David Allred: « Driving Through the Aftermath of a Storm on a Clear Day »

2 février 2022

Driving Through the Aftermath of a Storm on a Clear Day est le premier album solo de David Allred sur le label Dauw, toujours aussi constant. Il met en évidence la capacité précise d’Allred à suivre le courant émotionnel de chaque note en créant une collection de chansons qui ressemblent à une série de récits sonores évocateurs.

L’album s’ouvre sur l’onirique « Wave », où l’on retrouve Allred en train de travailler sur des mélodies tranquilles au piano, où même le bruit des touches que l’on pousse fait partie de la texture de la composition. Le morceau devient ensuite plus onéreux, les instruments se joignant à lui et les mélodies se superposant les unes aux autres. Cela met en place ce qui sera un modèle pour l’album : les compositions s’ouvrent avec un seul instrument et une mélodie primaire, puis – au fur et à mesure que d’autres instruments sont superposés – la mélodie originale est réfractée et prend un nouveau contexte une fois qu’elle est considérée comme faisant partie de l’ensemble. Dans le cas de « Wave », il y a un ton doux lorsqu’il est pris seul – mais lorsque ces couches supplémentaires entrent en jeu, il devient la base de quelque chose de beaucoup plus grand. Et, à la fin, il est réduit aux origines calmes d’une seule mélodie de piano, comme s’il s’agissait de la racine d’un arbre.

« New Gravity » s’ouvre sur une mélodie chantante sur des cordes pincées, puis le piano et la voix entrent en scène. Mais, à mesure que le piano entre en scène, il semble ponctuer l’espace entre chaque note de la mélodie originale, et il en résulte que le morceau prend un ton plus sinistre et mystérieux. Et c’est là qu’Allred trouve son pouvoir dans la formule de l’album – son sens aigu de la capacité à retracer la pierre de touche émotionnelle de chaque accord ou même de chaque note lui permet de faire basculer l’arc émotionnel d’un morceau sur un coup de tête.

« Sunbeam » commencera de manière quelque peu sombre avec son violoncelle, mais de nouvelles couches ajoutent de nouveaux sentiments. Et l’ironie du sort veut qu’en se dissolvant, la chanson semble trouver sa paix. « Lizard in the Spring »débute encore une fois dans un endroit plus sombre, mais au fur et à mesure que les couches de mélodie s’ajoutent, il devient quelque chose de plus expansif – mais très brièvement, avant de se dissoudre à nouveau dans un fondu enchaîné brumeux.

« Driving » est la pièce maîtresse de l’album d’un point de vue compositionnel, car c’est là qu’Allred est le plus fantasque : les mélodies prennent forme, puis se dissolvent pour être remplacées par quelque chose de nouveau. Dans sa dernière ligne droite, l’album offre deux de ses compositions les plus fortes. « Sweet potato » commence par être mélodique, mais se dissout dans des phrases laconiques tenues sur le fil du rasoir. Le résultat est cependant qu’une nouvelle mélodie encore plus chaude arrive finalement pour prendre sa place. Mais c’est dans cet interlude qu’Allred cache souvent la magie de l’impulsion narrative de ses compositions. « Dandelion » est également un véritable coup de foudre. Il s’ouvre sur un piano, puis est rejoint par des cordes et des mélodies vocales sans paroles qui font briller l’ensemble du morceau.

Driving Through the Aftermath of a Storm on a Clear Day reste cohérent du début à la fin. Étant donné la maîtrise qu’a Allred du récit émotionnel qui anime ses compositions, ce titre a quelque chose de révélateur : ce n’est pas la turbulence émotionnelle de la tempête qui est au cœur des chansons, c’est le soulagement du jour clair qui vient ensuite et qui sert à ponctuer le sens général de la musique. Chaque chanson ressemble à un arc, mais dans l’ensemble, l’expérience n’apporte que cela : un sentiment cathartique de soulagement.

