The Secret Combination: « Finally »

11 avril 2021

On peut espérer que ceci n’est pas le dernier album du groupe americana néerlandais The Secret Combination. Le disque marque le 20e anniversaire d’un combo qui n’a, jusqu’à présent, connu qu’un succès est relatif. Leurs nombreuses compositions sont modestes mais elles sont conquis le cœur des Néerlandais pendant toutes ces années. Le groupe de six musiciens ose sortir de temps en temps des sentiers battus et ajoute même un switch funky, un rythme rock’n roll ou un jeu de cordes virtuose. Le fait que le country rock soit proche du cœur du disque est renforcé par la pedal steel de Johan (JJ) Jansen. En fait, Finally n’est que le cinquième album, ce qui suggère la lenteur mais aussi la solidité. L’auteur-compositeur-interprète Jeff Mitchell prend son temps et consulte ses collègues avant d’enregistrer une version finale.

Quatorze chansons sur un double CDavec « Real Love » comme titre phare ; outre le large éventail de styles, cette collection des vingt dernières années se distingue par l’artwork dans lequel les vinyles ou les cd ont été emballés. L’artiste Jeroen van Merwijk, apparemment décédé récemment, a dessiné la couverture pleine de belles images mythiques. Pour compléter le bijou, le CD contient également un livret de 32 pages avec les paroles et encore plus du magnifique travail de Jeroen van Merwijk.

The Secret Combination touche leurs (et nos) cordes, voici un album que vous écouterez plusieurs fois et par lequel une chanson malmenée ou oubliée d’hier devient votre préférée le lendemain. Et c’est un signe de qualité !

***1/2


Kacy & Clayton: « Plastic Bouquet »

17 décembre 2020

Plastic Bouquetest le fruit d’une collaboration entre trois des plus brillants talents de la musique roots. Le duo folk saskatchewanais Kacy & Clayton – les cousins Kacy Anderson et Clayton Linthicum – ont noué une amitié à la fois musicale et personnelle avec le troubadour néo-zélandais Marlon Williams. Ensemble, le trio s’est retrouvé il y a quelques années à Saskatoon pour enregistrer Plastic Bouquet.

L’album est construit autour des voix contrastées mais complémentaires d’Anderson et de Williams. La première a un son purement folk-root, tandis que la seconde a un style plus expansif et éclectique. Les arrangements vocaux des morceaux sont très variés, Anderson et Williams se relayant en tête, échangeant des couplets et s’harmonisant de manière douce. Vous vous souviendrez parfois du travail de Gram Parsons et d’Emmylou Harris – ce n’est jamais une mauvaise chose.

Les deux hommes échangent des couplets sur « Old Fashioned Man », un air de country rétro agrémenté de pedal steel et de walking bass, tandis que la voix riche et beurrée de Williams est mise en valeur sur quelques morceaux phares de l’album, « I Wonder Why » et « Arahura ». Anderson s’occupe de « Your Mind’s Walking Out » et de l’émouvante chanson titre, un hommage poignant aux victimes d’accidents de voiture qui évoque « une croix sur l’autoroute avec le bouquet en plastique » (a cross by the highway with the plastic bouquet . En moins de deux minutes, « I’m Unfamiliar » sonnera néanmoins un peu sous-développé alors que l‘accompagnement multi-instrumental de Linthicum est,lui, à la fois de bon goût et efficace.

Dans son ensemble, l’effort de collaboration est convaincant ; Plastic Bouquet est, à cet égard, ce qu’il y a de plus éloigné d’un bouquet composé de fleurs de plastique.

***1/2


The Pawn Shop Saints: « Ordinary Folks »

11 décembre 2020

À l’inverse de la façon habituelle de procéder, le chanteur/compositeur/producteur/joueur Jeb Barry a retiré son patronyme du préfixe du nom du groupe. Ce nouvel album propose donc 9 chansons de « délivrance » downbeat sur les gens ordinaires qu’il a rencontrés en menant sa vie de musicien professionnel. Pendant cette période, il a pris la décision consciente de faire un détour et de visiter les petites villes, les gens et les lieux qui y vivent. 

