avec des essences de folk rock dans sa vibrante collection de chansons. Sur cet album, Crum, basé à Stone Ridge, NY, est rejoint par ses collaborateurs de longue date, Kevin Shea (batterie) et Suzanne Nienaber (voix), ainsi que par une foule d’invités, une équipe de musiciens adroits qui créent un paysage sonore tout aussi inventif et agile.
« Eclipse This » donne le coup d’envoi de l’album. La chanson, qui met en vedette Louis Schefano à la batterie, attire immédiatement l’attention par sa balade rythmique réfléchie à travers un climat de guitare floue enrobée de psych rock, au milieu d’une brume sonore. C’est une proposition instinctivement atmosphérique et évocatrice que les voix et les pensées de Crum intensifient avec puissance.
Bien qu’il s’agisse d’une chanson à part entière, ce titre est aussi une introduction et un fil conducteur au cœur de l’album, le suivant, « Way Beyond the Blue », émergeant de cette intrigue, avec son propre reflet émotionnel, mais beaucoup plus vif et lumineux. Une fois de plus, les guitares tissent une proposition provocante que les tons combinés de Crum et Nienaber illuminent, la chanson est une rencontre brève mais fascinante avec une présence et une riche persuasion offertes de la même manière par son successeur, « Easy When You Know How ». A, elle aussi, un souffle radieux, mais comme le titre d’ouverture, elle marche dans l’ombre et dans les coins plus intenses de son aventure nourrie de psych rock et de culture indie rock. Une fois de plus, la contagion inhérente au son et à l’écriture des chansons des Grands Lacs manipule les oreilles et les hanches, mettant en lumière la rumination des paroles.
« Comme Baby’s Breath » emprunte la dynamiqued’unedéambulation vive teintée d’Americana et « I’m Not Listening » manipulé la même chose avec son similairement coloré et rythmique mouvementé, il est juste de dire que ceContendersexerce une emprise plus serrée sur notre attention, le deuxième de la liste étant un de nos favoris.
Une autre a été trouvée avec eBorn Freese et sa balade imprégnée de rock ‘n’ roll des années 50 et sa virulence pop des années 60, les touches de piano de Petter Folkedal et la voix de Ray Rizzo ajoutant à son charme chaleureux, ce dernier ayant également orné la chanson suivante Last Night’s Smoke qui partageait son infection pop rock indie avec une entreprise de guitare nerveuse et une chaleur floue autour d’une contemplation vocale teintée d’anxiété. Les deux chansons ont facilement tenu les oreilles en place avant que Wave Fighter ne caresse les sens avec son élégante ballade surfée menée par la voix captivante de Nienaber, ses tons radieux enveloppés dans l’étreinte du synthétiseur de David Gould, qui est invité sur une poignée de titres de l’album.
Les deux derniers titres, « Broken Even » et » Your Eyes are Xs », ont permis à l’album de se terminer aussi bien qu’il avait commencé, le premier étant une incitation à l’écoute et à l’imagination dans un mélange de styles variés et savoureux, le second explorant un autre royaume d’intimité atmosphérique et d’ombres. De ce début fascinant, bien qu’agité, émerge un croonage tout aussi évocateur dans un tunnel de son caligineux, une exploration psych rock fuzzée qui prend notre choix de chanson préférée à la dernière minute.
Bien qu’il ait retenu l’attention et le plaisir avec facilité, ce sont les écoutes suivantes qui ont permis à Contenders de nous captiver et de nous inciter à vous dire qu’il faut vraiment l’explorer.