***1/2


Mirabai Ceiba: « The Quiet Hour »

18 juin 2021

The Quiet Hour de Mirabai Ceiba réunit le multi-instrumentiste et chanteur Markus Sieber et Angelika Baumbach. Les deux hommes partagent depuis longtemps un lien profond et créent depuis longtemps une forme de musique fascinante – si longtemps qu’ils ont été décrits comme des « partenaires de vie musicale » ». Sieber s’occupe habituellement de la guitare, mais dans The Quiet Hour, les deux ont l’occasion de briller, les deux instruments dansant l’un avec l’autre, créant un enchevêtrement encore plus grand.

De doux arpèges font office de colonne vertébrale, chaque note étant une entaille dans la colonne vertébrale de la musique. L’autre guitare est laissée libre de s’étendre et d’ajouter à l’atmosphère, plaçant davantage de notes par-dessus l’autre guitare, et cette forte interaction est au cœur de leur son ludique et élégant, qui atteint tous les coins de leur environnement comme un réseau de vignes. Sur The Quiet Hour, le duo privilégie la « simplicité zen ». La voix d’Angelika Baumbach est une forme de poésie mûre, qui entoure et soutient les mélodies florissantes. Fraîche et saine, la voix est une couleur luxuriante, et la guitare est son parfait compagnon. La batterie est absente, et les seuls rythmes proviennent d’un flux constant de notes.

La pandémie a apporté plus qu’un fléau sur les nations – un fléau de solitude et d’isolement. Ceux qui en ont fait l’expérience reconnaîtront et connaîtront sa douleur, mais il peut aussi y avoir un certain degré de réconfort dans une vie de solitude. Dans la société moderne, la solitude est souvent considérée comme la demeure des parias et des rejetés, et considérée comme une chose négative, mais c’est loin d’être le cas. Bien qu’elle soit souvent dépeinte comme négative, les heures de calme – pour faire une pause, pour se remettre à zéro – sont bénéfiques pour le corps et l’esprit. La solitude peut mener à la découverte de soi, à la croissance personnelle, à la réflexion et au renouvellement, une voie plus rapide pour l’amélioration de soi et la connaissance de soi, ainsi que le développement d’un espace introverti dans lequel penser et grandir. The Quiet Hour est un disque de patience et de méditation, qui se déroule dans un temps parfait. 

Sur « Que Quede Escrito », Angelika Baumbach chante que les vrais amoureux ne sont jamais vraiment séparés, où qu’ils soient et quelle que soit la distance qui les sépare. La séparation n’est jamais complète ou totale ; la distance peut s’étirer mais ne peut jamais vaincre le véritable amour. De même, cet amour mutuel peut être ressenti dans leur musique, alors que les deux guitares se font la sérénade et se font la cour. Même dans sa solitude, la musique a forgé une connexion profonde, durable et résolue. Comme le plus grand des amours, c’est un lien qui ne peut jamais être brisé. Et il est facile de tomber amoureux d’une musique aussi apaisante et belle que celle-ci.

***1/2


Siv Jakobsen: « A Temporary Soothing »

16 septembre 2020

L’artiste norvégienne Siv Jakobsen s’est d’abord fait connaître par une musique douce et squelettique et son premier opus, The Nordic Mellow, sonnait exactement comme on pourrait s’y attendre d’après le titre. Les chansons étaient obsédantes de simplicité, soutenues par la voix angélique de Jakobsen. Sur A Temporary Soothing, son dernier album, elle prouve que, bien qu’elle saisisse bien la douceur, elle est capable d’intégrer plus d’émotions et de volumes dans son registre folk basé sur l’émotion.

Le plus grand don de Jakobsen sur A Temporary Soothing est sa capacité à osciller entre la douceur et la grandeur, en offrant des mélodies acoustiques éparses qui vous entourent comme une aura une minute, et des explosions de mélodies et de sentiments écrasants la minute suivante. Le premier morceau, « Fear the Fear » commence par un chuchotement qui s’échappe des haut-parleurs, mais les choses évoluent progressivement vers une deuxième partie pleine de cordes cinématographiques. Plus loin dans l’album, le point culminant « From Morning Made to Evening Laid » se termine par une coda en 6/8 très vivante, le fredonnement de Jakobsen jouant de la feuille d’aluminium sur les mélodies celtiques des cordes. Alors que tout se dissipe, il nous reste « Mothecombe », un doux interlude instrumental pour nous purifier le palais. 