Ils s’ouvrent sur l’histoire d’un état d’esprit particulier qui découle de la vie à Cumberland, soulignant la nature de la dépression qui existe actuellement dans cette région. Vous ne savez pas que le Cumberland, comme beaucoup d’autres ici, a quelque chose de mélancolique dans le cœur. C’est peut-être dû au fait que Barry a une voix décontractée mais très impressionniste. Il se sent bien dans les chansons et leurs sujets, comme s’il laissait ces gens avoir leur place dans les chansons par rapport à une présentation de type showboating. Le groupe de Barry à la guitare, à la basse et au banjo est rejoint par Michael O’Neill à la guitare et au chant, Josh Pisano à la batterie et le bassiste Chris Samson. Ils proposent une approche détaillée et légère des supports qui permettent à chaque chanson de respirer.

« Old Men, New Trucks » parle en quelque sorte d’elle-même dans sa considération des deux, « Body In The River » a un riff et un tempo optimistes qui contrastent avec le sujet et « Southern Mansions » s’intéresse aux bâtiments qui se dressent sur les collines de l’autoroute et qui appartiennent probablement à une autre époque. On y parle de jours meilleurs, mais on reconnaît que les gens qui y vivent sont assez ouverts et amicaux pour raconter une histoire lorsqu’on les aborde, tout en reconnaissant que les choses pourraient toujours être pires.

De plus, grâce à une structure mémorable, « Ain’t No Mama Here Again »n’est pas le sujet le plus réjouissant, mais parvient malgré tout à garder espoir. « Pack A Day » traite de cette habitude qui conduit à une lente autodestruction, mais cette inévitabilité étant d’une certaine manière un moyen de soulagement temporaire eteDry River Song » traitera à nouveau de la localité, mais avec l’espoir d’une romance enlacée.

Lynyrd Skynyrd est un hommage au groupe qui était un des favoris de l’époque, qui offrait un répit aux brimades subies par les enfants maigres et maladroits. Il est à nouveau réglé sur un rythme et un accompagnement de basse qui n’est pas du rock sudiste. Le résultat est d’autant plus poignant.

Il y a ici un titre qui n’a pas été écrit par Barry seul et c’est « New Year’s Eve, Somewhere In The Midwest » qu’il a composé avec Jason Isbell, et qui s’inscrit dans la nature générale du « folk ordinaire » qui habite cet album.

Jeb Barry a produit, enregistré et mixé cet album qui a été retardé par la pandémie pendant l’enregistrement, ainsi que par une blessure à l’œil qu’il a subie pendant l’enregistrement. Il est à noter que Covid a restreint le processus et a fait en sorte que certains invités proposés n’ont pas pu participer. Cependant, il y a un produit final qui est en soi à la fois gratifiant et réparateur à cause ou malgré cela.

***1/2


Neil Young & Crazy Horse: « Return To Greendale »

22 novembre 2020

Après des années de retard dans le projet Archives, il semblerait que le confinementa donné à Young le temps de faire avancer les choses à un tel rythme qu’il devient difficile de le suivre. Il ne se passe guère de mois sans que l’on ne libère un jeune de 74 ans, actuellement agité. Moins de deux mois après le E.P.Times et quelques semaines avant le très attendu Archives Vol. 2 (sans parler de la prochaine réédition du 50ème anniversaire d’After The Gold Rush), il est à nouveau retourné dans la crypte des performances « live » pour nous apporter Return To Greendale,un show datant de 2003 qui présentait Young interprétant Greendale en entier avec Crazy Horse – le tout étant accompagné d’un film du spectacle dans lequel l’album concept a été joué sur scène en salle tandis que le groupe jouait devant et que les écrans montraient des extraits de Greendale The Movie. Il s’agit, dans un sens assez littéral, d’un opéra rock.