À l’approche de leur quatrième décennie, The Cowboy Junkies continuent d’interpréter les chansons d’autres artistes, les reprises étant un élément déterminant de leur répertoire depuis leurs débuts en 1986. Sur Songs of the Recollection, vous entendrez leurs interprétations uniques de Neil Young, Gordon Lightfoot, Bob Dylan, The Cure, David Bowie, Gram Parsons, The Rolling Stones et Vic Chestnutt. Oui, la fratrie composée de Michael Timmins (guitare), Margo Timmins (chant), Peter Timmins (batterie) et de l’ami de toujours Alan Anton (basse) est toujours aussi forte, avec des tournées prévues au printemps et en été. En écoutant ces neuf titres, on constate que le groupe conserve les mêmes qualités attachantes qui l’ont soutenu pendant ces 36 ans. Margo Timmins a même gagné en assurance et en intensité vocale.
On l’entend déferler et s’envoler sur le morceau d’ouverture de Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, « Five Years » »de David Bowie, une chanson prémonitoire qui incarne la crise, qu’il s’agisse du changement climatique, de la pandémie ou des riffs politiques. Le groupe donne de la puissance à la voix de Margo Timmins, qui n’est plus la timide chanteuse qui a charmé tant de gens, mais une chanteuse passionnée et en colère. Ils emmènent « Ooh, Las Vegas » de Gram Parsons dans un territoire méconnaissable. Alors que la voix insouciante de Parsons masquait la noirceur des paroles, les effets de guitare réverbérés de Michael Timmins et sa voix jointe à celle de sa sœur la transforment sinistrement en une brume psychédélique. Enfin, dans la chanson « No Expectation » » des Stones, souvent reprise, nous entendons le groupe dont nous sommes tombés amoureux la première fois, dans cette interprétation fidèle qui met en vedette la guitare slide de Michael Timmins et la voix rêveuse de sa soeur.
Comme beaucoup de leurs confrères canadiens dans presque tous les genres, il semble impératif de reprendre Neil Young, et The Cowboy Junkies décident de mettre les bouchées doubles. Ils apportent la noirceur requise à « Don’t Let It Bring You Down », l’accentuant avec des accords puissants et denses sur un fond cacophonique qui s’estompe avec le « It’s only castles burning… » de Margo. Ils juxtaposent cela avec une version remarquablement aérée et douce de « Love In Mind », révélant la voix la mieux équilibrée de cette dernière. Ils transforment « The Way I Feel » du chanteur folk Gordon Lightfoot en un morceau de rock rauque avec des rythmes lourds et une guitare enflammée. Ils se retirent à nouveau de la sonorité dense pour adopter un mode doux et délicat sur « I’ve Made Up My Mind (To Give Myself to You) » de Dylan, tiré de son album Rough and Rowdy Ways en2020, ce qui en fait de loin le morceau le plus récent à être repris. Margo articule clairement les paroles poétiques sur une toile de fond décontractée et dépouillée, laissant cette chanson respirer librement, comme la chanson d’amour de Young.
Comme leurs fans dévoués le savent, le groupe a noué une solide amitié avec le regretté auteur-compositeur Vic Chestnutt, au point d’enregistrer un album entier de chansons en hommage en 2009. Son « Marathon » est une autre de ces compositions effrayantes, atmosphériques et pleines d’effets de ce set. Ce mode mystérieux les porte également lorsqu’ils reprennent un titre de leur EP Neath Your Covers (2004), « Seventeen Seconds » de Cure. Michael et Peter s’échangent des lignes de guitares et des percussions qui s’écrasent, s’effaçant suffisamment pour que Margo puisse prononcer en toute intimité les paroles énigmatiques de la chanson, avant que l’instrumentation ne continue à peindre un paysage sonore creux et désolé.
Ce groupe est resté fidèle à sa sonorité singulière, langoureuse et atmosphérique pour mieux encadrer la voix de Margo Timmins. Même lorsqu’ils s’aventurent dans des sonorités plus denses et parfois plus dures, ils parviennent à se retirer avec succès dans cette zone de confort infectieuse. On ne peut pas dire que The Cowboy Junkies soit un trésor national, mais un trésor nord-américain durable et solide fera l’affaire.
Publié par rockdecibels 
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