Dans « A Temporary Soothing », Jakobsen comprend qu’il est presque impossible d’opérer sur une vitesse émotionnelle pendant trop longtemps. Pour chaque exercice de l’esprit ouvert du loft, nous avons besoin d’une forme de repos. D’un autre côté, nous ne pouvons pas rester sombres et subtils éternellement – nos émotions frémissantes finiront par déborder si on les laisse trop longtemps en place. Jakobsen combat cette dualité et nous propose une ligne de démarcation entre les deux pôles de l’expression émotionnelle. Le résultat est touchant – les chansons sont structurées de manière à vous laisser vous y perdre avant de montrer leur merveille – mais aussi réconfortant. A Temporary Soothing nous procure ainsi un sentiment de maturité et de santé ; il montre comment nous pouvons tous apprendre à gérer nos peurs et nos désirs.

En parlant du morceau d’ouverture de l’album, Jakobsen dit que « La peur est un élément important dans mon état général, et je suis souvent dirigée par elle. J’ai pensé que peut-être mes bonnes chansons étaient derrière moi si j’étais dans un endroit vraiment heureux, et je ne pouvais pas m’en éloigner pendant longtemps… » C’est une crainte tristement compréhensible, surtout dans le monde de la musique indie, qui fétichise et célèbre si souvent la dépression et la misère des artistes. Pour ceux d’entre nous qui font de l’art inspiré par nos émotions négatives, il est facile de devenir codépendant de ces émotions, de se sentir dépendant d’elles pour faire votre meilleure œuvre. 

Mais dans A Temporary Soothing, Jakobsen contribue à prouver que ce mythe – selon lequel l’art et la souffrance sont inextricablement liés – est une erreur. Elle crée un album émouvant sur la peur et l’amour, et le fait depuis un lieu de confiance et de joie. Bien qu’elle explore les thèmes sombres du doute, il n’y a aucune raison que ces thèmes la dévorent, elle ou le disque lui-même. 

A Temporary Soothing est exactement ce qu’il prétend être. Il vous aide à vous calmer, en s’étalant sur votre peau comme un aloès. Car, aussi terrible que soit le monde en ce moment nous vivons de plus en plus à une époque où la simple existence est quelque chose à craindre, A Temporary Soothing nous offre 45 minutes pour nous replonger en nous-mêmes, pour ne faire qu’un avec nos pensées. Ces pensées ne sont peut-être pas toutes positives, mais elles sont les nôtres. Et si nous apprenons à les exprimer avec la puissance et la productivité de Jakobsen, nous pourrions bien être sur la voie de quelque chose de meilleur, de plus sain.

***1/2


Bibio: « Sleep On The Wing »

15 juin 2020

Sleep on the Wing (Dormir sur l’aile) est une référence à un oiseau appelé martinet qui est capable de voler sur des distances incroyables sans jamais toucher le sol, parfois pendant des mois, et qui peut apparemment dormir tout en maintenant son vol. C’est dans cet esprit que Bibio, de Stephen Wilkinson, est revenu un peu plus d’un an après son opus précédent, Ribbons, de 2019 avec ce Sleep on the Wing relativement plus court et présentant une collection idyllique de folk atmosphérique combinée à des enregistrements d’oiseaux sur le terrain et d’autres sons trouvés dans le studio de campagne de Bibio au Royaume-Uni. Bien que l’album dure un peu plus de 28 minutes, réparties sur 10 morceaux, ce qui pourrait être perdu en longueur est compensé par la sérénité pure de l’ensemble.

La première piste et le « single », « Sleep On The Wing » est l’une des rares chansons avec voix, et elle est absolument magnifique, presque déchirante à écouter. Les mélodies ondulantes créées par les cordes lui donnent une énergie unique qui réussit à en faire l’équivalent musical de pleurs joyeux. Il convient de mentionner que le clip musical qui l’accompagne, réalisé par Sonnye Lim, dramatise avec art ses thèmes d’évasion et de transcendance, et le sentiment de laisser une chose derrière soi pour une autre d’une manière qu’il serait difficile de faire mieux.