Il serait juste de dire que Greendale – dans lequel Young explore ses préoccupations croissantes pour l’environnement au moyen d’une suite de chansons se déroulant dans une ville californienne fictive du bord de mer. Ce 25e album studio de Young a fait l’objet d’une tournée intensive avant sa sortie, mais beaucoup de fans se sont retrouvés à réclamer les tubes plutôt que d’essayer d’absorber un concept album tentaculaire.

Au fil du temps, le disque a fait l’objet de plusieurs réévaluations, notamment parce que les questions qu’il aborde prennent de plus en plus d’importance. Greendale était une vision ambitieuse – elle s’est même accompagnée d’un roman graphique – pleinement réalisée. Sur scène, Young donne le spectacle avec passion, soutenu par le groove caractéristique du Crazy Horse – une combinaison contagieuse qui soutient le décor pendant les 90 minutes qu’il dure. 

Young sort et réédite de la musique à un rythme tel que même les fans les plus engagés pourraient avoir besoin de commencer à être sélectifs. Face à After The Gold Rush et à un volume des Archives consacré à ce qui est sans doute la période la plus productive de sa carrière de compositeur, Return To Greendale ne figure peut-être pas en tête de trop nombreuses listes de souhaits, mais ce set prouve que – quoi qu’en aient pensé ses critiques à l’époque – Young était très certainement sur la bonne voie. Le message du disque n’est pas moins urgent aujourd’hui qu’en 2003, et il s’avère que le voyage de retour en vaut la peine. 

***1/2


Strung Like A Horse: « WHOA! »

15 novembre 2020

Strung Like A Horse de Chattanooga a peut-être été l’un des groupes d’Americana les plus populaires à ne jamais avoir sorti de disque. C’était le cas jusqu’à présent. Après avoir partagé les scènes avec tout le monde, de l’Old Crow Medicine Show et Shooter Jennings à Charlie Daniels et Travis Tritt, ce groupe très populaire a finalement sorti son premier album, WHOA ! et il s’est avéré être une collection qui valait la peine d’attendre. Ils ont commencé en tant que groupe de cordes et leur son a beaucoup évolué depuis leur création, combinant des éléments d’Americana, de folk, de rock et de pop, mais il y a toujours des échos de bluegrass/des cordes que l’on peut entendre sur des chansons comme « Pelahatchie Nights » et « Lookin’ For Lov » » (un classique en devenir qui deviendra probablement un élément de base du groupe sur scène pendant les dix ou vingt prochaines années).

L’album sera aussi marqué par la douce mélancolie de « Fuck What They Think » et le tout aussi doux « Dreamin’ », mais entre les deux, le groupe oscille entre des moments funky de morceaux au tempo lent comme « Till The Wheels Fall Off » et des chansons plus rauques comme « Gold in Their Souls » (avec un solo de guitare foudroyant) et « Lookin’ For Love ». Lorsque vous obtenez le genre agnostique « Glowin », le charme et l’attrait du groupe sont incontournables. Tout comme la musique vacille d’humeur en humeur, les chansons rebondissent sur des situations universellement racontables et des études de personnages très spécifiques (comme le narrateur de la petite ville dans « I Was Born Here »). Bien que le disque soit truffé de moments forts, le Nicki Bluhm « Cold & Lonesome » est tout simplement sublime.

Le disque a été produit par le brillant Matt Ross-Spang (Jason Isbell, Margo Price, John Prine) et parvient à capturer parfaitement l’ambiance de leurs célèbres spectacles en direct. WHOA ! est dans la salle depuis plus d’un an, sa sortie était initialement prévue pour mars, mais le monde a cessé de tourner à peu près à cette époque. Compte tenu de ce que nous avons vécu ces neuf derniers mois et de ce qui nous attend encore, WHOA ! semble sortir au bon moment, offrant 45 minutes de parfaite évasion.

