Steve Ashby & Vicki Hallett: « The Shore Sang of Ghosts »

En 2017, le guitariste, compositeur et artiste sonore de Richmond Steve Ashby a rencontré la clarinettiste, compositrice et artiste sonore australienne Vicki Hallett alors que tous deux participaient à une session d’enregistrement en Afrique du Sud. Cette rencontre a porté ses fruits sous la forme de leur travail de collaboration The Shore Sang of Ghosts, un album que les deux ont créé en échangeant des fichiers provenant littéralement des deux côtés du globe. La distance physique entre elles a peut-être été importante, mais musicalement, Ashby et Hallett se montrent proches l’une de l’autre.

Les quatre morceaux de l’album sont tous très atmosphériques. En fait, ils représentent quatre développements et élaborations d’une seule et même ambiance, fondamentalement introspective.

Sur chacun d’entre eux, la guitare claire et nette d’Ashby flotte sur un sol électronique oscillant intemporellement, imprégné d’effets de résonance, tandis que Hallett apporte des lignes tout aussi éthérées à la flûte, à la clarinette et à la clarinette basse pour ajouter des couleurs alternativement claires et sombres au premier plan du mixage. Les mélodies d’Ashby et de Hallett sont indépendantes l’une de l’autre tout en étant complémentaires, ce qui témoigne d’une sensibilité commune non diminuée par des milliers de kilomètres de séparation.

Dans l’ensemble, la musique rappelle l’image des cumulus qui dérivent et mutent lentement au-dessus de nos têtes. Mais à mesure que le contre-courant à basse fréquence devient plus important et que les textures s’épaississent au fil de l’album, on peut imaginer un ensemble différent et plus sombre de nuages s’empilant juste à l’horizon.

***1/2

Ned Milligan & John Atkinson: « Call Me When You Can »

Quinze ans d’amitié ont donné à Call Me When You Can un cœur chaleureux. Bien que leurs vies aient pris des directions différentes, Ned Milligan et John Atkinson sont restés en contact. Milligan produisait des carillons dans le Maine, en accord avec ses activités et ses passions musicales au rythme régulier de la vie quotidienne. Atkinson était récemment revenu aux États-Unis après avoir vécu en Australie, voyageant de la Californie à Minneapolis, puis à New York et enfin dans le New Jersey.

Ned a envoyé à John des enregistrements sur cassette des carillons, des sons qui ont été enregistrés sur son porche d’entrée. John les a a introduits dans son ordinateur portable, les a modifiés et édités avant de les renvoyer. Ainsi, Call Me When You Can a pris une vie à part entière, glissant entre les deux états et conservant une forte fluidité et un équilibre malgré la distance. John a improvisé par-dessus les sons de Ned, en utilisant la source originale pour ajouter des colorations subtiles et de légers ajustements au processus d’appel et de réponse.

La musique est une brise de plumes, et la brise peut aussi représenter leur amitié : facile, accessible, et toujours très vivante. Les carillons s’effacent, montent et descendent en volume et en intensité comme un signal longue distance ou une réception téléphonique intermittente (ou même des éparpillements de dialogue et de communication, drapés sur plusieurs années), mais ils continuent à traverser le mixage, soulignant la force du lien.

L’élément le plus surprenant est peut-être son niveau d’intimité. Le processus a été long, mais leur amitié ne connaît pas de limites. Les amis forts peuvent reprendre là où ils se sont arrêtés, quel que soit le fossé. L’amitié peut survivre et même dépasser la distance – appelez-la ainsi quand vous le pouvez.

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Michael Grigoni & Stephen Vitiello: « Slow Machines »

Stephen Vitiello et Michael Grigoni considèrent tous deux que la région sud du centre-atlantique des États-Unis est leur patrie. Ils se sont rencontrés dans le cadre d’une collaboration, où Grigoni joue de la guitare et où Vitiello s’occupe de l’électronique et du traitement des données. L’objectif était de fusionner leurs sons et leurs styles individuels et de créer quelque chose d’entièrement nouveau. Slow Machines en est le résultat.

Vitiello se spécialise dans le travail d’installation et sa musique accompagne souvent d’autres formes d’art. Ici, la musique est aussi brillante et ouverte qu’on pourrait s’y attendre, compte tenu de ses domaines de compétence.

Utilisant des « field recordings » et des enregistrements des sculptures cinétiques de l’artiste Arthur Ganson, Slow Machines tire son nom des cliquetis et des ronflements de son travail. Se déplaçant par cycles répétitifs et utilisant des mouvements robotiques, l’album est à l’opposé du laborieux affichant une kinésie libre et sans obstruction.