« A Couple Swim » est tout aussi serein, mais contrairement à l’introduction, il y a des relents des éléments électroniques que Bibio est également connu pour insuffler à sa musique, et l’effet subtil de petits bourdonnements et de volutes qui se glissent dans le fond présent comme de petites lucioles sonores. « Lightspout » s’ouvre sur un enregistrement d’oiseaux avant d’être suivi d’une piste instrumentale, presque comme un interlude, avant que « Oakmoss » ne reprenne là où le morceau-titre s’est arrêté avec ses paisibles cordes qui montent et descendent. « Crocus » est l’un des morceaux les plus sombres de la série, utilisant des cordes plus graves et les entremêlant avec la même verve que « Lightspout », tandis que d’autres enregistrements d’oiseaux gazouillent dans l’obscurité sur les bords.

Dans l’ensemble, les arrangements orchestraux et l’utilisation subtile d’éléments électroniques et d’enregistrements sur le terrain, ainsi que la cohérence globale de l’atmosphère bucolique d’une chanson à l’autre, donnent à cette pièce l’allure d’un album concept expérimental ou d’un petit livre de poésie pastorale. Il y a un peu de magie dans celui-ci, et beaucoup de beauté aussi.

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Prana Crafter: « 3rd Ear Incantations »

26 mai 2020

Sous l’apparence de Prana Crafter, l’artiste William Sol, basé à Washington, crée une musique pour se perdre, une musique pour englober tout ce qui a trait à l’émotionnel. Il offre un accès facile pour se plonger complètement dans les distorsions psycho-folk merveilleusement étranges qu’il tire si facilement de l’environnement environnant. Mêlant les merveilles mélodiques du monde naturel qui l’entoure à des touches de synthétiseurs, de guitares et à des mouvements de percussion étranges, son travail est complètement fascinant dans la façon dont il compile et façonne tant de sons en une esthétique cohérente. Des treillis complexes d’expérimentations sonores et de rythmes amorphes s’assemblent et se glissent dans vos sens, démantelant d’innombrables influences et abordant des expériences personnelles qui ont façonné sa perspective unique sur la création musicale.

Avec 3rd Ear Incantations, sa dernière production, Sol a construit deux morceaux remplis de filaments psychiques tentaculaires et de ruralités folkloriques bourdonnantes. D’une durée moyenne de 15 minutes chacune, les chansons « 3rd Ear Incantations » et « Eyes Closed Inner Thunder » sont spacieuses et luxuriantes, rassemblant des cordes dans une ambiance bruyante et délivrant une quantité surprenante de guitare électrique. C’est une collection destinée à être intériorisée, à rassembler des souvenirs et à s’obséder sur des moments du passé, et certains du présent. Mais la musique est aussi invitante, jamais distante, et vous donne amplement l’occasion de vous délecter de la bizarrerie mélodique qu’il évoque si facilement.

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Andrew Tuttle: « Alexandra »

19 mai 2020

Andrew Tuttle a tendance à brouiller les lignes entre les genres établis. En fusionnant l’acoustique de John Fahey avec l’ambiance électronique de Fennesz, Tuttle crée sa propre catégorie de musique. Utilisant sa guitare et son banjo, il dissipe toute idée de rester dans les normes de la plupart des artistes, mélangeant audacieusement cordes, cuivres et synthés de la manière la plus improbable qui soit sur Alexandra.

Quatrième album studio de Tuttle, Alexandra est le reflet de sa ville natale sur la côte est de l’Australie. Des chansons de douceur et de mystère génèrent une vision de ce paysage en contrebas. On a ainsi l’impression que le jour se lève pendant « Sun At 5 In 4161 ». Le banjo et la guitare se mêlent à l’électronique pour créer une vision de la beauté au début de la journée.