***1/2


Darlingside: « Fish Pond Fish »

13 novembre 2020

Lorsque Darlingside ont débuté en 2009, leur approche de l‘Americana, avec ses harmonies de groupe, ses banjos et ses mandolines, était très demandée. En dehors du mouvement d’auteurs-compositeurs-interprètes en plein essor des années 1960, il est difficile de se souvenir d’une autre époque où ce genre a capté la conscience culturelle de la même manière. La principale différence, bien sûr, est que si les auteurs-compositeurs des années 60 retrouvaient des chansons folkloriques anciennes et oubliées, les faisaient réapparaître dans les hit-parades et se rebellaient contre la mode des psychédéliques, la fin des années 2000 n’offrait pour la plupart qu’un sentiment vide de renouveau.

Mumford & Sons, The Lumineers, et The Head and the Heart ont tous contribué à annoncer le mouvement, devenant assez grands et gonflés pour remplir les stades et laisser leur marque sur les stations de radio faciles à écouter pour les années à venir. Ces groupes ont déguisé leurs paroles pseudo-intellectuelles et leur tropisme pop derrière des vêtements démodés et des moustaches manucurés, mais ont au moins permis à des milliers de meilleurs groupes d’obtenir leurs contrats de disque et de capitaliser sur ce même zeitgeist.

Mais l’Americana a toujours existé, et elle a toujours exercé une influence innombrable sur les groupes depuis bien avant les années 1960. Même s’il est facile d’écarter les musiciens qui ont dénudé le genre pour les réduire à une banalité de façade, la résurgence de l’Americana a apporté certaines des plus grandes contributions au genre. Fleet Foxes, Laura Marling et The Tallest Man on Earth ont tous contribué à faire entrer le mouvement dans les années 2010, en développant une musique qui se tourne simultanément vers le passé, le présent et l’avenir. Quelque part au milieu de ces meilleurs et pires scénarios, il y a eu Darlingside.

Originaire de Boston, Darlingside est composé de quatre chanteurs différents : Don Mitchell, Auyon Mukharji, Harris Paseltiner et David Senft qui jonglent avec les différents instruments du groupe. Leurs premiers albums ont permis au combo de s’adapter au son dont ils faisaient partie, mais pas assez pour se distinguer de leurs pairs. Le dernier album de Darlingside, Fish Pond Fish, est comparativement leur meilleur à ce jour. Au fil des ans, le groupe s’est développé, son son n’a pas vraiment changé, pas plus que la musicalité du groupe, qui est toujours restée forte. Ce que le groupe a amélioré, c’est l’écriture de ses chansons, et s’il y a une chose qui définit Fish Pond Fish, c’est le développement de morceaux aux mélodies et à la structure caractéristiques.

Après un bref faux départ nommé « Woolgathering », l’album s’ouvre véritablement avec « Crystal Caving », qui offre une étonnante tournure à leur formule et comporte une section rythmique propulsive qui évoque la même catharsis anxieuse que Junip, mais sans le gain.

Néanmoins, l’atmosphère et les paroles de saison donnent une mélancolie beaucoup plus conflictuelle qui fonctionne bien pour le groupe. Tout aussi conflictuelle et facilement mémorisable, sinon la plus frustrante, la chanson « Time Will Be » suit une formule pop cohérente : le refrain dépouillé, les paroles vagues et trop étudiées, et l’auspice d’une chanson d’amour. Bien que le groupe se soit montré très habile à passer au crible cette formule pop, il a chaussé trop de clichés pour que cela sonne vrai.

Ses mélodies trouvent plus de succès sur des chansons beaucoup plus simples, que ce soit sur « Denver », où les instruments dépassent presque complètement le chant sans minimiser la beauté de leurs harmonies, pour un effet joliment détonnant, ou sur « February/Stars », une chanson qui fonctionne très bien comme démonstration de la capacité musicale du groupe, plus que sur la force de la chanson elle-même.