Là où les « field recordings » apparaissent, ils sont insérés en douceur. Une plume sur l’une des compositions de Ganson effleure, par exemple, la corde d’un violon – une musique mains libres via le monde naturel – tandis que les enregistrements réalisés à Sheridan, dans le Wyoming, donnent un sentiment d’appartenance à un lieu, en déversant une géographie localisée et familière dans le disque.

Des sentiments de chaleur et de confort bienvenus s’ajoutent à leur univers musical en pleine évolution et floraison. Des guitares d’acier peuplent l’album, se courbant, s’incurvant et sautillant avec des phrases intermittentes et ensoleillées qui aident à fournir un son purificateur, se cambrant au-dessus d’atmosphères ambiantes denses mais légères et s’asseyant au bord d’un ruisseau clair. Des cloches et des oiseaux pépiants font également leur apparition.

Des éléments plus exotiques sont également présents, grâce à la guitare chantante et à une atmosphère baignée de soleil, qui s’enroule autour des notes et s’étend ensuite au-delà de celles-ci, parfois en boucle, parfois en inversion, l’atmosphère douce ressemblant à une soirée de fin d’été. Le ciel est en feu, et les progressions harmoniques décalées laissent derrière elles les couleurs du coucher de soleil, qui restent là même lorsque la nuit – et le silence – s’abaissent et/ou s’affaissent.

***1/2

Ishmael Cormack: « Ammil »

Avec un titre d’album aussi sibyllin qu’Ammil on est en droit de s’interroger sur ce qui va taquiner nos oreilles. Apparemment lié à la chimie, ce premier album d’Ishmael Cormack est une pure louche calmante à laquelle il fera bon de s’abreuver en temps troubleset troublés.

Oui, cet album est « calme ». Mais les drones électro-acoustiques sont tout autre chose. Il rappelle la poésie de Paul Ferrini, et où il dit « il faut percer là où est la douleur », comme s’il s’agissait d’une sorte d’encapsulation de l’émerveillement et de la libération. Et là où l’ouverture est légère et plaintive, le second morceau « Bending Snow » intensifie l’emprise brouillaée du macromouvement dans les glissements harmoniques solubles qui génèrent et régénèrent sur l’ensemble du morceau.

Il y a beaucoup d’espace pur dans ce disque, comme si l’esprit avait été sevré plusieurs fois d’un hymne liminal, une sorte de virus étrange que nous appelons la vie. Bien sûr, parler de poison, c’est comme danser sur l’architecture avec l’avant-garde journalistique, du moins ce que la plupart des gens du niveau de base considèrent comme de bonnes œuvres d’art ou des messages compréhensibles. Et Cormack, avec cette musique, peint cette idée très clairement dans la tête de l’auditeur.

On dirait qu’il a trouvé le temps de se débarrasser des problèmes du passé et, pour ne pas dire plus, de se reposer dans la paix du présent. Avec des gens qui meurent tout le temps et une bizarrerie de castration généralisée des médias ces derniers temps, où la technologie prend le pas sur l’humanité et où le racisme est en réalité de la xénophobie et du sectarisme, l’ouverture et la gentillesse de cette carte sonore sont faciles et invitantes à suivre. C’est aussi un point de départ parfait pour un artiste qui vaut la peine qu’on le valide.

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Chris Russell: « Destiny »

On ne peux pas penser, en temps moroses, à une musique plus relaxante que celle que Chris Russell produit. Destiny est son troisième album solo sur le label Spotted Peccary (et il en a sorti beaucoup, beaucoup d’autres ailleurs) et, pour ceux qui connaissent déjà le travail de Russell, il n’y a pas de déception. Le disque est composé de sept longs morceaux (le plus court étant 6:16) de qualité spatiale. Des drones vastes, complexes et superposés se déplaçant lentement sur la palette sonore de Russell font de Destiny une expérience totalement immersive.

Les compositions sont denses mais toujours changeantes de manière kaléidoscopique ; une incursion minimale/maximale dans les profondeurs de la psyché. La description des morceaux individuels ne leur rendra pas justice car il ne s’agirait que d’une interprétation imaginative métaphorique. Laplus grande partie de l’album se situe dans la lumière, mais il y a des moments plus sombres, comme « Soul Nexus », mais rien que l’on pourrait qualifier de dark ambient. Comme pour une drogue psychédélique, l’humeur est ici dans l’esprit du spectateur, plutôt que dans le véhicule qui propulse le voyage.