Tuttle fait preuve d’une capacité à combiner synthèse et instrumentation naturelle de manière à faire ressortir la beauté du bois et des fils. Au départ, « Scribbly Gums Park » développe des accents à la fois mystérieux et dangereux, mais au fur et à mesure que la mélodie se poursuit, ils sont remplacés par un sentiment de quelque chose de plus majestueux. Suivi par « Scribbly Gums Trail, » le sentiment initial est celui d’un morceau de banjo démodé d’une autre époque. En se déplaçant dans le temps et l’espace, le jeu reflète des styles qui transcendent les générations.

 Un flux constant de clients semble habiter « Burwood Heights Convenience », les notes de guitare basses et aiguës initiales générant une sensation pour les clients qui entrent et prennent droit de cité. « Tallowwood View » coule sur des synthés discrets combinés à une guitare acoustique. L’électronique aléatoire et la sculpture sonore qu’est « Cambridge Drive Shopping Centre » se mêlent au banjo, rappelant les expériences de shopping d’un samedi après-midi étouffant.

La distribution des personnages assemblés pour Alexandra comprend les guitaristes Gwenifer Raymond, Sarah Spencer, Joel Saunders, Joe Saxby et Chuck Johnson. Dans des combinaisons variées, ils suivent un chemin de gossamer à travers les points où la brousse et la banlieue se rejoignent. Le banjo lumineux de « Platypus Corridor » a un rebondissement spirituel tandis que l’ajout de cornes au milieu de l’électronique crée un nouvel hybride digne d’une future exploration.

En peignant un portrait de sa ville natale, Andrew Tuttle illustre sa propre capacité à imprégner ces lieux d’un sentiment d’émerveillement et de mondanité. Ce qui en ressort n’est pas seulement une vision d’Alexandra, mais une aquarelle pleine de l’émerveillement de ce qui vient des mains d’un artiste acoustique de tout premier plan.

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Frode Haltli: « Border Woods »

24 novembre 2019

Après un album aux multiples invités, Frode Haltli revient à un format plus resserré puisque seulement trois musiciens l’accompagnent sur ce nouveau disque. On aurait pu alors imaginer que son accordéon se verrait servir la première part et se montrerait très présent ; en vérité, l’instrument à touches de nacre n’intervient qu’en soutien d’un autre, tout aussi vernaculaire dans son apparence, la nyckelharpa. Jouée par Emilia Amper, cette sorte de vieille à roue est, en effet, chargée de toutes les parties mélodiques, placée à l’avant-plan et apportant une coloration très folklorique à cet album, souvent proche de la musique de danse populaire, façon bal de village médiéval (« Mostamägg Polska », « Valkola Schottis) ».

L’accordéon de Frode Haltli dépasse pourtant, par endroits, ce rôle d’adjuvant, d’installateur d’ambiance d’arrière-plan, pour prendre le relais mélodique de la nyckelharpa (le milieu de « Mostamägg Polska »).

Dans ces passages, le Norvégien joue, de surcroît, la continuité en faisant sonner son instrument comme assez voisin de celui de son invitée. Que le lecteur ne pense cependant pas qu’il s’agit, tout au long du disque, d’un simple dialogue entre ces deux musiciens puisque Frode Haltli peut laisser ses deux percussionnistes (Håkon Stene et Eirik Raude) opérer seuls sur un morceau justement intitulé « Wood And Stone ». Pour le reste, ils se marient impeccablement à la tonalité globale du disque, avec leurs frappes sèches sur leurs grands tambourins et xylophones.

Plutôt enjoué et entraînant, Border Woods se fait logiquement un peu éloigné de ses deux qualificatifs quand la nyckelharpa est moins présente et qu’il s’agit davantage de travailler sur une atmosphère (l’encore une fois bien nommé « Quietly The Language Dies »). Avec ce nouvel album, c’est donc une facette supplémentaire de son talent dont fait montre le Norvégien.