Cependant, la plupart des titres de Fish Pond Fish reviennent aux anciennes habitudes du groupe. Il manque à « Keep Coming Home » les mélodies mémorables des moments forts de l’album, avec seulement quelques productions intéressantes et des embellissements instrumentaux. « Ocean Bed » et « Green + Evergreen » sont également très agréables, avec un arrangement jubilatoire et le charme familial qui fait le charme du groupe. Mais il manque de personnalité pour se démarquer des autres groupes avec lesquels Darlingside est en concurrence.

Fish Pond Fish est un album agréable et léger ; un album qui ne vise pas le genre de crossover qui peut faire la tête d’affiche d’un festival mais qui manque aussi de l’expérimentalisme qui peut conduire à l’acclamation de la critique. Bien qu’ils aient développé une base de fans dans l’explosion du revivalisme folk et qu’ils aient pris la mauvaise habitude de chanter autour du même micro, Darlingside ne sont pas un produit de leur époque, ils ne cèdent jamais à une tendance particulière, ils font juste la musique qu’ils veulent faire au moment où elle est la plus populaire. Le groupe n’a peut-être pas un son unique, mais au fur et à mesure qu’ils ont progressé, ils se sont améliorés pour rendre ce son plus intéressant. Même si beaucoup de Fish Pond Fish ne se mesure pas autant que le prix d’une cabine acoustique, ces touches de perspicacité associées à une instrumentation riche et détaillée sont à noter.

***1/2


Tennessee Jet: « The Country »

7 novembre 2020

Pour son troisième effort, The Country, Tennessee Jet présente une collection de compositions fortement inspirées de l’Americana/Outlaw Country- qui ont juste assez de mordant pour vous faire savoir qu’il a probablement beaucoup de disques punk dans sa collection. Le clin d’œil le plus évident à Nirvana se manifeste sur « Johnny », avec ses guitares déformées cette mouvance les Pixies/Nirvana : quiet, loud, quiet crescendo et crash. C’est cette hésitation entre la country et le rock qui rendra ce disque si satisfaisant. Tout aussi facilement qu’il se pavane dans un hard rock authentique, il livre une belle chanson country comme « The Raven & The Dove », dont les paroles ressemblent à une chanson perdue de Kris Kristofferson. 

L’album de 10 titres comprend deux reprises fantastiques : une reprise de « Poncho & Lefty » de Townes Van Zandt, qui est presque aussi bonne que la reprise classique de Willie Nelson et une solide réimpression de « She Talks To Angels » »des Black Crowes. La première comprend les chœurs de Cody Jinks et d’Elizabeth Cook.

Aussi intéressants qu’elles soient, ce seront ses chansons originales qui ressortent le plus ici, tout comme « The Raven & the Dove ». Noton également l’introspective « Off To War » etsur un registre opposé, le bruyant bar-room stomp qu’est « Hands On You ».

Sur ses deux premiers albums, Tennessee Jet a joué de concert avec Billy Corgan et il a jutilisé tous les instruments lui-même, mais, sur The Country, en plus de faire appel à des gens comme Jinks et Cook pour les chœurs, il a enregistré avec le groupe de tournée de Dwight Yoakam. Le résultat est son disque le plus convaincant à ce jour, un album qui parvient à être aussi intime que ses efforts précédents sur des morceaux comme la chanson titre, mais qui sonne aussi comme un groupe bien étoffé prêt àmettre le feu là où convient qu’il soit mis.

***1/2


Husky: « Stardust Blues »

28 octobre 2020

Pour sa quatrième sortie, Stardust Blues, le groupe de folk-rock mystique qu’est Husky continue à explorer de nouvelles zones sonores tout en conservant son sombre et magnifique don pour la mélodie, et en repousse ensuite les limites du concept.