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Evan Caminiti: « Varispeed Hydra »

Le dernier album d’Evan Caminiti, Toxic City Music, avait incorporé les bruits ambiants de New York dans ses drones ; en y regardant de plus près, on pouvait entendre le métro, la circulation, les machines, la secousse des voix hautes, le tout baigné d’un bourdonnement sinistre et stagnant. Pour celui-ci, il réalise une alchimie érosive similaire avec des sons naturels, préservant des morceaux de chant d’oiseaux, le bourdonnement du cricket, l’écoulement de l’eau dans des paysages sonores arides et futuristes. Le monde naturel s’enfonce dans les marées glaciales du bruit électronique, tout comme il le fait dans le monde extérieur, et disparaît dans un environnement dominé par l’industrie et centré sur l’homme.

Dans le groupe Barn Owl, Caminiti a fait sortir de longues guitares à effet doppler ; aujourd’hui, il travaille principalement dans le domaine du son synthétique. Ces pistes pulsent, sifflent et vacillent, se dilatant et se contractant comme des poumons contre un silence humide et sombre, mais sans la nostalgie faible et fugace des voix humaines, Caminiti travaille dans un son profond, calme et désintégrant qui se brouille à l’écoute. D’autres artistes aux vues similaires – Growing et Belong viennent à l’esprit – incorporent davantage d’éléments organiques dans leurs mélanges.

Le travail de Caminiti a une qualité élégiaque, enveloppant des cris d’oiseaux dans des couches de statique dans l’ouverture « Hand in Flame » comme si on s’en souvenait, et pas très bien, plutôt que de les entendre directement. La rassurante eau courante de « Holo Dove » se glisse derrière un voile malaisé de bruits de choc et de grondement de basses. On peut entendre une colombe en deuil, mais à peine ; un bruit mécanique la noie.

Varispeed Hydra couve et s’abaisse. L’hydre rassemble un sentiment de tristesse enveloppant. Et pourtant, même ainsi, elle peut être très belle. Le monde s’enfuit à mesure que nous écoutons, le vide prend sa place, et le lâcher prise est une sorte de récompense en soi.

***1/2

Roger Eno, Brian Eno: « Mixing Colours »

Il y a quelques années, Brian Eno a lancé une application appelée « Bloom » que certains avaient trouvé inestimable d’avoir sur leur téléphone. En vertaines situations par exemple lorsque les enfants qui attendent dans la salle d’attente d’un hôpital sont énervéset que leurs parents sont épuisés, lorsqu’un bambin qui s’ennuie dans un chariot de marché commence à se tortiller ou lorsque vous êtes simplement assis à attendre Godot ou Dieu sait qui, il suffisait de lancer « Bloom. »

En touchant l’écran, l’applicéaion envoiyait des vagues de couleurs et de sons. Chaque son a une couleur différente et vous pouviez créer des retards et des échos, les images se transforment et s’effacent… C’était une dattrayante diversion… et cet album a la même qualité reposante et répétitive.

Ce sont des pièces impressionnistes ambiantes pour piano (Roger, orgue sur Obsidienne) et claviers (Brian) qui peuvent être majestueuses et présentes (« Celeste ») ou simplement atmosphériques et s’évaporer devant vos oreilles.

Comme pour « Bloom », il s’agit de la relation synesthésique de la musique et de la couleur – les titres se lisent comme une carte de couleur de peinture : » Burnt Umber », « Wintergreen », «  Dark Sienna », etc. Si une partie s’évapore et que peu de choses font profession de prégnance, il s’agit d’une autre tapisserie sonore ambiante et reposante, sinon de texture.

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Jonas Munk: « Minimum Resistance »

Jonas Munk aime travailler dans des textures sonores subtiles. Lorsqu’il n’est pas dans Causa Sui en tant que guitariste, Munk travaille plus comme un peintre que comme un musicien en studio. Son travail en solo, ainsi que ses disques avec Billow Observatory, Ulrich Schnauss et Nicklas Sorensen, sont marqués par une approche nettement plus nuancée. Dans la lignée du scénario du peintre, Munk possède des guitares, des synthétiseurs et de nombreux effets de montage en rack et de pédales dans sa palette et peint des pans entiers de l’art musical. Des sons subtils et ambiants que l’on pourrait confondre avec du new age, mais écoutez bien et il se passe bien plus de choses sur la toile de Jonas Munk que de simples bandes sonores de Chakra.

Jonas Munk a réalisé deux albums solo, d’abord Pan en 2012, puis Absorb Fabric Cascade en 2013. Pan bougeait et vibrait comme le Krautrock classique, tandis que Absorb Fabric Cascade descendait dans le trou du lapin du synthé lourd méditatif et psychédélique Komische, tout en capturant l’esprit de compositeurs électroniques comme Terry Riley et JD Emmanuel. Malgré des humeurs et des vibrations variées, le tissu sonore de toute l’œuvre de Munk est sa capacité à prendre ces idées et ces touches musicales variées et à créer un son tout à fait unique et avant-gardiste.