***1/2


Ohio: « Upward, Broken, Always »

24 octobre 2019

Patron de label pointu, technicien très souvent sollicité au mastering, musicien insatiable et photographe de qualité, Taylor Deupree maintient un niveau qualitatif assez impressionnant dans toutes les facettes de ses activités. Nouvel exemple avec Ohio, duo qu’il forme avec Corey Fuller (moitié d’Illuha), dont le premier album paraît sur la structure new-yorkaise, en version digitale et dans un format double-vinyle limité à 125 exemplaires, avec trois faces musicales seulement, la quatrième étant joliment gravée, façon carte IGN.

D’ailleurs, cette idée de la carte et du territoire se trouve aux racines de cette nouvelle coopération puisque les deux États-uniens se sont fortuitement aperçus être nés tous deux en Ohio, pas si loin l’un de l’autre. Amateurs du musicien folk Damien Jurado, qui a précisément composé une chanson au nom de cet état du Nord-Est des États-Unis, ils ont décidé de la réinterpréter (au ralenti, avec harmonies vocales, transformation des arpèges de guitare en interventions plus déliées, suppression du solo d’harmonica, caractère moins direct et plus poignant que l’original), puis de tirer le fil de cette collaboration, afin d’écrire des morceaux propres. C’est donc aux confins de cette influence folk et de leurs accointances naturelles, plus ambient, que Taylor Deupree et Corey Fuller positionnent leur album, surtout conçu pour être écouté en vinyle.

En effet, chacune des trois faces est constituée d’un triptyque : un morceau de pure ambient, une pièce avec davantage d’instruments réels et un court interlude, inférieur aux deux minutes, pour terminer. Les cinq propositions originales étirées dans la durée s’avèrent de toute beauté, à la fois chaleureuses et complexes, parcourues de saturations enveloppantes et de quelques notes perlées, de légers larsens et de matériaux un peu hésitants. Lorsque guitare ou clavier sont invités à intervenir, c’est avec une délicatesse réconfortante et un minimalisme ourlé. Sous ce jour, le chant ou les vocalises de Deupree et Fuller, pas forcément très assurés, se marient parfaitement à ces instrumentations, tous ces éléments formant un album absolument pertinent.

***1/2


Mike Grigoni: « Mount Carmel »

15 juin 2019

Ce n’est pas tout à fait une musique contemplative, mais certainement une musique chercheuse, tournée vers les mouvements subtils d’un extérieur dont les sens, doux et fuyants, se fondent parfois les uns dans les autres. Il faut absolument effeuiller plusieurs fois ce Mount Carmel, quatrième album de Mike Grigoni, ne serait-ce que pour entendre chaque fois cette résonance, ce rayonnement, cet affleurement de dobro, de lap steel, de pedal steel qui nous avait échappé. D’une sensibilité exceptionnelle, Mount Carmel marque le basculement du musicien américain dans l’ambient, même si son folk originel subsiste en dessins graciles dans des mélodies comme des ballons d’air chaud.

Inspiré des lieux de son enfance, ce travail minutieux donne peut-être le meilleur de la manière M. Grig, qui apparaît complètement libre sur le fil branlant de l’émotion. Écoutez l’expressivité de « Call » et la fragilité de « B », survivante — elles montrent à quel point le musicien est attentif à tous ces minuscules indices de la vie et de la mémoire, partout, à tout instant.

***1/2


HIN: « Warmer Weather »

12 juin 2019

Amis de longue date, Jerome Alexander (Message To Bears) et Justin Lee Radford(The Kids And The Cosmos) ont décidé de former HIN, histoire de joindre leur créativité et de composer une ambient pop lumineuse, sur laquelle se love une douce lumière aux effluves chaleureuses.

Warmer Weather est le genre de projet qui dessine un sourire au coin des oreilles, de par la qualité mélodique et la production délicate, toute en basses profondes, arpèges suspendus, rythmiques chaloupées et vocaux caressants.

HIN nous projette sur un matelas de vibrations aériennes naviguant dans un cosmos vaporeux. On est happé par la légèreté qui s’en dégage, pop d’orfèvre aux enluminures travaillées avec excellence, sculptée dans un matériau harmonieux. Warmer Weathercaptive et subjugue, oeuvre auréolée de grace et d’élégance, capable de faire fondre en larmes des anges heureux.

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