Basé sur un voyage de réflexion de 24 heures à travers Melbourne (influencé par la démolition du célèbre hôtel Westbury où la majeure partie de l’album a été écrite), Stardust Blues capture un sentiment d’optimisme profond – un désir ardent pour le passé (« Light A Cigarette »), mélangé à un sentiment de reconstruction de nouveaux rêves, avec le « closer » de l’album, « My Darling Ghost », qui regarde vers la lumière à l’horizon après un passage sombre.

Les émotions traitées par le groupe sont apparentes tout au long de l’album, avec des arrangements musicaux plus dépouillés permettant au frontman Husky Gawenda de porter les chansons à travers des paysages sonores qui dérivent entre les royaumes de l’indie pop, du psychédélique et du folk rock avec un sentiment convaincant.

Il est vrai que le milieu du disque est un peu clairsemé, les chansons noires n’étant pas pressées de faire valoir leur point de vue. Cependant, des morceaux comme « Foxes Of Caulfield » et « Hearse On A Highway Rainbow » récompensent l’auditeur pour sa patience, exemples d’un groupe qui continue à explorer de nouveaux sons tout en restant fidèle à sa beauté mélodique.

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Fleet Foxes: « Shore »

23 septembre 2020

Rien n’est plus évocateur de l’automne qu’un nouveau disque de Fleet Foxes. Voyez les choses en face : l’été est passé, les températures baissent, les feuilles commencent à tomber et le groupe de Robin Pecknold vous invite à écouter la bande son de la collection de vêtements que vous vous préparez à enfiler pour la saison.

Cela ne veut pas dire, toute fois, que Shore n’est pas le bienvenu. Loin de là – en fait, peu de personnes sont mieux adaptés que le combo pour construire ces moments indie-folk mielleux, avec la nostalgie des yeux de rosée inhérente à un son qui tire sur les cordes du cœur d’une manière qu’aucun autre groupe ne peut faire.

Avec une sortie surprise, Shore s’ouvre sur le duo « Wading In Watt-High Water » et « Sunblind ». Nous sommes immédiatement en terrain connu – la mélancolie heureuse du chant, l’accent mis sur la performance du groupe plutôt que sur l’audace individuelle. Pourtant, l’ensemble s’aventure en terrain inconnu : l’instrumentation ondulante, la douce montée de la mélodie qui rappelle celle des Cocteau Twins si ceux-ci avaient pris un virage folk.

La voix magnifique et entêtante du morceau « Can I Believe You » dément la complexité tranquille des rythmes sous-jacents, une chanson en perpétuel mouvement. A » Long Way Past The Past » fait paraître l’introversion automnale merveilleusement enivrante, tandis que « Young Man’s Game » est la réflexion subtile d’un groupe qui a toujours sonné plus vieux que son âge.

Ce qui est remarquable dans Shore, c’est à quel point tout est naturel, sans hâte. Cette sortie surprise met fin à trois ans d’attente pour du nouveau matériel dans un certain style, un vaste disque d’une réelle profondeur qui contient des moments d’une beauté saisissante. Prenez ces contre-mélodies sur « Jar » » – presque brésiliennes dans leur merveille lumineuse – des douces affirmations qui courent à travers le majestueux « I’m Not My Season ».

Cela dit, lorsque les Fleet Fox jouent pour former, ils assument le trône indie-folk avec une réelle affirmation. Ainsi, « Quiet Air / Gioia » est un coup de maître, tandis que l’atmosphérique « Going-to-the-sun Road » pourrait bien apaiser les nombreuses inquiétudes suscitées par cette année chaotique.

Produit par Pecknold lui-même, Shore est un disque consciemment « grand » – en effet, en parlant de ce processus, l’auteur de la chanson n’a-t-il pas comparé cet opus à « 15 big ones » ? C’est une collection de panoramas de plusieurs kilomètres, d’horizons infinis, une vision de l’Americana comme une étendue infinie, une source perpétuelle de confort personnel et de réinvention esthétique.