Avec son dernier album solo, Jonas Munk utilise la guitare avec des effets variés et transforme la six cordes en quelque chose qui sonne presque comme un autre monde. Minimum Resistance est un cours de maître sur le son méditatif et le bonheur ambiant, réuni par la magie du studio de Munk, sa créativité compositionnelle sans limite et sa volonté de transcender la musique pour atteindre des sommets nouveaux et euphoriques.

Sur Minimum Resistance, Jonas Munk construit des structures sonores avec guitare et effets qui ressemblent presque à d’anciennes salles et villes nées des nuages et de la lumière. Sa musique suscite ainsi des mondes de rêve et des paysages sonores hallucinogènes qui ressemblent au passé, au présent et au futur de ce que la musique d’ambiance peut vraiment être.

***1/2

Nick Storring: « My Magic Dreams Have Lost Their Spell »

Nick Storring se déverse dans sa musique. Au sens littéral, ses compositions sont réalisées en superposant son propre jeu d’une pléthore d’instruments ; au sens figuré, sa musique est imprégnée d’un sentiment d’introspection et d’intimité. Son travail est profondément personnel, et cette intériorité se reflète sur l’auditeur lorsqu’il apprécie les œuvres soigneusement élaborées de Storring. On se perd dans ces sons.

My Magic Dreams Have Lost Their Spell est le premier effort de l’artiste à être scellé sur de la cire, et il est clair qu’il a choisi sa musique la plus aboutie pour être réalisée au format vinyle. Ces pistes ont été composées, enregistrées et assemblées sur une période de quatre ans, durant laquelle le compositeur a minutieusement utilisé une multitude d’instruments acoustiques et électromécaniques avec un minimum d’interférences de l’électronique.

Chaque pièce est comme une pysanka ukrainienne, une œuvre d’art ornée de motifs en batik, créée par la superposition répétée d’éléments de conception. C’est ce qu’on appelle les « marées qui défont l’identité » (Tides That Defeat Identity).

Un court motif de piano est emporté par un nuage de percussions jusqu’à ce que le violoncelle de Storring, son instrument principal, soit pris d’assaut au milieu d’une mer de cornes. Il y a tellement d’éléments subtils en jeu que l’attention de l’auditeur est constamment sollicitée, comme un papillon monarque dans un champ d’asclépiades.

Storring a dédié cet album à la chanteuse de soul Roberta Flack, mais l’hommage est plus sentimental que sonore. Le compositeur évoque « l’émotion profonde et la musicalité consommée de Flack en tant que chanteuse » ( rofound emotion and consummate musicality as a vocalist) et « son brillant esprit de conservateu » (brilliant curatorial mind) ainsi que son « air d’intimité et de contemplation » (air of intimacy and contemplation ). Il a brillamment capturé tous ces éléments tout en conservant sa propre vision singulière pour créer un monde onirique qui est unique et engageant.

***1/2

Aidan Baker & Gareth Davis: « invisible cities ii »

Aidan Baker (guitare, batterie), et le clarinettiste basse Gareth Davis poursuivent leur fructueuse collaboration avec invisible cities ii – cinq nouveaux morceaux de jazz ambient /chambrer jazz / et drones subtils d’une qualité hautement méditative. 

Il y a deux ans, le guitariste canadien Aidan Baker et le clarinettiste belge Gareth Davis ont sorti leur premier duo invisible cities qui en a surpris plus d’un par sa qualité calme, voire méditative. davis s’était fait un nom dans de nombreux domaines, du post-trock de a-sun amissa ou oiseaux-tempête, à la nouvelle musique (peter ablinger, bernhard lang), en passant par l’expérimentation avec des instruments tels que elliott sharp, merzbow ou scanner, tandis que baker est surtout connu pour son duo drone / postmétal nadja, mais ce n’est qu’un des nombreux projets en cours (e. g.b/b/s avec andrea belfi et erik skodvin aka svarte greiner) et une multitude d’albums solo.

Sur invisible cities, le duo a exploré le côté plus calme des choses – du jazz de chambre à l’ambient / drone, en donnant beaucoup d’espace et d’air à respirer à leur instrument respectif. des dones de guitare subtils, des sons de clarinette sonores, un paysage sonore de tranquillité et d’introspection méditative – tout cela, vous le trouverez également sur le nouvel album invisible cities ii qui est une continuation et un raffinement accomplis du premier effort de collaboration du duo à partir de 2018. enregistré entre 2018 et 2019 à Berlin et Amsterdam, masterisé et édité à Berlin par Kassian Troyer.

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