C’est un disque qui met l’épaule à la roue, un souffle de lumière dans les moments les plus sombres. Qu’il s’agisse du simple unisson choral de la miniature médiévale « Thymia » ou de l’émotion angoissée de « Cradling Mother, Cradling Woman », il s’agit d’une collection de compositions qui dominent leur rôle de manière emphatique.

Aussi naturel et invitant que le frisage des feuilles, Shore montre les Fleet Foxes à leur meilleur : une voix de réconfort pour une génération modernisée, c’est moins un album qu’un coffret empli de trésors.

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H.C. McEntire: « Eno Axis »

26 août 2020

Le nouveau disque de H.C. McEntire, Eno Axis, commence, non pas avec les guitares country de ses débuts, l’excellent Lionheart datant de 2018, mais avec les douces pulsations d’un orgue à tuyaux. Et ici, l’orgue est accompagné non pas d’une guitare acoustique (choix trop évident) mais du chant chargé de lamentation de McEntire et de ce chant seul. C’est un détail dévastateur qui dément la dette de McEntire envers le gospel (ses parents étaient des évangélistes travaillant en tandem avec Billy Graham). Si l’enchaînement de l’ouverture est un révélateur de la direction du disque, c’est que McEntire puise dans son sac de malices pour déployer quelque chose de moins attendu – et moins fidèle au genre – que les ballades country chantées avec une voix caractéristique. Au fil de dix morceaux béatifiques, McEntire, qui a déjà fait fi des conventions, lance à maintes reprises des balles courbes à l’auditeur qui s’attend à des plats de country organiques. Le résultat est une collection assez fascinante de spirituals soul, produits avec amour.

McEntire tire beaucoup de profit de la réverbération luisante et de la lenteur de la pédale d’acier sur Eno Axis, ce qui donne à des chansons comme « High Rise », d’une complexité trompeuse, ou « Hands for the Harvest », une sorte de qualité pensive, voire parfois lugubre. La clé de voûte de cette ancienne chanson doit être la slide électrique faisant fi du goulot d’étranglement magnifiquement enregistré sonne comme un harmonica. Sur le riche « One Eye Open », probablement l’un des meilleurs morceaux du disque, il est même difficile de dire où s’arrête la pedal steel et où commencent les notes de guitare électrique ; la production est aussi nuancée et aussi atmosphérique. Sur « Sunday Morning », McEntire utilise des techniques de diffusion similaires, cette fois-ci en brouillant les cordes de la guitare électrique et acoustique avec ce qui pourrait être, loin en arrière-plan, une touche de piano.

Mais ce disque est loin d’être un disque mûr avec des artifices d’enregistrement, mais léger sur le plan du contenu. Regardez « Time, On Fire », qui est une pépite pop-country bizarrement captivante qui, d’une certaine manière, ne dure que trois minutes. Ici, McEntire laisse la guitare acoustique glisser à la surface, mais elle est renforcée par des couches de guitares électriques à l’écho, une basse électrique rebondissante, mixte et juste à droite, et même un backbeat traînant. La dernière minute est impeccable, sans aucune note ou réverbération déplacée, mais se présentant toujours comme chaleureuse et instinctive. Ailleurs, par exemple sur « Final Bow », dont le rythme assez lent doit, assez curieusement, une partie de sa tonalité à Tom Petty, l’écriture des chansons brille. Ici encore, cependant, la voix de McEntire est fortement traitée avec des nuances de réverbération ; elle confère une certaine stagnation au matériel qui l’éloigne des racines de l’auteur-compositeur-interprète des Heartbrakers.

Eno Axis s’achève sur le titre bien connu de McEntire, un « Houses of the Holy » dont les détails – un Hammond bourdonnant, un solo de guitare soul rock au tempo régulier – doivent plus à des artistes comme Jolie Holland qu’à tout crooner country conventionnel. Dans compter la production de Mount Moriah), il sera difficile de dire si le nouveau LP est une apothéose ou simplement une façon de secouer le processus. Quoi qu’il en soit, c’est un axe qui vaut la peine d’être parcouru.

***1/2